close

Вход

Забыли?

вход по аккаунту

?

126.Формообразование. Основы композиции учеб.-метод. пособие [для студентов спец. 050501

код для вставкиСкачать
Министерство образования и науки Российской Федерации
Сибирский федеральный университет
ФОРМООБРАЗОВАНИЕ
Основы композиции
Учебно-методическое пособие
Красноярск
СФУ
2012
1
УДК 747.012(07)
ББК 85.110.5 я 73
Ф796
Составитель: Редько Ирина Фёдоровна
Ф796 Формообразование. Основы композиции: учебно-методическое
пособие [Электронный ресурс] / сост. И.Ф. Редько. – Электрон.дан. –
Красноярск: Сиб. федер. ун-т, 2012. – Систем.требования: PC не
ниже класса Pentium I; 128 Mb RAM; Windows 98/XP/7; AdobeReader
V8.0 и выше. – Загл. с экрана.
В учебно-методическом пособии рассмотрены средства организации
композиции: форма, цвет, фактура. Также рассмотрены законы композиции и
средства её организации.
Предназначено
для
студентов
направления
050501.65«Профессиональное обучение» профиль «Декоративно-прикладное
искусство и дизайн».
УДК 747.012(07)
ББК 85.110.5 я 73
© Сибирский
федеральный
университет, 2012
Учебное издание
Подготовлено к публикации редакционно-издательским
отделом БИК СФУ
Подписано в свет 1.10.2012 г. Заказ 7622.
Тиражируется на машиночитаемых носителях.
Редакционно-издательский отдел
Библиотечно-издательского комплекса
Сибирского федерального университета
660041, г. Красноярск, пр. Свободный, 79
Тел/факс (391)206-21-49. E-mail rio@sfu-kras.ru
http://rio.sfu-kras.ru
2
Введение
В наш век развитого промышленного производства, человеку
зачастую трудно выбрать нужный ему предмет потребления из всего
предлагаемого многообразия подобных изделий.
Дело в том, что с бурным развитием промышленного производства,
однотипных товаров становится всё больше и больше, а как же наладить
их реализацию? Дело в том, что человеку кроме практичных
функциональных свойств изделия, хочется получать ещё и эстетическое
удовольствие его внешнего вида и. Поэтому, зачастую, потребитель
выбирает именно то изделие, которое ему нравиться. Гармоничные
изделия способны пробуждать в человеке чувство прекрасного, что в свою
очередь является предпосылкой развития лучших человеческих качеств
(по мнению автора).
А почему именно это изделие нравиться? Потому что оно эстетично
выглядит.
Эстетика (от греч.«Aistheetikos» –чувствующий, чувственный) учение о сущности прекрасного, проявление ценностного отношения
между человеком и миром.
В 20 веке появилась новая профессия - дизайнер. Именно он должен
уметь создавать различные объекты не только хорошо выполняющие своё
назначение, но и вызывающие эстетическое удовольствие у потребителя.
Дизайн – это разновидность художественно-проектной
деятельности, сочетающий принципы удобства, экономичности и
красоты.
Результатом проектирования в творчестве дизайнера в любой
области, может быть объект, который несёт какую-либо идею. Форма
выражения этой идеи может быть самой разнообразной. Любой объект,
получившийся в результате творческого процесса, несёт в себе какой-то
смысл, художественный образ,
определяемый получившейся
художественной формой.
Художественный образ - это выражение творцом своего «Я»,
личностного видения предмета, явления, окружающего мира. То есть, все,
что создаёт человек, есть в какой-мере его «портрет». Мы часто слышим
об авторских ювелирных украшениях, авторской одежде. Каждое
архитектурное сооружение также отражает личность архитектора, его
пристрастия, его предпочтения. Это особенно относится к зданиям,
построенным в «исторических застройках» старых городов. Хотя и
современные творцы-архитекторы также вносят своё «Я» в облик наших
городов. А что уже говорить об изделиях декоративно - прикладного
искусства, каждое из которых несёт в себе отпечаток личности автора.
Также и дизайнер, откладывает отпечаток своей личности на
3
проектируемые изделия. Но так как он не только проектирует
функциональные свойства изделий, но заботится и об их эстетических
свойствах, то он должен обладать определёнными знаниями, чтобы эти
свойства были действительно «эстетическими».
По мнению автора, любой приобретённый предмет, будь то картина,
мебель, или чайник, внося определённую новизну в наш быт, несут
отпечаток творца его создавшего. Поэтому нужно быть особенно
осторожным при любом выборе, чтобы что-либо новое принесло нам в
жизни только радость. И здесь особенная ответственность стоит перед
творцом, в том числе и дизайнером.
Именно с художественным образом, связана способность искусства
доставлять человеку (зрителю, читателю, слушателю) глубокое
эстетическое наслаждение, пробуждающее в нём чувство прекрасного.
В настоящее время существуют
различные отрасли дизайна.
Например, дизайн промышленных изделий, дизайн интерьера, дизайн
каких-либо объектов, то есть «вещный дизайн». Но также очень актуальна
работа и в таких областях дизайна как полиграфический дизайн, дизайн
web-сайтов, деловая презентация и графика и т.д. То есть, понятие
«дизайн» можно применить к проектированию каких либо изделий,
пространственных композиций, а также плоскостным композициям.
Специальность «Профессиональное обучение. Дизайн» готовит
специалистов–педагогов для средне-специального образования в области
дизайна. Но для того, чтобы хорошо преподавать какую-либо дисциплину,
педагог должен быть специалистом в данной области.Как уже говорилось,
областей дизайна много, но для творческой работы в любой из них
требуются знания о создании гармонии в композиции и средств,
помогающих создавать гармоничные произведения. В качестве предмета
изучения для студентов данной специальности предлагается графический
дизайн.
Дисциплина «Формообразование» является одной из дисциплин
художественного циклаи поэтому она опирается на ранее полученные
навыки при изучении дисциплин «Рисунок», «Живопись», «Специальные
главы начертательной геометрии», «История искусств», «История стилей»,
«История и теория дизайна».
Главная цель дисциплины- изучение процесса формообразования
различных объектов. Одной из задач дисциплины является формирование
эстетической культуры будущих специалистов.
Процесс формообразования объектов тесно связан с построением
композиции объектов, составляющих сам объект. Можно сказать, что
процесс формообразования состоит из нескольких одновременно
проходящих процессов. Это процесс функционального проектирования
(проектирования конструкции), процесс композиционного построения
4
(процесс расположения объектов композиции в пространстве или на
плоскости) и одновременное проектирование формы всего изделия. Можно
сделать вывод, что форма объекта зависит от его конструкции,
расположения элементов изделия. И, конечно, от материала, из которого
создано изделие. То есть, составной частью процесса формообразования
является процесс создания композиции элементов, составляющихобъект.
Поэтому творческая работа дизайнера, художника, скульптора,
архитектора невозможна без знания законов композиции.
Одним из важных модулей в дисциплине «Формообразование»
является модуль «Основы композиции». Дизайнер, работающий в любой
области должен знать, и умело применять в своей работе эти законы, так
как работа любого художника должна опираться на них. Тогда и любые
изделия, разработанные им, будут не только приносить пользу человеку,
но и радовать его.
В данное пособие входит лекционный материал по дисциплине
«Формообразование», дополненный и
расширенный, относящийсяк
модулю «Основы композиции». В содержание лекций включены вопросы,
относящиеся к созданию изображений на компьютере, так как работа
дизайнера в настоящее время не мыслима без использования
компьютерных технологий.
Так как дисциплина входит в блок художественных дисциплин, то
перед автором стояла задача обеспечить преемственность дисциплин,
связь между ними. Поэтому, в качестве иллюстраций подобраны
произведения выдающихся художников и скульпторов. Включены также
работы В. И. Сурикова, нашего знаменитого земляка.
В качестве иллюстраций в пособии использованы работыстудентов,
выполненные традиционными художественными средствами и с помощью
современного
программного
обеспечения
(«CorelDraw»,
«AdobPhotoshop»). Авторы студенческих работ:Чивиков С., Талалуева
Ю., Шнайдер Н., Рычкова О., Бринь Е. , Малкова Т.,Спирина Е.,
Ковалевская М., Болбатова Л., Романова Н., Лецковник А., Тюрганова Е.,
Беляев С., Колосов М., Кокорина Л., Боева О., Стратович А., Казаченко А.
Пособие состоит из 3 разделов:
1. Средства создания композиции
2. Законы композиции
3. Средства организации гармонической композиции.
Данное пособие предназначено для внеаудиторной самостоятельной
работы студентов над теоретическим материалом, а также оно может быть
использовано как методическое обеспечение лекционных занятий.
5
Раздел 1. Средства создания композиции
1.1.Вводные понятия
На протяжении всей истории человечества, человек создавал самые
различные изображения. Это было необходимо для того, чтобы передать
какую-либо информацию от человека к человеку или зафиксировать
накопленные знания. Тем более что письменность у различных народов
появлялась гораздо позднее, а необходимость передачи информации явно
присутствовала.
Далее, в процессе исторического развития человек уже хотел как-то
украсить свой быт. Можно привести множество фактов, подтверждающих
это. Например, при раскопках древнего итальянского города Помпеи,
разрушенным во время извержения вулкана Везувий две тысячи лет назад,
были обнаружены прекрасные фрески, украшающие стены зданий.
Известно, что человек зрительно воспринимает 90% информации. От
неёможно получить и эстетическое удовольствие, что делает более
радостной его
жизнь. Можно сказать, что окружение человека
различными гармоничными объектами, делает его более счастливым.
Создание человеком первых изображений относится к эпохе
«каменного века». При этом человеку приходилось думать, как разместить
те или иные элементы изображения на поверхности, где размещался
рисунок. Было необходимо подумать о том, чтобы все задуманные
изображения разместились на ограниченной поверхности, то есть их было
необходимо правильно скомпоновать. Очень многие рисунки того времени
и сегодня кажутся нам понятными и даже привлекательными. Почему эти
изображения нас привлекают? Что в них особенного?
Рис.1.Наскальные рисунки в китайской провинции Юннань
6
Далее, с течением времени, человек стал создавать всё более
сложные изображения. Они уже выступали или в роли чертежей или в
роли произведений искусства. Хотя можно отметить, что часто люди
превращали в произведение искусства, казалось бы, утилитарные
изображения. Здесь можно вспомнить старинные карты. Далее на рисунке
мы видим первую печатную карту Сибири (рис.2). Можно сказать, что она
богато художественно украшена.
Рис.2.Первая печатная карта Сибири
Давайте более подробно остановимся на понятии чертежа и
художественного произведения и их значении.
По определению из учебной литературы, чертёж - это документ,
содержащий контурное изображение изделия и другие данные,
необходимые как для изготовления, контроля и идентификации
изделия, так и для операций с самим документом.
Главное назначение чертежа и технического рисунка информативность и конкретность. В них нет, да и не может быть
эмоционального начала. Они созданы только для передачи, какой – либо
информации. Например, технический рисунок должен достоверно
передать конструкцию детали, показать простые формы, из которых она
создана (рис.3). При этом рисунок выполняется простым карандашом без
7
нанесения светотени собственной тени.
помощью различных штриховок.
Объём детали показывается с
Рис.3.Технический рисунок детали
Теперь рассмотрим сущность понятия «Искусство».
По определению большой советской энциклопедии «Искусство образное осмысление действительности; процесс или итог
выражениявнутреннего или внешнего мира творца в художественном
образе. Понятие искусства крайне широко, оно может проявляться
как чрезвычайно развитое мастерство в какой-то определённой
области».
В масштабах всего общества, искусство - особый способ познания и
отражения действительности, одна из форм художественной деятельности
общественного сознания, часть духовной культуры, как человека, так и
всего человечествам, многообразный результат творческой деятельности
всех поколений. Ему присущи, такие качества как
эстетичность,
эмоциональность. Они обязательны для художественного произведения.
Например, очень эмоциональна картина австрийского художника Г.
Климта «Поцелуй» (рис.4). Выполненная в стиле «Модерн», она изыскана
по цвету, по исполнению, по самой идее.Для её создания использовались
различные художественные средства (линия, форма, пятно), и различные
средства гармонизации композиции.
8
Рис.4. Г. Климт «Поцелуй»
Известно, что любое изображение, любая форма, любой более
сложный объект, состоящий из различных форм,
воздействует на
человека. Различные линии и различные геометрические фигуры
вызывают у человека различное настроение.
Даже если картина абстрактная, она вызывает эмоции, будит
воображение, вызывает ассоциации
(рис.5). Например, непонятные
сюрреалистичные картины С. Дали вызывают у разных людей разные
эмоции. Для некоторых людей Дали - любимый художник, некоторые же
вовсе не приемлют его творчество. Рассматривание этих картин,
обязательно вызывает какие - либо эмоции у людей, положительные или
отрицательные.
9
Рис.5. С. Дали«Расщепление атома»
Данное пособие предназначено, как уже говорилось, для
специальности «Профессиональное образование. Дизайн». Поэтому мы
обязательно остановимся и на определении понятия «Дизайн».
Дизайн -это творческая деятельность, целью которой является
определение формальных качеств промышленных изделий. Эти
качества включают внешние черты изделия, но главным образом те
структурные и функциональные взаимосвязи, которые превращают
изделие в единое целое, как с точки зрения потребителя, так и с
точки зрения изготовителя. Дизайн стремится охватить все аспекты
окружающей человека среды, которая обусловлена промышленным
производством.
Основой для любого изделия, созданного дизайнером, является его
гармоничная композиция. Именно композиция будет являться основой для
успешного прохождения жизненного цикла изделия.
Так как дизайнер в созданном им объекте должен передать не только
определённую информацию, но и вызвать у зрителя некоторые чувства, то
на нём лежит большая ответственность за всё, что он создаёт.А создаёт он
любой объект, состоящий, как правило, из более мелких объектов
10
(элементов), компонуя их между собой, создавая из них определённую
композицию.
Результатом проектирования в творчестве дизайнера в любой
области, может быть объект, который несёт какую-либо идею. Форма
выражения этой идеи может быть самой разнообразной. Любой объект,
получившийся в результате творческого процесса, несёт в себе какой-то
смысл, художественный образ,
определяемый получившейся
художественной формой.
Мы часто слышим об авторских ювелирных украшениях, авторской
одежде. Каждое архитектурное сооружение также отражает личность
архитектора, его пристрастия, его предпочтения. Это особенно относится к
зданиям, построенным в «исторических застройках» старых городов. Хотя
и современные творцы также вносят своё «Я» в облик наших городов. А
что уже говорить об изделиях декоративно - прикладного искусства,
каждое из которых несёт в себе отпечаток личности автора. Также и
дизайнер, откладывает отпечаток своей личности на проектируемые
изделия. Но так как он не только проектирует функциональные свойства
изделий, но заботится и об их эстетических свойствах, то он должен
обладать определёнными знаниями, чтобы эти свойства были
действительно «эстетическими».
Любой приобретённый предмет, будь то картина, мебель, или чайник
вносят определённую новизну в наш быт, несу отпечаток творца его
создавшего. Поэтому нужно быть особенно осторожным при любом
выборе, чтобы что-либо новое принесло нам только радость. И здесь
особенная ответственность стоит дизайнером.
Таким образом, художественный образ- это выражение творцом
своего «Я», личностного видения предмета, явления, окружающего
мира. То есть, всё, что создаёт человек, есть в какой-мере его «портрет».
Об этом говорил ещё Леонардо да Винчи. А вышеупомянутый художник
Сальвадор Дали и вовсе заявлял «Мои картины – это я!»
Именно с художественным образом, связана способность искусства
доставлять человеку (зрителю, читателю, слушателю) глубокое
эстетическое наслаждение, пробуждающее в нём чувство прекрасного.
Образ же создаётся с помощью определённых средств.
История искусств показывает, что существуют определённые
средства выражения, используемые для создания произведений. Это
форма, цвет, фактура и т.д. Профессионально и грамотно применяя эти
средства, можно создать образ надолго запоминающийся, а может быть
даже и шедевр. Так как дизайнер создаёт также определённый образ своего
изделия, то и ему необходимо знать назначение и способы использования
средств создания композиции.
11
1.2.Средства создания изображений. Форма
Одним из основных изобразительных средств выражения
художественного образа является форма.
Точка, линия, пятно – всё это элементы (формы) организации
плоскостной композиции, совокупность которых
образует общую
форму.Любое изображение состоит из этих элементов.
В зависимости от конфигурации, линия и пятно воздействуют на
зрителя. Этот процесс проходит на ассоциативном и интуитивном уровне,
а также на уровне памяти.
Существует и чисто физическое восприятие формы человеком.
Рядом с огромным активным пятном на стене человек начинает
чувствовать дискомфорт. Если в помещении находится какой-либо острый
выступ, или нависает балка, то человек зачастую не может даже
комфортно спать рядом с таким объектом.
Чем богаче духовный мир зрителя, чем выше его интеллектуальный
уровень, тем он больше сопереживает с художником, тем чувствительнее
он к различным формам.
1.2.1. Точка
Как считал ПаульКлее, немецкий и швейцарский художник и
теоретик искусства, рождение любой формы происходит из точки.
Точка при движении даёт линию. Смещение линии строит
плоскость, встреча плоскостей образует тело. Можно сказать, что любая
поверхность или плоскость состоит из геометрического множества точек.
Воздействие точки зависит от её положения. Например, если одна
точка находится в отдалении от других элементов, то она, безусловно,
будет привлекать внимание зрителя. Если же мы видим множество близко
расположенных одинаковых точек (тождество в изображении), то такое
изображение маловыразительно. Оно может быть использовано как фон
для другого изображения. То есть, активность точки зависит от её
сочетания с другими элементами.
На последующем примере мы видим формальную композицию
(студенческая работа), состоящую, в основном, из мелких окружностей
(точек) и прямоугольников. Точки и прямоугольники образуют
изображение, которое повторяется определённым образом. При этом
ощущается ритм, который создаёт эффект движения.
12
Рис. 6.Формальная композиция
1.2.2.Линия
Формы, образуемые линиями, по-разному воздействуют на человека
через его зрение, соответственно и вызывают различные ассоциации.
Плавные округлые формы вызывают спокойные радостные ассоциации.
Резкие угловатые линии создают напряжение и вызывают беспокойные
ассоциации.
Замкнутая линия, ограничивающая силуэт пятна, зависит от
восприятия формы самого пятна.
Плавные закруглённые линии ближе к окружности, к эллипсу.При их
рассматривании, взгляд человека плавно скользит вдоль них, не делает
резких скачков. Человек зрительно воспринимает их спокойно, а значит и
психологически ему так же спокойно.
Угловатые, ломаные линии напоминают треугольник. При этом
взгляд человека скользит по углам, резко меняет своё направление. Это
напрягает зрение, а значит и психологически, такие линии вызывают
напряжение.
Часто человек, неосознанно на каком – то клочке бумаги, рисует,
чертит различные линии. По этим рисункам можно судить о его мыслях,
настроении и даже о характере. Это происходит, потому что,
бессознательно человек изображает либо плавные закруглённые линии или
изображения, состоящие из плавных линий, либо резкие ломаные линии
или изображения состоящие из них. То есть в этом процессе мы можем
видеть обратную связь между психическим состоянием и зрительными
образами, созданными при этом. Наглядным примером вышесказанного
13
могут быть изображения в тетради, сделанные во время лекций
Григорьевой Дарьей.
Рис.7. Рисунки в тетради для лекций
В линии всегда заложено больше движения, чем в пятне, поскольку
здесь сказывается его оптическая весомость и пятно не воспринимается
таким подвижным.
Линии могут быть направленными, параллельными, хаотичными,
формирующими определённый образ. Одна линия вызывает один уровень
воздействия, несколько параллельных вызывают совсем другое
воздействие. Пересекающиеся линии вызывают иное состояние.
Некоторые художники с помощью одних только линий создавали
незабываемые образы. Например, известныйрисунок «Голубь мира» Пабло
Пикассо. За свою долгую жизнь художник создал множество рисунков. С
помощью всего лишь нескольких линий художник создал незабываемый
образ, который тиражировался множество раз. Хочется сказать, что этот
образ использовался при создании различных значков, марок.
Изображение голубя мира в стилизованном виде входит в эмблему
Всемирного фестиваля молодёжи и студентов, проводившегося в Москве в
1985 году.
14
Рис.8. П.Пикассо«Голубь мира»
В разговоре о такой форме, как линия, нельзя не вспомнить рисунки
великого французского художника А. Матисса.Он создал множество
рисунков, которые часто просто дарил близким людям. Он изображал
бытовые сцены, создавал образы мужчин и женщин, используя для этого
только одно средство - различные линии. Его рисунки лаконичны. При
этом ему удавалось передать особенности характера человека, его
индивидуальность. Художником было создано множество рисунков такого
рода. Например, рисунок Матисса "Женщина с распущенными волосами".
Несколько
простых
линий
и
перед
нами
прекрасное,
целостноеизображение.
Рис.9. А. Матисс «Женщина с распушенными волосами»
15
Хотелось бы добавить, что линия –элемент, из которого состоит
любой рисунок. В образовательном процессе для вышеупомянутой
специальности имеется предмет «Рисунок», который служит базой для
других дисциплин художественного цикла, например, дисциплины
«Живопись». В основном, любое художественное произведение базируется
на ранее созданном рисунке, который состоит из различных линий.
Далее
приведена
работа
студенческая
работа«Разговор»,выполненная
средствами
векторной
графики.
Изображение выполнено в основном с помощью линий, но нам ясно
передаётся настроение не очень лёгкого разговора между отцом и дочерью.
Рис.10. Композиция из различных линий
Кроме точек и линий в создании плоскостных композиций играет
огромную роль такой элемент, как пятно.
Пятно может быть различной формы. Оно обязательно имеет контур,
образующий силуэтное изображение. Также оно заполнено каким-либо
цветом. Пятно может быть в форме геометрической фигуры, искажённой
или трансформированной
геометрической фигуры или в виде
неопределённой формы (форма «амёбы»).
Далее подробно рассмотрим каждую из них.
Разберём четыре варианта простейших форм пятна. На самом деле
их существует гораздо больше, но все они могут быть отнесены к этим
формам.
16
1.2.3. Квадрат
Квадрат –форма, образованная 4 линиями. Это устойчивая,
законченная форма, готовая
вызывать утверждающие образы. При
определённых условиях (цвет) это тяжелая форма, которой чуждо
движение, тем более «полёт».
Но если рассматривать такую форму как прямоугольник
(трансформированный квадрат), то в зависимости как он расположен он
будет вызывать различные ассоциации. Это свойство данной формы
особенно важно при создании «рамы» для плоскостной композиции. В
пространственной композиции (например, в архитектуре), прямоугольник
при наращивании материала образует параллепипед, который является,
пожалуй, самой распространённой формой.
Прямоугольник, расположенный большей стороной по горизонтали
вызывает ощущение стабильности, покоя, основательности. Особенно
гармонично смотрится, если он выполнен в пропорциях «золотого
сечения».
Прямоугольник, расположенный большей стороной вдоль вертикали,
создаёт ощущение лёгкости, воздушности. Именно на формате такой
формы создавались знаменитые японские гравюры.
Рис.11. С. Дали «Порт-Альгер»
17
Художники, архитекторы, дизайнеры просто не могут обойтись без
прямоугольных форм. Например, на картине Сальвадора Дали «ПортАльгер» (рис.11) изображения зданий состоят в основном из
прямоугольных форм, вытянутых вверх. Это создаёт ощущение лёгкости,
воздушности. И хотя здания в реальности выполнены из камня, они не
кажутся тяжёлыми и большими. Такие ассоциации возникают у зрителя,
потому что художник использует в изображении форму вытянутоговверх
прямоугольника.
Далее представлена студенческая работа, где мы видим различные
сочетания квадратов и прямоугольников.
Некоторые из них
трансформированы, то есть у них искажена первоначальная форма. Но, не
смотря, на наличие только одной формы,
перед нами предстаёт
перспективное изображение, передающее объём.
Рис.12. Композиция из прямоугольных и квадратных форм
1.2.4.Треугольник
Треугольник - активная форма, развивающаяся на плоскости и в
пространстве, несущая в себе потенциальные возможности движения.
Может выражать спокойные или агрессивные образы. В положении
вершиной вверх такая форма устойчива, в положении вершиной вниз –
крайне неустойчива. В этой форме явно выражена борьба
противоположенностей, что в свою очередь необходимо для создания
вполне конкретных образов.
На картине современного художника - абстракциониста Дмитрия
Маслова «Горы», изображение состоит из множества трансформированных
треугольников. Этим художник стремится передать напряжённость в
18
изображении, что говорит об опасности для человека, связанной с
конкретной ситуацией в горах. Такой вывод можно сделать из анализа
форм, которые использует художник.
Рис.13. Д. Маслов «Горы»
На следующей студенческой работе, выполненной средствами
векторной графики, изображена всем известная героиня – коза. При
создании этого изображения использованы лаконичные формы, в том
числе и треугольные. И они очень хорошо передают характер этого
животного.
Рис.14. Композиция из треугольных и овальных форм
19
1.2.5.Круг
В форме круга более чем, в какой-либо, выражена идея природы,
земли, мироздания. Поэтому такие понятия как «добро», «жизнь»,
«счастье», «процветание» ассоциируются у человека именно с этой
формой. В декоративно – прикладном искусстве у различных народов эта
форма часто символически выражает солнце, женщину, материнство и так
далее.
Форма круга или овала очень любима художниками и часто
используется как элемент изображения, а также как «рама» для
плоскостного изображения. Например, на картине В. Серова «Девочка с
персиками», персики имеют круглую форму. На стене мы видим часы
также круглой формы. Это всего лишь некоторые элементы, из которых
состоит картина, но и они привносят в неё спокойствие, радость,
умиротворённость.
Рис.15. В.Серов «Девочка с персиками»
Художники-абстракционистытакже
очень
часто
используют
различные круги и овалы в своих произведениях. Таким образом, они
передают своё настроение, которое через созданную ими форму,
передаётся и нам – зрителям.
20
Например, основоположник абстракционизма Василий Кандинский
очень часто использует эту форму в своих изображениях как элемент
композиции. Например, в своей работе «Несколько кругов» он использует
только круги различного размера и цвета. На этой картине зрители могут
увидеть разное изображение. Кто-то видит звёздное небо, кто-то круги на
воде, но можно сказать наверняка, что изображение вызывает у зрителя
определённые ассоциации, которые вызывают различные эмоции.
Однозначно сказать, что они положительные нельзя, так как художник
создал тёмный фон у картины. Здесь мы можем предположить, что цвет
оказывает
огромную роль на восприятие человека определенного
изображения.
Рис.16.В. Кандинский «Несколько кругов»
На представленной далее студенческой работе,
мы видим
изображение яблок на блюде (векторная графика). Для его создания были
использованы такие формы, как овалы. Данное изображение вызывает у
зрителя ощущение радости, летнего настроения и благодарности земле нашей кормилице.
21
Рис.17. Композиция из овальных форм
1.2.6.Форма «Амёба»
Пятно в форме «амёбы» имеет неопределённую форму, которую
нельзя
отнести
к
известным
геометрическим
фигурам.
Её
неопределённость и текучесть выражает и неустойчивые по характеру
образы. Романтичность, меланхолия, пессимизм – вот их диапазон. С
помощью таких пятен можно создать самые различные образы. Впрочем,
можно сказать, что любое цветовое пятно на художественном
произведении имеет форму «амёбы».
Рис.18. ЦаоВу-Ки. «Композиция»
22
Некоторые художники в своих работах используют такие пятна как
основные формы. Это особенно заметно в таком виде искусства как
графика. Например, в японских гравюрах и в работах китайских мастеров
каллиграфии. Выше, в качестве примера, приведена работа старейшего
китайского художника ЦаоВу-Ки «Композиция» (рис.18). В качестве
объектов, образующих композицию, выступают пятна различной формы.
Работа выполнена тушью. Зритель интуитивно хочет «собрать» эти пятна в
определенный узнаваемый образ. Это связано со свойствами восприятия
человека. Но этот образ очень трудно определить.
На следующей иллюстрации (студенческая работа) мы видим
романтичные образы двух влюблённых,
созданные
из пятен
произвольной формы. На этом изображении многие объекты имеют форму
амёбы. Они создают силуэты животных, имеющих плавную, обтекаемую
форму. Такие формы действуют на наше восприятие таким образом, что
изображение создаёт лиричное спокойное впечатление.
Изображение создано с помощью векторной графики. При создании
векторной иллюстрации, как раз такие формы используются очень часто. С
помощью произвольного пятна, деформируя его и трансформируя, можно
получить любой силуэт.
Исходя из вышесказанного, можно сказать, что совокупность тех или
иных форм обогащает художественный образ, даёт ему разностороннюю
эмоциональную характеристику, усложняет ассоциативный слой.
Как уже было сказано выше, для усиления выразительности формы
можно прибегнуть к таким приёмам, как стилизация и трансформация.
Рис.19. Композиция произвольных форм
23
1.2.7.Приёмы изменения формы
Стилизация
- это один из приёмов визуальнойорганизации
образного выражения, при котором выявляются наиболее характерные
черты объекта и отбрасываются ненужные детали. Стилизуют
изображение по собственному существующему принципу. Например,
«пушистый кот», «колючий ёжик».
Или по внесённому искусственно свойству. Например, изображение
современной девушки в образе древнегреческой богини.
На следующем рисунке (студенческая работа, векторная графика) мы
видим изображение
маленьких пушистых медвежат, где особенно
подчёркнут их характер. Данное изображение. Можно отнести к первому
типу стилизации.
Рис.20. Стилизованное изображение.
На студенческой работепод названием «Волшебство» (растровая
графика) мы видим изображение прекрасной девушки в образе феи. Это
как раз второй тип стилизации, где какой-либо объект, в данном случае
девушка, вписывается в определённый образ. В результате этой работы
получается целостный и гармоничный образ сказочной героини. Хотя при
этом, в качестве основы, используется изображение современной девушки.
24
Рис.21. Стилизованное изображение девушки.
Трансформация – это изменение формы предмета, с целью
усиления каких-либо его свойств. Например, подчёркивание угловатости,
усиление округлости, усугубление высоты.Рассматривая следующую,
юмористическуюгалерею изображений кошек, мы видим наглядный
пример трансформации, где с её помощью усилены и подчёркнуты
определённые качества представленных персонажей. Это также
студенческая работа (растровая графика).
Рис.22.Трансформация изображений.
25
Хочется отметить, что любая композиция состоит из объектов,
имеющих определённую форму.Отсюда получается общая форма. Важно,
как она будет воспринята зрителем.
Но почувствовать образ и создать форму, выражающую его, ещё
недостаточно для успешного представления композиции или для её
реализации.
Оказывается каждая целая форма и её детали воспринимаются поразному.
Простая по силуэту форма прочитывается быстрее, сложная дольше,
но глубина созданного образа от этого не зависит. Иногда форма силуэта
простая, но понимание образа затруднено. Например, силуэт руки человека
с растопыренными пальцами узнаётся легче, чем силуэт руки со сжатыми
пальцами, хотя во втором случае форма пятна более простая. На рисунке
18, в изображении руки и ступней человека использованы достаточно
сложные формы пятна, но, несмотря на это, они легко узнаваемы. Для
изображения варежки использована простая форма пятна, что в данном
случае вполне достаточно для узнавания и восприятия объекта. Далеко не
в каждом случае необходима сложная форма.
То есть выбор любой формы пятна должен быть целесообразен.
Рис.23.Выразительность форм.
Контур формы образует силуэт. Выразительность формы зависит от
найденного силуэта. Работа над силуэтом, выраженным пятном, линией
или контуром – один из важнейших этапов работы над произведением.
26
1.2.8.Силуэт
Силуэт(фр. silhouette) - плоскостное изображение, прием работы,
средство художественной выразительности, а также вид графики.
Явление силуэта может возникать и в процессе восприятия
объемных форм в зависимости от освещения. Силуэт подобен тени
объекта.
Качество силуэтностиобъектов используется художниками во всех
видах искусства. В технике силуэта исполняются обычно профильные
портреты и несложные композиции. Такой жанр графики был очень
популярен в России в 19 веке. Многие художники работали в этом жанре
графики.Искусством силуэта особенно увлекались известные художники
Ф. Толстой, М. Добужинский, Е. Кругликова, А. Бенуа.
Например, русский художник А. Бенуа создал альбом силуэтов,
использовал различные силуэты при оформлении обложек журнала
«Золотое руно».
Рис.24. А. Бенуа «Пасха в 18 столетии»
В процессе работы над силуэтом становится ясно, что для решения
данного образа типично, а что случайно.
27
Силуэт может быть решен тёмным пятном на светлом фоне или
светлым пятном на тёмном фоне.Но читаемость и значимость их будет
неодинакова. Так на тёмном фоне белый силуэт активнее действует
активнее на зрителя, получается более запоминаемым. Контраст, для
прочтения формы, обязателен. Он может проявляться в тоне, цвете,
фактуре, выявлен освещением.
В отличие от силуэта, решённого тёмным цветом, белый или светлый
силуэт должен быть более обобщающим, с меньшим количеством деталей.
Поэтому найденноё чёрное пятно, возможно, потребует их корректировки,
если для создания определённого образа будет необходимо изменить
тональность.
Формы многих знаков, эмблем, пиктограмм построены именно как
силуэты. Можно привести примеры логотипов известных фирм, таких как
«Adidas» или «Naik».
Форма силуэта не сложная, но очень
запоминающаяся.
Далее, в качестве примера, приведён логотип
Сибирского Федерального Университета, где мы также можем увидеть
силуэт раскрытой книги и стилизованное изображение атома.
Рис.25. Эмблема Сибирского федерального университета.
Форма может быть не только плоской, но и объёмной. Работая над
объёмной формой нельзя забывать о её восприятии. Объём сильнее
воздействует на зрителя, и впечатление от перевёрнутой пирамиды будет
более
значительное, чем от перевёрнутого треугольника. Поэтому
архитектору, скульптору, дизайнерунеобходимо ответственно относиться к
созданию объёмной и пространственной композиции.
Таким образом, форма - это одно из средств создания образа. Для её
создания используются точки, линии, пятна различного силуэта. При этом
большую роль в создании силуэта играют такие приёмы, как стилизация и
трансформация.
В заключении можно сказать, чтоФорма – это основополагающее
средство выражения художественного образа, но не единственное.
28
1.3.Средства создания изображений. Цвет
До сих пор мы говорили в основном о форме графических
изображений, но у дизайнера есть ещё один очень важный «рабочий
инструмент» - цвет.Цвет в совокупности с формой даёт возможность
создавать более богатые по своему содержанию произведения. Кроме того,
изобразительной формы, не выраженной цветом, просто не
существует.Для художника вовсе не обязательно слепо копировать
действительность, но перед ним стоит серьёзная задача – передать суть. С
помощью цвета можно с успехом добиться поставленной цели.Создавая
интересные формы и применяя различные цветовые сочетания, можно
добиться потрясающих результатов.
Многие великие художники задумывались о проблеме цвета, то есть
о его природе, воздействии цвета на человека, о его восприятии. Можно
назвать имя Леонардо да Винчи, учёного и художника, а также, имена
знаменитых учёных – Ньютона и Ломоносова, Гете, которые занимались
вопросами цвета.Здесь же, необходимо вспомнить, русского художника и
искусствоведа, внёсшего большой вклад в теорию цвета, Н. Волкова.
Чтобы понять значение цвета как средства выражения
художественного образа, необходимо разобраться в его природе.
Хотелось бы сказать о том, что цвет немыслим без света. Любой цвет
в полной темноте не будет виден. Поэтому вначале разберёмся в природе
света.
1.3.1.Чувство цвета
Проблема колористической гармонии относится
к наиболее
сложным проблемам эстетики, так как отношение человека к цвету
формируется
под
влиянием
множества
разнообразных
факторов.Колористический идеал на протяжении всей истории культуры
претерпевал неоднократные изменения.Зачастую вопрос о цвете в
изображении кажется сложным и иногда неразрешимым
Понятие «колорит» имеет у различных авторов несколько различное
значение. Проанализировав мнения различных авторов можно сделать
вывод, что колорит – это определённый набор любимых красок у
художника. Если же подходить с научной точки зрения, то корит это
чувство, синтезированное мозгом человека, смотрящего на изображение
(Ф, Ковалёв).
Многие великие художники интуитивно искали и находили для себя
лучшее решение. У каждого из них имеются свои излюбленные цвета, свой
колорит.
Поиск особого цветового решения был одним из главных вопросов,
стоящих перед В. И. Суриковым, создателем «русской гаммы красок».
И.Н. Крамской говорил:«Чем дальше, тем больше я вижу, что собственно
29
о колорите я не имел малейшего представления». Н.П. Крымов всегда
ратовал за реалистическую живопись, но никогда не употреблял слово
«колорит».
У каждого великого живописца была своя палитра, свой набор
«рабочих красок», свои приёмы формирования этой палитры. Часто эта
палитра менялась с течением времени, так как с возрастом и опытом
менялось само видение мира художника.
Рассмотрим, в качестве примера две работы великого голландского
художника Винсента Ван Гога. Обращаясь к его творчеству, многие
исследователи отмечают необычную интерпретацию цветов в его
творчестве. Его картины явно имеют свой собственный колорит. С
помощью цветов он стремился выразить различные эмоции.
Например, в картине «Ночное кафе» с помощью красного и зелёного
цветов он старался выразить дикие человеческие страсти. «Интерьер кафе
он написан в кроваво-красном и тёмно-жёлтых тонах, с зелёным
бильярдным
столом посередине.
Четыре лимонно-жёлтые лампы
окружены оранжевым и зелёным сиянием. Самые контрастные,
диссонирующие оттенки красного из зелёного борются в маленьких
фигурках спящих бродяг. Художник хотел показать, что кафе такое место,
где человек может покончить самоубийством, сойти с ума или совершить
преступление». Так оценивал живопись величайшего колориста Ван Гога
писатель Ирвин Стоун.
Рис.26. В.Ван Гог «Ночное кафе»
30
Сам Ван Гог писал брату Тео о своей работе над портретом друга:
«Мне хотелось бы передать в живописи всё моё удивление, всю любовь,
которую я к нему питаю. Значит, я сначала напишу его так точно, как
смогу. Однако после этого картина ещё не готова. Чтобы её закончить, я
становлюсь произвольным колористом. Преувеличиваю белокурость
волос. Довожу до оранжевых тонов, до хрома, до светло - лимонного
цвета. Делаю фон до богатейшего синего цвета, самого сильного, какой
только могу получить. Таким образом, белокурая, светящаяся голова на
фоне богатейшего синего цвета даст мистическое впечатление, как звезда
в голубой лазури» (рис.27).
Проанализировав вышесказанное, можно сделать вывод, что
художник намеренно усиливал насыщенность красок. Иногда заменял
естественные цвета на не присущие в реальности данному объекту цвета,
тем самым, создавая необычайно декоративные изображения. Таким
образом, он использовал определенную палитру цветов, которая создавала
определенный колорит его произведений.
Рис.27.В. Ван Гог«Портрет папаши Танги»
31
О.Л.Голубева пишет: «Чем богаче эмоциональная память художника,
чем острее он переживает происходящие вокруг него события, тем богаче
художественные образы, рожденные им. У каждого художника
индивидуальная колористическая палитра восприятия, свои образы,
поэтому одну и ту же тему каждый трактует по-своему».
Хоть и говаривал гениальный художник, В.И.Суриков: «И собаку
можно рисовать выучить, а колориту не выучишь», чувство цвета нужно
воспитывать и развивать, а для этого необходима некоторая теоретическая
подготовка.
1.3.2.Природа цвета
Вначале рассмотрим некоторые теоретические основы природы
цвета, без чего трудно будет понять некоторые законы цветоведения. Это
необходимо
и
для
создания
изображений
традиционными
художественными средствами и для изображений, созданных с помощью
компьютера. Хотелось бы отметить, что способы создания различных
цветов традиционным способом и способом создания цветов на
компьютере отличаются коренным образом, способ смешивания цветов и
полученный результат во многом отличаются.
Как уже отмечалось, цвет невозможен без освещения. Цвет объекта
зависит от освещения и свойств освещаемой поверхности, а кроме того, и
от самого наблюдателя, свойств его зрения.
Физической основой восприятия цвета является длина волны
светового излучения. Таким образом, свет это понятие физическое.
Естественное освещение существует всегда, но в разное время суток оно
различное. Естественное освещение воспринимается человеком как белый
свет. Он состоит из волн различной длины, присущих каждому цвету
спектра, находящихся в равных пропорциях.
Свет может поглощаться предметами или отражаться ими.Разными
поверхностями световые волны некоторых цветов спектра поглощаются
не полностью, они частично отражаются. Это состояние и воспринимается
как цвет предмета.Поглощение и отражение световых волн зависит от
физических свойств освещаемой поверхности.
Таким
образом,
объект
воспринимается
окрашенным
в
определённый цвет за счёт отражения падающего на него света,
фиксирования этих отражённых волн нашим глазом, и восприятия мозгом.
Белый отражает свет всех цветов (чем больше света отражает
предмет, тем он, кажется белее), чёрный – поглощает (чем больше
поглощает, тем кажется чернее).
В природе не существует материала, отражающего 100% падающего
на него света, поэтому нет ни идеального белого, ни идеального чёрного
32
цвета. Самый чёрный цвет у чёрного бархата, он поглощает 99,8%
падающего на него света. Самый белый – спрессованный в плитку
порошок химически чистого сернокислого бария, отражающий около 94%
света. Серый цвет отражает свет в зависимости от соотношения в нём
белого и чёрного.
Принято раскладывать спектр (видимый свет) на семь цветов. Это
деление, введённоё Ньютоном, - чистая условность. Нам хорошо известны
эти цвета по детской считалочке: красный, оранжевый, жёлтый, зелёный,
голубой, синий, фиолетовый. Кроме того, он ввёл понятие пурпурного
цвета.
Леонардо да Винчи считал, что существует пять основных цветов.
Михаил Ломоносов положил начало трёхкомпонентной теории
цветового зрения. По этой теории световые волны, длина которых
соответствует красному, синему и зелёному цветам, составляют все цвета в
природе, поэтому красный, зелёный и синий – основные, первичные
цвета (рис.28). Человеческий глаз устроен таким образом, что на сетчатке
существуют специальные клетки (колбочки, палочки), которые
воспринимают длины волн именно этих цветов. Затем полученная
информация с сетчатки глаза попадает в мозг и человек видит
определённый цвет. Но обычно даже у одного объекта, мы,
приглядевшись, увидим несколько оттенков одного цвета или даже
несколько различных цветов. Но эти образы (следы на сетчатке глаза) нее
остаются безразличными друг к другу, они вступают во взаимодействие,
синтезируются мозгом в общем ощущении, имя которому колорит.
Необходимо отметить, что на компьютере цветное изображение
создаётся смешиванием в разных пропорциях именно этих же цветов.
При наложении попарно трёх световых потоков первичных цветов
образуются вторичные: голубой, пурпурный, жёлтый. Жёлтый цвет
получается наложением красного и зелёного. Синий цвет в формировании
жёлтого не участвует, поэтому синий и жёлтый являются
взаимодополняющими, комплиментарнымицветами. Например, при
освещении одуванчика синяя составляющая света поглощается цветком, а
красная и зелёная отражаются, поэтому мы воспринимаем одуванчик
жёлтым.
При смешивании всех первичных составляющих (красной, зелёной и
синей) длины волн суммируются, и образуется белый цвет.
Отсутствие света воспринимается как чёрный цвет, белый цвет, в
свою очередь, содержит полный спектр в равных пропорциях
33
Рис.28.Схема смешивания основных цветов
Художник или дизайнер создаёт на предмете какое-либо цветное
изображение. Хочется отметить, что цвет и краска– понятия разные. Для
изменения цвета, на объект наносят краску. По сути, краска – это фильтр,
который пропускает и отражает строго определённые лучи света, в
результате чего и создаётся новый цвет объекта. Живописное изображение,
нанесённое красками на холст – это также своего рода фильтр.
Синтезированное мозгом ощущение осознаётся, оформляется в
чувство, и человек ищет ему словесное выражение: дивный колорит,
мрачный колорит, весенний колорит, осенний колорит.
В литературе приводится 128 основных и промежуточных цветов в
спектре, которые может различить человек. А может ли он их назвать?
Наш словарь не располагает достаточным количеством слов.
Поэтому часто к цветам добавляется прилагательное или название
различных цветов соединяется в одно: золотисто-коричневый, серебристо
– голубой, кроваво - красный, тёмно-зелёный.
Советский художник и педагог Ф.В. Ковалёв, проанализировав 500
научных источников, составил своеобразный колористический словарь,
где на каждую букву приводятся названия колорита. Например, на букву
«А»: апельсиновый, алый, аскетичный, артистический, анилиновый.
Значения на букву «Я»: яркий, ясный, японский.
Таким образом, причины,от которых зависит ощущение колорита,
можно разделить на две группы: объективные и субъективные. К первым
относятся наличие красок на палитре у художника, характер световых
излучений в той или иной местности в разное время суток, наличие
искусственного освещения. К субъективным факторам следует отнести
34
состояние здоровья глаза у человека, наличие врождённых нарушений
цветоощущения.
1.3.3.Влияние освещения на цвет
Объект, как правило, освещается солнцем или искусственным
источником света. При искусственном освещении зачастую используются
цветовые фильтры (цветные плафоны на лампах из различных
материалов), что существенно влияет на восприятие.
Хотелось бы заметить, что:
-чем сильнее естественный свет, тем ярче и звонче любой цвет;
-предмет того же цвета, что и освещение становится ярче. Данное
явление широко используют при оформлении экспозиций. Например,
красные предметы при красном освещении становятся очень яркими, а при
зелёном - очень тёмными, почти чёрными;
-белый всегда «вбирает» в себя цвет освещения. Белые объекты в
красном освещении выглядят красноватыми. Например, белая рубашка при
красном освещении будет выглядеть красноватой;
-свет отражается сильнее (предметы выглядят ярче), если лучи
падают отвесно, а не под углом. В качестве примера можно привести цвет
одного и того же объекта при полуденном солнце и при вечернем
освещении;
-при удалении наблюдается изменение цвета. На расстоянии все
предметы выглядят голубоватыми. С увеличением расстояния светлые
предметы несколько темнеют, а тёмные смягчаются и светлеют;
-при искусственном освещении происходит изменение цветового
тона предметов. Например, белые, серые и зелёные объекты желтеют,
синие темнеют и краснеют. Тени предметов резко очерчены. Предметы,
находящиеся в тени, плохо различимы по цвету.
Далее приводится таблица изменение цветового тона и яркости при
искусственном освещении
Таблица 1.
Цвет
Изменение цветового тона
Изменение яркости
Красный
Становится
более
насыщенным, «густым»
Усиливается
Оранжевый
Краснеет
Усиливается
Жёлтый
Белеет
Усиливается
35
Голубой
Зеленеет
Уменьшается
Синий
Теряет насыщенность
Уменьшается
Фиолетовый
Краснеет (пурпурный)
Уменьшается
1.3.4.Группы цветов
При создании новых цветов на палитре перестановкой 128 чистых
цветов, можно получить несколько миллионов вариантов цветов. При
создании цветов на компьютере можно создать 16,5 миллионов цветов.
Конечно, человеческий глаз не в силах ихразличить, а назвать их человек
тем более несможет.
Но все эти цвета можно определённым образом систематизировать.
Различают цвета ахроматические и хроматические.
Ахроматические цвета отличаются один от другого только степенью
яркости. Между самыми яркими (белыми) и самыми темными (черными)
существует множество оттенков серого цвета.
Хроматические цвета - это цвета и их оттенки, которые различимы
в спектре (рис.29).
Рис. 29. Хроматические цвета
Также цвета делятся на теплые и холодные.
Условно принято считать части спектра от зеленого к красному теплыми,от голубого к пурпурному - холодными. Пурпурный цвет 36
промежуточный.Тёплые цвета, как правило, вызывают бодрое настроение.
Их называют активными. Холодные, которые называют пассивными,
наоборот, успокаивают.
Теплые и холодные качества связаны с моделированием формы, а
также с трактовкой пространства и цветовой перспективой. Теневые и
освещенные части предметов в живописи всегда строятся на контрасте
теплого и холодного. Например, при дневном освещении свет холодный, а
тень теплая, при электрическом – наоборот.
На признаке тепло-холодности основано и пространственное
восприятие цвета. Создать впечатление глубины можно, используя
светлотную растяжку, а можно за счет верного распределения цветовв
пространстве. Например, легкие – прозрачные, холодные- небо, даль.
Тяжелые - темные, малонасыщенные, плотные (коричневый, черный,
фиолетовый) ассоциируются с землей.
1.3.5.Признаки и качества цвета
Когда дают характеристику какому-то цвету, то обычно говорят о
трех его признаках: цветовом тоне, насыщенности и светлоте.
Цветовой тон - это качество хроматического цвета, которое мы
можем приравнять к одному из спектральных цветов (красный, желтый, зеленый и т.д.).
Светлота– степень отличия данного цвета от чёрного, измеряемая
числом порогов.
Насыщенность - степень отличия хроматического цвета от
ахроматического той же светлоты, то есть, темнее или светлее. Чтобы
представить себе эту характеристику наполните две баночки водой.
Обмакивали кисть с акварельной краской, например красной, на разное
время в эти баночки. Если держать кисть с краской в баночках разное
время, тои количество краски попадёт в них разное. При этом мы увидим
различную насыщенность одного цвета.
Цветовой тон и насыщенность - качественные характеристики цвета,
а количественную его сторону характеризует светлота (напряженность)
цвета.
Малейшее изменение одной из трех величин влечет за собой
изменение цвета.
Собственные качества цвета – это те качества, которые ему
объективно присущи - цвет, насыщенность. Светлота же зависит от
освещения. Чем сильнее освещён объект, тем сильнее проявляются его
собственные качества.
Существуют три состояния, при которых меняется собственный
цвет:
37
- против света, когда отчетливо читается силуэт предметов, и
возникают цветовые ореолы по их краям;
- скользящее освещение, когда ясно чувствуется рельефность формы
предметов;
- рассеянное освещение, когда более точно видны очертания цветовых пятен предметов
1.3.6.Компьютерные цветовые модели
Художник традиционно смешивал краски на палитре. Способ
получения различных цветов на палитре изучается в учебном процессе
дисциплины «Живопись».
Компьютер позволяет также смешивать цвета.
Однако результат смешения одних и тех же красок на палитре
художника зачастую отличается от результата, полученного на
компьютере.
Теперь разберёмся со способами создания цветов при помощи
компьютера.
Работая за компьютером, современный дизайнер должен думать о
том, как получить на экране или на твёрдой копии именно тот цвет, тон,
оттенок, светлоту, которые ему требуются.
Очень не просто получить одинаковый цвет на экране, на распечатке
цветного принтера и на типографской оттиске. Дело в том, что цвета в
природе, на мониторе и на печатном листе созданы совершенно разными
способами. В связи с этим, для однозначного определения цветов в
различных цветовых средах существуют цветовые модели.
Цветовые модели – набор первичных цветов, используемых для
получения всех остальных цветов.
Рассмотрим основные цветовые модели, используемые при создании
изображений на компьютере.
Модель RGB предназначена для изображений, демонстрируемых с
помощью
компьютера.
Эта
модель
называется
аддитивной
(суммирующей) моделью RGB.В ней основными цветами являются:Redкрасный,Green–зелёный,Вlue – голубой.Так как данная модель является
суммирующей, при увеличении яркости отдельных составляющих будет
увеличиваться и яркость результирующего цвета. Если смешать все три
цвета с максимальной интенсивностью, то результатом будет белый цвет.
Напротив, при отсутствии всех цветов получается чёрный цвет. В
современных компьютерах воспроизводится 256 (от 0 до 255) значений
каждого из трёх цветов, следовательно, общее количество цветов на
мониторе 16,7 миллионов, что более чем достаточно для человеческого
зрения.
38
Рис. 30. Основные цвета модели RGB
Если же изображение создаётся длятого, чтобы затем его напечатать
на твёрдой копии, то целесообразно использовать модель CMYK. Дело в
том, что изображения на бумаге получаются путём последовательного
нанесения на бумагу красок различных цветов. Бумага является
изначально белой. Это означает, что она обладает способностью отражать
весь спектр цветов света, который на неё попадает. Чем качественнее
бумага, чем лучше она отражает все цвета, тем она, кажется белее. Чем
хуже бумаге, чем больше в ней примесей и меньше белил, тем хуже она
отражает цвета, и мы считаем её серой.
Путём нанесения на белую бумагу различных красителей, мы
уменьшаем количество цветов, которые она отражает.
Соответственно существуют комбинации цветов, смешивая которые
мы можем полностью поглотить все цвета, отражаемые бумагой, и сделать
её чёрной. Опытным путём была выведена комбинация цветов «фуксин –
циан -жёлтый» (CMY).В отличие от предыдущей цветовой модели, данная
модель использует так называемый субтрактивный синтез цветов. Она
использует параметры отраженного света. То есть, если цвет объекта, к
примеру, голубой (Cyan), это означает, что из белого цвета он поглощает
красный цвет, иначе говоря, он вычитается из белого. Если цвет объекта
пурпурный (Magenta), значит, он поглощает зеленый цвет. И наконец, если
цвет объекта желтый (Yellow), значит, он поглощает голубой цвет. Если
объект поглощает все цвета, мы видим его как черный. Но в реальной
жизни получается совсем чёрный цвет, а некий грязный бурый цвет.
Поэтому при печати используется чистый чёрный цвет краски. В модели
CMYK черный цвет назван скелетным или ключевым (Key). Аббревиатура
СМУК образована первыми буквами названий субтрактивных цветов.
Белый цвет в схеме отсутствует, это цвет бумаги. Значит, отсутствие
цвета в схеме CMYK соответствует белому цвету.
39
Краски много раз последовательно наносятся на лист бумаги и, в
результате получается цветное изображение.
Рис. 31. Основные цвета модели СМУК
Качество изображения на бумаге зависит от многих факторов;
качества бумаги, качества красителей, качества полиграфической машины,
качества разделения цветов (насколько точно сложное сочетание цветов
разложено на три цвета), качества освещения.
Главная трудность при переходе из системы RGB в CMYK
заключается в том, что на бумаге не могут быть представлены некоторые
цвета, которые с лёгкостью можно представить на экране. Например,
неоновое свечение на мониторе компьютера невозможно воспроизвести на
бумаги. А золотую краску на бумаге на компьютере можно представить
только в каком-либо другом виде.
Потому-то так много труда тратится при переводеизображения,
сделанного дизайнером на компьютере, в вид, который достойно будет
выглядеть при печати.
В основных программах векторной и растровой графики можно
заранее переключиться в режим CMYK и создавать изображение в этой
схеме.
Можно сделать вывод, что если мы используем источники света –
доминирующей системой является RGB. Эта модель используется для
создания изображений на компьютере, для демонстрации их на проекторе.
Для цветов, которые получаются путём смешивания красок,
пигментов или чернил на бумаге, полотне, другом материале, в качестве
цветовой модели используется система CMYK .
40
Существуют и другие цветовые модели, применяемые для различных
задач. Они изучаются в дисциплине «Компьютерная графика».
У дизайнера есть очень важный инструмент - «цвет» и умело его,
используя, можно достичь желаемого результата. Также очень важно для
дизайнера умело пользоваться освещением при проектировании
пространственных композиций. Желательно сразу создавать изображения в
подходящей цветовой модели.
1.3.7.Контраст. Виды контраста
В своей работе дизайнер, для достижения поставленной цели,
должен уметь гармонично сочетать между собой цвета, учитывать их
влияние друг на друга и, конечно, учитывать психологические
особенности восприятия человеком различных цветов.
Соседние цвета влияют друг на друга и воспринимаются нашим
зрением в зависимости от цветового окружения. Восприятие цвета
вследствие его сочетания с другими цветами называются одновременными
цветовыми
контрастами.Контрастэто
ярко
выраженная
противоположность (в том числе и цветовая).
Одновременный цветовой контраст возникает при наличии между
двумя цветами тональной разницы.
Суть одновременного светового контраста (ахроматического) заключается в том, что светлое пятно на темном фоне, кажется светлее, чем
оно есть на самом деле, а темное на светлом - темнее. Пятно называется
реагирующим полем, а фон - индуктирующим. Световой контраст зависит
от размера площади реагирующего поля: чем оно меньше, тем кажется
темнее, чем больше - тем светлее. То есть одновременный световой
контраст зависит от конфигурации реагирующего поля. Изменение
линейных размеров при одновременном световом контрасте называется
иррадиацией.
Этот вид контраста связан с такимпризнаком цвета как тон.
Существует тенденция цветов в контрасте отдаляться друг от друга
по цветовому кругу. Например, желтый цвет на оранжевом фоне будет
более бледным, чуть зеленоватым. А оранжевый на желтом цвете, будет
иметь чуть красноватый оттенок.
41
Рис. 32.Явление одновременного цветового контраста
Далее приведены наблюдения психолога Б.М. Теплова по
исследованиям цветового контраста:
-при сопоставлении холодных цветов контраст сильнее, чем при
сопоставлении теплых;
-слабое освещение повышает контраст, сильное – уничтожает;
-при сопоставлении менее насыщенных цветов (светлых или темных)
контраст больше, чем при сопоставлении более насыщенных.
Цветовой контраст, по насыщенности, особенно заметен при
сопоставлении ахроматических цветов с хроматическими цветами. На
черном фоне любой цвет понижает свою насыщенность, а на белом или
светло-сером - повышает. Этот эффект используют, когда нужно усилить
чистоту того или иного цвета.
На границе смежных (рядом стоящих) цветовых тонов, при условии,
что площадь регулирующего поля достаточно велика по отношению к
изучаемому, возникает пограничный контраст.Желтый на границе с
красным кажется зеленоватым, а в отдалении от него этот эффект
ослабевает. При наличии белой или черной полосы между цветами,
пограничный контраст исчезает (рис. 33).
42
Рис.33. Пограничный цветовой контраст
Пограничный контраст хроматических цветов (пограничный
световой контраст) связан с тональными отношениями. Часть светлого
цвета, находящаяся ближе к темному цвету, будет светлее, чем более
отдаленная часть. Этот эффект создает впечатление неровности, возникает
пространственная вибрация и эффект объемности. Если это впечатление
нежелательно и нужно погасить действие пограничного контраста, то
делается подравнивание светлот, то есть на стыке двух цветов – темный
высветляется или затемняется светлый.
Последовательный цветовой контраствозникает, когда мы
переводим взгляд с одного цветового тона на другой. Если мы будем долго
смотреть на зелёный квадрат, а потом закроем глаза, то увидим в качестве
остаточного изображения красный квадрат. Если же мы будем смотреть на
красный квадрат, то остаточным явлением будет зелёный квадрат. Этот
опыт может быть повторён с любым цветом, и каждым раз остаточным
изображением окажется дополнительный цвет.При этом на последнем
наблюдается оттенок не свойственный ему, это будет цвет
дополнительный тому, что мы видели прежде (если перевести взгляд с
ярко-красного предмета на серую поверхность, возникает зеленоватый
оттенок). Это происходит потому что, сетчатка глаза как бы запоминает
виденный цвет.
Малонасыщенные цвета такого контраста не вызывают.
Все вышеизложенные особенности дизайнер может использовать в
своей работе для создания гармоничных изображений.
1.3.8.Гармоничность сочетания цветов
Строгих законов цветовой гармонии не существует: одни и те же
сочетания приводят к различным эффектам в зависимости от соотношения
в композиции цветов, порядка их чередования, а также от размеров и
43
формы цветовых пятен. Сложные неяркие цвета требуют большей
площади, иначе они будут казаться грязными и тусклыми.
Как уже говорилось, многие учёные и художники задумывались над
гармоничным сочетанием цветов.При комбинации окрасок часто
сталкиваются с проблемой, почему одни цвета создают приятное
сочетание друг с другом, а другие режут глаз. Помогает решить эту
проблему цветовой круг.Для определения гармоничного сочетания
различных
цветов
пользуются
различными
цветовыми
(колориметрическими) кругами.
Далее представлен Круг естественных цветов по
Гете.Обозначение цветов и их название в цветовом кругедалее
представлены на рисунке.
Рис.34.Круг естественных цветов по Гете
К - красный;
КО- красно-оранжевый;
О– оранжевый;
Ж– желтый;
ЖЗ - желто-зеленый;
З- зеленый;
СЗ - сине-зеленый;
Ф - фиолетовый;
КФ- красно-фиолетовый;
С, К, Ж -основные (первичные) цвета для этого круга;
Ф, О, З- смешанные цвета первого порядка;
КО, СФ, КФи т.д. - смешанные цвета второго порядка.
На изображении круга можно увидеть треугольник, выполненный
основной линией. Это предпочтительные цветовые сочетания.
44
Треугольник, выполненный пунктирной линией, показывает допустимые
цветовые сочетания.
Наличие такого цветового круга также позволяет сделать следующие
выводы:
-контрастные сочетания дают цвета, расположенные друг против
друга (например, Ф и Ж). Расположенные рядом, они взаимно усиливают
друг друга, их сочетание гармонично;
- сочетание цветов, расположенных по углам либо основного, либо
перевёрнутого треугольника (например, С и Ж), менее гармонично;
- сочетание цветов, расположенных в круге под углом 90,
целесообразно для подбора «цветовых аккордов» в два, три или четыре
цвета. Например, СФ и З или ЖО и З, или все вместе, или три из них).
Далее рассмотрим большой цветовой круг Освальда.Большой
цветовой круг Освальда(рис.35)также применяется для образования
гармоничных сочетаний из двух, трех, четырех цветовых тонов. Он дает
более полную возможность составить необходимые сочетания. Например:
если в композиции имеется предмет с насыщенным цветом, то к нему
можно подобрать другой предмет, цвет которого усилил бы ощущение
насыщенности цвета первого.
Рис.35.Большой цветовой круг Освальда
Допустимые сочетания цветов - это цвета, расположенные через сектор,
использование цветов из соседних секторов приводит к дисгармонии.
Гармоничные сочетания цветов можно получить с помощью
вращающихся стрелок, которые следует расположить в центре круга.Если
направить одну стрелку на нужный цвет, остальные укажут на цвета,
гармонирующие с требуемыми цветами. Очень удобно создать такой круг
на компьютере и использовать его для проверки собственных комбинаций
цветов.
45
1.3.9.Цвет и психология
Восприятие цвета субъективно, оно зависит от психологического
состояния человека. Существует и обратная связь. С древнейших времён
известно специфическое воздействие цвета на человека. Цвет влияет на
аппетит, работоспособность, внимание, кровяное давление и другое.
По утверждению психологов, человек наделяет каждый цвет
определёнными свойствами, и это очень важно учитывать в дизайне.
Например, в комнате, освещённой красным абажуром, уютно и
тепло.Светлые стены классов и школьных коридоров дольше остаются
чистыми, так как они не провоцируют учеников пачкать
стены.Привлекателен и вызывает положительные эмоции ярко-голубой,
т.к. этот цвет устойчиво ассоциируются с летним небом.
Восприятие цветовых образов в известной мере
зависит от
субъективных предпочтений.
Простые чистые, яркие цвета, контрастные сочетания в основном
удовлетворяют потребностям людей со здоровой неутомленной нервной
системой. К их числу относятсядети, подростки, молодёжь, крестьяне,
люди физического труда, люди, обладающие кипучим темпераментом и
открытой, прямой натурой. И действительно, цвета и сочетания такого
типа мы встречаем как в детском художественном творчестве, так и в
творчестве художников-революционеров, таких как Матисс, Леже, Ле
Корбюзье. В качестве примера приведена картина художника – футуриста,
известного поэта В. Маяковского «Рулетка».
Рис.36. В.Маяковский «Рулетка»
46
Сложные малонасышеннные цвета, разбелённые, зачерненные, а
также ахроматические, нюансные сочетания скорее успокаивают, чем
возбуждают. Они вызывают сложные неоднозначные эмоции, нуждаются в
более длительном созерцании для их восприятия, удовлетворяют
потребность зрителя в тонких изысканных ощущениях, возникающую у
людей высокого культурного уровня. Эти сочетания свойственны стилям
«Рококо» и «Модерн».Известные французские художники Жан Оноре и
Франсуа Буше работали в стиле «Рококо» при французском дворе во
времена Людовика XV.
Рис.37. Ф.Буше «Портрет мадам Помпадур»
Цвет обладает эмоциональной выразительностью. Он может
создавать впечатление лёгкости и тяжести, торжества и уныния,
печали и радости.
Тёплые цвета, как правило, вызывают бодрое настроение. Их
называют активными; холодные (пассивные) наоборот, успокаивают.
А какой цвет что показывает?
Каждый цвет имеет определённое психологическое и физическое
воздействие на человека. Например:
Красный – тяжелый, насыщенный, горячий, активный, динамичный,
тревожный. В его присутствии усиливается мышечное напряжение,
учащается дыхание и повышается кровяное давление.Красный— цвет
страстей. Человек, который любит этот цвет, смелый, волевой, властный,
вспыльчивый и общительный, чаще всего альтруист.
У людей, которых этот цвет раздражает, комплекс неполноценности, страх
перед ссорами, склонность к уединению, стремление к стабильности в
отношениях.
47
Голубой – удаляющийся, лёгкий, прохладный, спокойный, свежий,
чистый. Этот цвет успокаивает, снижает кровяное давление, в больших
количествах вызывает ощущение прохлады.
Синий цвет- цвет неба, его обычно связывают с духовным
возвышением человека, его чистотой. Синий цвет – это постоянство,
упорство, настойчивость, преданность, самоотверженность, серьезность,
строгость.
Если человеку нравится синий цвет, это говорит о его скромности и
меланхолии, ровном, спокойном настроении, стремлении к сотрудничеству
и взаимопониманию. Эти люди - хорошие и исполнительные подчиненные.
В неприятии этого цвета раскрывается человек, который хочет произвести
впечатление всемогущего и всесильного. Но на самомделе он — образец
неуверенности и замкнутости.
Жёлтый– тёплый, радостный, подвижный. Зрительно увеличивает
объём, приближает, стимулирует умственную деятельность.Желтый
цветсимволизирует спокойствие, непринужденность в отношениях с
людьми, интеллигентность. Когда он любим, это означает общительность,
смелость, любопытство, легкую приспособляемость и получение
удовольствия от возможности нравиться и привлекать к себе людей. Когда
же он неприятен, то речь идет о человеке сосредоточенном,
пессимистически настроенном, с которым трудно завязать знакомство.
Оранжевый – лёгкий, тёплый, яркий, динамичный. Способствует
лёгкому
возбуждению,
улучшению
пищеварения,
кровообращения.Оранжевый — любимый цвет людей, обладающих
интуицией, и страстных мечтателей. Но в геральдике этот цвет означает
лицемерие и притворство.
Фиолетовый – далёкий, таинственный, холодный, выразительный.
Он уменьшает объём, стимулирует деятельность сердца и лёгкий,
увеличивает сопротивляемость простудным заболеваниям. Требует
тщательно подбора сочетаний с другими цветами.
Розовый - это цвет жизни, он говорит о потребности любить и быть
добрее. Те, кому он нравится, люди впечатлительные и эмоциональные,
могут радоваться по самому незначительному поводу. Этот цвет часто
любят маленькие девочки. У людей прагматичных и рациональных такой
цвет вызывает раздражение.
Коричневый цвет- скрытный, спокойный, традиционный. Все его
оттенки предпочитают те, кто твердо и уверенно стал на ноги, кто ценит
традиции, семью. Когда же такой цвет неприятен, это говорит о
самолюбии и эгоизме, о том, что этот человек скрытен, с трудом идет на
откровенность.
Зеленый цвет - спокойный, умиротворённый, расслабляющий, цвет
надежды и открытого пути. В психологическом портрете несет немного
48
иные функции. Люди, предпочитающие этот цвет, настойчивы, иногда
упрямы в достижении цели. Они очень разборчивы в знакомствах и не
очень хорошо ладят с сослуживцами из-за собственной несговорчивости,
негибкости, критичности.
Белый цвет - это синтез всех цветов, поэтому он является
«идеальным» цветом, «цветом мечты». В психологическом отношении это
малоинформативный цвет, поскольку, как установили исследования, его
предпочитают люди с совершенно противоположными чертами характера.
Единственное, о чем он может свидетельствовать, да и то косвенно, об
аккуратности и чистоплотности человека, предпочитающего этот цвет в
своей одежде и в своем доме.
Черный цвет- закрытый, трагичный, строгий,символизирует
мрачный подход к жизни. Тот, кто предпочитает одеваться в черное,
неуверен в себе, несчастлив, поскольку не сомневается, что его идеалы в
жизни недостижимы. Частая смена костюма или платья черного цвета на
более яркий, броский - показатель того, что пессимистические настроения
временами развеиваются.
Серый цвет-нейтральный, рассудительный, спокойный, любимый
цвет рассудительных и недоверчивых, ранимых натур, которые долго
думают, прежде чем принять какое-то решение. Этот нейтральный цвет
выбирают
люди
с
повышенным
эмоциональным
контролем.
Онипредпочитают оставаться в тени и не вступать в большое количество
контактов.
В настоящее время учёные многих стран, экспериментируя с
воздействием цвета на психику, дают рекомендации практического его
использования во всех областях человеческой деятельности. К примеру, в
производственной сфере цвет - прекрасное средство оптимизации
производства, для повышения производительности труда, снижения
усталости.
При оформлении зон отдыха, интерьеров жилых помещений и
офисов необходимая атмосфера создаётся именно с помощью цвета. Для
динамичного, активного времяпровождения используются контрастные,
яркие сочетания. А для тихого, спокойного отдыха – мягкие, пастельные
цвета.
Исследования показывают, что из всего спектрального разнообразия
больше всего утомляет сетчатку глаза фиолетово-синий, чуть меньше –
красный и меньше всего – зелёный цвет.
Оранжево-жёлтый, жёлтый, голубой, а также белый уменьшает
зрительное и цветовое утомление, и относятся к группе оптимальных
цветов.
Красный, синий, фиолетовый цвета, как бы подчинены первой
группе и называют субоптимальными цветами.
49
Третью
группу,
так
называемых
предохранительных
цветов,составляют максимально насыщенные цвета. Они используются
при окраске транспортных средств, станков, инструментов – иными
словами, предметов, которые могут представлять опасность для человека.
1.3.10.Некоторые виды цветовой гармонии
Как уже ранее было сказано, цветовые контрасты существуют без
нашего на то желания. Это восприятие мозга.
Последовательный и единовременный контрасты указывают на то,
что глаз получает ощущение удовлетворения и равновесия только при
осуществлении закона дополнительных цветов.
Два цвета более гармоничны (дополнительные), если при их
смешивании получается нейтральный серый цвет.
Каждая пара дополнительных цветов содержит все три основных
цвета:
Красный – зеленый, = красный, желтый, + синий;
Синий – оранжевый, = синий, желтый, +красный;
Жёлтый – фиолетовый, = жёлтый, красный, + синий.
Удовлетворение глаза требует общей цветовой суммы (нейтральносерого цвета), и только в этом случае он оказывается в состоянии
гармонического равновесия.
Независимо от взаиморасположения цветов на цветовом круге для
создания цветовой гармонии большое значение имеет их количественное
соотношение, степень чистоты и светлоты цвета.
Преобладание (более 50%) оттенков красного цвета, говорит о
колорите в красных тонах. Но если другой цвет также приближается к
такому, же количеству, то уже сложно говорить о красноватом колорите.
Если же оттенков одного цвета слишком много (более 50%), то
композиция кажется неприятно монотонной.
Ф.В. Ковалёв, использовавший пропорции «золотого сечения» не
только в построении композиции, но и в количестве цвета, рекомендовал
следующие соотношения. «Количество светлого, среднего и тёмного в
любом произведении живописи или графики также подчиненно действию
закона золотой пропорции. Наиболее гармонично сочетание величин
площадей по тону, выраженных арифметически: 62, 24, 24 (24+14=38).
Если в картине – 14 частей тёмного, 24 части светлого, то 62 части
приходится на тон средней светлоты. «Троица» Рублёва выполнена так,
что в ней светлые тона составляют 14 частей, тёмные 24 части. Все
средние тона составляют 62 части». Далее он приводит анализ
произведений И.Е. Репина, где находит те же закономерности. И делает
вывод, что ряд чисел, соответствующих ряду Фиббоначи, и составляющий
50
в сумме 100%, соответствует количеству тонов тёмной, средней и светлой
светлоты. Сущность математической пропорции «Ряд Фиббоначи» будет
подробно рассмотрена в последующих лекциях. Конечно, нельзя
абсолютизировать пропорцию «золотого сечения», но использовать как
один их методов возможно.
Напомним, белый и чёрный цвет и все оттенки серого, называются
ахроматическими. Все прочие цветаназываются хроматическими.
Белый цвет осветляет, делает "легче" любой другой. Черный, наоборот,
затемняет любой другой хроматический, делает его более
мрачным,торжественным.
Сочетание оттенков одного тона разной интенсивности, полученных путем
добавления белого цвета к основному цветовому тону (например, от
красного до розового, от синего до голубого), никогда не приводит к
дисгармонии. "Цветовой аккорд" воспринимаетсявоздушным, спокойным.
Хроматические цветовые тона с ахроматическими цветами наиболее
гармоничны в следующих сочетаниях: красный, оранжевый и желтый
(теплые) - с черным цветом. Голубой, синий, фиолетовый (холодные
цвета) - с белым цветом.
Наиболее распространенные типы цветовых гармоний:
- двуцветная однотонная;
-двуцветная контрастная;
-трехцветная однотонная;
-трехцветная однотонно – контрастная;
-четырёхцветная (исключение.)
Для определения контрастных цветов можно воспользоваться
цветовыми кругами.
А знаете ли вы, какой цвет, что показывает и с каким гармонирует?
Давайте рассмотрим.
Далее приводятся примеры сочетания цветов.
Белыйцвет - со всеми цветами.
Розовый цвет - с белым и нежно-голубым цветами. Розовый цвет это промежуточный между красным и белым тонами.
Красныйцвет - с желтым, белым, бурым, синим и черным.
Необходимо избегать совмещения красного цвета с фиолетовым и
лиловым цветами.
Оранжевый цвет - с голубым, синим, лиловым, фиолетовым и
белым тонами. Является промежуточным между красным и желтым
тонами.
Желтый цвет - с синим, фиолетовым, лиловым. Желтый цвет без
отделки или дополнения к нему малопривлекателен. Плохо сочетается с
белым цветом. К оранжевому и желтому цветам очень подходит контрастный
черный цвет.
51
Коричневый цвет - с небесным, кремовым, желтым, розовым,
оранжевым, зеленым и бежевым цветами.
Зеленыйцвет - с коричневым, оранжевым, салатным, желтым и
белым цветами и только светлая зелень - с серым и черным тонами. Он
является промежуточным между холодными и теплыми тонами.
Синийцвет бывает светлых и темных тонов.
Светло - синий - с белым, желтым, оранжевым, розовым цветами.
Является промежуточным цветом между красным, и синим цветами.
Темно - синий - со светло-синим (голубым), белым, серым, красным
и желтым цветами.
Фиолетовый цвет - с белым, желтым, оранжевым, розовым цветами.
Является промежуточным между красным и синим. Светлые тона
фиолетового цвета называются лиловыми. Сочетаются они с желтым,
оранжевым, серым и белым цветами.
Черный цвет, белый и серый используются как отделка. Неплохо
выглядит черный цвет в соседстве с оранжевым, желтым, розовым,
красным, сиреневым и салатным тонами.
Конечно, же, знание теории цвета, обогатит работы любого автора,
но роль индивидуального подхода не стоит отменять. Каждый художник –
индивидуальность, в своих произведениях он проявляет свою личность, и
конечно, подходы к выбору цветов также индивидуальны.
Цвет играет огромную роль при создании композиций. Он является
важным инструментом, который позволяет воздействовать на зрителя
нужным образом. Гармоничные сочетания цветов вызывают у человека
положительные эмоции, приносят ему эстетическое удовольствие, что
очень важно при создании любых объектов, окружающих человека.
1.4.Средства создания изображений. Фактура
1.4.1.Понятие «Фактура»
Фактура – это одно из свойств предметного мира, наряду с формой
и цветом помогающее ориентироваться в окружающей действительности, а
также одно из средств выражения художественного образа произведения.
Фактура это характер поверхности предмета, определяющийся свойствами
материала, из которого он состоит, и способом его обработки.Так, фактура
камня или дерева в зависимости от задач от автора и создаваемого им
художественного образа может стать гладкой, дающей блеск, или остаться
шероховатой, грубо обработанной.
Понятие «фактура» применимо к объёмной и к пространственной
композиции. Но иногда и во фронтальных композициях с использованием
различных материалов их фактура играет свою роль. Особенно при
52
оформлении интерьеров различных зданий,
мы можем встретить
сочетание различных фактур. О различных видах композиции мы
поговорим далее.
Фактуру поверхности мы воспринимаем не только зрительно, но и
осязательно – проводя рукой по предмету. Однажды соприкоснувшись с
фактурой, мы надолго запоминаем полученное ощущение. И часто
повстречав в жизни подобное ощущение от соприкосновения с фактурой, у
нас возникают ассоциации, которые навевают воспоминания.
Всем известны мягкие детские игрушки. Обычно они сделаны из
мягкого пушистого материала. Такую игрушку ребёнок хочет обнять,
прижать к себе. И взрослые люди, держа в руках такую игрушку, также
вспоминают ощущения испытанные ими в детстве.
Деревянные изделия удачно дополняют интерьер наших жилищ,
делают его более тёплым и «человечным». Многим людям известно, как
комфортно себя мы ощущаем в деревянном доме.
Металлические изделия окружают нас повсюду, многие
металлические изделия человек использует в быту. Каждое изних
производит своё воздействие на человека. А те, кто бывал в СанктПетербурге, надолго запомнят прекрасную кованую решётку Летнего сада.
И впечатление ею оставленное. Примеры можно продолжать.
Хотелось бы подчеркнуть важность фактуры при создании
художественного образа, её влияние на его запоминаемость.
По определению большой советской энциклопедииФактура (от
латинского «factura» – обработка, строение) в изобразительных
искусствах, характер поверхности художественного произведения, её
обработки. В живописи Фактура – характер красочного слоя.
Фактура, так же как и цвет может вызывать у человека различные
эмоциональные ощущения, оказывать на него психологическое
воздействие. Она может быть приятной и неприятной, беспокойной и
монотонной, радостной и скучной, роскошной и бедной, нежной и
колючей.
В сочетании с формой фактура объёма или пятна может значительно
усилить воздействие на зрителя, на его чувственно-эмоциональное
восприятие.
Трудно представить себе форму без цвета, но фактуру вне
конкретного материала и формы представить просто невозможно.
Соответствие формы и фактуры, их единство – одна из важнейших
проблем, которую необходимо решить художнику.
Любая форма должна соответствовать тому материалу, из которого
она изготовлена. Материал, используемый при формировании
предмета, играет ключевую роль в проектировании его внешнего
облика (определяющим фактором являются свойства данного материала).
53
Например, автору нужна для решения определённого образа тяжёлая,
неподвижная форма. И фактура должна соответствовать этой задаче. Это
может быть камень, бетон, необработанный металл. Если же необходимо
выразить лёгкий романтический образ, то выбор материала или нескольких
материалов должен соответствовать образу. Это могут быть воздушные
лёгкие ткани, стеклянные изделия, зеркальные поверхности.
Фактура может даже изменить восприятие цвета. Например, жёлтый
мех и жёлтый атлас воспринимается человеком по-разному
Фактура, кроме эстетической ценности, имеет физическую
характеристику, как и свет. К физическим свойствам фактуры относятся
гладкость, шероховатость, колючесть, скользкость, бугристость,
пушистость, мягкость. Во многих случаях это зависит от технологии
обработки материалов (плетёные, прорезные, тиснёные, жатые, гранёные и
т.д.). На рисунке 38 мы видим объёмную композицию, состоящую из
различных предметов, имеющих различную фактуру. Это создаёт
определенный контраст, который и привлекает внимание к композиции.
Рис.38. Объёмная композиция
Очень интересно проанализировать предметы, созданные народными
мастерами. У каждого из них свой почерк, свои излюбленные материалы.
На любой выставке мы можем найти достойные образцы. Также хочется
заметить, что у каждого народа имеются свои излюбленные формы и
материалы. Всем известны металлические кувшины, украшенные
чеканкой, выполненные грузинскими мастерами. Украинский народ создал
множество образцов глиняной посуды. У северных народов мы можем
увидеть прекрасные изделия, выполненные из оленьего меха (рис.39).
54
Примеры можно продолжить. Хотелось бы подчеркнуть, что каждый народ
выбирает доступный ему материал и создаёт целесообразные формы.
.
Рис.39. Ямальский сувенир
Если обратиться к искусству, то роль фактуры особенно возрастает в
творчестве скульптора. Автор вначале прорабатывает форму будущего
произведения, а затем подбирает подходящий материал. Но хотелось бы
заметить, что и материал, в свою очередь, влияет на форму
Хотелось бы отметить роль освещения.
Многие фактурные
поверхности выглядят более заметно и выигрышно при дополнительном
освещении. Это свойство можно выгодно использовать при создании
интерьеров. А на архитектурные сооружения, конечно же, влияет
естественное освещение. Многим знакомо это ощущение, когда один и тот
же любимый уголок города или сада, удивляет нас вновь своим
необычным видом. Известный французский художник - импрессионист
К.Моне рисовал здание собора при утреннем освещении, днём и на закате.
И каждый раз у него получались в чём-то похожие, но совершенно разные
картины.
На многих людей очень воздействует форма, особенно объёмная, на
многих цвет. Мы часто забываем о фактуре, но попробуйте её заменить
даже на знакомом нам предмете и мы увидим этот предмет совершенно поновому. А если её вообще исключить, то очень многие композиции
покажутся нам маловыразительными и бедными.
Также хотелось бы отметить, что никакая фотография или
репродукция не смогут воздействовать на нас так, как непосредственно
само произведение.
55
Рис.40. К. Моне «Здание парламента в Лондоне»
Тем более, ни какое изображение не даст нам ощущение фактуры
поверхности, а значит,
мы не полностью воспримем весь образ,
задуманный дизайнером.
Хотелось бы различить понятие «фактура» и «текстура».
По определению словаря –«Текстура (от латинского «textura» ткань,
связь,
строение),
преимущественная
ориентация
кристаллических зёрен (кристаллов) в поликристаллах, или молекул в
твёрдых аморфных телах (жидких кристаллах, полимерах),
приводящая к определённым свойствам материала».
1.4.2.Материалы композиционного формообразования
При всей важности правильного использования средств
гармонизации композиции (о композиции будем говорить в последующих
лекциях), связанных с категориями соразмерности и согласованности,
особое внимание должно быть обращено на такие ее средства, как
объемно-пространственная структура и тектоника, поскольку именно они,
прежде всего, связаны с особенностями архитектурного и дизайнерского
творчества. И в отдельных сооружениях, и в комплексах всегда между
собой взаимодействуют внутренние и внешние пространства.
Рассмотрим различные материалы и присущие им свойства.
Глина-легка и из нее просто формуются одинаковые строительные
блоки - кирпичи, и изделия простой геометрической формы. Человечество
с древних времён использует его для производства предметов обихода, а в
56
последствие и для строительства зданий. Но она очень хрупка. Поэтому,
изделия получаются довольно простой игрубой формы. В изделиях
используется часто локальный цвет, присущий глине. На рисунке 41
представлены образцы древнегреческой керамики. Многие народы
используют этот материал по своему, но всем известны строительные
материалы – кирпич и черепица. Эти изделия сами по себе совсем простой
формы, но из большого их количества, получаются неповторимые
архитектурные шедевры. Всем известны крыши старого Таллинна или
город – музей Флоренция, где не только отдельные здания, а целые
кварталы и весь город в целом образуют собой неповторимый шедевр
архитектуры, выполненный из кирпича и черепицы!
Рис.41. Античная керамика
Фарфор – тонкое изящное творение (рис.42).Фарфор хрупкий, но
довольно пластичный материал. Впервые этот материал был получен в
средневековом Китае.Настоящие изделия изкитайского фарфора отличают
простота и спокойствие форм. А изысканная красота, неповторимый декор
ставят фарфоровые изделия в ряд произведенийискусства. Очень тонкий
фарфор иногда даже прозрачен.
57
Рис.42. Изделия из фарфора
Но наряду с изделиями простой лаконичной формы фарфор даёт
возможности создавать даже скульптурные композиции и изысканные
фарфоровые кружева.
Рис.43.Художественный фарфор
Стекло – довольно «молодой» материал. Используется для
производства товаров для человека. Он достаточно хрупок, но прозрачен,
что сделало его незаменимым при строительстве домов. Изделиям из
стекла присущи простые формы, построенные на прозрачности
58
материала.Невозможно представить современный быт человека без стекла.
Окна в наших домах, посуда, даже зеркала выполнены из этого материала.
Рис.44. Изделия из стекла
Из стекла можно изготовить изделия довольно сложной формы, и
даже скульптурные формы, что и делают мастера из города Гусь
Хрустального, где и на сегодняшний день существует художественный
стекольный промысел.
Рис.45. Художественное изделие из стекла
59
Металл – незаменимый материал в жизнедеятельности человека.
Различные его виды имеют разные свойства, но можно сказать о присущей
ему твёрдости и пластичности. Многие изделия в нашем быту созданы из
металла. Изделиям из металла присуща обобщённая форма, блеск,
отсутствие рисунка (рис.46).
Рис.46. Посуда из металла
Из кованого металла модно изготовить совсем иные формы, более
сложной и замысловатой формы. Примеров можно привести много, от
летней мебели в саду, до кованых решёток и ворот садов в Париже. Также
всем известны литые формы из металла, которые всегда будут иметь
некоторые закругления в силу технологии изготовления.
Рис.47.Кованая решётка Летнего сада
60
Пластмасса–полимерный материал. Довольно недавно стал широко
применяться для производства изделий, необходимых человеку, он имеет
ряд замечательных свойств. Например, этот материал даёт почти нулевые
радиусы, возможна пластичная конструкция. Любая форма выявляется
материалом. А чего только не изготавливают из пластмассы - от столовых
приборов, различной упаковки до садовой мебели. Всего и неперечислить.
Рис. 48. Изделия из пластмассы
Камень, пожалуй, один из самых старых материалов, используемых
человеком. В странах Востока и Средней Азии до сегодняшнего дня
изготавливают жилые дома из камня. Известны каменные дворцы древнего
города Самарканда. Но не менее известны и рыцарские замки,
построенные на территории Европы. Камень очень тяжел, хрупок.
Поэтому, формы, которые из него создаются, имеют простую
геометрическую форму.
Рис.49. Изделия из камня
61
Поэтому формы, выполненные из камня лаконичны и геометрически
просты, хотя возможно и создание сложных поверхностей. Всем известны
хранящиеся в Эрмитаже малахитовые вазы, выполненные уральскими
мастерами из цельного куска камня.
Рис.50. Малахитовая ваза в Эрмитаже
Деревоочень распространённый материал.При этомиз него можно
выполнить самые разнообразные формы, как простые геометрические, так
и сложный орнамент. Древесные стволы имеют определенную длину,
толщину и довольно упруги, позволяя перекрывать значительные
пространства. Издавна дерево является одним из основных строительных
материалов и, благодаря своим незаменимым свойствам, используется до
сегодняшнего дня.
Можно привести,в качестве примера,
шедевры деревянного
зодчества русского севера в Кижах. Стоит напомнить, что эти постройки
выполнены без единого гвоздя. В них используются элементы очень
сложной формы. Дерево – материал, позволяющий выполнять самые
62
сложные формы. Здесь также стоит вспомнить
наличники, украшающие жилые дома.
деревянные резные
Рис.51.Деревянная архитектура
Окружающие предметы воспринимаются человеком исходя из своих
разменов, масштабов и близости к человеку (приближенность к человеку,
благодаря размерам, соизмеримым с его собственными размерами). Сама
форма может выражать динамику или статичность, симметрию или
асимметрию, что тоже влияет на её «симпатию» с человеком. Учитывая
это, следует находить форму согласованную не только с
особенностями предмета, но и с особенностями человеческой
жизнедеятельности (антропометрия, эргономика).
Фактура – одно из важных средств композиции. Объёмно пространственные композиции немыслимы без фактуры. Один и тот же
объект будет восприниматься по – другому, если заменить материал, из
которого он изготовлен. Дизайнер, занимающийся проектированием
любой объёмно – пространственной композиции должен учитывать
влияние
фактуры
используемых
материалов
на
восприятие
проектируемого изделия.
63
Раздел 2. Законы композиции
2.1.Основы композиции. Основные понятия
Что такое «Композиция»? Что такое «Гармония»? Что есть
«Красивое» и «Некрасивое»?Почему большинство людей находят
прекрасными древнегреческие храмы и античные скульптуры?
Над понятием «Гармония» задумывались многие великие люди. К
ним можно отнести Платона, Дюрера, Леонардо да Винчи. И все они,
каждый по своему, пришли к выводу, что гармония – этоопределённое
сочетание противоположенностей, их равновесие.Так как философский
закон о единстве и борьбе противоположенностей присутствует во всех
явлениях природы и во всех объектах живой и неживой природы, то
противоположенностиприсутствуют и в любом произведении, созданном
человеком.
Задача художника и дизайнера состоит в том, чтобы уравновесить
эти противоположенности, сгладить их, тем самым создать гармоничное во
всех смыслах произведение (изделие). Гармония, прежде всего, должна
быть между замыслом автора и средствами воплощения этого замысла.
Композиция отсутствует в хаотическом нагромождении предметов.
Отсутствует и там, где содержание однородно, однозначно, элементарно.
Например, слой гальки на берегу реки, кирпичная кладка стены, структура
кристалла не являются композицией.
И наоборот, композиция необходима любой целостной структуре,
достаточно сложной. Логика построения и красота, гармония в
соотношениях частей целого присуща, не только творениям человека.
Признаки композиции мы обнаруживаем в природных формах, в строении
растений, животных организмов, в строении вселенной. Поэтому слово
«композиция» равно применимо к описанию цветка, к построению книги
или ораторской речи.
Считается, что первым употребил слово «композиция» по
отношению к произведению искусства итальянский учёный, живописец и
архитектор Леон Баггиста Альберти (1404-1472), считавший, что
«Композиция – это такое разумное основание живописания, благодаря
которому части видимых вещей складываются в картину».
Слово «композиция» происходит от латинского«Compositio». Это
означает - сочинение, составление, связь, сопоставление.
Существует много определений понятия «композиция». Многие
известные учёные и художники занимались тем, чтобы дать
исчерпывающее определение композиции.
Например, в словаре иностранных слов даётся такое определение:
«Композиция в литературе и изобразительных искусствах 64
построение
произведения,
соотношение
отдельных
частей
(компонентов) произведения, образующих единое целое».
Советский художник К.Ф. Юон отмечает, что «Продуманную и
завершённую композицию рассматривают как образную формулу, в
которой приведены к смысловому и формальному единству все части
картины».
«Композиция есть завершённая целостность, определённая смыслом
произведения» - утверждает художник и искусствовед Н.Волков.
Советский художник Е.А. Кибрик говорил, что «Композиция
закономерно устроенный организм, все части которого находятся в
неразрывной связи и взаимосвязи. Характер этой связи и взаимосвязи
определяется идейным замыслом художника. Конструктивная идея,
свойственная природе замысла, даёт практическую основу композиции».
Наконец, хотелось бы привести высказывание великого
французского художника А. Матисса: «Композиция есть искусство
размещать декоративным образом различные элементы, которыми
располагает художник для выражения своих чувств. В картине каждая
часть будет видна и будет играть роли, которая ей предназначена, роль
главную или второстепенную. Всё что не имеет пользы для картины, тем
самым вредно. Произведение несёт гармонию целого: всякая излишняя
деталь займёт в восприятии зрителя место другой, более существенной
детали.
Я не могу рабски копировать натуру, я вынужден её
интерпретировать и подчинять духу картины. Когда все отношения тонов
найдены, то в результате должен получиться живой аккорд тонов,
гармония, подобная гармонии музыкальной композиции. Для меня всё
заключается в концепции, необходимо, поэтому с самого начала иметь
ясное представление о целом».
Число примеров определений понятия «Композиция» можно
продолжить. Из них всё же следует, что композиция – это строение,
обеспечивающее взаимосвязь частей, обеспечивающее целостность
изображения, направленное на раскрытие содержания, идеи
произведения.
Остановимся на академическом определении понятия «композиция».
Композиция – это строение формы произведения искусства,
направленное на раскрытие замысла автора.
Как пишет Ф.В. Ковалёв,«найти законы композиции и построить
научную теорию можно только тогда, когда законы композиции мы не
будем конструировать на основе умозаключений, а будем исходить из
реально существующих объективных законов формообразования в
природе и искусстве. Научная теория композиции, как и всякая иная
теория, опирается на научные знания. Леонардо да Винчи отмечал, что
65
только- то знание истинно, которое проверено математикой. Наука о
композиции не является исключением». Как далее пишет Ковалёв, «теория
композиции станет истинно научной и законы композиции будут
неопровержимо убедительны только тогда, когда мы найдём возможность
применить к ним хотя бы одну из математических наук, например
геометрию или арифметику, или ту и другую вместе».
Научный подход к тайнам искусства был заложен ещё в Древней
Греции. Древнегреческие учёные - педагоги призывали своих учеников
овладеть искусством с помощью науки.
Чувственно воспринимая, человек измеряет. Но чувства могут
приводить к ошибкам. Например, известно такое свойство восприятия как
зрительная иллюзия, которое определённо приводит к ошибочным
оценкам.
Упомянутый выше Л. Альберти высказывал пожелание, чтобы
живописец был как можно больше сведущ во всех свободных искусствах,
но прежде всего, чтобы он узнал геометрию. Математика есть такая наука,
которая восполняет несовершенство наших чувств.
В середине 19 века в России возникло, а затем и оформилось
направление эстетической мысли, которое в основу подхода к явлениям
искусства положило критерий научности. При создании чего – либо
нового, стали широко привлекаться данные естественных наук. Особенно
возрос интерес к «Золотому сечению». Об
этом понятии мы поговорим
позднее.
Понятие «композиция» можно рассматривать в нескольких аспектах.
Исходя из трактовки А. Григоряна, понятие композиции имеет
несколько значений. Автором понятие «Композиция» понимается
диалектически. Рассмотрим эти значения более подробно.
1.Композиция, какпроцесс построения. На основе композиционных
законов и с помощью композиционных средств организация элементов
композиции происходит процесс проектирования.
2. Композиция, какобъектвосприятия. С точки зрения
психофизиологических особенностей восприятия человека завершенная
композиция воспринимается определённым образом.
3. Композиция как результатпроцесса построения. Композиция
рассматривается как завершенное художественное целое. Она должна быть
цельной и гармоничной и вызывать определённые чувства (те, что задумал
автор).
Композиция, как организующее начало, необходима при создании
форм предметного мира - бытовых предметов, машин, зданий и других
объектов дизайна и архитектуры, так как все они состоят из различных
более мелких элементов.Она так же выступает,
в роли средства
организации информации и в роли средства построения художественной
66
формы. То есть мы видим некоторую двойственность, и даже
противоречие, что подтверждает один из законов философии (о единстве и
борьбе противоположенностей). То есть, композиция является
одновременно категорией содержания, (так как выявляет смысл), и
категорией формы (так как гармонизирует форму). Таким образом, через
композицию осуществляется неразрывное единство содержания и формы.
Гармонизируя форму,композиционное построение тем самым
обогащает содержание и повышает ценность произведения в целом.
Следует заметить, что понятие «содержание» всегда шире, чем
понятие темы, сюжета, идеи, ибо оно включает в себя переосмысленный в
процессе творчества «преодоленный» материал и художественную
ценность, которую произведение приобретает благодаря разработке
формы.
Форма и содержание в произведении представляют собой
диалектическое единство, рожденное в борьбе, в преодолении
материала.
Форма и содержание органически слиты между собой в конечном
результате.
Прекрасным примером, где воедино слиты форма и содержание,
является картина В. Врубеля «Демон» (рис.52). Странные, невероятно
красивого цвета цветовые пятна неожиданно складываются в неведомые
фантастические цветы. Сама фигура прекрасного молодого демона также
состоит из отдельных цветовых пятен. Всё же вместе представляется нам
неведомым миром, где неведомый герой (демон) так же может грустить,
как и человек.
Рис.52. В.Врубель «Демон»
67
Чтобы определить законы, по которым строится композиция,
вначале необходимо выявитьпризнаки композиции, понять, чем
композиция отличается от хаотичного нагромождения элементов в
пространстве или на плоскости.
Более подробно рассмотрим признаки композиции на различных
примерах изобразительного искусства.
2.2.Признаки композиционного построения
2.2.1.Наличие цели
Композиция в изобразительном искусстве связана с необходимостью
передать основной замысел, идею произведения наиболее ясно и
убедительно.Главное в композиции - создание художественного образа.
Композиционное построение формы предполагает наличие
замысла, (цели, идеи). То есть, сам вопрос о создании какого-либо
произведения должен зависеть от первоначальной идеи, она должна быть
целесообразна.
Принцип целесообразности заключается в том,что авторский
замысел и весь строй произведения предполагают наличие цели, идеи,
смысла, художественной задачи, что и определяет, в конечном счете,
развитие содержания произведения и направляет творческий процесс
переработки материала в художественную форму.
Так и поступали великие художники во все времена. Например,
мастера эпохи возрождения, такие как Рафаэль, Микельанжело, Леонардо
да Винчи создавали такие произведения, которые потрясают людей и
сегодня.
Рис.53. Леонардо да Винчи «Мадонна Литта»
68
Это связано не только с мастерством выполнения, но прежде всего с
идеей, лежащей в основе произведения. Например, на картине Леонардо
да Винчи «Мадонна Литта» изображена мать и её ребёнок. В роли матери
выступает Богородица, а в роли ребёнка - Христос. Весь образ матери
выражает бесконечную любовь и нежность. А в глазах младенца мы видим
человеческую мудрость. Сюжет «Мать и дитя» - вечен. И основную идею
этого великого произведения можно выразить так - любовь настоящей
матери безусловна, бесконечно нежна и преданна.
Наличие замысла, идеи мы можем обнаружить и в прекрасных
примерах русской живописи. Например, в картинах нашего земляка В.
Сурикова, мы видим, прежде всего, грандиозный замысел и затем
прекрасное его воплощение. За основу своей работы В. Суриков брал
какое - либо событие или исторический факт, исследовал его. Из этого
исследования он выносил какую-то основную идею и мастерски воплощал
эту её в своей работе. Далее представлена картина «Взятие снежного
городка» (рис.54). За основу взята традиционная народная забава на
Масленицу. Пожалуй, это одна из жизнерадостных картин художника.
Мороз, солнце, смех, молодецкая удаль – всё сливается воедино. На взгляд
автора, главная идея картины – жизнь хороша! Кстати, для многих
персонажей в картине использованы этюды с портретами сибиряков красноярцев. На этой картине мы также можем увидеть родных людей В.
И. Сурикова.
Рис.54. В. Суриков «Взятие снежного городка»
П. П. Чистяков, великий педагог, воспитавший целую плеяду
прекрасных русских художников, много времени уделял вопросам теории
69
композиции. Известен глубокий интерес П. Чистякова и других русских
художников к научным данным своего времени. Но, в,то, же время, они на
первое место ставили мысль, идею. П. Чистяков говорил, что он «всё
подчиняет идее. Сюжету соответствует приём, идея подчиняет себе
технику».
В картине может преобладать или образно-сюжетное начало или
структурное начало, выраженное в формальных отношениях элементов
композиции. Это зависит от вида искусства.Но композиция, будучи
понятием организующим, органически соединяет в себе оба эти
начала, и закономерности ее построения подчинены закону
гармонического единства содержания и формы.
2.2.2.Наличие определённых границ
Ещё однимхарактерным признаком композиционного построения
является то, что оно всегда развивается в определенных границах. Эти
границы определяются не только пространственными ограничениями.
Смысл границ, рамок в том, чтобы отделить мир реальный от мира
изображаемого. Любое произведение живописи, плакат или рекламное
объявление расположено на какой - плоскости. Объёмно пространственная композиция занимает определённый объём в
пространстве. То есть у композиции всегда имеются какие-либо границы.
Рис.55. П. Гоген «Женщины Гаити»
Композиция
может
быть
замкнутой,
вписывающейся
в
определенную форму и подчиненной ей, может быть открытой,
70
предполагая мысленное продолжение изображение в пространстве. Если
рассмотреть картину Гогена «Женщины Гаити», то и здесь мы увидим
определённые границы. На ней мы видим двух молчащих женщин,
связанных между собой какой-то связью. Это могут быть родственницы,
подруги, просто знакомые женщины только - что закончившие
разговор.Здесь как раз присутствуют границы по смыслу, которые
отделяют мир, изображаемый от мира реального (рис.55). Хотя одна из
женщин смотрит в сторону, и наблюдает за каким- то действием, что
предполагает дальнейшее развитие сюжета.
В любом случае внешние границы и тип композиции определяются
внутренними связями между ее элементами. Эти композиционные узлы и
нити держат ее изнутри в пространственно-временных границах.
2.2.3.Структурность внутреннего строения
Конечно, в сюжете не все одинаково важно, и второстепенные части
подчиняются главному. Рассмотрим картину Боттичелли «Весна». В ней
явно просматривается несколько групп, в которых происходит
определённое действие. Мы видим три танцующих грации, которые
между собой образуют группу. Также мы видим летящего амура,
ухаживающего за одной из героинь. И ещё несколько персонажей. Но все
эти группы героев подчинены главной героине-весне (рис.56).Именно она
будет играть роль главной героини. По смыслу она является
композиционным центром картины. Но и геометрически она расположена
точно в определённом месте, что привлекает к ней внимание зрителя в
первую очередь. Вопросы организации композиционного центра поле
подробно будут рассмотрены в дальнейших лекциях.
Рис.56. Боттичелли «Весна»
71
То есть, характерным признаком композиционного построения
является его структурность, сложность внутреннего строения
произведения.
2.2.4.Цельность и единство
Цельность произведения определяется возможностью сразу
охватить его взглядом и одновременно определить основную часть, вокруг
которой располагаются не столь значимые, но, тем не менее, необходимые
элементы композиции. Такой способ видения определён законами
зрительного восприятия человека.
Для достижения цельности композиции следует выделить центр
внимания, где будет расположено главное, отказаться от второстепенных
деталей, приглушить отвлекающие от главного контрасты. Также
композиционной цельности можно добиться, если объединить светом,
тоном или колоритом все части произведения.
Цельность композиции зависит от способности художника
подчинить второстепенное главному, от связей всех элементов между
собой. То есть недопустимо, чтобы сразу бросалось в глаза что-то
второстепенное в композиции, в то время как самое важное оставалось
незамеченным. Каждая деталь должна восприниматься как необходимая,
добавляющая что-то новое к развитию замысла автора. Сложно что-либо
убрать или добавить что-либо к картине К. Брюллова «Последний день
Помпеи» (рис.57). Каждый персонаж несёт свою смысловую нагрузку,
играет определённую роль. Кстати К. Брюллов изобразил себя в роли
художника.
Рис.57. К. Брюллов. «Последний день Помпеи»
72
Таким образом, единство и цельность — важнейший признак
композиции. В законченной композиции все взаимосвязано и все
подчинено единой цели, идее, художественному замыслу. Эта связанность
проявляется и в сюжетно-образном решении произведения, и в
гармонической упорядоченности его формы, в единстве содержания и
формы.
Хотелось бы отметить, что если мы находим в творении человека все
эти признаки, то можно сказать, что человек создал композицию. То, есть
все эти признаки и являются основополагающими законами для создания
композиции.
Существуют определённые признаки, по которым можно отличить
композицию от простого нагромождения элементов. Это наличие замысла,
наличие определённых границ, наличие структурного строения. Эти же
признаки будут являться и принципами композиции. Без них композиция
невозможна.
2.3.Законы композиции
2.3.1.Основные понятия
И.Е. Репин, будучи уже знаменитым художником вспоминал, что в
молодости законы композиции не давали ему покоя. В академии
художеств в то время этому не учили. Натура научила его композиции.
И.Н. Крамской знал, что они, «эти проклятые законы», существуют
помимо личного вкуса и темперамента художника. Нужно их понять и им
подчиняться.
В 1980 году вышла книга Н. Ростовцева «Методика преподавания
изобразительного искусства в школе». В ней автор приводит интересные
данные, которые красноречиво говорят о теоретической путанице в
вопросах композиции: академик М. Манизер указывает десять правил
композиции, А. Лаптев – пять правил, А. Дейнека – девять, академик
Н.Яковлев – двенадцать общих законов композиции и сорок частных
правил. Сам Н. Ростовцев рассматривает восемь законов, в число которых
попадают асимметрия, равновесие, статика, динамика и другие. Ф. В.
Ковалёв, автор пособия «Золотое сечение в живописи» рассматривает пять
законов композиции. Таким образом, нет единого подхода к вопросам
теории композиции.
О. А. Голубева, автор учебника «Основы композиции» выделяет три
основных закона композиции и пять средств организации гармоничной
композиции. Исходя из собственного опыта преподавания дисциплины
«Формообразование», автор делает вывод, что его собственная методика
преподавания наиболее близка с методикой О.А. Голубевой.
73
Следует разграничивать понятия «принцип», «закон» и «правило». В
имеющейся литературе по композиции они часто выступают как
равнозначные, или одну и ту же закономерность называют средствами
организации композиции или законами. Например, понятие динамики и
статики. Их относят к законам или правилам? А может это приёмы?
Из философского определения категории «закон» следует, что закон
содержит в себе тождественное, постоянно повторяющееся,
необходимое, вытекающее из связи и взаимозависимости явлений
объективной действительности. Он не может трактоваться
произвольно, так как объективно обусловлен и выражает
существующую связь в явлении или предмете.
Правило не тождественно закону. Правило – это положение,
выражающее определённое постоянное соотношение каких-либо
явлений.
В русском языке понятие «композиция» толкуется как строение чеголибо. Человек строит из частей целое, объединяет эти части,
соподчинённые друг с другом, в целое.Например: дом, храм, скульптура,
художественное произведение. Наличие целого - первый закон
композиции. Целое состоит из частей. Как расположены, части целого?
Это связано с понятием симметрии и равновесия. И, наконец, части
объединяются вокруг чего-то главного. В дереве - это ствол. В строении
скелета животного – позвоночник. В картине – главное действующее лицо
или группа действующих лиц.
Разделяя понятия формы и содержания, противопоставляя их друг
другу, мы имеем возможность вычленить формальные признаки
художественной формы и выявить средства, с помощью которых строится
форма. Сюда входит материал (различные элементы) и
композиционные средства его организации.
Вычленение этих средств организации композиции и изучение их
необходимо для освоения основ композиции.
2.3.2.Законы и правила композиции
Исходя из анализа признаков композиции, мы можем говорить о
трёх законах композиции, проявление которых обнаруживается в любом
произведении искусства, независимо от времени и места его создания:
1-й. Закон целоговыражает неделимость целого.
2-й. Закон главного в целомпоказывает, вокруг чего
объединенычасти целого.
3-й. Закон равновесия обусловливает расположение частей
целого.
74
Эти законы композиции с неизменным постоянством проявляются во
всем, что создаёт человек.
В силу того, как человек, создавая произведения искусства, творит не
для удовлетворения природных потребностей своего вида, когда подобное
производит подобное, а для удовлетворения духовных потребностей,
появляются отличия в действиях природы и человека.
Отсюда возникают правила.
Первое правилотребует при создании произведения искусства
выполнять законы композиции.
Второе правилоорганизует изображение в соответствии со
смыслом и законами зрительного восприятия, т.е. гармонизирует
форму произведения, придаёт ему эстетическую значимость.
Исходя из второго правила, далее мы рассмотрим и средства
гармонизации композиции.
Как видим, законы средства гармонизации композиции относятся к
строению произведения, т.е. к его форме.
Далее следует говорить не о законах композиции, а о законах
сочинения, о законах картины: единстве формы и содержания,
типизации и т.д.
При создании целостной гармонизированной формы, обладающей
способностью эстетически воздействовать на человека, художник
пользуется определёнными приёмами, использует соответствующие
средства изображения и выражения. Приёмов много. Каждый раз
художник изобретает необходимый приём для выражения своего замысла.
Тут может быть динамика или статика, равновесие или нарушение
равновесия и прочее.
Композиция обеспечивает логичное и красивое расположение
частей, из которых состоит целое, придавая ясность и стройность форме и
делая доходчивым содержание.
Глубинный смысл композиции проявляется в том случае, если
она вызывает ассоциации, и если в сознании человека создаётся
определённый художественный образ.
Замечательный художник Владимир Фаворский говорил, что в
композиции нет правил, но есть законы. «Всякое художественное
произведение цельно и сложно. Цельность даёт ему единство, а сложность
– многообразное содержание. Сложность кучи камней не будет
художественной сложностью. В ней нет главного и второстепенного,
основного и подчинённого, элементов разного качества- все составляющие
её части имеют равную цену. Только логически членение и при этом
объединённое цельным художественным строем произведение становится
действительно художественным».
75
Нет чётких правил гармоничного соединения отдельных элементов в
единое целое, но эмоциональный художественный образ создаётся только
тогда, когда соблюдены определённые условия: в едином композиционном
пространстве должен выделяться композиционный центр, читаться форма,
чувствоваться ритм. Это категории общие для любого вида композиции.
Для достижения выразительности нужно, чтобы сама
композиция, так и её элементы обладали достаточной степенью
структурной сложности. Это не значит, что композиция должна
содержать много элементов или, что элементы должны иметь сложную
форму или цвет.
Структурная сложность зависит не столько от количества элементов,
составляющих композицию, сколько от разнообразия средств, принципов
и методов организации композиции. С этими понятиями мы также более
подробно познакомимся в следующих лекциях.
Таким образом, композиция- важнейший организующий момент
художественной формы, придающий произведению единство и цельность,
соподчиняющий его элементы друг другу и целому.
Без осмысления композиционного построения как средства
организации материала невозможно ни выносить суждение о
произведениях искусства, ни тем более, создавать их.
Задачей
композиционного
построения
художественного
произведения является распределение материала будущего произведения,
таким образом, и в такой последовательности, в такой взаимосвязи частей
произведения и всех элементов художественной формы, чтоб наилучшим
образом выявить смысл и назначение произведения и создать
выразительную и гармоничную художественную форму.
Композиция в дизайне выражает определённую идею, она
определяется поставленной задачей, характером и назначением всего
произведения. Дизайнер должен уметь использовать в работе все
композиционные средства организации элементов композиции.
Наша задача - взглянуть на композицию с точки зрения формальной
структурной организации материала, проанализировать связи и
отношения, которые возникают между элементами формы в процессе
композиционного построения.
2.3.3.Неделимость целого
Первое правило требует при создании произведения искусства
выполнять законы композиции.
Теперь более подробно рассмотрим законы композиции.
Как уже говорилось, в художественном произведении все части
связаны между собой и с целым. Целое представляет собой совокупность
76
связанных между собой частей, где подчиненность частей друг другу
вполне очевидна.
Чтобы целое было воспринято, необходима определенная
последовательность в восприятии частей; Эта последовательность
обеспечивается
благодаря
группировке
родственных
или
контрастирующих элементов.
Части целого составляют группы, связанные друг с другом по
признакам подобия или по контрасту. Тот же принцип повторяется и
внутри каждой из групп (подобие или контраст), возникает ритм,
пронизывающий насквозь все произведение. Все эти группы
перекликаются между собой всеми своими элементами, так, что целое
повторяется в его частях, а часть в целом. Благодаря группировке
элементов и частей происходит последовательное восприятие частей
целого, и в то же время целое воспринимается единовременно и цельно.
Всё произведение кажется нам целостным, не одну часть нельзя
убрать или заменить чем-то другим. Автор тщательно проработал
композицию и у зрителя не возникает желания что-либо в ней изменить.
То есть, целостная композиция не может быть изменена без ущерба
для неё.
Стоит запомнить, что:
- ни одна часть композиции не может быть изъята или заменена без ущерба
для целого;
- части не могут меняться местами без ущерба для целого;
- ни один новый элемент не может быть присоединен к композиции без
ущерба для целого.
Итак, можно сделать вывод: в произведении ничего нельзя
изменить без ущерба для целого.
2.3.4.Главное в целом
Композиционное построение отличает наличие частей, связанных
друг с другом системой отношений. Это сложное целое состоит из
неравноценных по смыслу и значению частей. В нем всегда можно
выделить главное и второстепенное, центр и периферию. Например, на
картине В. Сурикова «Боярыня Морозова» мы видим фигуру женщины в
чёрной одежде, сидящую в санях (рис.58). Это главная героиня – опальная
боярыня Морозова, которая не захотела отречься от старой веры. Её
изображение, безусловно, является главным элементом на картине, но при
этом можно выделить и несколько фигур, особенно привлекающих
внимание зрителя. Это фигура нищего, сидящего прямо на снегу, фигура
молодой боярыни, явно сочувствующей закованной в кандалы Морозовой,
фигура бегущего рядом с санями мальчика. Все эти персонажи связаны
77
между собой смыслом произведения, колоритом. Даже их расположение не
случайно.
Рис.58. В.Суриков «Боярыня Морозова»
В орнаментальных композициях при отсутствии организационного
центра композиции можно выделить главный мотив и сопровождающие
его подчиненные мотивы. Соподчиненность частей — так можно
определить этот признак. Например, в студенческой работе, выполненной
в традиционной художественной технике (гуашь), представлено узбекское
блюдо, где явно выделяется главный элемент (рис.59).
Рис.59. Узбекское блюдо
78
Принцип единства - основной принцип, обеспечивающий
целостность произведения. Благодаря этому принципу сложное выглядит
не как конгломерат из разрозненных частей, а как связное целое.
Композиция выступает как система внутренних связей, объединяющая все
компоненты формы и содержания в единое целое.
Ставя задачу организации гармонической композиции из некоторого
количества элементов, необходимо чтобы она была едина. Это должно
выразиться в единстве пластического решения, образного и смыслового
раскрытия темы, в единстве формообразования элементов её
составляющих, колористического и фактурного решения.
Вначале работы учащемуся нужно обратить внимание на
организацию смыслового центра, так как соподчинение в основном
происходит между центром и другими элементами.
Именно
композиционный
центр
является
выразителем
художественного образа и несёт смысловую нагрузку. Как правило, он
располагается в активной центральной её части. Смещение относительно
геометрического центра придаёт порой произведению большую
внутреннюю напряженность и пластическую выразительность в раскрытии
художественного образа и темы. Существуют определённые пропорции
частей изображения (слева и справа от центра), использование которых
приведёт к выигрышному расположению композиционного центра. Это
пропорции «золотого сечения». Это одно из средств организации
гармоничной композиции.
При внимательном анализе произведений искусства обращает на
себя внимание тот факт, что многие авторы отдают предпочтению
цветовому
единству
композиции,
соподчиняя
центр
общей
колористической задаче. Центр может быть решён как самый активный по
цвету, контрастный ко всей гамме, самый тёмный или самый светлый. Это
цветовое единство в решении композиции даёт цельность в восприятии
композиции. Но единство и соподчинение выражаются не только в
колористическом единстве и соподчинении, а ещё и в единстве форм и
фактур.
В картине возможны и два композиционных центра и даже несколько
композиционных центов. Но один из них должен быть ведущим, а другой
подчиненным первому, чтобы не возникало спорной ситуации или не
появлялось ощущение неопределенности, ощущения нескольких
отдельных картин, случайно выполненных на одном холсте. Такие
композиции встречаются и у великих художников. Например,
у
знаменитого испанского художника Д. Веласкеса в картине «Инфанты»
можно отметить несколько композиционных центров.
79
Рис.60. Веласкес «Инфанты»
На переднем плане, мы видим маленькую девочку в странном для
настоящего времени наряде. Но это не просто девочка, это испанская
принцесса – инфанта. Она окружена приближенными. На заднем плане мы
видим выделяющуюся в светлом проёме двери фигуру её отца. На картине
изображены ещё несколько персонажей. В том числе в роли художника
Веласкес изобразил самого себя. На переднем плане мы видим карлика с
собакой, смотрящего прямо на зрителя. Каждая из этих фигур важна и
может являться композиционным центром, но все они подчинены главной
героине – инфанте.
Рассмотрим ещё одно произведение. На картине французского
художника А. Ватто «Общество в парке» (рис.61) мы видим несколько
отдельных групп персонажей, каждая группа занята своим делом.
Непонятно какая из групп является главной. Каждая из групп могла бы
быть изображена на отдельной картине, но автор каким – то чудесным
образом объединил их все в одно изображение. Для объединения групп
Ватто применил определённый приём. Изобразив деревья в парке, он как
общим покрывалом окутал все группы, чем и достиг цельности и единства
в картине.
80
Рис.61. А. Ватто«Общество в парке»
В объёмно – пространственной композиции также должен быть
центр композиции. Но в таких композициях ещё проявляется несколько
планов нахождения элементов. Некоторые из них находятся дальше от
зрителя, некоторые ближе. Чтобы усилить значимость нужных элементов
их приближают, несколько увеличивают их размер, или трансформируют
их форму.
Плановость также присуща и плоским изображениям, так как планы
- это прямое порождение плоскости. Как пишет В.А. Фаворский,
«плоскость открывается планами в глубину, причём мы можем выбрать,
какой план главный и как другие ему подчиняются. Произведения есть
разные – мы можем подчинить первый план второму, третьему или задний
подчинить переднему. Для этого нам нужно двинуть задний план вперёд,
так создаётся обратная перспектива». Фаворский в данном случае говорит
о фронтальной композиции, хотя задачи композиционной цельности и
единства необходимо решать и в других видах композиции, таких как
объёмная и глубинно – пространственная. Яркими примерами плановости
в композиции являются театральные композиции. Многие великие
художники создавали такие композиции.
81
Рис.62. А. Головин. Эскиз занавеса к драме «Маскарад» М. Ю. Лермонтова
Создавая композицию, необходимо позаботиться о том, что будет
главным в картине и как выделить это главное, то есть сюжетнокомпозиционный центр, который часто также называют "смысловым
центром" или "зрительным центром" картины.
Форма и место размещения центра могут быть любыми, но главная
часть композиции всегда содержит внутри себя точку или линию,
относительно которой устанавливается равновесие боковых частей или
верха или низа.
Центр композиции включает сюжетную завязку, основное действие и
главных действующих лиц. Композиционный центр должен, в первую
очередь, привлекать внимание.
Центр
выделяется
освещенностью,
цветом,
укрупнением
изображения, контрастами и другими средствами.
Не только в произведениях живописи, но и в графике, скульптуре,
декоративном искусстве, архитектуре выделяют композиционный центр.
В различные исторические эпохи существовали определенные
правила для расположения композиционного центра. Например, мастера
Возрождения предпочитали, чтобы композиционный центр совпадал с
центром холста. В 18 веке многие художники стремились располагать
центр композиции по «Золотому сечению». Затем о «Золотом сечении» на
время забыли.
82
Конечно, каждый художник вправе по – своему может создавать
композицию картины, но знать определённые варианты расположения
композиционного центра будет полезно.
2.3.5.Варианты организации композиционного центра
Как было выяснено ране, для того чтобы любая композиция стала
выразительнее, она должна иметь композиционный центр, доминанту,
которая может состоять из нескольких элементов или одного большого,
это может быть и свободное пространство – композиционная пауза.
Существует множество способов организации композиции и
дизайнер должен в своей работе быть оригинальным!Какой же должен
быть центр по форме, цвету, фактуре? Эту задачу может решить только
создатель произведения. Его видение определяет многое.
Для достижения композиционного единства имеется немало средств
и приёмов.
На рисунке 63 показан пример организации композиции. Какой
элемент здесь является доминантным? Это студенческая работа,
выполненная средствами векторной графики.
Рис.63.Новогодняя открытка.
83
Разберём несколько вариантов организации композиционного
центра.
1.В композиции, состоящей из простых элементов, появляется
элемент сложный по силуэту.
Конечно, такой элемент привлечёт внимание. Именно за счёт
сложности формы он начнёт играть роль доминанты. Однако при этом
необходимо выполнить закон единства и соподчинения. Это соподчинение
может выражаться в подчинении сложному центру колористического
решения
или во введении новых, подобных силуэту линий. А также в применении
таких средств гармонизации композиции, как ритм, контраст, нюанс и
тождество, о которых, мы поговорим далее.
Рис.64. Композиция из элементов с различными силуэтами
За счёт выделения определённой формой доминанты композиции
автор может добиться яркой характеристики, создать незабываемый образ.
В данном случае применён контраст форм. Добиться соподчинения можно
путём цветового и фактурного решения, а также с помощью активного
применения средств гармонизации.
Рассмотрим ещё один пример. На рисунке 65 мы видим прекрасную
картину Эдуарда Мане "Бар в Фоли-Бержер". На ней среди однообразных
форм бутылок и круглых форм мы видим фигуру молодой женщины, к
которой поневоле привлекается внимание зрителей. Силуэт этой фигуры
достаточно сложен по сравнению с силуэтами других элементов и этим,
наряду с другими средствами, он привлекает внимание.
84
Рис.65. Э. Мане«Бар в Фоли–Бержер»
2.Изменение размера одного из элементов.
История искусств даёт нам различные примеры организации центра
композиции. В некоторых вариантах центр композиции представлен
самым большим по размеру элементом, в других, самым маленьким.Далее
рассмотрим графическую работу современного автора. На изображении
слева мы видим явно увеличенное яблоко посреди более мелких яблок.
Такой прием, конечно же, привлечёт к нему внимание зрителя. На
изображении справа карандаш в центре имеет маленький размер по
сравнению с другими элементами. Это также привлечёт к нему
внимание.Этим приёмом часто пользуются дизайнеры в своей работе при
создании рекламных продуктов.
85
Рис.66. Примеры выделения композиционного центра
1. Центр композиции – композиционная пауза.
А вот создание композиции, центом которой является
композиционная пауза, требует от создателя большого мастерства. Можно
предложить несколько вариантов построения композиции таким способом.
Приведём два наиболее распространённых способа.
Первый – создания движения к центру, путём использования одного
из средств гармонизации – ритма, чередования одинаковых элементов.
Рис.67. Пример организации композиционного центра
Второй – расположение элементов, подобных по форме, цвету и
фактуре, без какого - либо акцента. Тем самым композиция представляет
собой как бы раму. Пустое место внутри плоскости привлекает к себе
внимание зрителя и играет роль центра композиции.
86
Рис.68. Пример организации композиционного центра
Третий - сгущение элементов на одном участке плоскости по
сравнению с довольно равномерным и спокойным их рассредоточением на
других участках. Конечно же, такое изображениепривлечёт внимание.
Группа сгущенных элементов будет играть роль центра композиции.
Рис.69. Композиционный центр – сгущение элементов
Четвёртый - выделение элементов цветом, остальные параметры,
размеры и форма одинаковы.
87
На студенческой работе изображено несколько оригинальных домов.
Один из них выполнен светлым цветом, что, конечно, привлекает к нему
внимание. Именно он будет являться композиционным центром.
Рис.70. Выделение элементов цветом
Пятый - контрастность форм, например, среди округлых по
очертанию
фигур
располагаются
остроугольные
элементы
и
наоборот(рис.71). На следующем примере мы видим совершенно
противоположенные формы (острые и округлые). И самая большая
окружность будет являться центом композиции.
Рис.71. Контрастность форм
88
Всеми этими приёмами должен владеть и дизайнер для того, чтобы
создавать гармоничные произведения, будь то рекламный плакат, или
любой фотомонтаж (коллаж).
Выбор любого варианта организации центра композиции зависит от
решения автора, но при этом ему необходимо выполнять законы
композиции: равновесия и соподчинения.
2.3.6.Равновесие в искусстве
Создавая произведения искусства, то есть гармоничное
произведение, необходимо выполнять её непременные условия: единство и
соподчинение, а также равновесие.
Остановимся на композиционном равновесии. Это такое состояние
композиции, при котором все её элементы сбалансированы между собой.
Однако не стоит путать это понятие с простым равновесием величин.
Равновесие зависит от расположения основных масс композиции, от
организации композиционного центра, от пластического и ритмического
построения композиции, от её пропорциональных членений, от цветовых,
тональных и фактурных отношений отдельных частей между собой и
целым.
Таким образом, можно сделать вывод, что ни одно из средств и
законов в отдельности не создадут гармоничное произведение, так как всё
в изображении взаимозависимо или уравновешенно.
Рассматривая работы известных художников, можно заметить, что
они привлекают в первую очередь раскрытием темы, сюжетом и только
потом мы обращаем внимание,
например, на активную динамику
построения картины, видим, что она зрительно уравновешена и ни что «не
вырывается» за её раму. Например, в картине С. Петрова – Водкина
«купание красного коня» большое яркое красного цвета удерживается в
картинной плоскости (рис. 72). Какими средствами художник добился
такого равновесия?
Как отмечает
В.И. Костин «Цельность и
значительность художественного решения возникла вследствие прекрасно
найденной гармонии движения и статики, плоскости и глубины, контраста
тёплых и холодных цветов. Действительно, если плоскость холста
утверждается ровным и ярким насыщенным красным цветом коня, то
глубину картины определяют не только направления линий волны и фигур
заднего плана, но и контрастный красному цвету зелёный цвет воды.
Также гармонично решено и движение. Конь движется вдоль холста
справа налево, но, поскольку монументальный характер образа требовал
определённой композиционной устойчивости, автор трактовал группу как
своего рода скульптурный монумент. Останавливает движение коня и
откинувшаяся назад фигура мальчика, сидящего на лошади. В целом это
89
решение группы создаёт большое равновесие всех элементов и частей
картины, утверждая плоскость холста и нарушая её, вводя сильное
движение и нейтрализуя его, до предела насыщая картину контрастным
цветом. Художник достигает необычайного напряжения формы и в то же
время гармонии, большой эмоциональности при пластически строгой
построенности».
Рис.72. В. Петров – Водкин. «Купание красного коня»
Иногда автору нужно довольно много времени для достижения
зрительного равновесия. Можно перемещать объекты, трансформировать
их форму, изменять цвет, добиваясь, таким образом, равновесия. Часто
автор делает это интуитивно, но если знать определённые закономерности,
то не нужно будет тратить много времени на поиски и его не постигнет
разочарование от выполненной работы. Человек всегда тяготеет к
равновесию форм, что создаёт более полный психологический комфорт
для него. Композиция в таком виде кажется гармоничной и не возникает
желания что – либо в ней изменить.
Равновесие
по-разному
проявляется
в
симметричных и
несимметричных композициях.
В симметричных композициях элементы находятся на равном
расстоянии от линии симметрии и всегда находятся в равновесии. Это
утверждение можно продемонстрировать на многих примерах образцов
декоративно-прикладного
искусства. В качестве примера далее
представлена мезенская роспись.
90
Рис.73. Мезенская роспись
Конечно, в произведениях художников может и не быть полной
симметрии, но суммарное соотношение размеров форм справа и слева от
оси симметрии и «количества цвета» приблизительно одинаково.
Одним
из
главных
средств
организации
композиции,
способствующих целостности восприятия композиции, является
симметрия. В пропорции и соразмерности проявляются количественные
отношения между частями целого и целым. Греки к ним присоединяли и
симметрию, рассматривая ее как вид соразмерности, — как ее частный
случай - тождество. Она, как и пропорция, почиталась необходимым
условием гармонии и красоты.
Художники разных эпох использовали симметричное построение
картины. Симметричными были многие древние мозаики. Живописцы
эпохи Возрождения часто строили свои композиции по законам
симметрии. Например, на триптихеГанса Мемлинга«Донна» мы видим
симметричное расположение фигур на правой и левой картине, а также
почти симметричное расположение фигур и на центральном изображении.
Рис.74. Г.Мемлинг«Триптих Донна»
91
Также к симметричному изображению часто прибегали и русские
художники. Например, на картине В. Васнецова «Иван-царевич на сером
волке» фигуры главных героев расположены почти по центру, через них
проходит центральная вертикальная ось.
Рис.75. В. Васнецов «Иван царевич на сером волке»
Симметрия в искусстве основана на реальной действительности,
изобилующей симметрично устроенными формами.
Равновесие - это размещение элементов композиции, при котором
каждый предмет находится в устойчивом положении. Его местонахождение не вызывает сомнения и желания передвинуть его по
изобразительной плоскости. При этом не требуется точного зеркального
соответствия правой и левой сторон.
Различные виды симметрии обладают различным воздействием на
эстетическое чувство человека. Зеркальная симметрия позволяет достигнуть
впечатления равновесия, покоя, величественности, особой торжественности
и значимости событий.Винтовая симметрия вызывает ощущение движения.
В симметричной композиции люди или предметы расположены почти
зеркально по отношению к центральной оси картины.
В асимметричной композиции расположение объектов может быть
самым разнообразным в зависимости от сюжета и замысла произведения,
левая и правая половины неуравновешенны.
92
Симметрия всегда уравновешена,
симметрично (рис.76).
а равновесие не всегда
Рис.76. Равновесие в симметричной композиции
Количественное соотношение тональных и цветовых контрастов
левой и правой частей композиции должно быть равным. Если же в одной
части число контрастных пятен больше, то необходимо усилить
контрастные отношения в другой части, либо ослабить контрасты в
первой. Можно изменить очертания предметов, увеличив периметр
контрастных отношений.
Для установления равновесия в композиции важны форма,
направление, место расположения изобразительных элементов. Неуравновешенная композиция выглядит случайной и необоснованной,
вызывающей желание дальше работать над ней - производить перекомпоновку элементов и их деталей.
Правильно построенная композиция не может вызывать сомнения и
чувства неопределенности. В ней должна быть успокаивающая глаз
ясность соотношении, пропорций.
В симметричной композиции все ее части уравновешены,
асимметричная
композиция
может
быть
уравновешенной
и
неуравновешенной.
Гораздо сложнее соблюсти зрительное равновесие в ассиметричных
композициях. Вариантов расположения элементов для достижения такого
равновесия множество (рис.77).
93
Рис. 77. Равновесие в асимметричной композиции
И здесь очень полезны упражнения на построение равновесия
цветных пятен (геометрических фигур), выполненных на компьютере. При
этом можно создавать множество вариантов и выбрать наиболее удачный
из них. Также чувство равновесия можно развивать, используя технику
аппликации из различных фигур, выполненных из цветной бумаги. При
этом их можно по-разному размещать на картинной плоскости, находя
наиболее удачное положение. Далее приведён пример таких изображений,
выполненный студентами (рис.78).
Условие было поставлено следующее: создать несколько
уравновешенных композиций (симметричных и несимметричных),
состоящих из одних и тех же геометрических фигур. При этом можно
трансформировать их форму, изменять цвет, изменять их положение в
«раме». Так же можно изменять и цвет самой «рамы».Но при всех
изменениях равновесие должно сохраняться.
94
Рис. 78. Равновесие в асимметричной формальной композиции
Можно сделать вывод, что большое светлое пятно можно
уравновесить маленьким темным. Много маленьких по размеру пятен
можно уравновесить одним большим.
Из живописных произведений хочется вспомнить в качестве примера
картины В. Кандинского, основоположника абстрактной живописи. Они в
основном состоят из различных геометрических фигур, точек, линий. Но
все его «Композиции» находятся в зрительном равновесии.
Рис. 79. В.Кандинский «Решающий розовый»
Существует множество вариантов равновесия: уравновешиваются
части по массе, тону и цвету. Равновесие может касаться как самих фигур,
95
так и пространств между ними. Здесь полезно будет вспомнить свой опыт
нахождения равновесия на качелях.
Каждый без труда сообразит, что одного подростка можно
уравновесить, если посадить на другой конец качелей двух малышей. А
малыш может кататься даже с взрослым, который сядет не на край
качелей, а ближе к центру (рис.80). Такой же эксперимент можно
проделать с весами. Подобные сравнения помогают уравновесить разные
части картины по размеру, тону и цвету для достижения гармонии, то есть,
найти равновесие в композиции.
Рис.80. Схемы равновесия в композиции
В асимметричной композиции иногда равновесие совсем
отсутствует, если смысловой центр находится ближе к краю картины, но
следуя законам композиции к нему необходимо стремиться.
Если рассмотреть представленные далее композиции, то можно
заметить, что левое изображение находится в равновесии (рис.81). Все
элементы расположены приблизительно по центру, поэтому возникает
зрительное равновесие. Композиция справа, неуравновешенна. Один
небольшой белый цилиндр, расположенный отдельно, не может
уравновесить все тела расположенные в группе слева. Для достижения
равновесия следует по-другому организовать композицию.
Рис.81. Равновесие в натюрморте
96
Итак, мы выяснили, что всякая композиция должна быть уравновешена. При этом равновесие бывает двух видов: статическое и
динамическое.
Статическое равновесие возникает при симметричном расположении
фигур на плоскости относительно вертикальной и горизонтальной осей
формата композиции симметричной формы (рис.82).
Рис.82. Статическое равновесие в композиции
Динамическое равновесие возникает при асимметричном расположении фигур на плоскости, т.е. при их сдвиге вправо, влево, вверх, вниз
(рис. 83).
Рис.83.Динамическое равновесие в композиции
97
На приведённых выше примерах представлены произведения
графики. Так как они выполнены с использованием только двух цветов, то
и проанализировать наличие равновесия в них гораздо легче.Количество
чёрных линий приблизительно одинаково с правой и левой стороны
относительно оси симметрии плоскости картины.
Композиции могут быть симметричными или несимметричными, но
зрительное равновесие в них обязательно.
Далее более подробно остановимся на понятиях «Симметрия» и
«Асимметрия».
2.3.7.Симметрия
Симметрия это фундаментальное свойство природы, проявляющееся
в физике, математике, биологии, с ним связаны законы сохранения
энергии, свойства элементарных частиц, строение атомов и молекул,
структура кристаллов, строение белков. Многим природным объектам
присуща симметрия: плоскостная симметрия присутствует в очертаниях
древесного листа, объёмная симметрия – в форме самого дерева.
Например, симметрично устроена фигура человека, бабочка, снежинка и
многое другое.
Рис.84. Симметричная форма листа
Абсолютная, жесткая симметрия характерна для неживой природы кристаллов (минералов, снежинок).
98
Рис.85. Симметрия в объектах неживой природы
Для органической природы, для живых организмов характерна
неполная симметрия (квазисимметрия). Например, она наблюдается в
строении человека. Известно, что если сравнить правую и левую сторону
лица человека, то можно обнаружить большие отклонения от полной
симметрии.
Рис.86. Квазисимметрия в строении человека
Симметрия основана на подобии. Она означает такое соотношение
между элементами, фигурами, когда они повторяют и уравновешивают
друг друга. В математике под симметрией подразумевается совмещение
частей фигуры при перемещении ее относительно оси или центра
симметрии.
Симметрия(от древнегреческого «symmetria» –соразмерность)
Симметрия
определённый
порядок,
математическая
закономерность, с которой располагаются повторяющиеся элементы
относительно друг друга на плоскости или в пространстве.
99
Существуют различные виды симметрии.
Наиболее часто в природе и искусстве встречается зеркальная
симметрия, возникающая при совмещении фигур при наложении их
относительно оси симметрии. Самый простой случай – симметрия двух
плоскостей, но зеркальных плоскостей может быть и больше. На рисунке
87представлен комплекс «Тадж-Махал», находящийся в Индии. Эта
постройка является одной из чудес света. Мавзолей построен в честь
умершей возлюбленной правителя, выполнен из белого мрамора. Здесь мы
видим две плоскости симметрии. Несколько плоскостей симметрии
встречается в объемных и пространственных композициях.
Простейший вид симметрии - зеркальная, возникающая при
совмещении фигур при наложении их относительно оси симметрии.
Рис.87. Зеркальная симметрия плоскостей
Другой тип симметрии – осевая, симметрия поворота. Если
поворачивать простой геометрический рисунок вокруг вертикальной оси,
которая перпендикулярна плоскости листа, образуется узор с осевой
симметрией.
Очень выразительна осевая симметрия объёмных тел (рис.88).
Именно таким приёмом пользуются дизайнеры интерьера. Например,
винтовая лестница помимо того, что занимает минимум пространства, она
привлекает внимание зрителя за счёт своей необычной формы. Такая
лестница может быть и центом композиции.
100
Рис.88. Винтовая симметрия
Из геометрических поверхностей наивысшей степенью симметрии
обладает шар, так как в центре его пересекается бесконечное множество
осей и плоскостей симметрии.
На плоскости зеркальная и осевая симметрии будут представлены в
виде линейной и точечной симметрии (рис.89).
Рис.89. Зеркальная и осевая симметрия
Ещё один тип симметрии – перенос. В этом случае элементы
располагаются на равном расстоянии вдоль прямой оси.
По принципу переноса строятся орнаменты. Повторяющийся
элементорнамента называется раппорт.
Простейший вид орнамента – линейный (рис.90). Если линейный
орнамент размножить в направлении, перпендикулярном оси, получится
симметричная композиция, заполняющая плоскость – сетка.
Более подробно с приёмами построения орнамента мы познакомся
при выполнении практических работ. Далее приведено изображение
национального русского орнамента, выполненное на компьютере
(студенческая работа).
101
Рис.90. Народный орнамент (русский)
Асимметрия – полное нарушение симметрии; повторяющиеся
элементы отсутствуют или расположены так, сто их нельзя совместить
путём сдвигов или поворота(рис.91).
По определению большой советской энциклопедии, асимметрия в
искусстве используется как художественный приём, вносящий в
композицию разнообразие и динамику. Она характерна для искусства
барокко, рококо, романтизма. Она также очень часто встречается в
китайском, японском, корейском искусстве и в живописи
импрессионизма.
Ассиметричная композиции создаёт эффект непринуждённости,
естественной случайности, а в искусстве стиля «модерн» усиливает
необычность и причудливость образа. В современной архитектуре
распространены свободные асимметричные планировочные и объёмные
решения, обусловленные функцией сооружений.
Небольшое отклонение от правильной симметрии, то есть некоторая
асимметричность, нарушая равновесие, привлекает к себе внимание,
вносит элемент движения и создает впечатление живой формы.
Рис.91. Асимметрия в природе
102
Различные виды симметрии обладают различным воздействием на
эстетическое чувство человека. Зеркальная симметрия позволяет достигнуть
впечатления равновесия, покоя, величественности, особой торжественности
и значимости событий. Винтовая симметрия вызывает ощущение движения.
В симметричной композиции люди или предметы расположены почти
зеркально по отношению к центральной оси картины.
В асимметричной композиции расположение объектов может быть
самым разнообразным в зависимости от сюжета и замысла произведения,
левая и правая половины неуравновешенны.
Композиционные правила, приемы и средства основаны на богатом
опыте творческого мастерства художников многих поколений. Но
основами создания гармоничных произведений искусства являются законы
композиции. Равновесие в композиции создают гармонию.
Раздел 3.Средства организации гармоничной
композиции
3.1. Понятие «Ритм»
Пропорции, контраст, нюанс, ритм, масштаб, пропорциональность,
масштабность – это те средства организации элементов композиции,
используя которые художник создаёт форму по законам гармонии.
Ритм – одно из средств, наиболее часто употребляемых для создания
гармоничной композиции. Это средство отражает связь человеческой
природы и деятельности, в том числе и творческой, с мирозданием.
Ритм - универсальное природное свойство. Он присутствует во
многих явлениях действительности. Вспомните примеры из мира живой
природы, которые так или иначе связаны с ритмом (космические явления,
вращение планет, смена дня и ночи, цикличность времен года, рост
растений и минералов и др.). Ритм всегда подразумевает движение.
Можно сказать, что ритм-повтор одного из свойств объекта.
Ритм в жизни и в искусстве - это не одно и то же. В искусстве возможны
перебои ритма, ритмические акценты, его неравномерность, не
математическая точность, как в технике, а живое разнообразие, находящее
соответствующее пластическое решение.
По определению художественной энциклопедии ритм,
(от греческого«rhythmós») в изобразительном искусстве - особенность
композиционного построения произведений, представляющая собой
чередование или периодическое повторение каких-либо частей.В
архитектуре – колонн, арок, декоративных элементов. В скульптуре –
чередование объёмов и пустот. В живописи – фигур и предметов,
цветовых пятен и линий, освещённых и затемнённых мест. Ритм усиливает
103
выразительность художественного образа. Ритм может быть плавным,
круговым (Рафаэль, Андрей Рублёв) или динамичным, построенным на
диагоналях (Тинторетто, В. И. Суриков), спокойным или тревожным и
так далее.
Рассмотрим несколько примеров.
На картине «Берёзовая роща» И.Левитана можно увидеть ритм в
чередованиии стволов берёз, в расположении цветовых пятен. Всё это
организует композицию, заставляет скользить взгляд по стволам всё
дальше и дальше. Картина оставляет впечатление чудесного, тёплого,
летнего дня. Очень хочется прогуляться по этой роще.
Рис.92. И. Левитан «Берёзовая роща»
Ритм можно наблюдать и в таком жанре живописи как натюрморт. В
качестве примера рассмотрим картину французского художника А.
Ренуара «Южные фрукты».Повторяющиеся формы, повторяющиеся
цветовые пятна создают ощущение буйства южной природы, изобилия
земли. Всё это вызывает ощущение радости жизни и желание всё более
подробно рассматривать этот натюрморт.
104
Рис.93. А. Ренуар «Южные фрукты»
Известная картина Ван Гога «Ирисы» создаёт незабываемой
впечатление. Ритм здесь присутствует во всём: в чередовании цветов, их
листьев, в чередовании явно видимых мазков кисти.
Рис.94. Ван Гог «Ирисы»
105
Определённый ритм создаёт напряжение в работе, и в то же время
упрощает видение. Он связывает отдельные линии, формы, плоскости,
управляет движением взгляда по объекту. Три-четыре повтора
настраивают на ритм, создают эффект ожидания.
Процесс усвоения ритма довольно сложен, он протекает на уровне
врождённых как безусловных рефлексов, так и условных, приобретаемых
человеком на протяжении всей жизни. Современные научные
исследования доказывают, что ритм признаётся раздражителем,
формирующим эстетические чувства.
Наверное, поэтому в примитивном искусстве встречаются
композиции, в основе которых лежит ритм.Фигурки людей упрощены,
примитивны, но очень динамичны. В качестве примера хочется привести
фантастические картины французского художника А. Руссо. Одна из них картина «Обезьяны». Наивное и трогательное изображение джунглей,
которые французский таможенник никогда в жизни не видел, вызывает
ощущения удивления. Ритм в изображении повсюду. Попробуйте сами
определить, в чём на этой картине проявляется ритм.
.
Рис. 95. А. Руссо. «Обезьяны»
106
Эти же явления можно наблюдать и в наскальных рисунках древних
людей.
В живописи, графике, скульптуре, декоративном искусстве ритм
присутствует как одно из важнейших выразительных средств
композиции, участвуя не только в построении изображения, но и зачастую
придавая содержанию определенную эмоциональность.
Таким образом, можно сделать вывод, что ритм может быть задан
линиями, пятнами света и тени, пятнами цвета. Можно использовать
чередование одинаковых элементов композиции, например фигур людей,
их рук или ног. В результате ритм может строиться на контрастах объемов.
Ритм может быть явным - строение ветвей дерева, стоящие вдоль
улицы дома, геометрический орнамент(рис.96).
Рис.96. Явный ритм в пространственной композиции
Ритм может быть приглушённым, скрытным -горная цепь, складки
одежды, группа людей.
Существует два типа ритма: активно-динамический и пассивнодинамический. К первому относятся звуковые, световые, танцевальные, то
есть ритмы, которые появляются и исчезают в определённых временных
рамках. Ко второму (пассивному) типу относятся ритмы в архитектуре,
живописи, скульптуре, графике, где пластические формы находятся
постоянно и ощущение ритма возникает из соотношения реально
существующих элементов. Здесь главное характер каждого элемента, его
пространственное положение, выразительность композиционных фраз.
107
Рис.97. Приглушенный ритм
.Ритм бывает простым, когда меняется одна какая – либо
закономерность (форма, цвет, фактура или расстояние между элементами),
и сложным, когда изменения происходят сразу по нескольким параметрам.
Ритм может выражаться с помощью всех изобразительных средств.
Существуют ритмы форм (точки, линии, пятна и их сочетания), ритмы
цвета, ритмы, выраженные фактурой.
Особая роль отводится ритму в произведениях народного и
декоративно-прикладного искусства. Ярким примером метрического ряда
служит орнамент. Все многочисленные композиции разнообразных
орнаментов построены на определенном ритмическом чередовании их
элементов.
Рис.98. Вышивка гладью
108
На рисунке 98мы видим орнамент, где ритмически чередуются
разнообразные цветы и листья. Расстояние между элементами примерно
одинаково, хотя в ритмической композиции расстояние между элементами
может быть и неодинаковым.
3.1.1.Ритмическое движение
В одной композиции может оказаться большое количество
композиционных фраз, построенных на ритме и развивающихся
относительно друг друга параллельно, пересекаясь или даже двигаясь в
противоположенном направлении. За счёт такого построения активно
организуется центр плоскости или объёма, выявляется доминанта.
Ритм определяет не только размерность, но и направление
композиции. Ритмическое развитие может идти по горизонтали или
вертикали, по квадрату, по кругу, по плавной кривой. Интересные
результаты даёт ритмичное движение элементов: по радиусам, по
спирали, по сетке. На последующих иллюстрациях, выполненных
студентами, ритм создаётся с помощью повторяющихся форм и
повторяющихся цветовых пятен. На рисунке 99 слева,элементы
расположены по диагонали, что создаёт эффект движения вверх. На
рисунке 96 справа,
элементы расположены по кругу и создаётся
ощущения движения по кругу.
Рис.99. Ритм в изображении
Ритмически расположенные элементы создают эффект движения,
вносят динамику в изображение.
109
3.1.2.Метр в композиции
Если ритм – это обязательно изменение или, можно сказать
движение, то повторение без изменения – «метр».
Метр -повторение через равный интервал одинаковых или
сходных элементов.Метричность – это равномерность в движении типа
механического, это частный случай ритма. Если ритм в композиции имеет
пределы, то метрическая композиция может повторяться бесконечно.
Визуальный метрический ряд характеризуется тем, что элементы
размещаются через равные интервалы (рис.100).
Рис.100. Метрический ряд
Метрические композиции широко используются в декоративно –
прикладном искусстве. Это связано не только с потребностью человека
окружать
себя
предметами,
которые
создают
определённый
психологический климат, но и с технологией изготовления того или иного
произведения. Создавая композиции, в основе которых лежит метр
(рисунок на ткани, рисунок на обоях) необходимо продумывать
пластические связи одного метра со следующим. Такого вида метрические
композиции называют ещё раппортом, или раппортными композициями.
Различают три вида таких композиций: сетчатый, линейный, и
клетчатый. Обычно в таких композициях используются растительные,
животные и геометрические мотивы. Для метрических композиций
характерна статика. Статика – это состояние покоя, равновесия. Лучше
всего это состояние реализуется с помощью симметричных
геометрических мотивов (рис.101).
110
Рис.101. Метрический ряд из геометрических примитивов.
При большой протяжённости метрический ряд может быть
монотонным.
Ритм в отличие от метра всегда изменяется, то есть что-то
изменяется из свойств объектов. Наиболее характерные приёмы
построения ритма:
- изменение величин, составляющих ряд. Ритм определяет изменение
формы;
-изменение интервалов между элементами. Ритм замедляется или
ускоряется.
Ритму могут быть подчинены не только изменения формы, но и цвет,
пластика и другие изобразительные свойства.
В объёмно-пространственных композициях ритм играет не меньшую
роль, чем в плоских композициях. Вспоминая памятники архитектуры,
невозможно представить себе Исаакиевский собор (рис.102) в СанктПетербурге без чередования колонн или собор Василия Блаженного в
Москве без его разноцветных куполов с помощью ритма в архитектуре
создаётся ощущение монументальности и грандиозности.
111
Рис.102. Исаакиевский собор
В любом случае композиция не должна быть монотонной, скучной. С
помощью ритма в изображении создаётся эффект динамики, что очень
часто необходимо дизайнеру.
3.2. Пропорциональность
Особое значение для придания выразительности художественному
образу приобретают пропорции формы. При этом важны пропорции
частей формы. Начав говорить о пропорциях формы, нельзя не отметить её
выразительности, построенной на контрастах, сопоставлении различий,
сопоставлении её
противоположенностей. При незначительном
изменении формы (нюанс), её размера или конфигурации рождаются
образы другого порядка, которые при этом не теряют своей
выразительности. То есть, малейшее изменение свойств объёмного
объекта, влечёт изменение восприятия формы.
Человек, смотрящий на любой объект, может сказать о нём
«красивый» или «некрасивый». Большинство людей отличают красивое от
безобразного. И если величественные древнеримские статуи кажутся нам
красивыми, то большинство людей это подтвердит. Так что же за мерило
есть в сознании человека? Какой инструмент он использует при
112
определении красивогов жизни и некрасивого? И почему одни люди
кажутся нам красивыми, а другие не очень?
Таким мерилом зачастую является пропорциональность объекта в
целом и пропорциональность частей его составляющих. Этот процесс
происходит в мозге у человека, и определение пропорций происходит
неосознанно. А знание о правильных пропорциях заложено в нас самой
природой. Природа является самым совершенным творцом объектов
живых и неживых и в них заложены определённые пропорции.
Любой
объект
имеет
определённые
габариты,
определяемыеразмерами по двум осям, если он плоский и по трём осям,
если он объёмный. Эти размеры находятся в определённой пропорции.
Пропорции объекта несут элемент выразительности. Например, куб
имеет одинаковые размеры по трём осям, поэтому он выглядит
устойчивым, статичным. Тонкий брусок, вытянутый в длину, имеет более
выразительную динамичную форму. Сочетание слов «массивный шкаф»,
«стройная девушка» или «тонкая травинка» вызывает определённые
образы.
Кроме того, каждый сложный объект имеет свои внутренние
пропорции. Отдельные части сопоставляются по отношению друг к другу
и по отношению к целому.
Пропорциональность– соразмерность целого и частей. Они
должны прослеживаться при переходе от одной части формы к другой и ко
всей форме в целом. Это основное средство гармонизации композиции.
Построение пропорциональных изображений это основное средство,
используемое для построения гармоничной композиции. Далее мы более
подробно поговорим о различных пропорциях.
3.2.1.Связь симметрии и «Золотого сечения»
Очень часто в одном и том же произведении живописи встречается
сочетание симметричного деления на равные части по вертикали и деление
на неравные части по золотому сечению по горизонтали. С понятием
«Золотое сечение» мы подробно познакомимся в следующей лекции.
На следующей иллюстрации мы видим картину Леонардо да Винчи
«Мадонна в гроте». Она не строго симметрична, в основе её построения –
симметрия. Всё содержание картины выражается в фигурах, которые
разместились в нижней её части и вписываются в квадрат. Но художник не
довольствуется
таким форматом. Он достраивает над квадратом
прямоугольник золотого сечения. В результате такого построения вся
картина получила формат золотого прямоугольника, поставленного
вертикально. Радиусом, равным половине стороны квадрата, он описал
окружность и получил полукружие верхней части картины. Все пропорции
113
в картине явились производными от высоты картины. Они образуют ряд
отношений «Золотого сечения» и служат основой гармонии форм и ритма,
несущих в себе скрытый заряд эмоционального воздействия.
Рис.103.Леонардо да Винчи «Мадонна в гроте»
Если обратиться к древнерусской живописи, иконам 15-18 веков, то
мы увидим такие же приёмы построения изображения. Иконы
вертикального формата симметричны по вертикали, а членения по
горизонталям осуществлены по золотому сечению. Икона «Сошествие во
ад» Дионисия с математической точностью рассчитана в пропорциях
золотого сечения.
114
Рис.104. Дионисий «Сошествие во ад»
О симметричности «Троицы» Андрея Рублёва написано много. И
здесь по горизонталям осуществлён принцип золотых пропорций. Высота
среднего ангела относится к высоте боковых ангелов, как их высота
относится к высоте всей иконы. Эти соотношения как раз соответствуют
пропорции «Золотого сечения».
Рис.105. А. Рублев «Троица»
115
3.2.2.«Золотое сечение»
Иоганн Кеплер говорил, что геометрия владеет двумя сокровищами теоремой Пифагора и золотым сечением. И если первое из этих двух
сокровищ можно сравнить с мерой золота, то второе с драгоценным
камнем.
Теорему Пифагора знает каждый школьник, а что такое
золотое сечение - далеко не все.
В математике пропорцией называют равенство двух отношений: a: b = c: d.
Отрезок прямой АВ можно разделить точкой C на две части
следующими способами:
-на две равные части АВ: АC = АВ: ВC; -неравные части в любом отношении (такие части пропорции не
образуют);
- таким образом, когда АВ: АC = АС: ВC.
Последнее отношение и есть золотое деление или деление отрезка в
крайнем и среднем отношении.
«Золотое сечение» - это такое пропорциональное деление
отрезка на неравные части, при котором весь отрезок так относится
к большей части, как сама большая часть относится к меньшей. Или
другими словами, меньший отрезок так относится к большему, как
больший ко всему (рис.37).
a: b = b: c или с: b = b: а.
Рис.106. Геометрическое изображение золотой пропорции
Впервые понятие «Золотое сечение» встречается в «Началах»
Евклида (III в. до н.э.), а сам термин ввел Леонардо да Винчи. До него это
соотношение называлось «Sectioclivina» – божественная пропорция.
Целое всегда состоит из частей.
а/b=b/c, где a – меньший, b – больший
c=a+b.
Тогда b=1,618a
a=0.618b
Число 1,618 – называют «золотым числом»
116
Далее представлен рисунок, выполненный Леонардо да Винчи. Здесь
показаны гармоничные пропорции человека, которые соответствуют
построениям по «Золотому сечению».
Рис.107. Гармоничные пропорции человека
«Золотое сечение» – признак структурного единства объектов
природы, но в, то, же время оно неотделимо от объектов искусства. По
пропорциям золотого сечения строились египетские пирамиды,
древнегреческие храмы, создавались предметы быта. А сейчас остановим
внимание на проявлении этой пропорции в природе и искусстве.
3.2.3.История «Золотого сечения»
Поиском идеальных пропорций на протяжении истории занимались
многие великие люди. Математическую
основу
для
наилучших
пропорций искали Витрувий, Дюрер, да Винчи, Корбюзье.
Каждый
из этих людей внёс огромный вклад в знания о пропорциях, об их
прикладном значении.
Достижения каждого из них достойны более подробного
рассмотрения.
В дошедшей до нас античной литературе золотое деление впервые
упоминается в "Началах" Евклида. Во 2-й книге "Начал" дается
геометрическое построение золотого деления. После Евклида
исследованием золотого деления занимались Гипсикл (II в. до н.э.), Папп
(III в. н.э.) и др. В средневековой Европе с золотым делением
познакомились по арабским переводам "Начал" Евклида. Переводчик Д.
Kампано из Наварры (III в.) написал к переводу книги комментарии.
Секреты золотого деления ревностно оберегались, хранились в строгой
тайне. Они были известны только посвященным.
117
Принято считать, что понятие о золотом делении ввел в научный
обиход Пифагор, древнегреческий философ и математик (VI век до нашей
эры). Есть предположение, что Пифагор свое знание золотого деления
позаимствовал у египтян и вавилонян. И действительно, пропорции
пирамиды Хеопса, храмов, барельефов, предметов быта и украшений из
гробницы Тутанхамона свидетельствуют, что египетские мастера
пользовались соотношениями золотого деления при их создании.
Французский архитектор Лее Корбюзье нашел, что в рельефе из храма
фараона Cети I в Абидосе и в рельефе, изображающем фараона Рамсеса,
пропорции фигур соответствуют величинам золотого деления. Зодчий
Хесира, изображенный на рельефе деревянной доски из гробницы его
имени, держит в руках измерительные инструменты, в которых
зафиксированы пропорции золотого деления.
Как уже сказано выше, греки были искусными геометрами. Даже
арифметике обучали своих детей при помощи геометрических фигур.
Квадрат Пифагора и диагональ этого квадрата были основанием для
построения динамических прямоугольников (рис.108).
Рис.108. Динамические прямоугольники
Платон (427...347 гг. до н.э.) также знал о золотом делении. Его
диалог "Тимей" посвящен математическим и эстетическим воззрениям
школы Пифагора и, в частности, вопросам золотого деления.
В фасаде древнегреческого храма Парфенона присутствуют золотые
пропорции. При его раскопках обнаружены циркули, которыми
пользовались архитекторы и скульпторы античного мира. В Помпейском
циркуле (музей в Неаполе) также заложены пропорции золотого деления.
118
Рис.109. Античный циркуль золотого сечения
Марк Витру
вийПоллион–римский архитектор, инженер, теоретик
архитектуры второй половины 1-го века до нашей эры.Предположительно,
родился как свободный римский гражданин в северной области Италии.
Получил архитектурное образование. Трактат «Десять книг об
архитектуре» является единственной сохранившейся античной работой об
архитектуре и по свидетельству самого Витрувия на тот момент
единственной книгой об архитектуре на латыни.Часто указывается, что с
открытия этой работы началось итальянское возрождение. Без сомнения
«10 книг» очень повлияли на развитие возрождения, но не могли быть
причиной, так как были хорошо известны в средневековье. Скорее,
наоборот, в период возрастающего интереса к античности единственный
сохранившийся античный автор не мог быть оставлен без внимания.«10
книг об архитектуре» изучались архитекторами, начиная с 15века вплоть
до 20. Витрувийпоставил проблему золотой середины между теорией и
практикой, описал основные понятия эстетики, описал соответствие
масштабов здания масштабу человека. Он также занимался изучением
пропорций человеческого тела. Им были выведены основные
закономерности пропорций человеческого тела. Приведём некоторые из
них:
-длина от кончика самого длинного до самого низкого основания из
четырех пальцев равна ладони;
-ступня составляет четыре ладони;
-локоть составляет шесть ладоней;
-высота человека составляет четыре локтя (и соответственно 24
ладони);
-шаг равняется четырём локтям;
-размах человеческих рук равен его высоте.
На рисунке 110 представлена одна из иллюстраций к работам
Витрувия «10 книг об архитектуре».
119
Рис.110. Иллюстрация к книге Ветрувия
В эпоху Возрождения усиливается интерес к золотому делению
среди ученых и художников в связи с его применением, как в геометрии,
так и в искусстве, особенно в архитектуре. Леонардо да Винчи, художник и
ученый, видел, что у итальянских художников эмпирический опыт
большой, а знаний мало. Он задумал и начал писать книгу по геометрии,
но в это время появилась книга монаха Луки Пачули, и Леонардо оставил
свою затею. По мнению современников и историков науки, Лука Пачули
был настоящим светилом, величайшим математиком Италии в период
между Фибоначчи и Галилеем.
Лука Пачули был учеником художника Пьеро дела Франческа,
написавшего две книги, одна из которых называлась "О перспективе в
живописи". Его считают творцом начертательной геометрии.
Лука Пачули прекрасно понимал значение науки для искусства. В
1496 году по приглашению герцога Моро он приезжает в Милан, где
читает лекции по математике. В Милане при дворе Моро в то время
работал и Леонардо да Винчи. В 1509 году в Венеции была издана книга
Луки Пачули "Божественная пропорция" с блестяще выполненными
иллюстрациями, ввиду чего исследователи полагают, что их сделал
Леонардо да Винчи. Книга была восторженным гимном золотой
пропорции. Бреди многих достоинств золотой пропорции монах Лука
Пачули не преминул назвать и ее "божественную суть" как выражение
божественного триединства бог сын, бог отец и бог дух святой
(подразумевалось, что малый отрезок есть олицетворение бога сына,
больший отрезок - бога отца, а весь отрезок - бога духа святого).
Несомненно, одним из великих людей, занимавшихся вопросами
пропорций, является Леонардо да Винчи. Он родился 15 апреля 1452 в
местечке Анкиано близ города Винчи, расположенном недалеко от
Флоренции. Умер в 1519 году во Франции. Мы его знаем как великого
художника, оставившего человечеству непревзойденный
шедевр
120
живописи «Джоконда», но он сам считал себя, прежде всего, инженером
и учёным.Он отдавал изобразительному искусству не очень много времени
и работал достаточно медленно. Леонардо жил в Италии, затем во
Франции и снова в Италии, выполнял различные заказы королей и
герцогов, но всегда прежде чем создать что-либо, он хотел проникнуть в
тайны природы. И так было во всех областях знаний. Он намного опередил
своё время, создав проекты подводной лодки, парашюта, вертолёта, и….
робота! Перечислять ещё можно очень многое, на то он и гений! Но мы
более подробно рассмотрим его поиски в области пропорций, так как он
считал, что вначале нужно понять суть вещей, а затем уж их изображать.
Леонардо да Винчи также много внимания уделял изучению
золотого деления. Он производил сечения стереометрического тела,
образованного правильными пятиугольниками, и каждый раз получал
прямоугольники с отношениями сторон в золотом делении. Поэтому он
дал этому делению название «Золотое сечение». Так оно и держится до
сих пор как самое популярное.
Любая его работа, в начальной стадии, включала в себя
геометрический расчёт. Поэтому он и обратился к работе Витрувия, как к
единственному источнику древних знаний.
«Витрувианский человек» - рисунок, сделанный Леонардо да
Винчи примерно в 1490-92 годах как иллюстрация для книги, посвященной
трудам Витрувия, и помещённый в одном из его журналов. На нём
изображена фигура обнажённого мужчины в двух наложенных одна на
другую позициях: с разведёнными в стороны руками и ногами, вписанная в
окружность; с разведёнными руками и сведенными вместе ногами,
вписанная в квадрат. Рисунок и пояснения к нему иногда называют
каноническими пропорциями. Рисунок выполнен пером, чернилами и
акварелью с помощью металлического карандаша, размеры рисунка
34,3×24,5 сантиметра. В настоящее время находится в коллекции галереи
Академии в Венеции.
Рисунок является одновременно научным трудом и произведением
искусства, также он служит примером интереса Леонардо к пропорциям.
В соответствии с сопроводительными записями Леонардо, он был
создан для определения пропорций (мужского) человеческого тела, как оно
описано в трактатахВитрувия.
Повторное открытие математических пропорций человеческого тела
в 15 веке, сделанное да Винчи и другими учёными, стало одним из
великих достижений, предшествующих итальянскому ренессансу.
Рисунок сам по себе часто используется как неявный символ
внутренней симметрии человеческого тела, и далее, Вселенной в целом.
Здесь показаны гармоничные пропорции человека, которые соответствуют
построениям по «Золотому сечению».
Как можно заметить при
121
исследовании рисунка, комбинация расположений рук и ног в
действительности даёт две различных позиции. Поза с разведёнными в
стороны руками и ногами вместе оказывается вписанной в квадрат. С
другой стороны, поза с раскинутыми в стороны и руками и ногами вписана
в окружность. При более детальных исследованиях, оказывается, что
центром круга является пуп фигуры, а центром квадрата половые органы.
Рис.111. Леонардо да Винчи«Витрувианский человек»
В то же время на севере Европы, в Германии, над теми же проблемами
трудился Альбрехт Дюрер(1471–1528г.г.) – немецкий художник, гравер,
теоретик, инженер и учёный, наиболее влиятельная личность германской
школы. Он родился в Нюрнберге в 1471 году в семье ювелира. Одной из
сфер его научных интересов являлось изучение закономерностей и
пропорций, заложенных самой природой. Он пытался теоретически
осмыслить эти закономерности и использовал их практически в своей
разносторонней деятельности. Делая наброски введения к первому
варианту трактата о пропорциях, Дюрер пишет. "Необходимо, чтобы тот,
кто что-либо умеет, обучил этому других, которые в этом нуждаются.
Это я и вознамерился сделать".
Альбрехт Дюрер подробно разрабатывает теорию пропорций
человеческого тела. Важное место в своей системе соотношений Дюрер
отводил золотому сечению. Он считал, что рост человека делится в
122
золотых пропорциях линией пояса, а также линией, проведенной через
кончики средних пальцев опущенных рук, нижняя часть лица - ртом и т.д.
Известен пропорциональный циркуль Дюрера.
Также Дюрер интересен своей некоторой загадочностью. Он
составил первый в Европе так называемый магический квадрат,
изображённый на его гравюре «Меланхолия». Остановимся на этом
изображении подробнее. Заслуга Дюрера заключается в том, что он сумел
так вписать в расчерченный квадрат числа от 1 до 16, что сумма 34
получалась не только при сложении чисел по вертикали, горизонтали и
диагонали, но и во всех четырёх четвертях, в центральном
четырёхугольнике и даже при сложении четырёх угловых клеток. Также
Дюрер сумел заключить в таблицу год создания гравюры «Меланхолия» 1514.«Магический квадрат» Дюрера остаётся сложной загадкой (рис. 112).
Если рассматривать средние квадраты первой вертикали, бросается в глаза,
что в них внесены изменения - цифры исправлены: 6 исправлена на 5, а 9
получена из 5. Несомненно, Дюрер не случайно обогатил свой
«магический квадрат» такими деталями, которые нельзя не заметить.
В.Дюрер выполнил три знаменитые гравюры на дереве, с
изображением карт южного и северного полушарий звёздного неба и
восточного полушария Земли. Эти произведения искусства являются
одновременно ценнейшими памятниками науки, что говорит о Дюрере как
об учёном.
Рис.112. А. Дюрер. Магический квадрат на гравюре «Меланхолия»
Судя по одному из писем Дюрера, он встречался с Лукой Пачули во
время пребывания в Италии.Интересно, что он жил в одно время с
123
Леонардо да Винчи, но они ни разу не встречались, хотя у них были
сходные научные интересы и они работали над одними и теми же
проблемами.
Великий астроном XVI века Иоганн Кеплер назвал «Золотое
сечение» одним из сокровищ геометрии.Оннаходил эту пропорцию в
строении солнечной системы. Также он первый обращает внимание на
значение золотой пропорции для ботаники (рост растений и их строение).
В последующие века правило золотой пропорции превратилось в
академический канон и, когда со временем в искусстве началась борьба с
академической рутиной, в пылу борьбы "вместе с водой выплеснули и
ребенка".
Вновь "открыто" «Золотое сечение» было в середине XIX в. В 1855 г.
немецкий исследователь золотого сечения немецкий профессор
Цейзингопубликовал свой труд "Эстетические исследования". Он
абсолютизировал пропорцию золотого сечения, объявив ее универсальной
для всех явлений природы и искусства. Как показывает опыт, полная
абсолютизация также неправильна, так как в любом явлении существует
отклонение от правил.
В начале 20 века плодотворно работал Ле Корбюзье - французский
архитектор и теоретик архитектуры. Его очень интересовал вопрос о
применении пропорций при проектировании зданий. С 1917 он жил в
Париже. Занявшись живописью, в 1918 вместе с А. Озанфаном,
разработал теорию пуризма (одно из течений в живописи). Главные темы
творчества ЛеКорбюзье 20-30-хгодов: градостроительство, жилище
человека и большие общественные здания. Новизна его архитектурных
предложений заключалась в полном пересмотре проблемы массового
жилищана основании тщательного анализа современного быта. Она
проявлялась в реорганизации функций жилища, в технологически детально
разработанном, создающем максимум удобств использовании площади
квартиры при её компактной планировке и расчёте на развитие.
Градостроительные проекты Ле Корбюзье, одного из лидеров урбанизма, в
20-30-е гг. развивали идею "вертикального" города-сада с высокой
плотностью населения и большими озеленёнными пространствами,
дифференциацией путей движения пешеходов и транспорта, разделением
зон жилья, деловой активности и промышленности. В 40-е гг., исследуя
проблему архитектурного пространства, Корбюзье создаёт «Модулор»систему гармонически связанных величин.
Модулор – это измерительная шкала (система гармонических
величин), созданная как инструмент пропорционального построения
архитектурных форм.Основу шкалы модулора составляют пропорции
человеческого тела и математические вычисления (рис.113).При этом он
использовал туже методику построения модулора, что и Леонардо да
124
Винчи при построении «Витрувианского человека». Корбюзье выяснил,
что размеры человеческого тела (человек ростом 180 см) совпадают с
пропорциями «золотого сечения» и построил свою шкалу размеров по
данной пропорции в большую и меньшую сторону. Это шкала размеров
совпадает с так называемым рядом Фибоначчи. Об этом человеке будет
рассказано позднее.Полученные размеры являются исходными размерами
для строительства и создания различных объектов в быту, позволяя
размещать архитектурные элементы соразмерно человеческой фигуре.
С одной стороны, по человеку с поднятой рукой определяются точки
занятого пространства: нога - солнечное сплетение, солнечное сплетение голова, голова - кончик пальцев поднятой руки - три интервала (триада),
обуславливающие серию золотого сечения. С другой стороны, создается
простой квадрат, его удвоение и два золотых сечения. Эти построения
используются дизайнерами до сих пор, для гармоничного соединения
текста и изображений (модульная сетка). Модулорснабжёнкрасноголубой шкалой, где «примиряются футы и метры», что позволяет
сблизить две используемые в настоящее время системы исчисления. Ле
Корбюзье был фанатом своего модулора, использовал его во всех своих
проектах, но в конце жизни его творения его разочаровывали, казались
скучными. Это говорит, о том, что нельзя абсолютизировать никакие
пропорции и вводить их в догмы. А с другой стороны, можно сказать, что
некоторое искажение пропорций оживляет композицию, привлекает к ней
внимание, чем и пользовались многие великие художники, например,
Модильяни.
Рис.113. МодулорЛе Корбюзье
125
В течение всей жизни Ле Корбюзье работал в различных областях
изобразительного искусства: писал картины (особенно часто в 20-е и 40-е
гг.), в 40—50-е гг. выполнял настенные росписи, эскизы ковров и
скульптурных композиций. Система его теоретических взглядов и его
произведения, оказали
значительное влияние на формирование
современной архитектуры.
Все вышеназванные люди тем или иным способом пытались
определить «правильные» пропорции, используя которые всегда можно
получить целесообразный и красивый объект при проектировании. И все
они тем или иным путём пришли к понятию «Золотое сечение».
3.2.4.Тело человека
Древнейшие данные о пропорциях человеческого тела были найдены
в гробнице пирамиды близ Мемфиса (3000 лет до н.э.). В дальнейшем этим
вопросом занимались многие учёные. Более подробно остановимся на
исследованиях упомянутого выше, А. Цейзинга.
Адольф Цейзинг,немецкий поэт и философродился в 1810году.
Деятельность Цейзинга в области математики представлена
исключительно работами по математической эстетике. Исходя из
высказываемой уже и до него мысли, что удовлетворять глазу и духу
человека может только деление отрезка линии в крайнем и среднем
отношении, он распространил эту мысль на деление всякого предмета. Он
поставил себе смелую задачу обнаружить его правильность по
возможности на всех представляемых громадной областью форм частных
случаях. И проделал для этого колоссальную работу. Цейзингизмерил
около двух тысяч человеческих тел и пришел к выводу, что золотое
сечение выражает средний статистический закон (рис.114, рис.115).
Рис.114. Золотые пропорции в лице и в руке человека
126
Деление тела точкой пупа - важнейший показатель золотого сечения.
Пропорции мужского тела колеблются в пределах среднего отношения 13:
8 = 1,625 и несколько ближе подходят к золотому сечению, чем пропорции
женского тела, в отношении которого среднее значение пропорции
выражается в соотношении 8: 5 = 1,6. У новорожденного ребёнка
пропорция составляет отношение 1: 1, к 13 годам она равна 1,6, а к 21 году
равняется мужской. Пропорции золотого сечения проявляются и в
отношении других частей тела - длина плеча, предплечья и кисти, кисти и
пальцев и т.д.
Рис.115. Золотые пропорции в фигуре человека
127
Справедливость своей теории Цейзинг проверял на греческих
статуях. Наиболее подробно он разработал пропорции Аполлона
Бельведерского.
Подверглись
исследованию
греческие
вазы,
архитектурные сооружения различных эпох, растения, животные, птичьи
яйца, музыкальные тона, стихотворные размеры. Цейзинг дал определение
золотому сечению, показал, как оно выражается в отрезках прямой и в
цифрах. Когда цифры, выражающие длины отрезков, были получены,
Цейзинг увидел, что они составляют ряд Фибоначчи, который можно
продолжать до бесконечности в одну и в другую сторону.Следующая его
книга имела название "Золотое деление как основной морфологический
закон в природе и искусстве". В 1876 г. в России была издана небольшая
книжка, почти брошюра, с изложением этого труда Цейзинга.
В конце XIX - начале XX веков, появилось немало чисто
формалистических теорий о применении «Золотого сечения» в
произведениях искусства и архитектуры. С развитием дизайна и
технической эстетики действие закона золотого сечения распространилось
на конструирование машин, мебели и т.д.
3.2.5.«Золотое Сечение» и искусство
Искусство дает огромное количество примеров использования
Золотого Сечения в творчестве великих художников и скульпторов.
Большинство греческих скульптур, непревзойденная «Мона Лиза»
Леонардо да Винчи, картины Рафаэля и Микеланджело. Даже в построении
музыкальных гармоний можно отметить пропорцию «Золотого сечения».
Этюды Шопена и музыкальные произведения Бетховена, Моцарта,
Чайковского - вот далеко не полный перечень выдающихся произведений
музыкального искусства, которые наполнены чудесной гармонией, в
основе которой лежит удивительное «Золотое Сечение»!
Давайте рассмотрим очень известные скульптуры и живописные
произведения. Пропорции их частей основаны на «Золотом сечении».
Поликлет Старший - древнегреческий скульптор и теоретик
искусства, работавший в Аргосе во 2-й половине V века до нашей эры.
Поликлет
любил
изображать
атлетов
в
состоянии
покоя,
специализировался на изображении спортсменов - олимпийских
победителей.Как пишет Плиний, Поликлет первым додумался придавать
фигурам такую постановку, чтобы они опирались на нижнюю часть лишь
одной ноги.Это можно увидеть на примере классической скульптуры«Дорифор».
128
Рис. 116. Поликлет«Дорифор»
В этой скульптуре всё тело атлета выполнено в соответствии с
пропорцией «Золотого сечения». То есть, нижняя часть туловища так
относится ко всему телу, как верхняя часть туловища к нижней части. Эти
же пропорции можно отметить и в строении ног, рук, головы.Скульптуры
данного автора были утрачены и известны по сохранившимся
древнеримским копиям.
Общеизвестна скульптура Венера Милосская (рис. 117),которая
сегодня находится в музее Лувр (Париж). Почему же она кажется такой
прекрасной и является эталоном женской красоты? Да потому что в
пропорциях её тела мы можем обнаружить всё тоже «Золотое сечение».
129
Рис. 117.Венера Милосская
«Венера Милосская»(Афродита с островаМилос) - знаменитая
древнегреческая скульптура, созданная приблизительно между 130 и 100
годами до нашей эры. Статуябогини любви Афродиты(середина II в. до
н. э.), из белого мрамора. Считается, что создателем её является скульптор
АгесандрАнтиохийский.Была найдена в 1820 году на острове Милосв
Эгейском море крестьянином. Руки её были утрачены уже после находки,
в момент конфликта между французами, которые хотели отвезти её в свою
страну, и турками (владельцами острова), которые имели то же намерение.
База с подписью автора также утрачена.Статуя была приобретена в1821
году. В настоящее время хранится в специально подготовленной для неё
галерее на 1-м этажеЛувра.
Проанализировав образцы античной скульптуры, мы видим, что
тогда уже были известны пропорции «золотого сечения», известного в то
время как «божественная пропорция».
Знаменитые
музеи
мира
гордятся
своими
собраниями
древнегреческих и древнеримских скульптур. К этим музеям можно
отнести и наш Эрмитаж в Санкт-Петербурге.
Как известно, возрождение прогресса во всех областях жизни
человека историки связывают с эпохой Ренессанса. Одним из гениев этой
эпохи является Микеланджело Буонарроти(1475– 1564г.г.).Это был
130
великий итальянский скульптор. Живописец, архитектор, поэт,
мыслитель.Один из величайших мастеров эпохиРенессанса.Родился в
городе Капрезе,умер в Риме. Вся его жизнь связана с городом Флоренция
и с семьёй Медичи, фактических
хозяев
Флоренции. Гений
Микеланджело наложил отпечаток не только на искусство Ренессанса, но и
на всю дальнейшую мировую культуру. По характеру своего дарования, он
был, прежде всего, скульптор. Это ощущается и в живописных работах
мастера, необычайно богатых пластичностью движений, сложных поз,
отчётливой и мощной лепкой объёмов. Во Флоренции Микеланджело
создал бессмертный образец Высокого Возрождения - статую «Давид»
(рис.118), ставшую на многие века эталоном изображения человеческого
тела, в Риме - скульптурную композицию«Пьете», одно из первых
воплощений фигуры мёртвого человека в пластике. Все его великие
скульптуры были созданы в соответствии с пропорцией «Золотого
сечения».
Однако наиболее грандиозные свои замыслы художник смог
реализовать именно в живописи, где он выступил подлинным новатором
цвета и формы.
Рис.118.Микеланджело«Давид»
131
Использование золотого сечения в произведениях изобразительного
искусства широко известно. Доказано, что Леонардо да Винчииспользовал
так называемые «Золотые треугольники», которые являются частью
пентаграммы, для композиционного построения своей знаменитой
«Джоконды» (рис.119).
Рис.119.Леонардо да Винчи«Мона Лиза» («Джоконда»)
Исследуя композиционную структуру картин – шедевров мирового
изобразительного искусства, искусствоведы обратили внимание на тот
факт, что в пейзажных картинах широко используется пропорция
«Золотого Сечения». Блестящим примером использования этого закона в
русской живописи является картина И.И. Шишкина «Корабельная роща»
(рис.120).Если внимательно рассмотреть картину, то можно отметить, что
самая ближняя большая сосна расположена на вертикали, делящей
плоскость на 2 части. Левая часть приблизительно в два раза больше
правой, что соответствует пропорции «Золотого сечения». Линия
поверхности земли также расположена ближе к нижней части картины и
делит плоскость картины в той же пропорции.
132
Рис.120. И. Шишкин «Корабельная роща»
Из современных художников, использовавших золотое сечение в
своих картинах, наиболее яркой личностью является российский художник
Константин Васильев, к сожалению, рано ушедший из жизни. Таким
примером является его знаменитая картина «У окна» (рис.121). Герои
картины расположены ближе к левой стороне картины и вертикальная
линия, проведённая по изображению лица женщины, делит картину также
в пропорции «Золотого сечения».
Рис.121. К. Васильев «У окна»
133
3.2.6. «Золотое сечение» в архитектуре
Одним из красивейших произведений древнегреческой архитектуры
является Парфенон (V в. до н. э.).На рисунке виден целый ряд
закономерностей, связанных с коэффициентом золотого сечения (рис.122).
Знаток античной архитектуры Н. Брунов писал: «Для грека
характерно очеловечивание сил природы -антропорфизм. Ордер
классического греческого храма является также главным носителем
человеческого начала: он осуществляет на языке архитектуры
монументализированного человека-героя».
Интересны исследования римского архитектора Витрувия, который
занимался
поисками
канона
пропорций
человеческого
тела,
использованного при строительстве греческих храмов.«Никакой храм без
соразмерности и пропорции не может иметь правильной композиции, если
в нём не будет точно такого членения, как у хорошо сложенного человека.
Желая сделать так, чтобы они (колонны) были пригодны к поддержанию
тяжестей и обладали правильным и красивым обличьем, они измерили
след мужской ступни по отношению к человеческому росту и. найдя, что
ступня составляет шестую его долю, применили это соотношение к
колоннаде. Сообразно с толщиной её ствола, вывели её высоту в шесть раз
больше, включая сюда и капитель. Таким образом, дорийская колонна
стала воспроизводить в зданиях пропорции, крепость и красоту мужского
тела».
Рис.122. Древнегреческий храм Парфенон и его гармонический анализ
Пирамиды в Гизе - самые огромные надгробья в мире. Пирамида
Хеопса стоит на краю пустыни к западу от Нила. Она была построена
фараоном Хауфу (2590-2568 годы до н. э.). Его имя по-гречески звучало
«Хеопс». Два царя из следующих династий, Хефрен и Микерин, построили
совсем рядом с этой другие пирамиды. Три пирамиды вместе составляют
самый известный в мире комплекс построек. Высота пирамиды Хеопса 134
138 метров (а изначально была даже 147 метров). Она выстроена из двух с
половиной миллионов известняковых блоков, которые вывозились из
ближайшей каменоломни. Они весят в среднем по две с половиной тонны
(рис.123). Пирамида стоит на специально подготовленной плоскости,
которая по горизонтали дает отклонение меньше двух сантиметров.
Основание пирамиды - квадратное, а длина одной стороны составляет
227,5 метра. Анализ геометрических размеров пирамид, говорит о том, что
они построены по пропорциям «Золотого сечения».
Рис.123. Пирамиды в Гизе
История Храма Христа Спасителя началась 25 декабря 1812 года.
Эта очень трагична, но и чудесна. Именно в этот день, когда последний
солдат 600-тысячной армии Наполеона, вторгнувшейся в Россию, был
изгнан из её пределов, император Александр I подписал Манифест о
создании в честь победы Российского воинства, в благодарность Богу,
величественного Храма во Имя Христа Спасителя в Москве (рис.124). Все
размеры этого храма соответствовали пропорциям «Золотого сечения». Он
построен полностью на народные деньги. Средства собирали по всей
России. В оформлении храма принимали участие великие художники.
Например, В. Врубель и В.Васнецов. Особой достопримечательностью
были мраморные плиты, где были записаны имена всех погибших воинов,
начиная от генералов и кончая рядовыми солдатами. Но во времена
сталинского режима он был взорван, плиты с именами погибших
безвозвратно утрачены. И истинным чудом является то, что уже в 21 веке
этот храм был восстановлен с максимально возможной точностью и теперь
он вновь радует Россиян.
135
Рис.124. Храм Христа спасителя в Москве
Пропорциональность является одним из важнейших средств
организации композиции. Существуют некоторые пропорциональные
отношения,
которые
являются
фундаментальными,
желательно
пользоваться ими при создании любой композиции. В творчестве правила
знать необходимо, но использовать их можно по усмотрению
дизайнера.Принцип «Золотого сечения» - высшее проявление
структурного и функционального совершенства целого и его частей в
искусстве, науке, технике и природе.
3.2.7.Различные виды пропорциональных отношений
Золотое сечение – признак структурного единства объектов природы,
но в, то, же время оно неотделимо от объектов искусства.
Но существуют и другие виды пропорциональных отношений:
- арифметическая прогрессия: 1, 3, 5, 7, 9;
- геометрическая прогрессия: 1, 3, 9, 27, 81;
- квадратичные соотношения: 2, 4, 16, 256;
- ряд Фиббоначи (каждое число равно сумме двух предыдущих): 1, 2, 3, 5,
8;
-гармоническая прогрессия (по затухающей синусоиде)1/2, 1/3, 1/7.
136
С историей «Золотого сечения» косвенным образом связано имя
итальянского математика монаха Леонардо из Пизы, более известного под
именем Фибоначчи (сын Боначчи). Он много путешествовал по Востоку,
познакомил Европу с индийскими (арабскими) цифрами. В 1202 году
вышел в свет его математический труд «Книга об абаке» (счетной доске), в
котором были собраны все известные на то время задачи. Одна из задач
гласила «Сколько пар кроликов в один год от одной пары родится».
Далее приводится сама задача.
«Некто поместил пару кроликов в некоем месте, огороженном со
всех сторон стеной, чтобы узнать, сколько пар кроликов родится при
этом в течение года, если природа кроликов такова, что через месяц
пара кроликов производит на свет другую пару, а рождают кролики со
второго месяца после своего рождении».
Ясно, что если считать первую пару кроликов новорожденными, то
на второй месяц мы будем по прежнему иметь одну пару; на 3-й месяц1+1=2; на 4-й- 2+1=3 пары (ибо из двух имеющихся пар потомство дает,
лишь одна пара); на 5-й месяц- 3+2=5 пар (лишь две родившиеся на 3-й
месяц пары дадут потомство на 5-й месяц); на 6-й месяц- 5+3=8 пар (ибо
потомство дадут только те пары, которые родились на 4-м месяце) и т. д.
Таким образом, если обозначить число пар кроликов, имеющихся на
n-м месяце черезFk , то F1=1, F2=1, F3=2, F4=3, F5=5, F6=8, F7=13, F8=21
и т. д., причем образование этих чисел регулируется общим законом:
Fn=Fn-1+Fn-2
При всех n>2, ведь число пар кроликов на n-м месяце равно числу
Fn-1 пар кроликов на предшествующем месяце плюс число вновь
родившихся пар, которое совпадает с числом Fn-2 пар кроликов,
родившихся на (n-2) месяце (ибо лишь эти пары кроликов дают
потомство).
137
Рис.125. Иллюстрация к задаче.
Числа Fn , образующие последовательность 1, 1, 2, 3, 5, 8, 13, 21, 34,
55, 89, 144, 233, ... называются "Числами Фибоначчи", а сама
последовательность –«последовательностью Фибоначчи».
Суть последовательности Фибоначчи в том, что начиная с 1,1,
следующее число получается сложением двух предыдущих, а отношение
смежных чисел ряда приближается к отношению «Золотого сечения».
Почему эта последовательность так важна?
Данная последовательность асимптотически (приближаясь все
медленнее и медленнее) стремится к некоторому постоянному
соотношению. Однако, это соотношение иppационально, то есть
представляет
собой
число
с
бесконечной,непредсказуемой
последовательностью десятичных цифр в дробной части. Его невозможно
выпазить точно.
Если какой-либо член последовательности Фибоначчи разделить
на предшествующий ему (например, 13:8), результатом будет
величина,
колеблющаяся
около
иррационального
значения
1.61803398875. И через раз то превосходящая, то не достигающая его.
Даже, затратив на это Вечность, невозможно узнать соотношение точно,до
последней десятичной цифры.Краткости pади, мы будем приводить его в
виде 1.618.
138
Особые названия этому соотношению начали давать еще до того, как
Лука Пачоли (средневековый математик) назвал его «Божественной
пpопорцией».
Человек подсознательно ищет «Божественную пpопоpцию», она
нужна для удовлетворения его потребности в комфорте.
Пpи делении любого члена последовательности Фибоначчи на
следующий за ним получается просто обкатная к 1.618 величина (1:
1.618=0.618). О, это тоже весьма необычное, даже замечательное явление!
Поскольку первоначальное соотношение - бесконечная дробь, у этого
соотношения также не должно быть конца.
При делении каждого числа на следующее за ним через
одно,получаем число 0.382
Подбирая, таким образом, соотношения,получаем основной набор
коэффициентов Фибоначчи: 4.235, 2.618,1.618,0.618,0.382,0.236.Упомянем
также0.5.Все они играют особую роль в природе и в частности в
техническом анализе.
Тут необходимо отметить,что Фибоначчи лишь напомнил свою
последовательность человечеству,так как она была известна еще в
древнейшие времена.
Фибоначчи так же занимался решением практических нужд
торговли, с помощью какого наименьшего количества гирь можно
взвесить товар? Фибоначчи доказывает, что оптимальной является такая
система гирь: 1,2,4,8,16.
Отрезки
золотой
пропорции
выражаются
бесконечной
иррациональной дробью 0,618..., если c принять за единицу, a = 0,382..
.Kак мы уже знаем, числа 0.618 и 0.382 являются коэффициентами
последовательности Фибоначчи. На этой пропорции базируются
основные геометрические фигуры.
Соотношение 21:34, а точнее, 0,618034…, считается идеальным
выражением пропорциональности и часто встречается в природе.
Прямоугольник
с
соотношением
21:34
называют
«золотымпрямоугольником», а его диагональ – «активной» диагональю»
Рис.126. «Золотой прямоугольник»
139
На рисунке 127 изображена пластиковая карта, форма которой
соответствует пропорциям «Золотого прямоугольника».
Рис.127. Пластиковая карта
Прямоугольник с таким отношением сторон стали называть
«Золотым прямоугольником». Он также обладает интересными
свойствами.Если от него отрезать квадрат,то останется вновь золотой
прямоугольник. Этот процесс можно продолжать до бесконечности. А если
провести диагональ первого и второго прямоугольника, то точка их
пересечения
будет
принадлежать
всем
получаемым
золотым
прямоугольникам.
Разумеется, есть и «Золотой треугольник». Это равнобедренный
треугольник, у которого отношение длины боковой стороны к длине
основания равняется 1.618.
Рис. 128. Золотой треугольник
140
Есть и «Золотой кубоид»- это прямоугольный параллелепипед с
ребрами, имеющими длины 1.618, 1 и 0.618.
Пентакл(пентакль) - используется наравне с
терминомпентаграмма, (пентальфа,пентагерон). Пентаграмма
происходить от греческих слов "pente" –пять и "gramma" - черта, линия.
Пентаграмма - правильный пятиугольник, на каждой стороне которого
построены равнобедренные треугольники, равные по высоте.
Вертикальная пентаграмма - пятилучевая звезда с одним из лучей,
направленнымвверх.
Вертикальныйпентакл вообще определяется как вертикальная
пентаграмма, описанная кругом.
Перевернутая (инвертированная) пентаграмма - пятилучевая звезда с
двумя лучами, направленными вверх.
Вертикальныйпентакл - пятиугольная звезда, вписанная в круг. В
звездчатом
пятиугольнике(пентакль)каждая
из
пяти
линий,
составляющих эту фигуру, делит другую в отношении «Золотого
сечения»,а концы звезды являются«Золотыми треугольниками».
Рис. 129. Построение правильного пятиугольника и пентаграммы
Каждый конец пятиугольной звезды представляет собой золотой
треугольник. Его стороны образуют угол 36° при вершине, а основание,
отложенное на боковую сторону, делит ее в пропорции золотого сечения.
Древние довольно часто также использовали изображение пентакля
в своих изделиях. Далее представлена Древнегреческая бронзовая монета с
пентаграммой, изготовленная в 4-3 вв. до нашей эры. (Pitane, Mysia)
Буквы вокруг пентаграммы – PITAN.
141
Рис.130. Древнегреческая бронзовая монета
Вы никогда не разрезали яблоко по экватору, т.е. поперек?
Разрежьте. И тогда становится совершенно очевидным, откуда произошел
пентакль.
а) б)
в) г)
Рис.131. Примеры пентагональной симметрии в природе:
а - китайская роза; б - яблоко в разрезе; в - морская звезда; г - кактус
142
Интересно, что пятерчатая симметрия редко встречается в
неорганических формах, но уникально присуща органической жизни, как в
форме человеческой руки, морских звезд, цветов, растений и многих
других живых существ. Этот образец существует даже на молекулярном
уровне.Пять, поэтому, воплощает форму и формирование жизни, саму
сущность жизни.
Для поколения советских людей, носивших октябрятские звездочки с
портретом вождя пролетариата в детстве, пентакль представлялся
символом и изобретением коммунистической идеологии. Однако это не
так.
Пентакли и пентаграммы - одни из наиболее широко используемых
религиозных символов. Они использовались во многие эры и многими
культурами и религиями мира: древними Язычниками, древними
Израильтянами, Христианами, магами и многими другими.
Пифагор утверждал, что эта пентаграмма представляет собой
математическое совершенство, так как скрывает в себе «Золотое сечение».
Если разделить длину любого сегмента пентакла на длину самого
длинного из оставшихся меньших сегментов, то будет получено «Золотое
сечение».
Форма пентакля также встречается и в современной архитектуре.
Например, известное здание военного ведомства «Пентагон» в США.
Рис.132. Пентагон
3.2.8.Принципы формообразования в природе
Все, что приобретало какую-то форму, образовывалось, росло, стремилось
занять место в пространстве и сохранить себя. Это стремление находит
осуществление в основном в двух вариантах – рост вверх или расстилание
по
поверхности
земли
и
закручивание
по
спирали.
Раковина закручена по спирали. Если ее развернуть, то получается длина,
немного уступающая длине змеи. Небольшая десятисантиметровая
раковина имеет спираль длиной 35 см. Спирали очень распространены в
143
природе. Представление о «Золотом сечении» будет неполным, если не
сказать о спирали (рис.133).
Форма спирально завитой раковины привлекла внимание Архимеда.
Он изучал ее и вывел уравнение спирали. Спираль, вычерченная по этому
уравнению, называется его именем. Увеличение ее шага всегда
равномерно. В настоящее время спираль Архимеда широко применяется в
технике.
Рис.133. Спираль Архимеда
Еще Гете подчеркивал тенденцию природы к спиральности.
Винтообразное и спиралевидное расположение листьев на ветках деревьев
подметили давно. Спираль увидели в расположении семян подсолнечника,
в шишках сосны, ананасах, кактусах и т.д. Совместная работа ботаников и
математиков пролила свет на эти удивительные явления природы.
Выяснилось, что в расположении листьев на ветке (филлотаксис), семян
подсолнечника, шишек сосны проявляет себя ряд Фибоначчи, а стало
быть, проявляет себя закон «Золотого сечения». Паук плетет паутину
спиралеобразно. Спиралью закручивается ураган. Испуганно стадо
северных оленей разбегается по спирали. Молекула ДНК закручена
двойной
спиралью.
Гете
называл
спираль«Кривой
жизни».
Среди придорожных трав растет ничем не примечательное растение –
цикорий. Приглядимся к нему внимательно. От основного стебля
образовался отросток. Тут же расположился первый листок.
Рис. 134. Цикорий
144
Отросток делает сильный выброс в пространство, останавливается,
выпускает листок, но уже короче первого, снова делает выброс в
пространство, но уже меньшей силы, выпускает листок еще меньшего
размера и снова выброс. Если первый выброс принять за 100 единиц, то
второй равен 62 единицам, третий – 38, четвертый – 24 и т.д. Длина
лепестков тоже подчинена золотой пропорции. В росте, завоевании
пространства растение сохраняло определенные пропорции. Импульсы его
роста постепенно уменьшались в пропорции «Золотого сечения».
Рис. 135. Ящерица живородящая
В ящерице с первого взгляда улавливаются приятные для нашего
глаза пропорции – длина ее хвоста так относится к длине остального тела,
как 62 к 38.
И в растительном, и в животном мире настойчиво пробивается
формообразующая тенденция природы – симметрия относительно
направления роста и движения. Здесь «Золотое сечение» проявляется в
пропорциях частей перпендикулярно к направлению роста.
Природа осуществила деление на симметричные части и золотые
пропорции. В частях проявляется повторение строения целого.
На рисунке 136 показано яйцо, где вновь проявляется «Золотое
сечение».
Рис. 136. Яйцо птицы
145
Великий Гете, поэт, естествоиспытатель и художник (он рисовал и
писал акварелью), мечтал о создании единого учения о форме, образовании
и преобразовании органических тел. Это он ввел в научный обиход термин
«Морфология».
Пьер Kюри в начале нашего столетия сформулировал ряд глубоких
идей симметрии. Он утверждал, что нельзя рассматривать симметрию
какого-либо тела, не учитывая симметрию окружающей среды.
Из истории астрономии известно, что И. Тициус, немецкий астроном
XVIII века, с помощью этого ряда нашел закономерность и порядок в
расстояниях между планетами Солнечной системы.
С развитием дизайна и технической эстетики действие закона
«Золотого сечения» распространилось на конструирование машин, мебели
и т.д.Ноподчинённость произведений искусства строгим правилам
математики – довольно распространённое заблуждение. Всё должно
подвергаться зрительной корректировке.
Дизайнер должен обладать обострённым чувством пропорции, точно
улавливать и определять соотношение длины, ширины и высоты предмета,
его характерных особенностей. У человека есть природное чувство
гармоничных пропорций, которому нужно доверять, тренировать его,
развивать.
3.3.Контраст. Нюанс. Тождество
Каждое
средство
организации
гармоничной
композиции
применяется целенаправленно. Некоторые художники и дизайнеры, в
зависимости от идеи произведения применяют такие средства
гармонизации композиции, как контраст, нюанс или тождество. Но в
одном и том,же произведении могут встречаться контраст и нюанс, а в
качестве фона может использоваться тождество.
А теперь разберёмся более подробно со значением понятия
«контраст».
Контраст– резкое различие элементов композиции – мощное
средство
усиления
выразительности.
Это
сочетание
противоположенных
характеристик
объекта,
противопоставление
высокого и низкого, линий и пятен, тёмного и светлого. Контраст
выделяет часть изображения. Расставляет акценты, выражает энергию и
силу произведения. Контраст – проявление всеобщего диалектического
проявления закона единства и борьбы противоположенностей. Он
подчёркивается не только формой, цветом, текстурой, но и общей идеей,
сюжетом композиции (рис.137).
146
Рис.137. Контрастность композиции
Соотносительность позволяет усилить впечатление многоцветности
изображения при использовании ограниченного числа красок: темное на
светлом фоне кажется более темным и наоборот. Как уже говорилось
ранее, контраст цветов усиливает их звучание всем известно, что буквы
чёрного цвета хорошо читаются на белой бумаге. То же самое происходит
и с рисунками, выполненными чёрным цветом на белом фоне.
Рис.138. Восприятие объекта в зависимости от окружения
На следующем изображении представлена формальная композиция.
Она состоит из простых геометрических форм, контрастных по форме или
по цвету. Кроме того, элементы расположены по диагонали и ритмически
чередуются, создавая эффект движения.
147
Рис.139. Ритмическая композиция
В объёмно – пространственной композиции контраст может быть
выражен контрастом форм (овальная, прямоугольная) или размеров этих
форм, а также их фактурой.
Рис.140. Контраст фактур
В городском ландшафте это может быть высокое дерево и низкое
дерево. Или острые навершия на кованых решётках и круглые элементы,
их соединяющие, и т.д.
Контрасты применяются при создании произведений, к которому
необходимо привлечь внимание зрителя. Например, при создании
рекламного плаката один из элементов может быть нарочито увеличен,
148
или к нему применён контрастный цвет. То есть в любом произведении
должна присутствовать контрастная форма.
Пропорциональность и масштабность определяются соотношениями
отдельных частей композиции, но говоря о соотношениях, необходимо
учитывать такие категории, как тождество, контраст и нюанс.
Если контраст – это максимальное изменение качеств
изобразительных средств, нюанс минимальное.
Нюанс–такое соотношение элементов композиции, при котором
преобладает сходство, но имеются незначительные различия. Или
нюанс,это такое средство организации элементов,сущность которого
составляет плавный переход характеристик.
В нюансе нет чётко выраженных противоречий, он играет роль
оттенка, помогая избежать монотонности. Нюанс, это небольшое
изменение формы, изменение светлоты определённого тона, небольшое
изменение размера одного из элементов.
На следующей студенческой работе мы видим изменение в ряду
яблок. Одно из яблок кто-то уже попробовал. Это контраст или нюанс?
Нюансы делают изображение интереснее, привлекают внимание зрителей.
Рис.141. Нюанс в изображении
В природе мы постоянно можем встретить нюансы и контрасты.
Например, на дереве все листья кажутся одинаковыми. Но если
присмотреться, то некоторые из них больше или меньше, молодые листья
на концах веток бледнее, чем все остальные, форма и размеры листьев
также отличаются. Все ромашки на поляне похожи, но абсолютно две
одинаковых найти сложно. Это нюансы. Те же белые ромашки на зелёной
поляне очень заметны, потому что они контрастны по цвету.
На следующем изображении (студенческая работа) мы видим один и
тот же городской пейзаж. И только с помощью деталей (нюансов)
получено изображение разных времён года.
149
Рис.142. Одно изображение в различных цветовых решениях
Контраст и нюанс – взаимодополняющие средства, которые не могут
существовать друг без друга.
Теперь поговорим о тождестве в изображении. Если контраст это
максимальное изменение качеств изобразительных средств, нюанс –
минимальное, то тождество – это повторение этих качеств.
Тождество – отношение полностью сходных элементов:
повторяющийся узор орнамента (раппорт), кирпичи, составляющие стену,
брёвна из которых сложена изба. Тождественные элементы композиции
часто создают множество, образуя фон. На рисунке 143 изображённые
элементы образуют между собой тождество, элементы равнозначны между
собой. Ни один из них не может быть композиционным средством
(студенческая работа).
Таким образом, контраст, нюанс, тождество это средства,
помогающие организовать уравновешенную, единую и соподчинённую
композицию. То есть композицию гармоничную во всех отношениях. Эти
средства позволяют создавать различные художественные образы. В
зависимости от того, какое средство доминирует, возникают различные
ассоциации, создаётся эмоциональный настрой всего произведения.
150
Рис.143. Геометрический орнамент
Гармония – это сочетание противоположенностей, их равновесие.
Для достижения гармонии, в изображении целесообразно использовать
такие средства организации композиции, как контраст, нюанс, тождество.
Наиболее действенным из них является контраст.
3.4. Масштабность
С понятием пропорции тесно связано понятие масштабности.
«Человек есть мера всех вещей» такая фраза высечена на мраморе
Дельфийского храма. Эти слова чётко формулируют главную идею
масштаба. Все, что создаёт человек, он делает для себя и по себе.
Ранее мы уже говорили о том, что даже с помощью самой лучшей
репродукции картины невозможно создать
у человека такое же
впечатление как от подлинника. Это напрямую связано и таким понятием
как «масштабность». Ведь репродукция всегда отличается по размеру от
подлинника. Сам же автор подбирал размер самого полотна таким
образом, чтобы наилучшим образом воплотить свою идею. Не случайно
огромное впечатление на людей производит посещение знаменитых
музеев, где хранятся шедевры искусства, или первая настоящая встреча с
архитектурными шедеврами.
Масштабность – средство художественной выразительности.
Гигантские
монументальные
статуи
подчёркивают
значимость,
героичность изображённых людей. Стоит вспомнить гигантские фигуры
Атлантов у входа в Эрмитаж или фигуру таинственного Сфинкса,
охраняющего египетские пирамиды.
Масштабность–соразмерность
принятому
эталону.В
предметном мире людей эталоном является сам человек.
Объекты разной масштабности существенно различаются по форме.
Восприятие абсолютно размера объекта зависит от количества деталей,
непосредственно их размеров и формы, пропорций составных частей.
151
Рис.144.Объекты разной масштабности
Формы взрослого организма обычно сложнее и четче очерчены,
имеют другие пропорции и более развитый общий силуэт, большее
количество деталей, чем формы маленького ребёнка. По форме мы можем
отличить щенка от взрослой собаки, цыплёнка от курицы и т.д.
От сложности формы в большей степени зависит, считать объект
большим или маленьким. Кроме того, восприятие масштаба объекта в
большой степени зависит от его окружения.
Соотносительность– особенность восприятия, выражающаяся в
том, что все свойства одних предметов воспринимаются в сравнении с
теми же свойствами других объектов.На этом основаны такие средства
композиции, как масштабность и пропорциональность, о которых речь
пойдёт далее.
Если изображен только один предмет, нельзя сказать большой он или
маленький. Следует поместить его в какую-либо среду, окружить другими
предметами. Глаз воспринимает линию как длинную, если для сравнения
перед ним находится другая линия, более короткая. Но та, же линия, будет
казаться короткой, если рядом расположена линия большей длины. Таким
образом, эмоциональное восприятие одного и того же предмета зависит от
окружения.
На рисунке 145 мы видим изображение домика и маленького
мальчика. При этом мы понимаем, что мальчик гораздо меньше домика.
На рисунке 146 домик представляется уже игрушкой малыша.
То есть, человек может судить о размерах объекта, сравнивая их с
размерами другого объекта.
152
Рис.145. Восприятие объекта в зависимости от окружения
Рис.146. Восприятие объекта в зависимости от окружения
Дизайнеры довольно часто пользуются масштабностью в своей
работе. Преувеличивая истинные размеры какого-либо объекта
относительно других, мы привлекаем к нему повышенное внимание, тем
самым вызывая интерес. Этот приём часто используется в рекламе, в
различных объёмно-пространственных композициях.
3.5.Формат плоской композиции
Огромное значение плоской композиции имеет формат – граница
поля изображения. Незаполненное белое поле листа может быть очень
активным, эту активность придают ему элементы композиции,
размещённой на белом поле. Композиция из абстрактных чёрных пятен на
белом поле выглядит рельефной, в ней есть некая трехмерности, т.к.
153
чёрный цвет придаёт плоскому изображению вес, глубину, а белый фон
трактуется как воздух.
Если изображение сделано на плоском листе без чётко очерченных
границ, оно кажется не очень глубоким, приближенным к зрителю, но
стоит ввести раму, как появляется дополнительное третье измерение. Но
даже если рамы нет, сама композиция имеет очерковую границу. Контур,
который определяет форму и ритм.
В ксилографиях Фаворского сочетание чёрных линий и пятен на
белом фоне определяют глубину и границы пространства (рис.147). Мы
ясно видим прямоугольный формат, хотя границы изображения не
очерчены.
Рис.147. Ксилографии Фаворского
Элементы композиции, расположенные у центра, воспринимаются
лежащими в глубине, в этом случае ровное плоское поле становится
пространством. Элементы, расположенные на однородном поле близко к
краю, как бы лежит на поверхности, в плоскости «рамы».
Наиболее
распространённые
форматы
изображения
–
прямоугольные, круглые, овальные.
Прямоугольный, вытянутый вертикально, формат создаёт ощущение
возвышенности, стремления вверх (рис.148).
В качестве примера
представлена традиционная китайская графика. В данном случае
используется вытянутый вверх формат, который придаёт лёгкость и
воздушность изображению.
154
Рис.148. Традиционная китайская живопись
Горизонтальный формат выглядит «распахнутым», ослабляется
чувство замкнутости, уменьшается значение композиционного центра
(рис.149). Он удобен для сложных многоплановых композиций. Чаше
всего используется прямоугольный формат по размерам «Золотого
сечения». Он наиболее уравновешен и замкнут. В нём часто размещают
композиции с осевой или зеркальной симметрией.
155
Рис.149. Гравюра старого города
Очень привлекательно выглядит композиция в круглой раме. Эта
форма способствует привлечению внимания к центру. Весь сюжет
развивается в границах этой площади. Эту форму очень часто используют
мастера декоративно – прикладного искусства. Например, всем известные
изделия палехских мастеров - разнообразные шкатулки. Очень часто они
имеют круглую форму, где весь изображённый сюжет умело, вписан в
миниатюрную окружность. Или же на прямоугольной форме шкатулки вы
видим сюжетную композицию, расположенную в круге, что делает её
более интересной.
Рис.150. Палехская шкатулка
156
Повседневно используемые человеком в быту предметы также часто
имеют круглую форму. Например, красивые тарелки приносят нам
эстетическое наслаждение, и мы испытываем радость при ежедневном их
использовании.
Осей зеркальной симметрии в круге может быть много, поэтому
симметричная композиция в круге выглядит зрительно подвижной
(рис.151).
Рис.151. Декоративная тарелка
Несимметричная композиция в круглой раме, с явно выраженным
верхом и низом
«останавливает вращение» и получается очень
выразительной.
Рис.152. Декоративная тарелка
Очень декоративно выглядит овальная «рама», но она требует
тщательно продуманной компоновки элементов. Овал – зрительно
законченная замкнутая форма. Традиционно в овальном формате
размещают декоративные орнаментальные композиции (рис.153).
Если
157
вновь обратиться к декоративно-прикладному искусству, то в этой связи
нельзя не вспомнить знаменитые Жостовские подносы, где в эту форму
очень часто вписан натюрморт.
Рис.153. Декоративный поднос
Очень известны фронтальные изображения – камеи. Именно такая
форма использована для их создания.
Также эту форму очень любили художники – портретисты, а также
художники, работающие в жанре миниатюры.
Здесь будет уместно вспомнить акварельный портрет жены А.С.
Пушкина Н.Н. Гончаровой, написанный И.К. Макаровым. Именно, такая
форма даёт возможность зрителю сосредоточить всё своё внимание на
изображёнии человека.
Рис.154.И.Макаров «Портрет Н. Гончаровой»
158
Очень
интересно
выглядит
сочетание
прямоугольного
горизонтального композиционного поля и овального формата. Такие
композиции можно встретить на так называемых «дизайнерских»
изделиях.
Рис.155. Декоративный поднос
Человек, занимающийся творчеством, в самом начале своей работы
должен обдумать форму рамы и её размер, на которой будет располагаться
задуманное изображение. Это поможет достичь желаемого эффекта и
избавит от разочарований в дальнейшем.
Раздел 4.Виды композиции
Изучив законы композиции, правила их применения, средства
организации гармоничной композиции
перед нами стоит задача
применить их при создании любой композиции. Эти законы едины для
любого вида композиции.
История искусств представлена тремя видами композиций. Это
фронтальная, объёмная и пространственнаякомпозиции. Каждый из
них не имеет преимущества по значимости. Каждый из них применяется в
случае, если поставленная задача того требует. Далее выявим особенности
различных видов композиции.
4.1.Фронтальная композиция
Если композиция развивается на плоскости в двух направлениях – по
вертикали и по горизонтали, а глубина выражена не явно, образуется
плоскостная или фронтальная форма. Это может быть произведение
159
живописи, графики, фотография или произведение декоративно –
прикладного искусства.
С развитием компьютерной графики к таким композициям можно
отнести изображения, созданные с помощью компьютерной графики.
Несколько особняком, стоят голографические изображения. Но их также
можно отнести к фронтальным композициям.
Рис.156. Декоративный натюрморт
На рисунке 157 представлена студенческая работа «Натюрморт»,
выполненная средствами компьютерной график (векторная графика). Если
проанализировать эту работу, то можно отметить целостность композиции,
наличие композиционного центра, равновесие. А какими средствами
гармонизации пользовался автор? Хочется отметить, что центр
композиции - яблоко, расположено приблизительно по линии «Золотого
сечения», соблюдается пропорциональность между изображёнными
объектами, использованы различные оттенки контрастных цветов. Размер
рамы соответствует размеру изображённых даров природы, соблюдается
масштабность. В изображении мы видим и ритмично повторяющиеся
элементы, что вносит живость в изображение.
Фронтальные композиции чаще создаются авторами, как
самостоятельные произведения. Они расположены на плоскости в «раме»
и её композиция не связана с окружающими объектами.
При этом освещение играет огромную роль и нужно обдумать
местоположение любой работы, чтобы она была освещена наилучшим
образом и производила максимальное впечатление.
И в то же время фронтальная композиция в «раме» может стать
элементом глубинно - пространственной композиции в решении, как
160
интерьера, так и экстерьера. То есть в данном случае она будет выступать
как элемент большей композиции.
Для создания фронтальных композиций можно использовать
различные художественные средства, такие как линии или пятна
различной конфигурации.
На представленном далее изображении, выполненными средствами
векторной графики, мы видим композицию (студенческая работа),
выполненную в основном из линий. Если её проанализировать, то мы
также должны констатировать, что все законы композиции выполнены.
Хотелось бы отметить, что при создании этого изображения применён
интересный приём - совмещение прямой и обратной перспективы, поэтому
оно кажется интересным, его хочется рассматривать. А ритмическое
чередование линий и пятен притягивает к нему взгляд.
Рис.157. Фронтальная композиция.
Встречаются композиции, выполненные только из пятен.
Проанализируем ещё одну студенческую работу. Перед нами ещё один
натюрморт, выполненный в декоративной манере. Доминанта (большая
бутылка) смещена вправо от вертикальной оси симметрии, но белое пятно
(груша) и большое пятно светлого фона уравновешивают её. Хотя можно
было и немного уменьшить её размер. В целом композиция гармонична и
целостна. При её создании использованы холодные цвета.
161
Рис.158. Декоративный натюрморт
В случае если элементы композиции отстоят друг от друга,
расстояние между ними должно быть таким, чтобы не нарушалась
зрительная взаимосвязь и композиция не распадалась на отдельные части.
Совокупность всех элементов плоскостной композиции может
образовывать гладкую поверхность или создавать переходное состояние
между плоской и объёмной композициями. В этом случае говорят о
рельефе поверхности.Как раз в последнем наиболее явно и выигрышно
будет смотреться фактура изделия, которая будет передавать рельефность
композиции. Это может быть резьба, керамика, ткачество и т.д. Также это
может быть даже скульптурное произведение (барельеф), немного
«выступающее» за уровень плоскости, то есть все произведения, которые
воспринимаются фронтально и не требуют бокового обозрения. Здесь
уместно вспомнить мраморные рельефы Микельанжело. В качестве
примера далее представлена КамеяГонзаго, названая по имени ее
ренессансных владельцев.
162
Рис.159. КамеяГонзаго
Далее разберём некоторые виды рельефа.
Рельеф – выпуклое изображение на плоскости. По сравнению с
фактурной плоскостью, выступающие элементы поверхности более
крупные.
Различают несколько видов рельефа:
Барельеф – скульптурное изображение или орнамент, немного
выступающее над плоскостью, низкий рельеф. Далее представлен
барельеф Древнего Египта.
Рис.160. Барельеф
163
Горельеф - скульптурное изображение, выступающее над
плоскостью фона на три четверти. Далее на рисунке представлен горельеф
с храма Христа спасителя в Москве.
Рис 161. Горельеф
Обратный рельеф- изображение слегка углублено по отношению к
фону. Именно такой вид рельефа получается, если произведение
выполнено в технике чеканки. Этот вид творчества очень часто
используется народными мастерами Кавказа. Далее мы видим грузинскую
икону, выполненную в технике чеканки.
Рис.162. Обратный рельеф
164
Можно создавать иллюзию разной глубины в объёмно-фронтальной
композиции, при постоянном, или, незначительно изменяющемся, уровне
рельефа.
Увеличение выступающих элементовприближает композицию к
объёмной.
4.2.Объёмная композиция
Если при развитии композиции наравне с двумя направлениями на
плоскости присутствует третье направление – глубина, создаётся
объёмная форма.К таким композициям можно отнести все произведения
искусства, имеющие три измерения. Это скульптура, мелкая пластика,
малые архитектурные формы, произведения декоративно – прикладного
искусства, различные утилитарные объёмы. Например, посуда, мебель,
транспорт, одежда.Это почти все предметы, используемые нами в
быту.Объёмную композицию можно поделить на два типа: симметричную
и несимметричную.
Симметричность объёмной композиции придаёт ей статичность, что
очень важно для утилитарных вещей.
Ассиметричная объёмная композиция имеет большие возможности
для воплощения поставленных автором пластических задач. Это в первую
очередь относится к такому виду искусства, как скульптура. Рассматривая
ассиметричную объёмную композицию можно понять художественный
образ, созданный автором, проследить выраженную им пластическую
тему, только двигаясь вокруг неё. Именно такую композицию легче
вставить в окружающее пространство или пространство подчинить ей.
В объёмных композициях также встречается и винтовая симметрия.
К таким композициям можно отнести старинные фонари, верстовые
столбы, малые архитектурные формы (ротонды) в старых парках.
Объёмная композиция трёхмерна. Её можно рассматривать со всех
сторон, и чем больше пространства её окружает, тем отчётливее
проявляется её общий вид, пластическая конфигурация. Общая форма
композиции взаимодействует с внутренним пространством.
Далее представлена объёмная композиция – кукла, состоящая, из
простых геометрических форм, выполненная из бумаги (студенческая
работа).
165
Рис.163. Объёмная форма
На следующей иллюстрации представлена ещё одна объёмная
композиция - упаковка оригинальной формы.
Рис.164. Упаковка
166
Хотелось бы отметить, что одинаковые по габаритам формы, но
разные по внутреннему строению, воспринимаются по-разному.
Форма выглядит монументальной, плотной, если внутреннее
пространство минимально, если в ней нет никаких просветов или они
невелики.
Рис.165. Скульптурные портреты выдающихся президентов США на скале
При увеличении проёмов или расстояний между элементами,
составляющими форму, она становится более открытой, динамичной. Если
форма составлена из линейных элементов и пронизана пространством, её
пластические свойства совершенно меняются.Такая форма называется
каркасной.
Окружающее пространство активно влияет на восприятие объёмной
композиции. Оно выражается в субъективной и часто временной оценке
произведения. Да и на самом деле, освещение изменяется, времена года
меняются, что создаёт различное восприятие композиции. Поэтому, всё это
необходимо учитывать при создании и монументальных и каркасных
форм.
Рис.166. Каркасная беседка
167
Если живописное произведение вычленяется из окружающей среды в
основном с помощью рамы, то со скульптурой дело обстоит иначе. Роль
рамы дляпроизведения, выполненного в объёме, часто играет постамент.
Он позволяет выделить объёмную композицию, скомпонованную по
своим принципам, из окружающего пространства.
Рис.167. Городская скульптура в Красноярске
Работа с цветом в объёмной композиции значительно отличается от
работы на плоскости. Здесь очень важно учитывать не только физическое
и психологическое воздействие цвета на зрителя, но и работу цвета на
объёме.
Мы уже знаем, что цвета бывают
тёплыми и холодными,
насыщенными и пастельными. Но они также могут быть отступающими и
выступающими, тяжелыми и лёгкими. Всё это необходимо учитывать.
О. Л. Голубева приводит следующий пример. Если пластически
созданную выпуклость на объёме, окрасить в чёрный или холодный цвет,
то появится впечатление вдавленности выступающей части. Или жёлтый
или оранжевый цвет в отверстии, созданный как акцент может полностью
привлечь к себе внимание зрителя и обезличить богатую пластически, но
тёмную форму. Поэтому работа с цветом в таких композициях должна
быть очень тщательной.
Во многих объёмно – пространственных композициях очень часто
окрашенные поверхности вовсе отсутствуют. Сам материал диктует форму
и создаёт структуру.
Отсюда меняется и восприятие. Например,
одинаковые фигуры человека просто невозможно выполнить из бетона и,
например, из мрамора.
168
Наиболее значительные произведения искусства всегда отличает
соответствие фактуры и цветового решения пластике формы.
Но всё же, самое главное средство выражения для такого типа
композиции это форма.
Психофизическое
и эмоциональное воздействие, которое
рассматривалось выше, когда речь шла о пятне, остаётся в силе, однако он
умножаются на массу. Так квадрат менее значим, чем куб, треугольник
менее значим, чем пирамида. Стоя рядом с нарисованным на стене
тёмным треугольником, ориентированным вершиной вниз, человек
почувствует себя некомфортно. А, из - под нависающей над его головой
пирамидой, ориентированной вниз вершиной, он просто как можно
быстрее уйдёт. То есть, форма - самое важное средство для создания
объёмно-пространственной композиции.
Также для таких композиций очень важны такие свойства как
масштабность и соразмерность.
Как уже говорилось выше, законы композиции распространяются на
все типы композиции. Но при создании объёмно – пространственной
композиции нужно учитывать
некоторые особенности. Например,
равновесие должно осуществляться со всех сторон, несмотря на
асимметричность формы. Постамент также должен подчиняться закону
равновесия, совместно с самой формой скульптуры. Например, всем
известный Медный всадник поставлен на постаменте, в качестве которого
выступает гранитная глыба. Но при всей сложности формы скульптуры и
формы постамента, вместе они выглядят гармонично и находятся в
равновесии.
Рис.168. Памятник Петру Великому в Санкт-Петербурге
169
4.3.Пространственная композиция
В пространственной композиции проявляются все способности
автора. Это самый трудный вид композиции. Архитектура наших городов
является ярким примером такихкомпозиций. Здесь же хотелось бы
отметить всего лишь некоторые особенности.
В таких композициях главным компонентом является пространство,
а не объекты, как в объёмных композициях.
В
пространственной
композиции
преобладают размеры
пространства, в котором размещены объекты. Тем не менее, значение
каждого, даже самого маленького элемента такой композиции очень
важно.
Например, в садово-парковом комплексе каждое дерево, каждый
фонтан или дорожка находятся в точно продуманном месте пространства.
И даже в небольшом парке мы находим множество непохожих мест,
каждое из которых создаёт своё впечатление.
Рис.169. Пространственная композиция.
Значение пустоты, паузы играет огромную роль. Например,
прогуливаясь в парке, мы вдруг неожиданно видим какое- то красивое
небольшое здание и это производит на нас большое впечатление. Поэтому
нужно особое мастерство, чтобы создать гармоничное чередование
объектов и пауз. В качестве примера можно привести знаменитые сады
французского Версаля или сады Петергофа.
Пространство может организовываться двумя способами.
170
1.Закрытое пространство. Пространство создаётся внутри границ,
образованных объектами Примеры такой пространственной композиции –
архитектура окружённых домами городских площадей. Например, Старая
городскаяплощадь в Праге в Чехии.
Рис.170. Городская площадь в Праге
Также к такому виду пространства можно отнести музейные и
выставочные залы.Далее, представлено изображение одного из залов
Музея «Эрмитаж» вСанкт - Петербурге.
Рис.171.Оформление музейного зала.Эрмитаж
171
Интерьер любого помещения образует замкнутое пространство
(рис.172).Хотелось бы напомнить, что «Интерьер -внутреннее
пространство здания, помещения, а также его устройство, убранство»
(словарь Ожегова).
Далее представлен интерьер детской комнаты.
Рис.172. Интерьер детской комнаты.
2.Открытое пространство. Оно образуется вокруг объектов.
Например, пирамиды Египта, которые «держат» вокруг себя
неограниченное пространство пустыни, или сад камней в Киото.
Рис.173. Сад камней в Киото.
172
Основные
компоненты,
с
помощью
которых
создаётся
пространственная композиция это:
- объёмы, формирующие пространство;
- материалы, формирующие объёмы.
Человек очень чутко воспринимает размер окружающего его
пространства. От этого зависит его психологическое состояние. Конечно,
большое значение имеют особенности характера, конкретная ситуация и
настроение. Иногда тесное пространство воспринимается лучше, кажется
человеку уютнее, иногда наоборот, хочется большего простора. Но
существуют среднестатистические нормы;
- на площади примерно 10 квадратных метров человек чувствует себя
комфортно;
- если площадь больше 50 квадратных метров, пространство зрительно
распадается на отдельные фрагменты;
- объекты, непосредственно воспринимаемые человеком, должны
находиться на расстоянии в пределах 30 метров.
Зрительно ограничивать пространство могут мебель в интерьерах
больших выставочных залов или деревья и дома на улицах и площадях. В
маленьких старинных городках человек чувствуетсебя уютнее, стол редко
ставят в середине большой комнаты. Это объясняется тем, что человек
должен быть чётко ориентирован в пространстве, чувствовать как те
предметы, находящиеся впереди, так и те, что расположены за ним. При
этом лучше воспринимаются криволинейные, огибающие очертания
находящихся сзади объектов. Это связано с восприятием линии, о чём
говорилось ранее.
На протяжении истории человечества менялись материалы,
используемые для их изготовления, мода, стили, но законы гармонии
остаются прежними. И к этому виду композиции применимы общие
законы композиции и средства её гармонизации.
Авторы, каждый по своему, решает какие формы ему использовать,
какие пропорции применить. Поэтому каждое произведение искусства
неповторимо.
Все виды композиции применяются для создания объектного мира,
окружающего человека. Для этого используются разные средства, но вся
деятельность дизайнера должна быть направлена на создание удобных,
красивых и вещей.
173
Заключение
Работа над композицией является важнейшей частью работы
дизайнера. В любой отрасли, где бы он ни работал, эти знания ему
необходимы.
Учебный процесс по дисциплине «Формообразование» включает в
себя различные виды учебных занятий. Во время изучений раздела
«Основы композиции» на практических занятиях выполняются
формальные композиции, направленные на изучение законов композиции
и средств её гармонизации.
Работа над объёмными композициями включает макетирование
различных объектов, а также задания, направленные на создание
фронтальной композиции композиций с различными фактурами.
Учитывая важность раздела «Основы композиции», предлагаемое
пособие призвано обеспечить понимание вопросов композиции. А также
помочь при выполнении практических аудиторных работ, внеаудиторных
самостоятельных работ. Оно также предназначено для самостоятельного
изучения данного раздела.
174
Библиографический список
1. Голубева, О.Л.Основы композиции / О.Л. Голубева.- Москва: Издво «Искусство», 2001.-121с.
2. Ковалёв, Ф.В. Золотое сечение в живописи / Ф.В. Ковалёв. – Киев:
Изд-во «Выща школа», 1989. - 144с.
3. Устин В.Б. Композиция в дизайне. Методические основы
композиционно-художественного формообразования в дизайнерском
творчестве / В.Б. Устин.- Москва: Изд-во «Аст-астель» 2007.-239с.
4. Яцук О.И. Основы графического дизайна на базе компьютерных
технологий / О.И.Яцук.- Санкт-Петербург: «БХБ – Петербург». 2004.-240с.
5.Григорян Е.А.Основы композиции в прикладной графике
/Е.А.Григорян. – Ереван: «Республиканский учебно-методический
кабинет». 1986г. -32с.
6. Петров Н.М., Молочков В.П. Компьютерная графика /
Н.М.Петров,В.П.Молочков. - Санкт-Петербург: «Питер». 2002.- 180с.
7. Ковальчук Н.А. Композиция. Художественные средства / Н.А.
Ковальчук. – Москва: «Плакат» 1990.-32с.
8.http://blogs.ruvr.ru/photo/3236979/post18482252/
9. http://noviyurengoy.olx.ru/iid-129721157
10.http://www.meisterwerke-online.de/gemaelde/claude-monet/3487/dasparlament-in-london.html-клод
11.http://mos-holidays.ru/gus-xrustalnyj/
12.http://www.baltinfo.ru/2009/10/30/Peterburgskoe-chudovosstanavlivayut-po-kusochkam-112637
13.http://www.ukrbiznes.com/vizit.php?i=100003&val=8&idogol=15547
114.http://www.metaplast-sp.spb.ru/product.php15.http://fotki.yandex.ru/users/galina200172/view/129175/16.http://www.malahitural.ru/index.php?productID=2032
17.http://www.photoline.ru/photo/1253194013 18.http://www.rus-fishsoft.ru/rr16/forum/lofiversion/index.php/t6200.html 19.http://ru.enc.tfode.com/%D0%A1%D1%82%D0%BE%D0%BB%D0
%B8%D1%86%D0%B0_%D0%98%D1%81%D0%BF%D0%B0%D0%BD%D
0%B8%D0%B8
20.http://www.rusinrus.com/index.php?option=com_content&view=articl
e&id=224:2010-12-23-23-27-07&catid=36:2010-08-15-07-09-32&Itemid=58 –
21.http://batkovfile.narod.ru/2008/petrov-vodk.htm 22.http://www.ashkimsin.ru/chayxana/topic6323.html 23.http://www.farfor-serviz.ru/catalog.php?position=1254517023 –
24.http://viskunova.narod.ru/dekor.htm 175
25.http://www.20art.ru/gallery/p17_sectionid/3/p17_imageid/91 26.http://yacht.a7sharp9.com/DV/Potter/Posters/Snape/cathars.html–
27.http://www.izograf.com.ua/soshestvie_dions.html28.http://www.margosha-forum.com/showthread.php?p=111019
29.http://art.school548.ru/yroki/23/23.htm
30.http://active.russia-obnovlenie.ru/to_see/memorials/?sb=rating&p=4
31.http://kp.ru/online/news/195297/
32.http://www.artprojekt.ru/library/rusart/st042.htm
33.http://arts.imextrade.ru/education/the-arts-of-china/traditional-painting/
34.http://flot.com/history/io1.htm
35.http://www.gazeta.ru/style/2006/07/n_701789.shtml
36.http://forum.2000.net.ua/forum/viewtopic.php?t=7080&start=600&
37.http://interbiathlon.getbb.org/viewtopic.php?f=32&t=295
38.http://blogs.mk.ru/users/3344739/post127372694
39.http://hermitage.internet.emax.ru/hermitage/html_Ru/08/hm88_0_0_7
_0.ht
40.http://www.iridestone.ru/interer-kamen/barelief.html
41.http://www.infrance.su/forum/showthread.php?p=787348
42.http://virginmuseum.ru/n/5/2/5223.html
43.http://virginmuseum.ru/n/5/2/5223.html
44.http://wshopww.com.ua/besedki-masterskaya-volshebnogo-miraukraina.html
45.http://www.blog-pro-stroitelstvo.ru/2011/02/blog-post_23.html
46.http://papa-vlad.ru/photo/strany/g.Sankt-Peterburg-2.files/PamjatnikiSankt-Peterburga.html
47.http://wap.megafon.minipoisk.ru/m/citygid/city_photos.php?q=Дания
&geoplace_id=11004
48.www.womenstown.ru
49.http://mebel-ask.ru/index.php/directory.html?showall=1
50.http://www.rdh.ru/landscape-design/private-projects/1429-japonskijsad.html
60.http://www.liveinternet.ru/users/pmos_nmos/post127043083/
61.gallery30.ru
62.bibliotekar.ru
63.www.varvar.ru/
64.vangogh-world.ru
65.http://www.artflera.ru/node/133
66.http://varvar.ru/arhiv/atlas/Tartariae-Descriptio2.jpg–
67.http://festival.1september.ru/files/articles/58/5841/584146/pril8.gifтехнический
68.http://bibliotekar.ru/Krenuar/8.htm69.infomama.com.ua176
70.raax.ru
71.obzzor.com
72.http://artinvestment.ru/calendar/r/artsmuseum/20080617_futurism.html
72.http://ostil.ru/ideal-zhensko-krasoty-rococo#-Ф
73.http://dic.academic.ru/dic.nsf/enc_pictures/3188
74.http://5sun.ru/poleznaya - informacziya/keramica_history.html-
Оглавление
Введение .............................................................................................................. 3
177
Раздел 1. Средства создания композиции......................................................... 6
1.1. Вводные понятия ....................................................................................... 6
1.2.Средства создания изображений. Форма ............................................... 12
1.2.1. Точка .................................................................................................. 12
1.2.2. Линия.................................................................................................. 13
1.2.3. Квадрат ............................................................................................... 17
1.2.4. Треугольник....................................................................................... 18
1.2.5. Круг .................................................................................................... 20
1.2.6. Форма «Амёба» ................................................................................. 22
1.2.7. приёмы изменения формы ............................................................... 24
1.2.8. Силуэт ................................................................................................ 27
1.3. средства создания изображений. Цвет .................................................. 29
1.3.1. Чувство цвета .................................................................................... 29
1.3.2.Природа цвета .................................................................................... 32
1.3.3. Влияние освещения на цвет ............................................................. 34
1.3.4. Группы цветов ................................................................................... 36
1.3.5. Признаки и качества цвета............................................................... 37
1.3.6. Компьютерные цветовые модели .................................................... 38
1.3.7. Контраст. Виды контраста ............................................................... 41
1.3.8. гармоничность сочетания цветов .................................................... 44
1.3.9. Цвет и психология ............................................................................ 46
1.3.10. Некоторые виды цветовой гармонии ............................................ 50
1.4. Средства создания изображений. Фактура ........................................... 52
1.4.1. Понятие «Фактура»........................................................................... 52
1.4.2. Материалы композиционного формообразования ........................ 57
Раздел 2. Законы композиции ......................................................................... 64
2.1. Основы композиции. Основные понятия ............................................. 64
2.2. Признаки композиционного построения .............................................. 68
2.2.1. Наличие цели ..................................................................................... 68
2.2.2. Наличие определенных границ ....................................................... 70
2.2.3. Структурность внутреннего строения ............................................ 71
2.2.4. Цельность и единство ....................................................................... 72
2.3. Законы композиции ................................................................................ 73
2.3.1. Основные понятия ............................................................................ 73
2.3.2. Законы и правила композиции. ....................................................... 74
2.3.3. Неделимость целого. ........................................................................ 77
2.3.4. Главное в целом. ............................................................................... 78
178
2.3.5. Варианты организации композиционного центра......................... 83
2.3.6. Равновесие в искусстве. ................................................................... 89
2.3.7. Симметрия. ........................................................................................ 98
Раздел 3. Средства организации гармоничной композиции ....................... 103
3.1. Понятие «Ритм» ..................................................................................... 103
3.1.1. Ритмическое движение ................................................................... 109
3.1.2. Метр в композиции ......................................................................... 110
3.2. Пропорциональность ............................................................................ 113
3.2.1. Связь симметрии и «Золотого сечения» ....................................... 113
3.2.2. «Золотое сечение»........................................................................... 116
3.2.3. История «Золотого сечения» ......................................................... 117
3.2.4. Тело человека .................................................................................. 126
3.2.5. «Золотого сечения» и искусство ................................................... 128
3.2.6. «Золотое сечение» в архитектуре................................................. 134
3.2.8. Принципы формообразования в природе ..................................... 144
3.3. Контраст. Нюанс. Тождество ............................................................... 146
3.4. Масштабность........................................................................................ 152
3.5. Формат плоской композиции ............................................................... 153
Раздел 4. Виды композиции ........................................................................... 160
4.1. Фронтальная композиция ..................................................................... 160
4.2. Объёмная композиция .......................................................................... 165
4.3. Пространственная композиция ........................................................... 170
Заключение ...................................................................................................... 174
179
Документ
Категория
Без категории
Просмотров
843
Размер файла
8 475 Кб
Теги
метод, 050501, учеб, формообразования, основы, пособие, спец, студентов, 126, композиций
1/--страниц
Пожаловаться на содержимое документа