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Elle Decor Italy - 02.2019

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HEARST INTERNATIONAL MAGAZINE OF THE YEAR
Magazine
internazionale
di design e
tendenze
arredamento
e stili di vita
architettura
e arte
English text
SPAZIO
FLUIDO
Febbraio 2019
Anno 30 n. 2
Mensile Poste Italiane S.p.A.
Sped. in A.P. - D.L. 353/2003
(conv. in L. 27/02/2004 n°46)
art.1, comma 1, DCB Milano
NEW YORK IN PROGRESS Nella casa
di Massimiliano Locatelli, un open space
all’insegna dello stile e della libertà
funzionale IN OLANDA, A HUMMELO
Il landscape designer Piet Oudolf ci invita
nel suo giardino privato PALM SPRINGS
La villa di una star di Hollywood nel
restyling firmato Marmol Radziner
SPECIALE DECOR Tessuti e carte da parati
per dare un nuovo look agli interni
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Hearst Magazines Italia S.p.A.
via R. Bracco 6, 20159 Milano - Tel. 02.6619.1
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Designwork
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Direttore responsabile: Livia Peraldo Matton
Editore Hearst Magazines Italia S.p.A., via R. Bracco 6, 20159 Milano
Registrazione presso il Tribunale di Milano n. 46 del 18 gennaio 1990
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ELLE DECOR ITALIA ISSN 1120-4400 is published 10 times per year (except January and August)
by HEARST MAGAZINES ITALIA SPA via R. Bracco 6, 20159 Milano - Italia
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PUBLISHING DIRECTOR DECORATION BRANDS Roberta Battocchio, rbattocchio@hearst.it
SENIOR BRAND MANAGER Francesca Scarpelli, fscarpelli@hearst.it
BRAND MANAGER Luana Bescapè, lbescape@hearst.it
ELLE DECOR® è un marchio di Hachette Filipacchi Presse (H.F.P.) e una testata
di Hearst Magazines Italia S.p.A. Tutti i diritti riservati ©HEARST MAGAZINES ITALIA SPA
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n. 2—2019
112
124
152
ATTUALITÀ+CULTURA
24 Elledecor.it
Contenuti digitali del
mese anche su Facebook
e Instagram
27 Password
Spazio fluido. Curiosità,
flessibilità, cambiamento,
per una creatività
che non conosce confini
29 Elle Decor likes
Progetti, eventi, personaggi,
luoghi. I ‘preferiti del mese’
della redazione
in una nuova rubrica
38 Crossing
Camping & Glamour.
L’alloggio libero, nella natura,
dà lezione di stile. La parola
d’ordine è ‘Glamping’
78 Eventi
The Apartment: in un palazzo
ottocentesco l’allestimento
straordinario del nostro
magazine per Airbnb Plus
175 n.b.
Mostre e appuntamenti
da non perdere in questo mese
in Italia e nel mondo
DESIGN+ARCHITETTURA
STILE+DECOR
75 Design bio
Dai funghi ai batteri: il progetto
coltiva nuovi materiali
organici ed ecosostenibili
86 Architettura
A Taichung, Taiwan, una torre
residenziale firmata
Antonio Citterio Patricia Viel
163 Inside design
Arredi, accessori,
rivestimenti, tecnologie.
E le ultime novità nel mondo
kitchen e wellness
47 Decorscouting
Address, colori e carte da
parati, oggetti cult e riedizioni
d’autore. Tutto da scoprire
60 Decortrend
Speciale tessuti. Grafismi,
righe, fiori extra large,
sfumature e soggetti di forte
impatto decorativo sono
le tendenze 2019
21
ELLE DECOR
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Febbraio
144
Cover
100
75
TRAVEL+FOOD
INTERNI
92 Address
Da Brera a CityLife, i nuovi
indirizzi milanesi che premiano
gola, estetica, socialità
100 Itinerario
Weimar, Dessau, Berlino:
nel cuore del Bauhaus.
Guida ai luoghi della scuola
che ha fondato
l’architettura moderna
112 New York, Tribeca
Italian style nel loft dinamico
e anticonformista dell’architetto
Massimiliano Locatelli
124 A Palm Springs
Firmato Marmol Radziner,
il restyling della villa Anni 60 di
una star, tra natura e privacy
134 Copenhagen
Rigore nordico e poesia
a casa di Danielle Siggerud
144 In Olanda
Intimo e selvatico,
il giardino privato di Piet
22
ELLE DECOR
Oudolf, maestro assoluto
del landscape design
152 A Parigi
Eclettismo e sperimentazione
nell’appartamento del creativo
Jean-Christophe Auma
179 English text
+NEXT 2019
40 pagine di anteprime:
il meglio del design,
e non solo, del nuovo anno
Le copertine. In alto, NEXT 2019,
di DWA Design Studio, foto di
Tommaso Sartori. In basso,
servizio a pag. 112, di Rosaria
Zucconi, foto di Luca Rotondo
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elledecor.it
Elle Decor Italia è anche sul web, con news, video,
gallery, focus e reportage in tempo reale
Eco-craft La portoghese
Vanessa Barragão tesse con
tecniche eco filati di scarto
industriale per ricreare su
tappeti e arazzi le bellezze
del suo amato Oceano.
Facebook A Bangkok,
l’ultimo store Apple del
2018 e il primo in
Thailandia è come sempre
firmato Foster + Partners.
Ed è già una meta turistica.
DIGITAL EDITION
Puoi sfogliare Elle Decor Italia anche su tablet,
smartphone e dispositivi kindle fire. Disponibile su
app store, google play e amazon app-shop
anche in versione full English.
Instagram I pop-up living
coral di Pantone e Marriott
International. In Messico,
la torre in mattoni firmata
Mauricio Rocha + Gabriela
Carrillo. A Oporto, un
restyling by Fala Atelier.
Extra su elledecor.it Un’apposita grafica segnala i contenuti speciali. Segui il simbolo + alla fine degli articoli.
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ELLE DECOR
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02.19
[Spazio fluido]
Ambienti liberi e funzionali, in sintonia con la volubilità degli stati d’animo e la
necessità di spazi a misura d’uomo. Open space aperti alla luce e alla vita sociale,
residenze intime che raccontano l’identità di chi le abita, la sua crescita professionale
e i ricordi privati. Sono queste le case del primo numero dell’anno, pensate, progettate
e vissute all’insegna della fluidità. Una fluidità visibile nelle modalità di organizzazione
del layout, nella scelta degli arredi e nelle azioni quotidiane che vi si svolgono.
Un concetto che abbiamo affrontato non solo nella selezione degli interni, ma anche
nella scelta dei luoghi e dei temi del numero. Con l’obiettivo di offrire più punti di vista
e spunti di riflessione sull’abitare, a 360 gradi. Dalla casa newyorkese che l’architetto
Massimiliano Locatelli ha disegnato per rispondere alle sue stesse esigenze
di dinamicità e flessibilità allo spettacolare giardino che il landscape designer olandese
Piet Oudolf ha progettato, nel corso degli anni, seguendo un istinto in bilico fra rigore
e spontaneità. Fino a un itinerario esclusivo tra Weimar, Dessau e Berlino che
ripercorre, in occasione dei 100 anni dalla sua fondazione, la storia del Bauhaus,
svelando un modo di fare architettura e arte non solo razionale, ma anche libero
e sorprendente. Un approccio che abbiamo preso come spunto per una nuova rubrica,
Elle Decor Likes: 5 pagine in apertura del magazine che, ogni mese, presenteranno
le novità che ci hanno colpito di più. E che vogliamo condividere.
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ELLE DECOR
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ELLE DECOR LIKES
[1]
‘Dior: From Paris to the World’,
in mostra al Denver Art
Museum fino al 3/3, è la prima
retrospettiva sulla moda
di Christian Dior negli Stati Uniti.
L’allestimento firmato da OMA
si aggiunge ai numerosi progetti
curati dallo studio
di Rotterdam per il mondo del
fashion, da Prada a Rinascente.
oma.eu, denverartmuseum.org
Rem Koolhaas interpreta a Denver
lo stile di Christian Dior
Foto Naho Kubota
di Bianca Scotto
“Gli oggetti esposti nelle mostre di moda stabiliscono una forte relazione empatica
con i visitatori in virtù della particolare natura dell’abbigliamento, che consente al pubblico
di trasferire il mondo della couture nel proprio immaginario. In maniera più personale.
Questa relazione offre agli architetti maggiore libertà di sperimentare nuove e coinvolgenti
forme di interazione fra le persone e gli oggetti”. Così dichiara Shohei Shigematsu, architetto
e partner di OMA, celebre studio d’architettura capitanato da Rem Koolhaas, incaricato
di progettare l’allestimento della mostra ‘Dior: From Paris to the World’ al Denver Art
Museum. Esposti più di 200 documenti, fra capi d’abbigliamento, opere d’arte, accessori,
gioielli, fotografie, schizzi e video, che ripercorrono più di 70 anni della storia della
leggendaria casa di moda. Esaltando l’eterogeneità dei linguaggi scelti dai suoi direttori
creativi, da John Galliano a Raf Simons, fino a Maria Grazia Chiuri. Per l’allestimento,
articolato in una sequenza di spazi collegati tra loro da un percorso fluido, OMA utilizza
pannelli di metallo ondulato come sfondo degli abiti in mostra: una scelta audace che
prende spunto dal rivestimento in titanio del museo, e lo reinterpreta, in chiave architettonica,
come fosse tessuto. Un omaggio dovuto alle silhouette inconfondibili della Maison. —
29
ELLE DECOR
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ELLE DECOR LIKES
[2]
Il paesaggio di Palm Springs visto
dalla William Burgess Residence
disegnata da Hugh Kaptur negli
Anni 50. Il calendario completo
della settimana dal 14 al 24/2
è su modernismweek.com.
Per una vista panoramica un
viaggio in funicolare (pstramway.
com) è imperdibile. Da non
mancare anche il Palm Springs Art
Museum (psmuseum.org).
La settimana modernista
tra le colline di Palm Springs
Foto Giorgio Possenti
di Gloria Mattioni
Appuntamento immancabile per gli appassionati d’arte, architettura e design,
la Modernism Week di Palm Springs, in corso questo mese, ha in calendario l’ingresso
ad alcune delle ville più celebri firmate dalle star del progetto a partire dagli Anni 50,
prima fra tutte la Cree House di Albert Frey. Difficile trovare altrettanti tesori del modernismo
americano in un’altra località: Palm Springs è decisamente la sua mecca, con case
disegnate da Paul Rudolph, Donald Wexler, William Cody e E. Stewart Williams (che
progettarono diverse residenze per celebrità, cominciando da quella di Frank Sinatra),
George e Robert Alexander (attivi soprattutto nel quartiere esclusivo Vista Las Palmas,
considerato la Beverly Hills di Palm Springs). Ma oltre ai tour delle ville private e alle visite
ad altri importanti landmark, come il Tennis Club progettato da Paul R. Williams e A. Quincy
Jones, non mancheranno party esclusivi come quello d’apertura ospitato nella Indian
Canyons Country Clubhouse di Wexler e Harrison. E ancora una serata dedicata a Richard
Neutra e Rudolph Schindler, maestri del Modernismo. Ma anche installazioni d’arte a tema
come ‘Desert X’, lo show di balletto sincronizzato delle Aqualillies, atlete internazionali
che volteggeranno al ritmo di una colonna sonora in pieno Fabulous Fifties style. —
31
ELLE DECOR
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ELLE DECOR LIKES
[3]
Foto Jan Verlinde
‘Vincent Van Duysen. Works
2009-2018’. Il volume di 320
pagine illustra 30 tra i lavori più
recenti degli ultimi 10 anni
del progettista. Prefazione
e testi di Julianne Moore, Nicola
Di Battista e Marc Dubois.
Tra le immagini scatti firmati
da Hélène Binet e François
Halard. vincentvanduysen.com,
thamesandhudson.com
Eleganza, rigore e umanità
nell’ultimo libro di Van Duysen
di Francesca Benedetto
Da Parigi a New York, da Tokyo a Milano, il segno progettuale dell’architetto
e designer belga è inconfondibile. Fatto di rigore e poesia, di valori formali e attenzione al
contesto, di ricerca dei materiali e cura per ogni dettaglio. “I miei lavori sono caratterizzati
da una semplicità che mira all’essenza dell’architettura, ispirata ai migliori esempi del
Modernismo. Con l’obiettivo costante di migliorare la qualità della vita e dell’abitare,
immaginando luoghi e spazi oltre le tendenze”, dice Vincent Van Duysen, protagonista
della sua seconda monografia, pubblicata da Thames & Hudson. Un viaggio virtuale che
racconta, con fotografie d’autore e disegni in scala, residenze e uffici, spazi retail e luoghi
per l’accoglienza, oggetti di design e interni di yacht. Il progettista di Anversa, dal 2016
direttore creativo di Molteni&C/Dada e di Sahco dal 2018, sempre in aereo per seguire di
persona i numerosi cantieri in tutto il mondo, ha saputo conquistare il pubblico internazionale
di addetti ai lavori, ma anche le star di Hollywood. “L’umanità visibile nei suoi progetti riflette
il suo comportamento e la sua vita, l’interesse che nutre per le persone e la famiglia,
la passione per la natura, la luce, l’arte, i bambini e i suoi cani”. Così scrive nell’affettuosa
e inaspettata prefazione del libro l’amica attrice, premio Oscar, Julianne Moore. —
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[4]
Due gli elementi fondamentali,
sfera e cilindro, che compongono
la Bubbles Collection di India
Mahdavi per Maison Vervloet.
Alla maniglia standard
(14x8 cm, diametro 5 mm)
possono essere aggregati
numerosi accessori in diverse
finiture: ottone satinato, oro,
bronzo lucidato a olio, nickel.
india-mahdavi.com, vervloet.com
Come un sistema di molecole
l’ultimo progetto firmato Mahdavi
di Tamara Bianchini
“Le forme curve sono per me il vero antidoto a tutto ciò che è freddo, incolore, senza
carattere. A tutto quello che va contro la naturale bellezza della vita”. Così la progettista
franco-iraniana India Mahdavi spiega l’essenza del suo linguaggio, ma anche
le ragioni del suo ultimo progetto. Bubbles Collection, sistema di maniglie e pomelli
disegnato per la belga Maison Vervloet, incarna proprio questo principio, trasformandolo
in un insieme di oggetti ispirati alle aggregazioni delle molecole. Realizzata in ottone,
e disponibile in numerose ulteriori finiture, la collezione è caratterizzata dalla massima
versatilità: a una singola maniglia possono essere abbinati numerosi complementi, funzionali
(rosetta in formato small e xl, bocchetta copriserratura, pomoli di varie dimensioni)
e decorativi come le piccole sfere che possono impreziosire l’impugnatura. Il risultato
è un accessorio inedito, delicata alleanza tra semplicità e femminilità, geometrie pure
e creatività. Una collezione sofisticata possibile grazie al know-how della storica azienda
di Bruxelles che realizza riproduzioni di pezzi d’epoca e progetti di ultima generazione.
Come questo di Mahdavi che trasforma forme essenziali in qualcosa di evocativo:
“Le sfere, gentilmente posate, come uccelli su un ramo, ci trasportano nel loro mondo”. —
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[5]
Il duo Humbert & Poyet firma
gli interni di Beefbar Paris,
ristorante al 5 di rue Marbeuf,
a pochi passi dagli ChampsÉlysées. Gli spazi Art Nouveau
sono stati ridisegnati utilizzando
marmo e stucchi per le superfici,
bronzo, ottone e velluti per arredi
e complementi. Aperto tutti
i giorni, offre un menù ‘no veg’.
paris.beefbar.com
A Parigi una steakhouse d’autore
tra Art Nouveau e design
Foto Francis Amiand
di Murielle Bortolotto
Appassionati di interior design e moda, gli architetti Humbert & Poyet festeggiano
dieci anni di progetti e, per celebrare questo compleanno, realizzano la loro prima linea
di arredi in edizione limitata, poltrone dalle forme morbide e lampade da terra in bronzo,
alabastro e marmo. Parigino Emil Humbert e monegasco Christophe Poyet, nel 2008
fondano lo studio nel Principato di Monaco e da allora inizia il successo. Nella capitale
francese la loro cifra stilistica, fatta di dettagli ricercati e materiali preziosi, è riconoscibile
negli interni dell’Hoxton Hotel, della boutique Alexis Mabille in rue de Grenelle
e dell’iconico ristorante argentino Anahi. È opera del duo anche il Beefbar Paris, inaugurato
di recente poco lontano dagli Champs-Élysées. La location è speciale: considerato dal 1985
monumento nazionale, è un edificio Art Nouveau situato nell’VIII arrondissement. Già
dall’ingresso occhi puntati verso l’alto, sul lucernario decorato fin de siècle e poi in basso,
dove Humbert & Poyet donano al luogo un touch decisamente attuale. Sedute in velluto color
corallo e ocra, tavoli laccati con profili in ottone, moquette con motivi di ispirazione déco,
luci scenografiche. Anche il menù, a base di carne, è all’insegna della fusion: dallo street
food di ricerca alle ricette esotiche a base di Kobe. Prossima tappa, Roma. —
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CROSSING
Tempo di
Glamping
Non è l’ultimo corso fitness né un conio
da social network, ma la crasi tra camping e glamour.
Vivere in luoghi incontaminati, con tutti i comfort
di un hotel 5 stelle, nel totale rispetto della natura.
Una tendenza che piace anche ad architetti, stilisti, artisti...
di Valentina Raggi
Nolla Cabin —
Nell’arcipelago finlandese
di Vallisaari, poco distante da
Helsinki, il designer Robin Falck
firma una micro casa ‘pieghevole’
alimentata da fonti rinnovabili,
minimal ma confortevole,
per spostarsi a caccia della vista
migliore ogni giorno.
robinfalck.com
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ELLE DECOR
Foto Alexandre d’ La Roche
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Chantli Kuaulakoyokan —
Per vivere immersi nella natura,
una glass house a impatto zero.
Questo il concept proposto
dall’architetto messicano Gerardo
Broissin per la scorsa Design
Week Mexico. Il nome significa
‘Casa sull’albero’ nella locale
lingua nahuatl. broissin.com
+elledecor.it
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CROSSING
Golden — Ispirata all’età d’oro
del design tra gli Anni 60 e 70,
la collezione dell’australiana Sarah Ellison
mescola influenze rétro alla suggestione
delle coste del suo Paese con una serie
di arredi realizzati a mano. “Un materiale
nostalgico per me che ho attualizzato
in forme contemporanee, ispirandomi
alle case sul mare”. sarahellison.com.au
Rumpl — Progetto nato da
un gruppo di amici camperisti, lanciato
su Kickstarter e oggi divenuto brand
mondiale, produce sacchi a pelo
iperdecorati e accessori per nomadi
contemporanei deluxe. rumpl.com
Non solo eco-resort di ultima generazione, ma anche accessori, arredi,
collezioni di moda propongono atmosfere effetto glamping
Foto Glen Luchford
Gucci — “La campagna
rappresenta una comunità
rurale in cui gli animali
e le persone coesistono in
armonia”, questo il mood della
nuova collezione Cruise 2019
della griffe. Nelle immagini
contadini eco-chic che fanno
i conti con le tipiche attività
agresti, dalla mungitura alla
raccolta del fieno. gucci.com
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Foto Maxime Valsan - fOsamu Nakamura
Dômes Charlevoix —
Sul massiccio di Charlevoix in
Québec l’eco-luxury hotel di nuova
generazione firmato dai locali
Bourgeois/Lechasseur architectes.
Si compone di tre case geodetiche
in legno e cemento, dotate
di Spa e ogni comfort, in un luogo
ameno e iper rilassante.
bourgeoislechasseur.com
Tunnel of Light — I giapponesi MAD Architects
hanno trasformato il nipponico Kiyotsu Gorge Tunnel da
luogo abbandonato a galleria immersiva. Lungo i suoi
750 metri, cinque installazioni ispirate ad acqua, fuoco,
terra, metallo e legno, nell’idea di riqualificare il sito
rimettendo al centro il rapporto uomo-natura. i-mad.com
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ELLE DECOR
Azulik Uh May —
A Tulum, Messico, il nuovo
centro d’arte, moda, design
e medicina naturale è in
cemento e legno in simbiosi
con la natura, come da
tradizione Maya. Progettato da
Jorge Eduardo Neira Sterkel,
è il terzo step dopo un
eco-lodge e una galleria d’arte
gestita da Santiago Rumney
Guggenheim, pronipote
di Peggy. azulikuhmay.com
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© Enchanting Transformation
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CROSSING
ID.Buzz — Ricordate il mitico
van Bulli Anni 60 di Volkswagen?
Con nuovo nome, con motore elettrico,
a guida autonoma, drive pad e interni
in stile lounge (oltre a spazio per
8 persone, biciclette e tavole da surf),
sarà sul mercato tra qualche anno.
Intanto è stato presentato alle fiere
di settore. volkswagen.it
Courtesy of Friedman Benda and Florian Idenburg (SO-IL), foto Daniel Kukla - Courtesy Converso
Un collettivo desiderio di tornare a vivere nella natura,
ma con le comodità di tecnologie d’avanguardia e consapevolezza eco
Frame 02 — Seduta, scultura o
casetta astratta, questa l’ultima creazione
di Florian Idenburg, architetto olandese
fondatore dello studio SO-IL di New York.
In griglia di metallo, realizzata per Friedman
Benda Gallery, è perfetta per vivere
la campagna con stile. so-il.org
Fire Log Holder —
Esposto dalla galleria
americana Converso alla
scorsa fiera Design Miami,
il portalegna in ottone e metallo
firmato da Warren Platner
nel 1989 dà il polso
del generale ritorno di interesse
verso la vita campestre.
Un pezzo funzionale,
ma stavolta decisamente
di art-design. conversomod.com
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CROSSING
Anche il paesaggio urbano può essere vissuto con un approccio agreste.
Basta una tenda da campeggio sul tetto di un grattacielo
Beverly Wilshire Hotel —
L’albergo della catena Four Seasons
ha appena lanciato la prima
esperienza di glamping metropolitano,
con la possibilità di pernottare nella
Veranda Suite, un’elegante tenda
sul rooftop, con vista mozzafiato su
Beverly Hills. fourseasons.com
Il ‘glamping’ è la nuova wave. Vale a dire immergersi
nella natura, in location esclusive, con tutti i comfort di un albergo
stellato. Crasi delle parole camping e glamour, bandisce
i disagi, seppur bucolici, del campeggio tradizionale a favore
di un nuovo tipo di vacanza che coniuga il rispetto per l’ambiente
al comfort di pernottare in luoghi di design. Il fenomeno sta
avendo sempre più successo sull’onda di un generale desiderio
di paesaggi incontaminati, mete alternative al turismo di massa
e detox dall’ipercomunicazione. Così se gli architetti disegnano
capanne deluxe in posti sperduti, i designer sfruttano le nuove
tecnologie per creare oggetti funzionanti e funzionali in ogni
dove. Ma anche la moda cavalca il trend, rilanciando outfit
country e folk, mentre il panorama dell’arte rispolvera un amore
per la natura in versione contemporanea. Non si tratta di una
nostalgica ricerca di atmosfere hippy — seppur quest’anno
per il suo 50° anniversario si attenda febbrilmente il ritorno
del mitico festival di Woodstock — ma di un nuovo approccio
al vivere l’outdoor, con rifugi cocoon che diventano un tutt’uno
con il paesaggio. Questo mese esce per Gestalten ‘Bon Voyage Boutique hotels for the conscious traveler’, rassegna di nuovi resort
eco realizzati in luoghi incontaminati. Esperienze ‘ecolussuose’
vengono definite quelle offerte da Dômes Charlevoix, nuovo
lodge progettato in Québec dagli architetti locali Bourgeois/
Lechasseur ad alto impatto estetico e basso impatto ambientale.
“Tutto è morbido e armonioso, ma allo stesso tempo ci si sente
come in una navicella spaziale, su un altro pianeta. Abbiamo
voluto portare l’esperienza della cupola geodetica su un altro
livello. Progettando interni minimalisti ma accoglienti, con una
terrazza con Spa e una posizione che enfatizza la veduta”,
dicono i progettisti. In Italia, è emblematico il consenso da parte
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ELLE DECOR
di viaggiatori internazionali di CrippaConcept, brand
specializzato nella realizzazione di dimore mobili progettate
in ogni dettaglio, nato da un’azienda di tende da camping.
Tra i segnali di un ritorno in auge del campeggio in versione
avanguardia, c’è la ricerca delle case automobilistiche orientate
alla produzione di nuove tipologie di camper. I lunghi van
americani Airstream oggi diventano più eco sostituendo
al rivestimento metallico la vetroresina e implementando sistemi
a basso consumo, mentre l’europeo pulmino Bulli di Volkswagen
è pronto al rilancio in versione elettrica e a guida autonoma.
Stanchi della città, la fuga è verso la campagna, che svela uno
scenario hi-tech al passo con la metropoli, seppur nascosto nel
verde. Lo conferma Rem Koolhaas, che con il suo think tank
AMO sta preparando la mostra ‘Countryside: Future of the
World’ commissionata dal Guggenheim Museum di New York
e prevista per la prossima stagione. Il manifesto: se metà
della popolazione mondiale vive nelle città, non si deve ignorare
il restante 98% della superficie della Terra, gli spazi non
urbanizzati. La ricerca: uno studio su intelligenza artificiale
e automazione, digitalizzazione e management territoriale,
oltre che un’analisi dei vari aspetti socio-politici della cosiddetta
‘countryside’. Dall’architettura globale al mondo del prodotto
si assiste a un forte ritorno di materiali e forme campestri.
L’art design torna all’artigianato con l’uso di tecnologie odierne
abbinate a materiali come rafia, pietra, pelliccia, paglia, vimini,
fiori, come negli scultorei arredi del polacco Marcin Rusak,
decorati con petali essiccati. Il product design studia, invece,
lampade portatili wireless, fotocamere digitali istantanee,
sacchi a pelo decorati, tra gli innumerevoli nuovi accessori must.
In perfetto stile ‘Vado a vivere di campagna’. —
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Colorama soft di stagione. Nuovi indirizzi
milanesi, riedizioni cult e wallpaper incantate
a cura di Murielle Bortolotto
Foto Aisha Zeijpveld
Emozioni nordiche
Quali colori piacciono di più? Quali
garantiscono caldi effetti speciali?
Quali disegnano atmosfere di
design? Sono queste le domande
che Auping, brand di letti olandese,
ha posto allo studio Rens. Dopo aver
studiato le 100 cromie a catalogo
del marchio, la coppia di designer,
Renee Mennen e Stefanie van
Keijsteren, con base a Eindhoven,
risponde secondo la propria
sensibilità con il concept Nighty-Night
Colours: una palette di nuance
ultra delicata. Molteplici sfumature
di giallo e rosa che dialogano
con tonalità di carattere come
il grigio e il nero. Abbracciandosi.
madebyrens.com
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Ultra sottile. Image, sistema giorno firmato
da Euromobil, è caratterizzato da una griglia geometrica
che dona una cadenza regolare ai vani e scandisce
in maniera gentile gli ambienti. Versatile, è sia
da centro stanza sia da parete. La struttura metallica
è verniciata in nero goffrato. gruppoeuromobil.com
Correva l’anno 1972
e André Ricard progettava
Tatu, lampada da tavolo
icona-pop. Tre sezioni
metalliche verniciate
in total white o in rosso
che ruotando illuminano
mensole e scrivanie. Una
riedizione di Santa & Cole,
misura diametro cm 8x25h.
santacole.com
Razionalista oggi
In occasione del centenario
della nascita del Bauhaus,
la collezione MR di Mies
van der Rohe, composta da
chaise longue, poltroncinasedia con e senza braccioli,
viene riproposta da Knoll
con nuove varianti di tessuti
e pelli. Must have da
interni. knoll-int.com
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Foto Carola Ripamonti
New look per lo store Imarika.
Il punto di riferimento per le milanesi,
nel quartiere di Porta Venezia,
ha una nuova veste firmata
Marcante-Testa Architetti. Tubi in rame,
radica rosa e intonaci in argilla
che si articolano per ospitare scarpe
e accessori. marcante-testa.it,
imarika.com
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DECORSCOUTING
Giardino incantato. Tre varianti colore sorprendenti raccontano la carta
da parati Bois Paradis, qui nella tonalità Bourgeon, ma anche Primevère e Blue Nigelle,
firmata da Christian Lacroix Maison per il brand inglese Designers Guild. Un paradiso
terrestre, stampato digitalmente, popolato da creature fantastiche e da una vegetazione
che ricorda i quadri del simbolista, pittore e incisore francese Odilon Redon,
dove miti classici e orientali s’intrecciano a temi tipici del suo tempo, pieni di ambiguità
basata sul bizzarro e sul chimerico. designersguild.com
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New address. Appuntamento nella città
meneghina: in via Palermo, al civico 1, ha aperto
al pubblico un appartamento speciale per gli amanti
del design e non solo. All’interno, otto stanze con
oggetti e arredi selezionati da Sophie Wannenes,
ideatrice e curatrice del progetto. ‘Please do not
touch’ qui non esiste, perché oltre a guardare...
è consigliato toccare. palermouno.it +elledecor.it
Codice estetico di
carattere. Lo stilista Issey
Miyake propone, per la
collezione Homme Plissé,
capi audaci con stampe
dal forte impatto visivo.
Accanto, Body Painting,
segni grafici presi
dal mondo dell’arte su
preziosi tessuti jacquard.
isseymiyake.com
Spazio esclusivo
Ideali per contenere
gli oggetti del cuore, le
cassettiere Ala disegnate
da Giuseppe Bavuso per
Rimadesio sono vetrine
concepite come uno
scrigno. In vetro e con
cassetti in essenza
di noce e rivestimento
in cuoio. Misura cm
55,7x138 h. rimadesio.it
Prospettive tessili
Studio Klass presenta
la collezione Cinquecento
per cc-tapis. Tappeti
handmade che si ispirano
alle architetture dei grandi
capolavori pittorici
del Rinascimento italiano.
Geometrie e colori declinati
in soluzioni grafiche che
disegnano soffici trompel’oeil. In foto, Roverella.
cc-tapis.com
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DECORSCOUTING
Foto Young-Jun Choi, courtesy Gallery Hyundai, Seoul
Felice come un pesce fuor d’acqua. Da quando Seulgi Lee si è trasferita da Seoul
a Parigi più di venti anni fa, ha sviluppato una cifra artistica molto personale. É riuscita
a stemperare il rigore della tradizione culturale coreana con un approccio al progetto
creativo ricco di humour, l’uso di colori brillanti associati a geometrie semplici,
valorizzati dall’impiego di tecniche di lavorazione tradizionali. Tutti elementi che
le permettono di reinterpretare gli oggetti di tutti i giorni: coperte con antichi proverbi,
canestri di forma ibrida diventano opere d’arte che si interrogano sul significato
della banalità. Molto legata all’arte tessile, dopo la collaborazione con Hermès
per un’edizione limitata di plaid in cashmere, ha creato un tappeto con un grande
pesce colorato usando la tecnica dei dhurrie indiani per la collezione Art Rugs di Ikea.
Otto gli artisti contemporanei attivi in diverse parti del mondo che partecipano al
progetto con altrettanti tappeti. Disponibili da primavera, nascono dall’idea che “l’arte
debba essere democratica ed entrare nelle case di tutti, non solo nelle gallerie
e nei musei”, ricorda Henrik Most, Creative Leader di Ikea. ikea.com, seulgilee.org L.M.
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Le 4 stagioni in stile britannico. Il brand Cole & Son presenta
la collezione Botanical Botanica che esplora il paesaggio inglese nelle quattro
fasi dell’anno. Attraverso sfumature di colore e fioriture racconta di campi e foreste.
In questa pagina, Forest Silver, un bosco rigoglioso dall’effetto tridimensionale,
declinato in un’unica variante cromatica ultra sofisticata. In vendita da B&B
Distribuzione. cole-and-son.com, bbdistribuzione.it
Partenza multicolor,
ingrana la prima e via,
ma solo con la fantasia.
Per giocare e da collezionare,
la Land Rover Defender 90
1:18 firmata dal creativo
british Paul Smith. paulsmith.com
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DECORSCOUTING
I ritratti di Jean Cocteau
Una serie limitata di piatti
racchiude tutta la magia
del poliedrico artista francese.
In formato tondo Proteo
e in formato ovale Antinoo, vengono
prodotti a mano da Raynaud,
in porcellana finissima. raynaud.fr
Ritmo libero sulle pareti. La libreria Milano di Cantori
permette diverse composizioni grazie a una vasta scelta di misure.
In ottone spazzolato o ferro patinato e mensole in legno. cantori.it
Pastry boutique
Da un’idea di Eleonora Pujia
e Vinciane Stouvenaker, alla
direzione creativa di Coccinelle,
l’architetto Roberto Baciocchi
dà vita a un luogo dove
scegliere la borsa dei desideri
fra linee curve, poltroncine
avvolgenti, pouf effetto bignè
utilizzati come inediti display,
con una palette colori rubata
a una scatola di pasticcini.
Centottanta metri quadrati,
su due piani, da scoprire al
n.15 di corso Vittorio Emanuele
a Milano. coccinelle.com
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MOTIVI
FUTURI
Nuove vibrazioni
per il 2019, carte da parati
e tessuti dettano stile.
Di forte carattere con
ispirazioni che toccano mete
lontane, da Est a Ovest
di Tamara Bianchini, Murielle Bortolotto,
Candida Zanelli — foto di Federico Cedrone
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DECORTREND
Mood orientale per l’arazzo
in prezioso cotone jacquard
di Dedar (dedar.com) che dialoga
con il tessuto geometrico
in rilievo, a pavimento, Ndebeles
della collezione Tribu di
Pierre Frey (pierrefrey.com).
Al centro, vaso color cipria
in metallo verniciato e lamiera
forata Mia, firmato da Serena
Confalonieri per Mason
Editions (mason-editions.com).
Ricaricabile e portatile la piccola
lampada da tavolo Koyoo
di Axel Schmid per Ingo
Maurer (ingo-maurer.com).
In ceramica bianca, teiera
vintage e bambola-geisha.
Pagina accanto, come
in un quadro astratto velluti
d’arredamento sfoggiano colori
luminosi e avvolgenti.
Dall’alto a sinistra, in azzurro
Un sentiment de réconfort
della collezione Pur Mohair
e, setosi e cangianti, nelle tonalità
arancio, giallo, rosa e viola
Private di Élitis, da scegliere
anche in altre 15 varianti (elitis.
fr). In basso nella nuance erba
e dalla superficie irregolare
Luchino di Rubelli (rubelli.com).
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Come in un set di moda, outfit
realizzato con tessuti da interni.
Per la gonna trame super warm in
lana, da sinistra con lavorazione
in rilievo Sense di Sahco (sahco.
com), in arancio velluto a pelo
alto Pur Mohair di Élitis (elitis.fr),
giallo il soffice Yeti di Pierre Frey
(pierrefrey.com) e con disegni
stilizzati Stick Tree di Kvadrat
(kvadrat.com). Maglione
geometrico di Paul Smith
(paulsmith.com). Pagina accanto,
fotografato dall’alto, il dipinto del
pittore francese Henri Rousseau
rivive negli interni con la carta
da parati The Dream by
Rousseau di MuralsWallpaper
(muralswallpaper.com).
In alto, serpente dorato
Wunderkammer Snake
di Diesel Living with Seletti
(seletti.it). A destra, vaso
in ceramica multicolor di Aldo
Londi per Bitossi Ceramiche
(bitossiceramiche.it) e piatto
di Rosenthal Meets Versace
(rosenthal.it). In basso, sinuosi
serpenti sul lino ricamato
Venimeuses di Pierre Frey.
A sinistra, arancio-beige
il pouf/sgabello Wikatoria
di Martino Gamper per Nilufar
Edizioni (nilufar.com).
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Segni grafici d’effetto. Sulla
parete a sinistra, tessuto per
tende in fibra sintetica 100%
riciclata Scrap di Rikako
Nagashima per Kinnasand
(kinnasand.com), a destra
wallpaper Free time della
collezione Panoramique
di Élitis (elitis.fr). A terra,
dall’audace combinazione di
colore, Trapèze di Casamance
(casamance.com). L’abito
realizzato per noi da Raffaella
Spampanato/Lamula Shop
è cucito con tessuto Caton
di Hodsoll McKenzie, distribuito
da Zimmer + Rohde
(zimmer-rohde.com). Stivaletti
rigati in pelle e camoscio
di Rose’s Roses (rosesroses.it).
Come un occhio lo specchio
da Design Supermarket
Rinascente (rinascente.it).
Pagina accanto, full immersion
nei fiori. Da sinistra della
collezione Jaipur rose, Palace
flower saffron, Indian sunflower
graphite e Kashmiri Magenta,
tutti in lino, Designers Guild
(designersguild.com). Sul tavolino
Malmo di Enrico Cesana per Alf
DaFré (alfdafre.it), tessuto verde
brillante con ricami Les Rosales
Bleu Paon di Christian Lacroix per
Designers Guild, vaso Geopablo
di Jaime Hayon per Bosa
(bosatrade.com). A terra,
in primo piano, in lino e cotone,
Ananas di Matthew Williamson
per Osborne & Little
(osborneandlittle.com),
nella nuance Tiffany il prezioso
broccato di seta Goldfinger
di Rubelli (rubelli.com).
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Omaggio alle opere di Domenico
Gnoli che ritraggono dettagli
sovradimensionati. Camicia
realizzata con tessuto in lana
e cotone jacquard, con fondo
bianco e ricami rossi/neri,
Broderie di Rubelli (rubelli.com).
Per il colletto Structure di
Casamance (casamance.com).
Come sfondo il tessuto grafico
Limpopo di Pierre Frey
(pierrefrey.com).
Pagina accanto, psichedelico
l’ambiente rivestito con wallpaper
Stripe Tease di 4Spaces
(4spaces.ch). Paravento
realizzato con tessuto ignifugo
acid lemon Regimen di Dedar
(dedar.com). Lampada da terra
Twiggy di Marc Sadler per
Foscarini, riletta nei colori da
Ferruccio Laviani (foscarini.com).
Sul letto Fronzoni ’64 di
Cappellini (cappellini.it), lenzuolo
ocra in seta, cotone e fibra di
bambù di Shuj (shuj.it), cuscino
con tessuto El Hierro
di Jab Anstoetz (jab.de).
Fa parte della collezione
Bohemian il cotone dal disegno
etnico Bullseye di Hodsoll
McKenzie, distribuito da Zimmer
+ Rohde (zimmer-rohde.com).
A terra in rosso corallo e
acquamarina Carmen di Sahco
(sahco.com), specchi Vitrail
disegnati da Inga Sempé
per Magis (magisdesign.com).
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DESIGN BIO
Supernatural
Spugne, funghi e batteri: il 2019 è l’anno che
sancisce il passaggio all’era degli organismi. Tessuti
e prodotti non saranno più fabbricati, ma coltivati
di Paola Carimati
Lufa Armour di
Fernando Laposse. Una
grande spugna cinge il corpo
di una donna: non si tratta
di un’armatura da indossare
in battaglia, ma al contrario
di una protezione gentile.
Un outfit-metafora studiato
alla Central Saint Martins
dal designer messicano
per ammonirci: prendetevi
cura di madre natura.
fernandolaposse.com
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ELLE DECOR
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“Ai giovani designer che si avvicinano alla ricerca e alla sperimentazione
consiglio di armarsi di pazienza, determinazione e spirito collaborativo”
Suzanne Lee
Mycelium Vase di
Maurizio Montalti.
Del designer italiano
co-fondatore di Mogu,
il marchio che sviluppa
materiali vivi partendo dai
funghi. Nutriti e coltivati,
questi organismi crescono
sviluppando un’intricata
rete di filamenti, chiamati
miceli, i quali agiscono
da legante per dare forma
al vaso. corpuscoli.com
Biolace di Carole Collet. Un progetto di design speculativo che
riflette sull’etica della biologia sintetica. La docente di Design for
Sustainable Futures si chiede se nel 2050, quando saremo 9 miliardi
di persone, le risorse naturali scarseggeranno e il cibo verrà coltivato
in apposite serre, avrà senso manipolare la natura. csm.arts.ac.uk
Suzanne Lee. Chief Creative Officer di Modern
Meadow, è tra le voci del convegno Next Design
Perspectives 2018 promosso dalla Fondazione
Altagamma in Triennale. modernmeadow.com
+elledecor.it
76
ELLE DECOR
Getty Images
Golden Spider Silk. Un’immagine di repertorio tratta
dall’omonima mostra curata dall’inglese Simon Peers e dall’americano
Nicholas Godley al V&A di Londra. Si tratta di un viaggio ai confini
della tessitura tradizionale, perché per realizzare questi filati sono stati
utilizzati gli aracnidi con le loro ragnatele. vam.ac.uk
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DESIGN BIO
‘Immagina, puoi’. Recitava il claim di una nota campagna
pubblicitaria, a sottolineare quanto la perseveranza aiuti
a raggiungere obiettivi irrealizzabili. È ciò che sta accadendo
oggi nel mondo del design sperimentale, quello che ha a cuore
le sorti dell’ambiente. Perché ciò che dieci anni fa era pura
speculazione intellettuale oggi è realtà. Lo dimostra Suzanne
Lee, Chief Creative Officer di Modern Meadow con un diploma
alla Central Saint Martins. La progettista ci ha conquistato con
il suo lavoro in occasione dell’ultima edizione di Next Design
Perspectives, la conferenza internazionale sulle tendenze della
creatività e del design promossa da Fondazione Altagamma e
andata in scena alla Triennale di Milano. Nato cinque anni fa,
il brand americano del quale è a capo ha puntato sul rapporto
simbiotico tra design e scienza per produrre materiali
biologicamente avanzati e totalmente sostenibili per il pianeta.
Nei laboratori di Nutley, New Jersey, organismi microbici come
lieviti e proteine producono un tipo di collagene animal free:
un materiale di nuova generazione, simile alla pelle, a impatto
ambientale zero. “Una produzione sperimentale che affascina
gruppi del fashion system come Lvmh e Kerings e marchi come
Michael Kors, ma anche Adidas e Nike, incalzati da una
clientela sempre più alla ricerca del bello perché buono”,
puntualizza la Lee. Ma non si tratta di un caso isolato, è già
storia — raccontata nella mostra ‘Golden Spider Silk’ al V&A
di Londra — che operose specie di aracnidi si prestino a filare
non solo ragnatele, ma pregiate sete da indossare. L’orizzonte
creativo supera la fantasia — e in questo c’è tutta la meraviglia
del progetto — e trasforma virus e batteri in tessuti vivi (in gergo,
biotextile) e funghi e spugne in oggetti e indumenti.
Opportunamente coltivate, queste colonie fuggono dai laboratori
per interpretare forme e sagome tradizionali in nome della
biologia. “Per darci la possibilità di un futuro conviene
potenziare tutti questi ecosistemi, piuttosto che impoverirli”,
avverte con forza la designer. Pur scevri di allarmismi e
apocalissi imminenti, dobbiamo ammettere che il pianeta non se
la passa bene e dalle parole è necessario passare ai fatti. Subito.
“Stiamo esaurendo le risorse naturali prima ancora di riuscire a
consumarle: la biofabbricazione è qui e ora e la sua produzione
è vitale per il futuro della Terra”, dichiara con la calma che
le è propria. “Per raggiungere risultati concreti occorrono anni
di duro lavoro”, chiude rivolgendo lo sguardo alle nuove
generazioni per ricordare loro che “ciò che conta in questo
ambito sono pazienza e collaborazione”. Immagina, puoi. —
OrangeBi di Ginevra
Taccola. È un materiale al
100% sostenibile che nasce
dagli scarti di lavorazione
industriale delle bucce
d’arancia. Non è tossico, non
ha costi di smaltimento, è
degradabile in 4 giorni grazie
agli enzimi che contiene.
Ottimo come fertilizzante.
ginevrataccola.com
Vinegar Batteries with Glassware and Shelf
di Caleb Charland. L’opera dell’artista e fotografo
americano appartiene alla serie Back to Light, in cui
utilizza la capacità di fermentare della frutta per
illuminare. Di fatto sono sufficienti un chiodo, un filo
di rame e dell’aceto per creare delle bio batterie
poetiche e funzionali. calebcharland.com
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ELLE DECOR
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Design stories
Milano. Una residenza in un palazzo
ottocentesco si trasforma in The Apartment,
restyling curato da Elle Decor per Airbnb Plus.
Nasce l’ultima frontiera dell’ospitalità
testo di Eve Frame — foto di Alberto Strada
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ELLE DECOR
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ELLE DECOR EVENTI
Lo studio-biblioteca, dalla
dimensione intima e raccolta,
dove il tavolo Quaderna
di Zanotta è illuminato dalle
lampade Toio e 265 di Flos.
Sul piano vasi-scultura Oltre
Dove di DWA Design Studio,
computer HP. Opere d’arte di
Andrea Sala e Andrew Casto.
Tappeto Trasparenze di Amini.
Pagina accanto, la sala da
pranzo è allestita con i tavolini
da bistrot Cumano e sedie Elipse
di Zanotta. Sul camino d’epoca
in marmo, ceramiche di Rio
Grande. Applique 237/1
di Astep/Flos e piantana Captain
Flint di Flos. A parete opera
di Anna Rocco. Allestimento
green di Verde Profilo.
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ELLE DECOR
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ELLE DECOR EVENTI
In alto, gli architetti Alberto Artesani
e Frederik De Wachter scelti da
Elle Decor per sviluppare il progetto
The Apartment. Un dettaglio della
libreria in legno nell’ambiente
studio, dove spicca la lampada
Gaku Wireless di Flos circondata da
oggetti personali dei due progettisti.
Telefono e telecamera Huawei.
Connessione Fastweb. Pagina
accanto, la zona living dominata dal
divano Extrasoft di Living Divani che
interagisce con il Tabouret Cabanon
di Cassina, i tavolini Servomuto
e la seduta Fenis di Zanotta.
Il lampadario a soffitto dialoga con
le lampade da terra Superloon
e Captain Flint di Flos. A parete
‘Stasera forse non torno’ di Antonio
Rovaldi, sul pavimento ‘Ceppo’
di Andrea Sala. A curare
l’entertainment, la TV BeoVision
Horizon e lo speaker Beosound
Edge di Bang&Olufsen.
80
ELLE DECOR
“Abbiamo visitato moltissime case, ma nessuna ci è sembrata
adatta quanto questa, un vero appartamento a sorpresa.
Lo spazio, ampio e luminosissimo, aveva già grande carattere
dal punto di vista architettonico, ma richiedeva una trasformazione
totale. Così per interpretarla secondo i valori di Airbnb Plus,
abbiamo scelto gli architetti Alberto Artesani e Frederik De Wachter
di DWA Design Studio”, spiega Livia Peraldo Matton, direttore
responsabile di Elle Decor Italia. Siamo nel cuore di Milano,
al secondo piano di un palazzo fine Ottocento, in una residenza
protetta da un piccolo cortile nascosto. Qui ha preso vita
The Apartment, progetto tailor-made frutto della collaborazione
fra il magazine e il noto portale di accomodation che dal 2008
mette in connessione chi viaggia e chi ospita in tutto il mondo.
Nata in occasione del lancio italiano di Airbnb Plus, l’iniziativa
presentata dal 30/11 al 3/12 scorsi ha interpretato a modo
nostro la categoria premium che raccoglie residenze di grande
carattere. Per comunicarlo, Airbnb ha scelto Elle Decor Italia,
che da sempre promuove e sostiene il valore dell’interior design,
uno dei punti di forza della nuova collezione. Una volta identificata
l’abitazione ideale, è partito un progetto di restyling totale,
coinvolgendo i migliori brand del mondo del design, della
tecnologia e dell’entertainment. “Abbiamo voluto dare nuova
identità all’appartamento, liberandolo degli arredi esistenti per
farlo rivivere. Selezionando oggetti di design, opere d’arte e piccoli
ricordi di viaggio che appartengono al nostro privato,
coinvolgendo gli amici artisti, i creativi e gli artigiani che spesso
lavorano con noi”, confermano Alberto e Frederik.
Il progetto di interior rispecchia la visione del magazine e
l’importanza del design nel dare un carattere distintivo e personale
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ELLE DECOR
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ELLE DECOR EVENTI
Un dettaglio della parete attrezzata
su disegno con lampade Bellhop
di Flos e prodotti di Acqua di Parma.
Stampe di Miss Goffetown e
appenderia Dot Line di Agape.
In basso, nel corridoio illuminato
dalle String Light di Flos, spicca
il tessuto Dedar utilizzato per la tenda
a tutta altezza. Nell’ambiente bagno,
lavabo Catino Tondo di Ceramica
Cielo con rubinetto Levo di Quadro
Design e sospensione IC Lights di
Flos. A parete, qui come in altri
ambienti della casa, pittura Sikkens.
Pagina accanto, nella zona notte
il letto Joy Sottile di Bolzan è
valorizzato dalla testiera in ceramica
Biscuit di 41zero42, su disegno di
DWA Design Studio come i tavolini.
Tappeto Cahier di Alberto Artesani
per Nodus. Lampade Overlap,
Snoopy e Gaku Wireless di Flos.
Opera di Anna Rocco. Purificatore
d’aria di Dyson. Hospitality
Management di Maid for a day.
Percorrere gli ambienti di The Apartment è come compiere un
viaggio nella storia personale di chi ha contribuito al suo allestimento
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ELLE DECOR
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ELLE DECOR
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ELLE DECOR EVENTI
La finestra del soggiorno si apre
a uno scorcio del grande terrazzo
allestito con divani Agra e coffee
table Rabbit & the Tortoise di Living
Divani. Candele Acqua di Parma.
In primo piano, scultura ‘Radiatore’
di Andrea Sala (Federica Schiavo
Gallery), illuminata dalla lampada
da terra Captain Flint di Flos. Pagina
accanto, in cucina la luce delle
lampade Splügen Bräu e May day
di Flos invita a entrare in uno
spazio pensato per essere vissuto.
Qui, l’isola per la preparazione
dei piatti, attrezzata con l’estrattore
di succo Hurom e le macchine
da caffè Idola di Lavazza, è rivestita
come la parete dalle ceramiche
Futura di 41zero42. Vasi
e accessori di Maddalena Selvini.
Champagne Veuve Clicquot.
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ELLE DECOR
allo spazio domestico. I progettisti hanno immaginato di essere
i veri padroni di casa, configurando ogni stanza sulla propria
personalità. Percorrere gli ambienti della casa è stato come
compiere un viaggio nella storia personale di chi ha contribuito
al suo allestimento. Il progetto si articola in 6 stanze seguite
da un grande terrazzo, che generano relazioni inedite tra gli spazi
esistenti e il nuovo set up. Identità e carattere sono i tratti salienti
dell’intervento di restyling che, all’impianto tradizionale
dell’appartamento, ha sovrapposto arredi, colori, tessuti,
oggetti e opere d’arte, innescando un dialogo tra il nuovo
e l’esistente, suggerendo differenti modalità d’uso degli spazi.
Al centro del salotto, per esempio, spicca una seduta dalle forme
generose che è un vero e proprio invito alla convivialità,
ad accomodarsi e a socializzare. “Si tratta di un divano modulare,
intervallato da schienali e braccioli a sostegno di un uso
estremamente versatile”, raccontano Alberto Artesani e Frederik
De Wachter. “Così come versatile è stata la scelta di utilizzare
per la zona pranzo quattro tavolini, sottolineando come la
modularità degli arredi possa assicurare agli ospiti la possibilità
di trasformare lo spazio a proprio piacimento”, concludono.
The Apartment, in occasione della sua presentazione, è stato
animato da una serie di incontri che hanno coinvolto personalità
del nostro mondo, architetti, food blogger, studenti di design
e la redazione di Elle Decor. Conversazioni sull’interior design,
lo stile, l’ospitalità, la luce e l’entertainment che hanno attratto
un pubblico di addetti ai lavori e semplici appassionati.
Offrendo un’occasione unica per riflettere sull’esperienza
di chi viaggia e sceglie di soggiornare in un appartamento privato.
Che è anche lo specchio di uno stile di vita. — +elledecor.it
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ELLE DECOR
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La città
che sale
Mantenere l’equilibrio
tra vita privata e relazioni
sociali. Questa la
nuova tendenza che viene
dall’Est del mondo.
Interpretata nell’ultimo
progetto dello studio
Antonio Citterio Patricia Viel
a Taichung, Taiwan.
Un villaggio verticale che
porta in Oriente i codici
dell’architettura milanese
testo di Porzia Bergamasco
foto di Sam Siew Shien
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ELLE DECOR
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ARCHITETTURA
Il percorso di accesso
a Treasure Garden, parte
del progetto paesaggistico
dell’area. Delimita un luogo
privato, definito da un doppio
recinto con la funzione di filtro
caratterizzato da un pergolato
metallico a losanghe, motivo
presente in tutto il progetto.
Pagina accanto, la facciata
del building contraddistinta
dalle tre lame metalliche
che svettano sulla copertura.
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ELLE DECOR
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Design contemporaneo,
alta tecnologia e tradizione
locale. Per i due fronti
principali è stato scelto
il granito Celina Grey.
Le sue proprietà meccaniche
hanno permesso l’incisione
del motivo geometrico
a losanghe che ricorre in tutta
l’architettura. Pagina accanto,
il gioco di pieni e di vuoti,
in pietra e cristallo, degli
esterni si ritrova anche nella
lobby. Divano Groundpiece
e poltroncina Guscio,
tutto di Flexform. Tavolo
Pathos di Maxalto e
lampada da terra Trípode
G5, Santa & Cole.
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ELLE DECOR
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ARCHITETTURA
“È l’attenzione alla qualità degli interni che
contraddistingue il progetto. Per noi è difficile pensare all’architettura
senza immaginarli parte integrante dell’edificio”
Antonio Citterio
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Fil rouge del progetto è il motivo a losanghe, caro
ai grandi dell’architettura milanese del Novecento. Reinterpretato
in versione contemporanea con pietra, vetro e acciaio
Le residenze di Treasure
Garden godono di vista
panoramica, sulla città
e sul vicino Green Park,
grazie all’efficace
orientamento dell’edificio.
In alto, il soggiorno di una
delle abitazioni. Divano
Frank e poltrone J.J. intorno
al tavolino Diesis di B&B Italia
e, sul fondo, poltroncine
Febo di Maxalto, tutto firmato
Antonio Citterio. In primo
piano lampada Twiggy
di Marc Sadler, Foscarini.
A destra, la hall pensata
per favorire lo svolgimento
della vita sociale. Pagina
accanto, all’esterno il verde
è l’elemento di mediazione
tra edificio e città.
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ELLE DECOR
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ARCHITETTURA
Il ritmo frenetico con cui si costruisce in Asia suscita spesso
timore. Eppure dietro le megalopoli che crescono in verticale
emerge un nuovo modello progettuale basato su “un cambio
tipologico nel residenziale e un’attenzione al disegno urbano
di straordinaria qualità”. L’analisi è di Antonio Citterio,
impegnato da tempo con Patricia Viel nella progettazione di torri
residenziali in Oriente, fra le quali una appena completata
nel settimo distretto di Taichung, a Taiwan. Si chiama Treasure
Garden, lì dove il tesoro non è solo la preziosa torre ricamata
a losanghe, alta quasi 160 metri, ma anche quello che c’è ai suoi
piedi. Spazi comuni sofisticati in termini di immaginario, vivibilità
e raffinatezza di materiali e arredi, disegnati per generare
un rapporto diretto con la strada e la città. L’insieme, con il verde
e il sistema dei percorsi interni ed esterni, crea un nuovo
paesaggio pensato in dialogo con le torri che sorgeranno intorno
— una ancora a firma dello studio milanese — e i nuovi spazi
pubblici. In perfetta armonia di forme e contenuti e nel rispetto
di una radicata idea di comunità. “È un villaggio in verticale,
un ritorno a un modo di vivere dove il valore è nelle cose di tutti”,
continua l’architetto Citterio. Treasure Garden interpreta ed
esprime queste esigenze con un progetto nato dalla facciata,
caratterizzata da un motivo a rombi che unisce tre svettanti
setti metallici a superfici in pietra e vetro. “Strutturalmente le tre
lame verticali si diradano in un ‘pizzo’ che permette aperture
di intensità variabile per creare, dove necessario, una trama
di riservatezza. La losanga non è un semplice segno decorativo,
ma un omaggio alla tradizione milanese dei grandi architetti.
Nomi come Gio Ponti, Caccia Dominioni, e i loro contemporanei,
che concepivano gli interior come parte integrante dell’edificio:
un’abitudine andata persa nel tempo”, ci spiega Citterio.
“Anche per noi è difficile pensare all’architettura senza
immaginare come sia il suo interno”. Nel Treasure Garden
i rombi sono il leitmotiv che contagia ogni porzione del building,
in un gioco di rimandi e riflessi, luci e ombre, fra in e out, dalle
pareti ai pavimenti. Scandiscono il ritmo della vita di chi abita
gli spazi, attraverso un’architettura che rispetta anche i principi
del feng shui: nell’orientamento dell’edificio, nelle visioni
prospettiche sui palazzi vicini, nell’ingresso, nel layout degli
appartamenti. “La progettazione degli spazi comuni ricalca
tipologicamente i canoni alberghieri: hall, piscina, palestra,
ristorante, club, posto auto e giardini offrono una qualità della
vita attraverso il servizio gestito e le diverse funzioni. Poi ci sono
le residenze”, chiarisce l’architetto. “In molte città asiatiche,
di Taiwan in particolare, nel rapporto pubblico-privato,
si dà maggiore peso al pubblico. Questo perché qui non
c’è la stratificazione storica che caratterizza i Paesi europei
e, nel loro breve processo di urbanizzazione, le metropoli sono
cresciute in modo disordinato, senza spazi pubblici, senza
la piazza. Nell’attuale ridefinizione urbana le torri assolvono
a queste mancanze. Al loro interno includono i luoghi di incontro
e condivisione, apprezzati proprio per la loro funzione nella vita
sociale. È un cambio di paradigma, rispetto a quello europeo,
e italiano in particolare, orientato a valorizzare la sfera privata.
Perché si tratta di una società meno isolata”, conclude Citterio.
Cittadini che ritrovano la qualità della vita a misura d’uomo
in un futuristico gioiello urbano. —
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ELLE DECOR
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ADDRESS FOOD
Ospiti del Caffè Fernanda disegnato
da Raffaele Azzarelli e Giuliano Iamele
di RGAstudio nella Pinacoteca di Brera. In primo
piano, i tavoli in noce e ottone, il medesimo
del bancone, e a parete il ritratto della visionaria
direttrice Fernanda Wittgens, di Attilio Rossi.
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Milano à la carte
Da Brera a CityLife passando
per Piazza della Scala: i nuovi
place to be per i palati più esigenti.
Il food promuove relazioni e si fa
ponte culturale in nome di un sobrio
e deciso stile meneghino
Foto Michele Nastasi
di Paola Carimati e Francesca Benedetto
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ELLE DECOR
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ADDRESS FOOD
Ottone e legno canaletto — Materiali caldi per questo luogo
sospeso nel tempo, dove l’arte galleggia sulle pareti color ottanio
Cocktail bar, caffetterie, ristoranti gourmet ed enoteche
sono i nuovi cult: ambienti versatili e funzionali dedicati all’alta
gastronomia dove accomodarsi per una colazione o un boccone
veloce, leggere un libro, comprare prodotti doc e sperimentare
le mutevoli forme del design della relazione. Oggi non è più
strano sentirsi innamorati a Milano: qui ci si incontra, si scoprono
affinità, si ama insomma, perché si mangia bene e si vive bene.
Come dichiara Il Sole 24 Ore che premia la nostra città per
la miglior qualità della vita, piazzandosi per la prima volta, dopo
29 anni, in vetta davanti a Bolzano. Merito di tutti, certo,
ma anche di una popolazione di creativi che qui trova
comprensione intellettuale e opportunità di sperimentazione.
Il tessuto urbano del capoluogo lombardo è in continuo fermento,
inaugura nuovi address dove lo spirito internazionale è
profondamente ispirato alla tradizione e a una meneghinità
sobria e decisa. Milan l’è un gran Milan. Lo dichiara lo studio
Vudafieri-Saverino Partners che ha curato il progetto Peck
CityLife in ogni sua fase: 300 mq che troneggiano in Piazza Tre
Torri. Lo spazio rende omaggio a quella Milano del dopoguerra
dentro cui il mito di Peck si è affermato: pavimento in ceppo di
Gré delle cave del Lago d’Iseo che richiama la pietra milanese
storica, controsoffitto a losanghe di legno che cita Villa Necchi
Campiglio di Portaluppi e montanti come boiserie la cui
geometria rievoca la Torre Velasca di BBPR. Sono alcune delle
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ELLE DECOR
citazioni scelte dallo studio per rendere omaggio a una storia
che accomuna Peck e Milano, fatta di eleganza e operosità.
Un luogo che come il Caffè Fernanda alla Pinacoteca di Brera
si fa ponte fra tradizione e gastronomia. Firmata da RGAstudio
di Raffaele Azzarelli e Giuliano Iamele, la caffetteria si inserisce
nell’intervento di riallestimento delle 38 sale curato dal direttore
James Bradburne negli ultimi tre anni. Dal nome della visionaria
direttrice Fernanda Wittgens, il bistrot è concepito come parte
del percorso museale. L’intervento, focalizzato sulla coerenza
cromatica e materica con il resto dell’edificio, svela accenti
preziosi, come per esempio il grande bancone sotto la tela
seicentesca del Damini. Il monolite, che reinterpreta i mobili
Anni 50, è costituito da grandi liste semicircolari di noce
canaletto e da un sottile piano in ottone anticato. A pochi passi,
in Piazza della Scala, la Vòce di Aimo e Nadia firmato dallo
studio aMDL di Michele De Lucchi. Nella splendida cornice delle
Gallerie d’Italia di Intesa Sanpaolo, uno spazio ricco di storia e
cultura. Suddiviso in tre ambienti funzionali, articola in sequenza
caffetteria, ristorante gourmet e libreria, alla quale si accede
direttamente dalla piazza. Tutto l’intervento del maestro italiano
è giocato sulle corde della sinergia fra architettura preesistente
e interior e così non solo gli arredi ma anche l’offerta alla carta
concorrono alla definizione di un’atmosfera di grande impatto
scenografico, al tempo stesso ad alto tasso poetico. —
Foto Michele Nastasi
Caffè Fernanda, Pinacoteca di Brera — Siamo nel cuore di Milano, all’interno
dell’ex ingresso principale dell’edificio. La caffetteria, concepita come parte del percorso
museale, è caratterizzata da un’evidente coerenza cromatica e materica. A parete, ‘S. Bernardo
che converte il duca di Aquitania’ di Pietro Damini. pinacotecabrera.org +elledecor.it
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ADDRESS FOOD
Peck CityLife — Tre immagini per raccontare
il nuovo spazio polifunzionale dello storico marchio
simbolo dell’alta gastronomia milanese: 300 mq firmati
da Vudafieri-Saverino Partners accanto al grattacielo
di Arata Isozaki, nel cuore dell’avveniristico shopping
district (immagine in alto a destra). Entrare in questo
padiglione dalla forma organica vuol dire immergersi
in un ambiente ricco di elementi simbolici scelti per
ricucire l’identità storica di Peck a questa dimensione
urbana super contemporanea. Sopra, protagonista
all’ingresso, la grande lampada decorativa
con il banco di gastronomia. Interamente disegnato,
è stato pensato per offrire la possibilità di consumare
i prodotti esposti accomodati ai tavoli ripiegabili.
Accanto, a destra, il ristorante con i suoi 50 coperti
e le sedute Livia di Gio Ponti prodotte da L’Abbate.
Mentre le pareti espositive, ritmate da montanti
verticali, ricordano l’architettura della Torre Velasca,
la maglia romboidale a soffitto è un omaggio
a Portaluppi. Il tema delle losanghe caratterizza
anche i piani dei tavoli. peck.it
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ELLE DECOR
Foto Santi Caleca
Tra Gio Ponti e Portaluppi — Citazioni colte che attingono
alla cultura della città per disegnare una nuova idea di tradizione
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ADDRESS FOOD
Continuità e innovazione — Luce e trasparenza avvolgono
lo spazio per enfatizzare il valore della qualità italiana
Foto Paolo Terzi
Vòce Aimo e Nadia, Gallerie d’Italia —
Firmato dallo studio aMDL di Michele
De Lucchi, è stato pensato per essere uno
spazio versatile e polifunzionale. Qui,
nel segno di tradizione e innovazione, tipici
di Aimo e Nadia, si intrecciano cibo, cultura
e arte. Tre gli ambienti: la libreria, la caffetteria
e il ristorante gourmet. Alessandro Negrini
e Fabio Pisani, gli chef, hanno elaborato
una proposta gastronomica che si inserisce
nel tessuto museale per diventare elemento
complementare alla visita. Vi si accede sia dal
museo sia da Piazza della Scala e rappresenta
nella nuova configurazione un’area dal
forte impatto scenografico. La mano poetica
dell’architetto italiano ha riletto in chiave
meneghina l’idea di bistrot. gallerieditalia.com
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© Lorem Ipsum dolor
Il Direktorenzimmer, l’ufficio
personale di Walter Gropius,
architetto e fondatore del Bauhaus
di Weimar. Una stanza ideale dalle
dimensioni di 5x5x5 metri progettata
e poi riprodotta dallo stesso
Gropius nella nuova sede di Dessau,
in foto, inaugurata nel 1925.
Sedute F51 su disegno, Tecta.
Pannello decorativo e tappeto
di Benita Otte, lampada da tavolo
WG24 di Wilhelm Wagenfeld,
Tecnolumen. Pagina accanto, il segno
grafico di gradini e corrimano
contrasta con le pareti color pastello
della scala del Bauhaus di Dessau.
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ITINERARIO
Bauhaus walk
Per celebrare i 100 anni dalla sua fondazione, un
itinerario inedito ripercorre i luoghi e la storia della scuola
tedesca che ha gettato le basi dell’architettura moderna
di Dorothea Sundergeld — testo di Sebastiano Brandolini — foto di Thomas Rusch
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A Weimar, Dessau e Berlino, studenti e appassionati
di architettura di tutto il mondo vanno in pellegrinaggio per riscoprire
i progetti del Bauhaus e catturare nuovi spunti di ispirazione
Dall’alto, in senso orario, Werner Möller, curatore e responsabile degli edifici del Bauhaus
di Dessau, sulla celebre poltrona Wassily disegnata da Marcel Breuer negli Anni 20, Knoll.
Sempre a Dessau, la mensa per gli studenti con l’auditorium sullo sfondo e la sala del
Kornhaus, ristorante con vista sull’Elba realizzato nel ’29 da Carl Fieger (nella pagina accanto,
l’esterno dell’architettura svela la scenografica struttura circolare dell’edificio ristrutturato nel
’96). Nella sede di Weimar una grafica decorativa indica la segreteria. La facciata di una delle
Meisterhäuser di Dessau, complesso di tre abitazioni prefabbricate commissionato a Walter
Gropius nel ’25 per i docenti del Bauhaus e abitato da maestri illustri come Georg Muche,
Vasilij Vasil’evič Kandinskij e Paul Klee. L’unico degli edifici gemelli sopravvissuto al conflitto
mondiale è caratterizzato dalle lunghe vetrate verticali che illuminano spazi e volumi cubisti.
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Cruciali in tutte le sedi della scuola, la didattica
rivoluzionaria e il carisma dei tre direttori-architetti: Henry van de Velde,
Walter Gropius e Ludwig Mies van der Rohe
Dall’alto, in senso orario, la Haus Auerbach progettata a Jena nel 1924 da Walter Gropius
per la coppia Felix e Anna Auerbach e decorata all’interno con 37 diverse sfumature
pastello ideate dal pittore Alfred Arndt. Uno scorcio dell’elegante Haus Lemke,
villa progettata da Mies van der Rohe a Berlino nel 1932. Davanti alle ampie vetrate
che si aprono sul verde, l’iconico daybed Barcelona di Mies van der Rohe, Knoll. La scala
della sede di Weimar, decorata con il murale realizzato nel 1923 da Oskar Schlemmer.
L’esterno della Haus Lemke, esempio di architettura modernista, con le MR Chair disegnate
da Mies van der Rohe, Knoll. Pagina accanto, nel living della Haus Auerbach, Barcelona
Chair, Knoll, e lampada a sospensione L40 di Gerrit Rietveld, Tecta. Arazzo su disegno
di Frank Stella realizzato a mano da Barbara Müller. Monogold Table di Yves Klein.
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Per molti Bauhaus significa ancora purezza e modernità.
Oggi il movimento compie 100 anni e i suoi luoghi storici e le architetture
iconiche vengono interpretati con occhi nuovi
Da sinistra, l’esterno delle nuove
Meisterhäuser di Dessau progettate oggi
dall’architetto berlinese Bruno Fioretti
Marquez, che reinterpretano le strutture
originarie disegnate da Gropius. Il direttore
della Bauhaus Foundation di Dessau, Claudia
Perren. Esterno della Bundesschule a Bernau
costruita nel 1930 insieme a Hans Wittwer
dall’architetto Hannes Meyer, successore
di Gropius alla direzione della Bauhaus.
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Qualche fatto: il Bauhaus fu una piccola scuola
di architettura, design e arti applicate, attiva per poco tempo – una
quindicina d’anni – a cavallo delle due guerre mondiali.
Si trasformò presto in un mito, in uno stile, in un sogno. Per molti
Bauhaus significa ancora purezza e modernità. Oggi compie 100
anni, e i suoi luoghi storici – a Weimar, a Dessau, a Berlino –
vengono rivisitati e riguardati con occhi nuovi. Molti di questi sono
stati restaurati e hanno riconquistato la loro originaria solarità.
I loro colori ci abbagliano di nuovo con forza: spesso primari,
sono insieme coraggiosi e allegri, decorativi e concettuali, spaziali
e pittorici, a comporre delle vere scenografie. Emerge una
domanda: che il Bauhaus sia per caso stato l’ultimo vero ‘stile’
dell’architettura? Probabilmente sì, visto che dagli Anni 80
del secolo scorso la scena è in mano a tanti ‘mini-stili’ che si
contendono la bellezza, l’originalità, la volubilità. È giunto il
momento di scavare nei ricordi e nelle nostalgie. Ci commuoviamo
ammirandone i pezzi di design come le lampade, i caloriferi,
le maniglie e i profili dei serramenti, i pavimenti, i corrimano,
gli interruttori e i rubinetti, l’intonaco bianco quasi dappertutto.
Ma sappiamo anche che tutto ciò può essere banalmente copiato,
senza essere tradito. Il Bauhaus è ormai diventato storia e forse,
paradossalmente, proprio per questo sta tornando di attualità.
Tutte e tre le sue sedi storiche si trovano nella Germania orientale
(Weimar 1919-1925, Dessau 1925-1932, Berlino 1932-1933)
ma i docenti provenivano da diversi punti dell’Europa (tra questi
lo svizzero Klee, il russo Kandinskij, l’ungherese Moholy-Nagy,
il tedesco Albers). Cruciale, la didattica rivoluzionaria e il carisma
dei tre direttori-architetti: Henry van de Velde, Walter Gropius,
Ludwig Mies van der Rohe. Straordinari l’impollinazione
e il proselitismo postumo che, soprattutto negli Anni 50 e 60
del secolo scorso, la scuola attivò a scala mondiale, quando fu
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I colori che scopriamo ci sorprendono ancora con la loro forza:
non solo primari, sono insieme coraggiosi e allegri, decorativi e concettuali,
spaziali e pittorici. A comporre delle vere e proprie scenografie
Da sinistra, in senso orario, l’ingresso della
scuola di Dessau. Il souvenir shop con le
sedute iconiche Wassily di Marcel Breuer,
Knoll. La casa laboratorio a Erfurt di
Margaretha Reichardt, creativa del Bauhaus.
Oggi l’abitazione decorata dai suoi arazzi
è aperta al pubblico. La scala interna
dell’hotel Haus des Volkes progettato
da Alfred Arndt nella foresta di Thuringia,
ristrutturato da un gruppo di investitori locali.
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trasformata in International Style. A quel punto il Bauhaus non solo
non esisteva più, ma subiva il fuoco incrociato delle generazioni
e delle idee emergenti. Le fotografie in bianco e nero della sede
di Dessau, scattate dallo storico Leonardo Benevolo e poi
pubblicate nella sua ‘Storia dell’Architettura Moderna’ del ’60,
ci mostrano un edificio ridotto a rudere; c’era anche chi giurava
fosse stato demolito dai russi. L’architettura totale e integrata –
tema caro a Gropius – è il testamento (formale, culturale, politico,
economico) della scuola tedesca. Oggi a Weimar, a Dessau
e a Berlino, ci andiamo per riscoprire l’architettura bauhausiana e
catturarne nuovi spunti d’ispirazione. I progetti che mostriamo nel
servizio sono eroici tentativi degli Anni 20 e 30 di inventare dal
nulla uno stile all’avanguardia. Senza rapporti di parentela con
il passato, fatto di forme e materiali che citano l’industria, volumi
semplici, funzionali, asettici, asensuali. Anche se Gropius oggi non
gode più di molto affetto, gli andrebbe riconosciuto di diritto il
ruolo di inventore dello stile moderno. Ernst Neufert, suo assistente,
compilò negli Anni 30 il manuale più influente dell’architettura del
XX secolo, dal prosaico titolo ‘Architects’ Data’. Un tomo senza
fotografie e quasi senza testi, pieno di schemi e diagrammi che
parlano di funzionalità, standard ed economia. Per mezzo secolo
se ne trovava una copia su ogni tavolo da disegno, per essere poi
archiviato negli Anni 80. Ma per comprendere appieno
l’importanza del Bauhaus, dobbiamo lasciarci la Germania alle
spalle e spingerci nei due blocchi politici – gli USA e l’URSS – che
negli Anni 50 e 60 si contesero il dominio ideologico del mondo.
Dopo il 1933 (anno di chiusura della sede di Berlino a opera dei
nazisti), molti suoi apologeti emigrarono: Gropius e Mies tra
Boston, New York e Chicago, Hannes Meyer e Mart Stam in
Unione Sovietica, Marcel Breuer a Londra, Zurigo e in America.
Esportando nel mondo i semi dell’architettura del futuro. —
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VIEW
[Febbraio 2019]
112 NEW YORK IN PROGRESS. L’architetto Massimiliano Locatelli nel suo loft
a Tribeca enfatizza con gusto tutto italiano la versatilità di uno spazio
anticonformista. 124 NEL CUORE DI PALM SPRINGS. La villa disegnata negli
Anni 60 per una star di Hollywood torna sulla scena. Un restyling firmato Marmol
Radziner che rispetta privacy e natura. 134 IL MIO MINIMAL. A Copenhagen,
nell’abitazione privata di Danielle Siggerud, progettista norvegese, allieva
di John Pawson. Una sintesi personale tra rigore nordico, recupero del passato
e poesia. 144 NEL GIARDINO DI PIET OUDOLF. Il landscape designer olandese
con la passione per le piante perenni e spontanee ci apre un luogo intimo
e selvaggio. 152 LIBERTÉ. A Parigi, eclettismo e sperimentazione nella casa
di Jean-Christophe Aumas. Un avamposto creativo per le vetrine che progetta
per le più note griffe di Francia.
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NEW YORK
L’architetto Massimiliano Locatelli nel suo
loft a Tribeca enfatizza con gusto tutto italiano
la versatilità di uno spazio anticonformista
di Rosaria Zucconi — foto di Luca Rotondo
IN PROGRESS
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Il pavimento in mosaico
di marmo che decorava
i corridoi dei vecchi uffici
testimonia il passato dello
storico building su Broadway.
Le forme armoniose dei tavoli
della collezione Lago Garda,
disegnati da Massimiliano
Locatelli nel 2014,
distribuiti da Nilufar,
sono elementi indipendenti,
aggregabili in forme diverse.
Sinuosi, attraversano
lo spazio del living,
sfiorando le colonne.
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Grandi finestre su tre lati sono
la caratteristica più esclusiva
del loft ai piani alti del
Bernard Semel building.
Nell’open space, liberato da
pareti divisorie e controsoffitti,
un volume trasparente
accoglie la cucina, cardine
della vita sociale e privata. In
primo piano due alte lampade
a muro 78 progettate da
Osvaldo Borsani per la decima
Triennale di Milano, nel 1960.
Sulla parete a destra,
un’opera di Julien Nguyen.
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Flessibile, fluido, il grande
spazio del living si offre
a una vita dinamica,
assecondando continui
cambiamenti. Un singolo
tavolo, perfetto per una cena
intima, composto da tanti
elementi accoglie molti
ospiti, con poltroncine che
si trasformano in panchette
a doppia seduta. Nella pagina
accanto, nella scatola di vetro
la cucina in acciaio industriale
ha come sfondo di colore
un verde fresco e luminoso.
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La passione per il design
italiano degli Anni 60
e 70 ha guidato il padrone
di casa verso scelte sofisticate,
come il divano in midollino
di Franco Albini. Di fronte
alla lunga seduta, su disegno,
tavolini componibili di Mario
Bellini per C&B Italia.
A parete, un’opera di Hans
Christian Lotz che si attiva
al passaggio, aprendo
e chiudendo i pannelli, con
un leggero rumore di fondo.
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Dal living alla zona notte,
lo spazio è fluido, permeabile.
A parete lampada Converso,
disegnata dal progettista. Nella
pagina accanto, Massimiliano
Locatelli, il volto più noto tra gli
architetti Annamaria Scevola,
Giovanna Cornelio e Davide
Agrati, dello studio Locatelli
Partners. Dopo il successo della
3D Housing 05, rivoluzionario
progetto tra sostenibilità
e creatività, sarà l’ufficio il tema
affrontato al prossimo Salone.
“Ho sempre pensato che sostenibilità, creatività, flessibilità,
rapidità e accessibilità economica sono i valori fondanti
dell’architettura del futuro. È tempo di percorrere nuove strade,
con sguardo etico e consapevole”. Così, Massimiliano Locatelli
spiega l’innovativo progetto a stampa 3D Housing 05
presentato in occasione dello scorso Salone del Mobile,
una vera rivoluzione nel campo dell’architettura. “Esplorando
le infinite possibilità del 3D printing, insieme allo studio di
ricerca Arup, e grazie alle tecnologie avanzate di Italcementi,
ho realizzato in piazza Beccaria a Milano una casa prototipo
che mette l’innovazione e il bello al servizio di tutti. E i detriti
diventano materiali costruttivi, riutilizzabili, nel rispetto
dell’ambiente: immagini disperanti di macerie dopo i terremoti
e di dispersi senza casa non sono più sopportabili. Nel 2019,
sposterò l’attenzione sul tema ufficio, sviluppando un’architettura
su tre altezze, completa di arredi e soluzioni sperimentali
per renderla efficace, confortevole, informale, telematica”.
Durante l’anno ci saranno molti cambiamenti, nella vita
di Massimiliano. Intanto lo studio CLS Architetti diventa Locatelli
Partners e si arricchisce di una nuova sede milanese: una casa
a tre piani, piena di luce, con vista su un giardino, totalmente
dedicata ai progetti d’architettura. Mentre nella chiesa
sconsacrata di San Paolo Converso, il settore del design
avrà più spazio: nella cripta cinquecentesca si studieranno
nuovi materiali e si realizzeranno idee all’avanguardia.
L’associazione culturale Converso continuerà a proporre eventi
di arte e musica, e durante il Salone del Mobile le novità
di design abiteranno ancora qui. Sarà pubblicato un libro
sul lavoro dello studio e, con Nilufar, il progettista realizzerà
120
ELLE DECOR
un vecchio desiderio, dare colore al marmo di Carrara.
Ma, soprattutto, Locatelli andrà più spesso a New York,
per godersi il suo loft a Tribeca. “Mai a sud di Canal street.
Il mio diktat all’agente immobiliare si è dissolto appena ho
messo piede nel Bernard Semel building, un palazzo storico
che porta il nome del filantropo e imprenditore tessile ebreo.
Mi sono innamorato all’istante di uno spazio usato come ufficio,
in uno dei piani alti dell’edificio di inizio secolo”. All’interno
le finestre in sequenza sui tre lati — una rarità nelle case
newyorkesi con aperture solo su due fronti — e la pianta
dinamica a L hanno guidato il progetto. Liberato da controsoffitti
e pareti, lo spazio è diventato più fluido, luminoso, senza
confini, fisici e visivi. Determinante è la scatola vetrata che
contiene una cucina industriale in acciaio, un ambiente a sé,
mai da nascondere, soprattutto nelle case americane.
Arredi flessibili, aggregati e disaggregati, consentono
di organizzare lo spazio in ogni circostanza. Come il tavolo
Lago Garda, disegnato da Locatelli nel 2014, fatto di tanti
elementi dalle forme armoniose e uniti, durante l’ultimo
Thanksgiving day, per accogliere 40 ospiti seduti sulle panchette
per due, derivate dalla scomponibile poltroncina ML01.
“A New York mi sento in vacanza, vedo gli amici,
raccolgo nuove energie. E qui finalmente hanno trovato
l’ambiente adatto due lampade disegnate da Osvaldo Borsani
per la Triennale di Milano. Altissime, un capolavoro”.
Nella città che guarda al futuro, l’architetto apre il suo orizzonte
progettuale al mondo del fashion, realizzando a SoHo
uno spazio con la stampa 3D. Un pop up a tempo
(appena un anno di vita), in continuo divenire. Legato alla città
e allo spirito innovatore di un iconico marchio italiano. —
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“Etica, sostenibile, creativa,
flessibile. Questa l’architettura
del futuro che amo e che
sperimento con la stampa 3D”
Massimiliano Locatelli
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La stanza per gli amici, una
grande alcova, è la naturale
continuazione del salone.
Una parete scorrevole
all’occasione chiude
completamente questa zona
ospiti. Sono pezzi disegnati da
Osvaldo Borsani , la libreria
che domina il living e le
poltrone P4, classiche icone
del design italiano. In primo
piano tavolino di George
Nakashima. Sulla parete
un’opera di Alexander May,
tavolo design Massimiliano
Locatelli, in vendita da Nilufar.
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Nel cuore di Palm Springs, la villa
disegnata negli Anni 60 per una star
di Hollywood torna sulla scena.
Un restyling firmato Marmol Radziner
che rispetta privacy e natura
di Gloria Mattioni — foto di Giorgio Possenti
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Uno scorcio del living total white caratterizzato dallo scenografico
divano bianco Free Form Curved Sofa with Arm di Vladimir Kagan per
Ralph Pucci. Al centro coffee table Eros di Angelo Mangiarotti,
Agapecasa. In primo piano tappeto Reverso di Christopher Farr.
A parete ‘Untitled’ di Richard Misrach. Pagina accanto, l’ingresso della
Harvey House, disegnata da Buff & Hensman nel ’69 e ristrutturata
oggi da Marmol Radziner. Sullo sfondo le montagne di San Jacinto.
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Uno scorcio inedito del living fotografato dall’esterno svela oltre la
vetrata alcuni dettagli d’arredo. Riflessa dalle superfici in cristallo la
vegetazione di palme del giardino. In giallo il daybed Cleopatra di
Dick Cordemeijer per Auping, 1954. Tavolini Anni 50 Nesting Tables
di Arthur Umanoff. Divano Free Form Curved Sofa with Arm di Vladimir
Kagan per Ralph Pucci. Di spalle poltroncine rivestite con tessuto
bianco e struttura in metallo. A parete ‘Untitled’ di Richard Misrach.
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Nella sala da pranzo, tavolo in noce e ottone Polanco di Blackman
Cruz, sedie Executive di Eero Saarinen per Knoll, vasi di ceramica
di Jeremy Briddell. A sospensione lampadario Branching Disc di Lindsey
Adelman. Il quadro ‘Untitled #26’ è una stampa in bianco e nero
di Alexandra Hedison. Pagina accanto, la cucina a vista in noce con
piano in marmo. A parete artwork di Anthony Pearson.
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Cemento, acciaio, legno, vetro: i materiali amati dagli
architetti modernisti californiani che hanno caratterizzato
la grande svolta nello stile ‘mid-century’ tra gli Anni 50 e 60.
Linee pure ed essenziali. Vetrate a tutta parete per permettere
all’intensa luce del deserto di creare un’atmosfera unica.
Questi i codici che caratterizzano la Harvey House di Palm
Springs, a ridosso delle montagne rocciose di San Jacinto
da un lato e fiancheggiata da un bellissimo giardino con sculture
sul retro, in un flow indoor-outdoor che fa apprezzare
la posizione privilegiata della casa. L’attore Laurence Harvey,
nominato agli Oscar per ‘Room at the Top’ (1959) e famoso
per film come ‘The Alamo’ (1960), diretto e interpretato
da John Wayne, sceglie gli architetti Buff & Hensman
per realizzare il suo sogno al sole. Siamo nel ’69 ma già dagli
Anni 30 Palm Springs attira le celebrità dell’epoca che si fanno
costruire ville hollywoodiane: Bob Hope, Dean Martin,
Liberace, Sammy Davis Jr, Jayne Mansfield, Marilyn Monroe…
Le movie star fanno di quest’area l’epicentro dei cosiddetti
‘party pads’, le location delle feste più in voga. Più vicina
a Los Angeles di Las Vegas, a soltanto un’ora e mezza di guida,
ma anch’essa votata al motto ‘quello che succede qui, rimane
qui’, Palm Springs diventa la località preferita da chi deve
difendere la privacy dall’assalto di curiosi e paparazzi.
Molte vie e viali cittadini portano i nomi di famosi residenti,
al punto che sempre più di frequente vengono organizzati tour
ad hoc per visitare le ville più iconiche. La Harvey House viene
completata nel 1969 e abitata solo per pochi anni dall’attore,
scomparso prematuramente nel ’73. Cinque anni fa la residenza
viene acquistata dagli imprenditori Rea Laccone e Paul Perla
— fondatori del marchio di moda Vince con store a Los Angeles,
New York e San Francisco — che incaricano della ristrutturazione
i losangelini Marmol Radziner. “Prima del nostro intervento
c’erano stati diversi tentativi di revisione delle finiture, ma nulla
che potesse dare alla casa un carattere contemporaneo”,
ci racconta l’architetto Ron Radziner, design partner dello studio.
“Si trattava di conservare la tipica ossatura ‘post & beam’,
fatta di travi e pilastri, proiettandola in una visione più moderna
e rigorosa. Rea e Paul, per cui avevamo già curato la
ristrutturazione della casa di Beverly Hills e l’allestimento
di diverse boutique americane, hanno una raffinata sensibilità
architettonica”. Gli spazi della villa sono stati aperti e resi
comunicanti per far penetrare liberamente la luce in ogni
ambiente. L’attenzione ai materiali e ai dettagli è stata
maniacale: il laboratorio di falegnameria dello studio
ha realizzato nuove armadiature su disegno, i soffitti originali
e le travi di supporto, scuriti dal tempo, sono diventati
più luminosi grazie a una speciale pittura color grigio cemento.
L’intervento è stato concepito per reinterpretare gli interni
firmati da Arthur Elrod, famoso interior decorator della villa
di John Lautner, set del film ‘007 Diamonds are Forever’.
“Abbiamo utilizzato diversi pezzi vintage, scovati nei negozi
locali di modernariato, e altri realizzati su commissione
da artigiani di Los Angeles”, conferma l’interior designer
Erika Montes. “La palette cromatica neutra si ispira alle rocce
e alle dune di sabbia che circondano la casa, con solo pochi
accenti di colore più vivace offerti dai tessuti che rivestono
divani e daybed”. Le quattro camere da letto del progetto
originario sono state sacrificate a favore di due master
bedroom, di grandi dimensioni, posizionate ai lati opposti
della casa per offrire maggiore privacy. Protagonista del living
il camino in pietra, oggetto di un attento restauro, così come
la spettacolare piscina caratterizzata da scultorei pezzi di roccia
incastonati nella pavimentazione. Intorno, palme, cactus
e gli esili ‘palo verde tree’, adatti al clima arido di Palm Springs,
incorniciano l’architettura modernista dando la sensazione
di trovarci in un’oasi assoluta. —
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Il living invaso dalla luce filtrata dall’ampia vetrata che dà sul giardino.
Davanti al grande camino in pietra, originale degli Anni 60, sul
tappeto Reverso di Christopher Farr, divano di Vladimir Kagan, coffee
table Eros di Angelo Mangiarotti, Agapecasa, e poltroncine Anni 50.
Soffitti e travi in legno sono stati restaurati e resi più luminosi.
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L’architettura modernista dell’edificio dialoga leggera con
il paesaggio. A bordo piscina, sunbed Wave e parasole Ombra
di Paola Lenti. Pagina accanto, nella camera da letto lounge chair
e ottomano di Charles & Ray Eames, così come lo sgabello di noce
utilizzato come tavolino portaoggetti. Tappeto in alpaca di Thomas
Lavin, panca di George Nelson. Tutto Herman Miller. Letto Teo
di Paolo Piva per Poliform. Opera ‘Apocryphal Now’ di Jim Kempner.
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Al primo piano la zona relax
con divano di fattura
artigianale rivestito in
shearling e sedie vintage
di Pierre Jeanneret. Tavolino
basso di Poul Kjærholm,
alto di Danielle Siggerud
e lampada di Serge Mouille.
Pagina accanto, la progettista
e padrona di casa.
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IL MIO MINIMAL
A Copenhagen, nell’abitazione
privata di Danielle Siggerud, progettista
norvegese, allieva di John Pawson.
Una sintesi personale tra rigore nordico,
recupero del passato e poesia
testo di Francesca Benedetto — foto di Line Klein/Living Inside
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Nell’ampio living al primo
livello, invaso dalla luce del
Nord, daybed di Grete Jalk, da
Dansk Møbelkunst, divano di
Eilersen, sgabello e coffee table
di Poul Kjærholm, poltroncine
di Tobia Scarpa. Opere
fotografiche di Maja Karen,
del gallerista Oliver Gustav,
amico dei padroni di casa.
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L’ingresso alla townhouse con
la facciata in mattoni. Pagina
accanto, coffee table con piano
in cristallo di Poul Kjærholm,
tavolino alto disegnato da
Danielle Siggerud per il café
del Menu Space, console
e mobile da banca vintage,
poltroncine di Pierre Jeanneret.
Lampada di Serge Mouille.
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“La luce straordinaria di questo spazio mi ha subito
conquistato. Il gioco di ombre crea un’atmosfera intima e serena
in tutta la casa”. Esordisce così Danielle Siggerud, progettista
classe 1988 di origini norvegesi con studio a Copenhagen,
descrivendoci la sua abitazione di Holmen, il quartiere
sull’acqua della capitale danese. Una townhouse su quattro piani
in un edificio del Diciassettesimo secolo in mattoni a vista, un
tempo magazzino del cantiere navale reale, che oggi affaccia
sul Teatro dell’Opera, firmato da Henning Larsen nel 2004.
“Io e il mio fidanzato abbiamo scelto di abitare qui senza
effettuare subito delle modifiche, volevamo avere il tempo di
capire quali sarebbero state le nostre necessità”, continua
Danielle. “Poi abbiamo deciso di sposarci, di restare a vivere in
città, in controtendenza rispetto a tante coppie che si spostano al
Nord, e di trasformare questo spazio in una casa per la nostra
futura famiglia. La priorità è stata ripensare al layout per rendere
l’abitazione più vivibile e funzionale ma con un atteggiamento di
pieno rispetto nei confronti della storia dell’edificio che è protetto
dalle Belle Arti. Il mio approccio minimalista mi ha portato ad
adottare alcune soluzioni pratiche ma con mano molto leggera”.
Le partizioni interne sono state semplificate, alcune pareti
demolite per lasciar entrare la luce naturale e i quattro livelli
sono oggi connessi in maniera più fluida. Al piano terra
la zona pranzo con cucina a vista è orientata verso il giardino
e un’ampia scala metallica conduce al livello superiore, con
il living open space. Gli ultimi due piani sono riservati alla zona
notte e allo studio-ufficio. Le travi originali in legno grezzo e la
superficie levigata del marmo creano un’atmosfera semplice ma
sofisticata, sottolineata da una palette di colori neutri. Del resto
Danielle Siggerud ha mosso i primi passi nello studio di John
Pawson, l’architetto inglese, padre del minimal. “Gli devo molto,
è stata l’esperienza più significativa del mio percorso”, ammette
la progettista. “Con il suo modo di pensare, la sua grande
attenzione al dettaglio, alla luce e ai materiali ha segnato
la mia formazione. Da lui ho imparato a mantenere sempre
un atteggiamento critico”. Il rigore del progetto si fonde con
il gusto e le passioni dei padroni di casa. Pezzi vintage, come
le poltroncine di Tobia Scarpa o il tavolino di Paul Kjærholm,
convivono con mobili nordici di fattura artigianale mentre
le ceramiche danesi e giapponesi sono accostate ai ricordi di
viaggio e alle opere fotografiche contemporanee. “Ogni mobile
e ogni singolo oggetto raccontano una storia evocando un
momento della nostra vita. Primo fra tutti il libro di Cocteau
illustrato da Picasso acquistato all’asta. Il mio pezzo del cuore”. —
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“Con il suo modo di pensare, la sua attenzione al
dettaglio, alla luce e ai materiali, Pawson ha segnato la mia formazione.
Da lui ho imparato a mettermi sempre in discussione”
Danielle Siggerud
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Nella sala da pranzo, tavolo
scandinavo di Klassik,
Copenhagen, lampada a
sospensione di Louis Poulsen,
sedie vintage acquistate in
Italia. A parete, opera di Paco
Knoller. Pagina accanto, la
cucina su disegno con top in
marmo di Carrara e zona
pranzo con vista sul giardino.
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ELLE DECOR
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L’isola di Holmen, nel cuore
di Copenhagen, un tempo
la sede del cantiere navale
reale. Gli antichi magazzini
del Diciassettesimo secolo,
riconvertiti in residenze,
affacciano sul canale. Sulla riva
opposta, l’elegante architettura
del Teatro dell’Opera, icona
moderna della capitale danese.
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ELLE DECOR
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Il retro della casa di campagna
dove Piet Oudolf vive
con la moglie Anja dal 1982.
Insieme hanno creato un vivaiogiardino che è diventato il punto
di riferimento e l’ispirazione per
coloro che si dedicano al tema
del paesaggio. Tra le piante,
ci sono Vernonia noveboracensis,
Eupatorium maculatum
Riesenschirm, Coreopsis tripteris.
144
ELLE DECOR
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Nel giardino di Piet Oudolf,
landscape designer olandese
con la passione per le piante
perenni e spontanee.
Un luogo intimo e selvaggio
testo di Francesca Molteni — foto di Sabine Bungert/Living Inside
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Il fronte della casa con Taxus
baccata e siepi di Fagus sylvatica.
Il disegno geometrico caratterizza
i giardini degli Anni 80 di
Piet Oudolf, progressivamente
abbandonati per progettare una
natura spontanea idealizzata,
dove prevalgono piante perenni,
resistenti e a bassa manutenzione.
Pagina accanto, Piet insieme
alla moglie Anja, circondati da
selvagge specie botaniche.
146
ELLE DECOR
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“Il nostro vivaio? È forte e sano. Sostenibile
al tempo stesso, perché dura nel tempo:
un luogo dove stare da soli per stare meglio”
Piet Oudolf
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Angoli architettonici nel giardino
di Piet Oudolf. Sopra, tronchi
di albero per una pagoda
selvaggia con panchina:
un luogo dove raccogliersi
e perdersi nell’infinito. Accanto,
siepi di Fagus sylvatica
di forma organica. Nella pagina
accanto, cespugli dalle
dimensioni importanti, disegnati
come architetture nel verde,
sono spazi di contemplazione:
rifugi caratterizzanti.
Piante grasse e perenni, aceri
e querce sono le specie
scelte dal maestro per restituire
una spontaneità selvaggia
tutt’altro che estemporanea.
148
ELLE DECOR
Progetta emozioni, atmosfere, spazi di contemplazione. Ah sì, anche giardini.
Come l’Oudolf Garden, un nuovo, immenso parco pubblico che sta sorgendo sulla
Belle Isle a Detroit. Lo si deve a un gruppo di volontari, uniti dalla mission di
raccogliere 2,7 milioni di dollari per creare e mantenere in vita questo sogno:
“bringing people together around a new kind of garden”. Piet Oudolf può tutto, nutre
l’immaginario collettivo, oltre alle piante perenni, riesce a farci riflettere sul nostro
rapporto con il paesaggio e a generare azioni per riscoprire la natura, l’organico.
E pensare che tutto nasce lì, a Hummelo, un piccolo paese sperduto nelle regioni
orientali dei Paesi Bassi. Qui, da 35 anni, vive con sua moglie Anja e coltiva un
giardino privato, trasformatosi in una nursery. Curioso, ‘nursery’ in inglese vuol dire
asilo nido e stanza per i bambini, ma anche vivaio. Come quello di Piet: un laboratorio
vivente di 6.000 metri quadrati di piante erbacee e perenni, in passato aperto al
pubblico, ma oggi non più visitabile. “Le parti più disegnate e architettoniche risalgono
ai primi anni della nostra vita nella casa di Hummelo, una fattoria”, racconta, “e
funzionano ancora molto bene, seguono le traiettorie degli alberi e del paesaggio.
Mi serviva creare delle linee rette per avere maggiore tensione. Un disegno che ho
seguito anche in altri giardini privati negli Anni 80”. Ma poi qualcosa è cambiato,
tutto è diventato più organico, meno scultoreo. Un ambiente che si è trasformato con
l’approccio sempre più radicale di Oudolf al landscape design. Dopo i progetti che lo
hanno reso famoso in tutto il mondo – dalla High Line di New York al Lurie Garden del
Millennium Park a Chicago, fino alla Serpentine Gallery di Londra e alla Biennale
di Venezia –, oggi continua a disegnare giardini privati, ma soprattutto spazi per
la condivisione. “Per l’anno prossimo sto lavorando a un progetto importante,
il Maggie’s Centre al The Royal Marsden di Londra. Si tratta di un centro per i familiari
di persone malate di cancro, sostenuto dalla Fondazione intitolata a Maggie Jencks,
la moglie del critico e architetto del paesaggio Charles. Studi e ricerche hanno
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dimostrato che un ambiente verde, ben disegnato, può essere di grande sostegno
psicologico, perché ci fa sentire meno isolati e genera benessere. La ricerca è il mio
lavoro da 40 anni, e il mio modo di progettare è cambiato. Oggi abbiamo più
attenzione per il paesaggio, i giardini sono più focalizzati sulla natura selvatica, sulla
bellezza e i suoi mutamenti nel tempo, sulle necessità dell’ambiente, come gli insetti,
per esempio, che possono portare molti benefici”. Una natura, insomma, meno
addomesticata, meno romantica, in un certo senso, e meno plasmata dall’uomo.
Un’evoluzione visibile nel suo giardino di Hummelo, dove l’architettura del paesaggio
e del verde lascia sempre più spazio allo sviluppo armonico delle piante che durano
nel tempo, come racconta il bel documentario ‘Five Seasons: The Gardens of
Piet Oudolf’, diretto da Thomas Piper nel 2017 e dedicato al landscape designer più
influente degli ultimi cinquant’anni. Ma anche in quello che lui stesso definisce il suo
capolavoro, il giardino pubblico di 7.000 metri quadrati per la galleria d’arte Hauser
& Wirth Somerset, in Inghilterra. La sostenibilità, in fondo, è un tema che Oudolf ha
anticipato, in modo rivoluzionario e anticonvenzionale. “Noi cerchiamo di creare
qualcosa che, in un certo senso, influenzerà le persone, così che possano riconoscere
la necessità di luoghi dove stare da sole per stare meglio. E poi il nostro giardino
è sostenibile perché dura nel tempo, è forte e sano, così da non dover essere
ripiantumato ogni anno, come invece succede nelle grandi città. Lì gli spazi verdi sono
necessari, non solo per gli uomini, ma anche per le migrazioni degli uccelli. Nel parco
pubblico vediamo il trascorrere delle stagioni: un paesaggio vivente, sempre in
mutamento. È questa la sua bellezza”. Un grande maestro, Piet Oudolf, alla ricerca
di un equilibrio forse impossibile, tra uomo e natura, ma perennemente fedele ai suoi
ideali e a una certa idea di durata. “Mia moglie Anja? Ah sì, certo è parte integrante
della mia storia, ma in modo discreto, sullo sfondo. A casa, però, quando riceviamo
una telefonata, è lei a rispondere, non io”. — +elledecor.it
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ELLE DECOR
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ELLE DECOR
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Il giardino sul fronte della casa
è stato progettato dal landscape
designer olandese con piante
perenni: Origanum, Teucrium
hirsutum, Persicaria amplexicaulis
‘Firetail’, Patrinia monandra,
Lythrum species, Sporobolus
heterolepis, Deschampsia
cespitosa e Veronicastrum
‘Challenger’. Osservandolo
si ha l’impressione di essere
in un luogo magico.
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A Parigi, eclettismo e sperimentazione
nella casa di Jean-Christophe Aumas.
Un avamposto creativo per le vetrine che
progetta per le più note griffe di Francia
di Adel Fecih – foto di Karel Balas/Vega Mg/Milk
ha collaborato Flavia Giorgi
LIBERTÉ
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ELLE DECOR
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Modernariato e design
si fondono nell’abitazione
sulla rive droite, dove l’estro
di Jean-Christophe Aumas
compone scenografie sempre
nuove. Nello studio, scrivania
vintage, poltrona in metallo
di Warren Platner, Knoll, vaso
in ceramica di Caltagirone di
Giacomo Alessi. Pagina accanto,
il padrone di casa vicino
a una sedia di Carlo Scarpa
acquistata al marché aux
puces Paul Bert di Parigi.
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ELLE DECOR
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Oasi verde nel cuore della casa,
il giardino è la naturale
prosecuzione del soggiorno,
dove piante da interno e tappeto
in tinta dialogano con l’outdoor
attraverso superfici vetrate
che il proprietario ha ampliato
a piena parete. Protagonisti
del living, il divano di Vincenzo
De Cotiis, Progetto Domestico,
e la poltrona di Joe Colombo,
Kartell. Nell’angolo opposto,
elementi d’arredo in cemento
disegnati da Willy Guhl.
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Libertà è la parola d’ordine che risuona tra le stanze di questo
appartamento nel 9° arrondissement parigino. Ma non è égalité
l’eco di ritorno, perché la rivoluzione a cui si dedica il padrone
di casa marcia nella direzione opposta. Diversità e cambiamento
sono la cifra che distingue il modo di abitare di Jean-Christophe
Aumas, un’aspirazione all’unicità che confluisce anche nel suo
lavoro di art director. L’agenzia che ha fondato si chiama Singular
e il nome, non casuale, chiarisce l’intento. Quando è solo art
director di se stesso, Aumas si diverte a trasformare gli spazi privati
componendo e ricomponendo gli elementi d’arredo. Ma anche
sperimentando scenografie per le vetrine che progetta per grandi
store come Habitat e Galeries Lafayette o per le griffe internazionali
del lusso, tra moda, cosmetica e gioielleria. “Niente per me
è statico, tutto è in evoluzione. Posso svegliarmi la mattina
e decidere d’impulso di cambiare il colore di una parete o di
ribaltare la disposizione dei mobili in una camera”, ci racconta.
Se la dimensione del presente ha qui vita breve per lasciare posto
a quella, altrettanto transitoria, del futuro, il passato è la cornice
solida e autorevole che asseconda tutto senza mai mutare.
Sono gli alti soffitti decorati in gesso, i pavimenti in quercia,
le porte sormontate dai fregi, le magnifiche finestre dai vetri
piombati che illuminano gli interni con un caleidoscopio di colori,
a testimoniare la nobiltà di un palazzo d’epoca.
“Ho visitato per la prima volta l’appartamento due anni fa e sono
rimasto colpito dalla particolarità del suo carattere. Emana un
156
ELLE DECOR
fascino misterioso, avvolgente, che ti tiene sospeso in una sfera
spazio-temporale indefinibile”, ci svela. Opera d’architetto sapiente
o di abile mago (professione questa, si dice, esercitata da un antico
inquilino), l’atmosfera dell’edificio sulla rive droite incanta
il visitatore. “Non volevo perdere la magia del luogo snaturandone
l’identità. Mi sono limitato, dove possibile, a sostituire le vecchie
finestre con serramenti più grandi, in modo da creare flussi di luce
più importanti e dare così il giusto risalto agli elementi d’arredo.
Ho introdotto tocchi di colore, ma solo negli ambienti minori
e in alcuni dettagli”, spiega il padrone di casa. Sono i blu luminosi
che sottolineano il profilo di una mensola o il passaggio tra due
stanze, i verdi che danno risalto al vano del camino, sfondo inedito
per appendere un quadro, o che dipingono il total look di uno
scaffale con scrivania. Ma il verde più sorprendente è quello
del giardino, piccola oasi segreta che apre la casa alla luce
e alla natura attraverso una scenografica vetrata. Al di qua c’è
il soggiorno, tagliato in diagonale dai volumi scultorei del divano.
Intorno, qui e negli altri ambienti, design d’autore e pezzi storici
incontrano mobili vintage, opere d’arte e d’artigianato, ceramiche.
I marchés aux puces di Parigi sono un fertile terreno di caccia per
un curioso come Aumas. “La mia casa, per certi aspetti,
è un laboratorio. Mi piace scovare nuovi oggetti e improvvisare
allestimenti diversi”, dice. “Ma anche provare l’effetto scenico
di un prodotto che ho disegnato o che ho utilizzato in un contesto
estraneo”. La creatività non esclude il metodo. —
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In ogni angolo della casa,
forme e materiali compongono
il personale cabinet de
curiosités di Jean-Christophe
Aumas, tra oggetti, complementi
d’arredo, opere d’arte.
Qui sopra, sotto la finestra,
una originale postazione di
home office esplora le possibilità
del colore. A destra, uno scorcio
della cucina realizzata su misura
in Mdf. Con lo stesso materiale
il designer ha realizzato
gli archi che la separano
parzialmente dall’ingresso.
“Niente è statico. Posso svegliarmi una mattina
e decidere d’impulso di cambiare colore a una parete
o la posizione dei mobili in una stanza”
Jean-Christophe Aumas
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ELLE DECOR
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I volumi morbidi del divano
in pelle di Vincenzo De Cotiis
per Progetto Domestico tagliano
in diagonale il soggiorno con
camino d’epoca, personalizzato
dal proprietario con una
scelta cromatica a contrasto, in
sintonia con il verde che connota
l’ambiente. A destra, uno
specchio realizzato dal designer,
una lampada da terra Anni 50 e
un trittico di sgabelli in legno
provenienti dal mercatino di
brocante della Porte de Vanves.
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ELLE DECOR
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ELLE DECOR
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Gioielli d’epoca, le finestre
ad arco con vetrate policrome
illuminano di luce morbida
e cangiante gli interni, dalla
camera da letto alla sala
da pranzo. Epoche e stili
si confrontano liberamente
anche in questo ambiente
della casa, arredato con un
tavolo in legno, sedie in ottone
e lampadario in metallo,
un classico del design nordico.
Bello anche spento quando sul
tavolo, all’ora di cena,
a brillare sono solo le candele.
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Progetti d’interni fra creazioni d’artista, soluzioni
sartoriali, dettagli design e accessori decor
r
a cura di Tamara Bianchini e Murielle Bortolotto — testi di Piera Belloni
Hanno un fresco tocco creativo i tessuti proposti da Inouitoosh, brand francese che alla
collezione di accessori moda affianca una linea maison decorativa e fantasiosa. I pannelli
nella foto, evocativi di una rilassata atmosfera Anni 50, dove spicca l’omaggio alla lampada
Akari di Isamu Noguchi, sono in puro cotone, dipinti a mano ad acquerello grazie
alla collaborazione con l’artista Alma. Che li ha immaginati in 3 varianti di colore, delicate
ma di forte personalità. Ideali per tende o tovaglie, cm 100x190. inouitoosh.com
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ELLE DECOR
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INSIDE DESIGN/KITCHEN
Accessori ludici e idee per la cucina d’inverno.
Un forno hi-tech d’autore e un banco snack elegante
Il classico si reinventa. Dettagli preziosi e soluzioni funzionali
caratterizzano le cucine Artis di Marchi Cucine, una linea dal fascino
senza tempo che abbina materiali pregiati ed elementi di tecnologia
smart. Nella foto, il bancone/snack a isola in legno massello con top
e lavello in marmo, perfetto in ambienti tradizionali come in un moderno
open space. marchicucine.it
164
ELLE DECOR
Una forma semplice, quasi
un archetipo, disegna Panier
di Inga Sempé per Hay,
cestino multiuso in metallo.
Qui nella versione rotonda
di cm 22 di diametro, anche
ovale in 4 colori, e con diversi
motivi di traforatura. hay.dk
Musicale la caraffa Pan,
in ceramica con fischietto
incorporato nel manico.
Disegnata da Pierre
Charrié et Ça va faire du
bruit per Moustache,
esiste anche in rosa e in
azzurro. moustache.fr
Foto Studio Sempix - Mario Simon Lafleur
Hot decoration. Firmata
Octaevo la divertente
scatola di fiammiferi Janus,
ispirata alla divinità
dell’antica Roma.
In collezione anche Apollo.
octaevo.com
Colori inediti per il forno della collezione
Maris Free by Dror di Franke, sistema
cucina di grande carattere firmato
dall’americano Dror Benshetrit. In classe
A, con capienza 74 l per cucinare quattro
pietanze in contemporanea. franke.it
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INSIDE DESIGN/MATERIALI
Tecnologia e progetto al servizio del comfort: dalla placca
multicomando al gancio, alla luce Led e a quella firmata
Spirito fulmineo per
il gancio in ottone satinato
Bolt. Lo firma Keith Simpson
per la collezione Elemental
Hold di Fort Makers, giovane
brand americano fondato
da quattro artisti/designer
che propongono inoltre
gioielli e abbigliamento.
Anche in versione maniglia.
fortmakers.com
Estetica in primo piano
per le placche Eikon
Tactil di Vimar, dispositivi
di comando per
l’illuminazione e gli
automatismi di casa con
cuore di alta tecnologia.
Realizzati in cristallo
con sensore proximity
dei comandi, sono dotati
di retroilluminazione
personalizzabile grazie
a Led RGB. In 4 colori,
in foto bianco
e nero, quadrati o
rettangolari. vimar.com
Evoca le linee classiche delle lampadine a incandescenza
Globe di Tala, a Led con 8 filamenti che creano una luce
calda e forte. Disponibile con attacco E27 o a baionetta,
è bella inserita in un paralume o lasciata a vista, come elemento
decorativo luminoso. tala.co.uk
Poetica jap. Si chiama Gaku,
cornice in giapponese, la lampada
di Nendo per Flos. Luce e non solo:
nella versione a parete l’esile
frame in frassino regge la fonte
luminosa, mentre in quella wireless
l’elemento illuminante poggia su
una piastra di ricarica a induzione
per poi essere spostato dove serve.
E ci sono anche gli accessori: vasi,
specchi e fermalibri. flos.com
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INSIDE DESIGN/PROGETTI
Un tappeto super grafico, da scegliere come da catalogo
o custom made, per esplorare la propria creatività
Motivi geometrici e un mix
calibrato di colori disegnano
Archè, il tappeto di Besana
Moquette qui in versione
cm 200x300. Come molti
altri presenti nelle collezioni
del brand, è un prodotto
che si può realizzare su misura:
l’azienda, che fa del tailored
il suo punto di forza, crea
moquette, passatoie e tappeti
in filati naturali e anallergici,
in tantissime tonalità e in ogni
dimensione, accostando
forme e spessori diversi.
besanamoquette.com
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INSIDE DESIGN/WELLNESS
Riposare nel silenzio.
Al risveglio, lo scroscio dell’acqua
dentro una doccia-foresta
e l’abbraccio di asciugamani
caldi. Under app control
Il sonno perfetto. Piccoli e compatti
gli auricolari per la notte Noise-masking
Sleepbuds (TM) di Bose sono in grado
di filtrare rumori molesti, dal traffico
al partner che russa, e di trasformarli
in suoni rilassanti. Da completare
con app per controllare le preferenze
e funzione sveglia, € 269,95. bose.it
Il classico motivo
dell’acanto decora il
rivestimento in grandi lastre
di grès porcellanato Decor
Slabs di Devon&Devon.
Nella foto, la versione
Painted Blue (disponibile
in altre 5 varianti),
con soffione MARC318CR.
Stampa digitale su lastra,
misura cm 120x240.
devon-devon.com
Si accende con un
semplice tocco e si spegne
da solo Ecodry di Arblu,
collezione Livingstone®,
scaldasalviette hi-tech
dal design contenuto.
Adatto a ogni ambiente
grazie alle diverse finiture,
si collega inoltre allo
smartphone grazie all’app
dedicata per un controllo
da remoto. arblu.com
Forme pure e precise per la bacinella ovale da appoggio sovrapiano
della linea Luv di Duravit, firmata dalla designer Cecilie Manz.
In due dimensioni, cm 60/80x40, è realizzata in DuraCeram®, materiale
che permette di ottenere bordi estremamente sottili, bianco lucido
o in toni satinati: bianco, grigio, sabbia. duravit.it
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INSIDE DESIGN/PROGETTI
Riciclo quotidiano all’insegna di una filosofia green
che fa bene a noi e all’ambiente che ci circonda
Rispetto per un bene fondamentale come l’acqua. Questa la riflessione che
ha ispirato il designer e architetto Lorenzo Damiani per il concept Doppio pensiero.
Un lavamani-installazione che permette il riuso dell’acqua in eccesso durante
il giorno. Realizzato con marmo palissandro del Gruppo Tosco Marmi e prodotto
da Gmm, ha una forma a imbuto che convoglia il liquido facendolo cadere
in un contenitore a pavimento. Il vassoio posto a terra, oltre a far defluire l’acqua,
può ospitare una serie di vasi in vetro per irrigare l’orto o annaffiare le piante
aromatiche preferite. Presentato a Marmomac, all’interno della mostra Liquido,
Solido, Litico. Think green. lorenzodamiani.net, gruppotoscomarmi.com
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n.b.
Febbraio — Mostre, fiere,
appuntamenti e vernissage. Il meglio
dell’arte contemporanea e dei nuovi
linguaggi, in Italia e nel mondo
Foto Hasegawa Kenta, courtesy Mori Art Museum
a cura di Piera Belloni
Il primo meeting 2019 per art lovers
in Italia è Arte Fiera, a Bologna
dall’1 al 4/2. Con 142 espositori
(in foto, Leandro Erlich, ‘Cloud Japan’, 2016, Galleria
Continua) dal moderno al
contemporaneo, nelle sezioni Main,
Fotografia e Immagini in movimento.
BolognaFiere, artefiera.it
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N.B. FEBBRAIO
Fiona Tan, ‘Nellie’, videoinstallazione, 2013
Courtesy Fiona Tan e Frith Street Gallery, London - Foto © Ben Blackall, courtesy of the Lowry – foto Robert Venturi, © Venturi Scott Brown and
Associates, courtesy by Museum im Bellpark Kriens from the ‘Las Vegas Studio’, project curated by Hilar Stadler and Martino Stierli
Katie Paterson, ‘Totality’, 2016
Tessuti per interpretare il mondo a Tilburg (NL) —
Il TextielMuseum ha invitato una serie di artisti che utilizzano
le opere tessili come potente strumento per raccontare storie
di carattere politico e sociale in ‘Cultural Threads’ (in foto,
una videoinstallazione di Fiona Tan), una mostra sulla ricerca
delle proprie identità e tradizioni in un mondo globalizzato,
aperta fino al 12/5, textielmuseum.nl/en Progetti cosmici
a Margate (UK) — Inaugurata il 26/1 presso Turner
Contemporary, a pochi chilometri da Londra, ‘A place that
exists only in moonlight’ riunisce quasi tutte le opere esistenti
dell’artista scozzese Katie Paterson, insieme a lavori
di JMW Turner. Paterson, che ha lavorato insieme alla
la NASA per ricreare in un artwork l’odore di Titano
(una delle lune di Saturno), ha realizzato nuovi progetti ad hoc
e in primavera coinvolgerà il pubblico in ‘First There
is a Mountain’, interventi lungo le coste inglesi compreso
il litorale sul quale si affaccia la stessa galleria. Fino al 6/5,
turnercontemporary.org On the road a Roma — Al museo
MAXXI fino al 28/4 ‘La strada. Dove si crea il mondo’
coinvolge 140 autori in un progetto di riflessione su un tema
di stretta attualità: il luogo pubblico che diventa laboratorio
di discussione, creazione, conoscenza, e anche ispirazione
per artisti e architetti. Presenti fra gli altri Cao Fei,
Flavio Favelli, Allora & Calzadilla, Patrick Tuttofuoco, Kimsooja,
Venturi, Scott Brown & Associates (in foto), maxxi.art
Gli Anni 80 a Milano — Rievoca una stagione unica ‘Reality
80’, alla Galleria Creval Gruppo Credito Valtellinese fino al
23/2. Un decennio di effetti speciali, come recita il sottotitolo,
raccontato da un intreccio di testimonianze, a partire
dal celebre manifesto della Milano da bere dell’Amaro
Ramazzotti, unito alle opere di artisti operanti in città,
lavori grafici e di design Postmodern, comics magazine come
‘Frigidaire’ e ‘Alter Alter’ e scatti di Gabriele Basilico
(in foto), Maria Mulas, Occhiomagico, fra gli altri. creval.it
Venturi Scott Brown & Ass., ‘The Strip seen from the desert, with
Denise Scott Brown in the foreground’, Las Vegas 1966
Gabriele Basilico, ‘Milano’, 1989
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75 Supernatural. 78 Design stories. 86 A city on the up. 92 Milan à la
carte. 100 Bauhaus walk. 112 New York in progress. 124 Private oasis.
134 My minimal. 144 Wild beauty. 152 Liberté. NEXT 2019
179
ELLE DECOR
РЕЛИЗ ПОДГОТОВИЛА ГРУППА "What's News" VK.COM/WSNWS
CONTENTS OF THE ISSUE
p. 29
ELLE DECOR LIKES
by Bianca Scotto, Gloria Mattioni,
Francesca Benedetto,
Tamara Bianchini,
Murielle Bortolotto
New vibrations for 2019,
wallpapers and textiles
that define style. With their
strong character and
inspired by faraway lands,
from East to West
Rem Koolhaas interprets in
Denver Christian Dior’s style;
Modernist week in the hills of
Palm Springs; Elegance, rigor
and humanity in the last book
by Van Duysen; Like a
molecular system the last
project by Mahdavi; In Paris
an artsy steakhouse between
Art Nouveau and design
Sponges, fungi and bacteria:
2019 is the year that marks
the passage to the organism
era. Starting now,
fabrics and products will be
cultivated
p. 38
GLAMPING SEASON
p. 78
DESIGN STORIES
by Valentina Raggi
words by Eve Frame
photos by Alberto Strada
Not the latest fitness course
or a new kind of social
network: it’s a neologism
formed from the words
camping and glamour.
A trend that appeals to
architects and designers
p. 60
FUTURE PATTERNS
by Tamara Bianchini,
Murielle Bortolotto, Candida Zanelli
photos by Federico Cedrone
p. 75
SUPERNATURAL
by Paola Carimati
Milan. A residence in a 19th
century building has turned
into The Apartment,
with the restyling by
Elle Decor for Airbnb Plus.
The ultimate frontier
in hospitality has arrived
p. 86
A CITY ON THE UP
text by Porzia Bergamasco
photos by Sam Siew Shien
Keeping the balance between
private life and social
relationships. The new trend
from the East, also featured in
the latest design by the
Antonio Citterio Patricia Viel
studio in Taiwan. A vertical
town that brings the
characteristics of Milanese
architecture to the Orient
by Gloria Mattioni
photos by Giorgio Possenti
p. 92
MILAN À LA CARTE
p. 134
MY MINIMAL
by Francesca Benedetto
and Paola Carimati
words by Francesca Benedetto
photos by Line Klein/Living Inside
From Brera to Piazza Scala
to CityLife: the new
“It” places for the most
demanding palates.
Where food nurtures
relationships and bridges
cultures with discreet,
confident Milanese style
In the Copenhagen home of
Danielle Siggerud,
the Norwegian designer
and student of John Pawson.
A personal combination
of Nordic rigour, restoration
of the past and poetry
p. 100
BAUHAUS WALK
by Dorothea Sundergeld
words by Sebastiano Brandolini
photos by Thomas Rusch
To celebrate its 100 year
anniversary, an exclusive
itinerary revisits the places
and history of a German
school that set the foundation
for modern architecture
p. 112
NEW YORK IN PROGRESS
by Rosaria Zucconi
photos by Luca Rotondo
In his loft in Tribeca,
architect Massimiliano
Locatelli tastefully exploits
the versatility of
an intrinsically
non-conventional space
with 100% Italian flair
Liberté — p.152
180
ELLE DECOR
p. 124
PRIVATE OASIS
In the heart of Palm Springs,
the villa designed for a
Hollywood star in the 1960s
returns to the scene
with a restyling by Marmol &
Radziner that respects privacy
and nature
p. 144
WILD BEAUTY
words by Francesca Molteni
photos by Sabine Bungert/Living
Inside
In the garden of Piet Oudolf,
Dutch landscape designer
with a passion for perennial
and spontaneous plants.
An intimate and wild place
p. 152
LIBERTÈ
by Adel Fecih – photos by
Karel Balas/Vega Mg/Milk
with the collaboration of
Flavia Giorgi
In Paris, an eclectic,
experimental approach to
design in the home
of Jean-Christophe Aumas.
A creative outpost
for the windows he designs
for France’s biggest designer
brands
NEXT 2019
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ENGLISH TEXT
Glamping season — p. 38
by Valentina Raggi
No, it isn’t the latest fitness course or a new kind
of social network: it’s a trend that also appeals
to architects, designers, artists...
‘Glamping’ is the new wave. It means immersing yourself in
nature, in exclusive locations, with all the comforts of a top class
hotel. A blend of the words camping and glamour, banishing the
discomforts, however bucolic, of traditional camping in favour of
a new type of holiday. The phenomenon is meeting the desire for
unspoilt countryside, alternative destinations to mass tourism sites,
and hyper-communication detox. While architects are designing
deluxe huts in isolated places, designers are exploiting
the new technologies to create functioning and functional objects
everywhere. From global architecture to the world of the product,
we are seeing a strong return to rural materials and forms.
Art design is going back to handcrafted products, while product
design is developing portable wireless lamps, digital cameras
and decorated sleeping bags among the many must-have
new accessories.
Supernatural — p. 75
by Paola Carimati
Sponges, fungi and bacteria: 2019 is the year that marks
the passage to the organism era. Fabrics and products will
no longer be manufactured, they will be cultivated
What ten years ago was pure intellectual speculation,
today is reality. And Suzanne Lee, Chief Creative Officer
of Modern Meadow is here to show us just how.
Established five years ago, the American brand she heads has
focused on the relationship between design and science to
produce biologically advanced materials which are totally
sustainable for the planet. In the company’s laboratories in Nutley,
New Jersey, microbial organisms such as yeasts and proteins
produce a type of animal-free collagen: a new generation
material, similar to skin, with zero environmental impact. “An
experimental production that fascinates fashion system groups like
Lvmh and Kerings and brands like Michael Kors, but also Adidas
and Nike, with increasing numbers of customers looking for beauty
that lies in what is good”, Lee explains.
Design stories — p. 78
words by Eve Frame — photos by Alberto Strada
Milan. A residence in a 19th century building has turned into
The Apartment, with restyling by Elle Decor for Airbnb Plus.
The ultimate frontier in hospitality has arrived
We’re in the heart of Milan, on the second floor of a late 19th
century building. This is where The Apartment has come to life, a
tailor-made project from a collaboration between the magazine
and the well-known accommodation website. Created for the
occasion of the Italian launch of Airbnb Plus, the initiative
presented from 30/11 to 3/12 offered our own interpretation of
the premium category that covers homes of great character. In
order to communicate the idea, Airbnb chose Elle Decor Italia,
which has always promoted and supported the value of interior
design. A series of events were organised for the presentation of
the Apartment, involving personalities from the world of design,
architects, food bloggers, design students and the Elle Decor
editorial teamt.
A city on the up — p. 86
text by Porzia Bergamasco — photos by Sam Siew Shien
The new trend from the East, also featured in the latest design
by the Antonio Citterio Patricia Viel studio in Taiwan.
The frenetic pace at which Asia is built is something that causes
many to turn up their noses. But behind the supercities which are
springing up vertically, a new design model is now emerging,
based on “the change in the type of residential structures and a
focus on first class urban design”. Or so says Antonio Citterio,
who with Patricia Viel has long worked on designs for residential
tower blocks in the East, including the one just completed in
Taichung, Taiwan. Its name is Treasure Garden: not just a
reference to the fine tower itself, but also to the booty laid out at
its foot. Sophisticated, elegant, comfortable common spaces
made with fine materials and full of stylish furniture, designed to
establish a direct relationship with the street and the city. In
perfect harmony of forms and contents, and in sync with a
deep-rooted feeling of community where citizens can rediscover
the quality of life on a human scale.
Milan à la carte — p. 92
by Francesca Benedetto and Paola Carimati
From Brera to Piazza Scala to CityLife: the new “It” places for
the most demanding palates. Where food nurtures
relationships and bridges cultures with Milanese style
Cocktail bars, cafés, gourmet restaurants and wine bars are the new
cult: versatile, functional venues in which to sit back, enjoy a drink
and experience the changing designs of our modern-day
interactions. Today Milan is acclaimed as the nation’s most liveable
city, largely thanks to its community of creative minds, who are free
to hatch and try out new ideas. Reflected in the Peck CityLife, project
by Vudafieri-Saverino Partners: 300 square metres that tower over
Piazza Tre Torri featuring floors in materials that resemble the
historical Milanese stone, and other references that pay tribute to the
elegance and hard work shared by Peck and the city. The Caffè
Fernanda in the Pinacoteca di Brera, by Raffaele Azzarelli and
Giuliano Iamele’s RGAstudio also links tradition and fine food, as
does the nearby Vòce di Aimo e Nadia, located in piazza Scala.
Everything is based on the synergy between the existing architecture
and what’s inside, creating striking impacts that leave resounding
impressions on palate and soul alike.
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ELLE DECOR
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Bauhaus walk — p. 100
by Dorothea Sundergeld — photos by Thomas Rusch
words by Sebastiano Brandolini
To celebrate its 100 year anniversary, an exclusive itinerary
revisits the German school that founded modern architecture
Bauhaus was a small school of architecture, design and applied
arts, briefly active between the two World Wars. Today it is
turning 100, and its historical locations are being revisited, this
time from a new perspective. Bauhaus has now become “history”
and, paradoxically, this might just explain why it is back in vogue.
The revolutionary teaching styles and charisma of its three
architect directors were crucial to its success. It then triggered
extraordinary phenomena of pollination by becoming an
International Style; but by then, not only did Bauhaus no longer
exist, but it was also stuck in the crossfire of the new generations.
New York in progress — p. 112
by Rosaria Zucconi — photos by Luca Rotondo
In his loft in Tribeca, architect Massimiliano Locatelli tastefully
exploits the versatility of an intrinsically non-conventional
space with 100% Italian flair
This year, Massimiliano Locatelli will visit New York more often to
enjoy his loft in Tribeca. “I immediately fell in love with the space,
which was then used as an office. In New York, I see my friends
and absorb new energies.” In the city that looks to the future the
architect is now exploring the fashion world, by creating a pop-up
space in SoHo using 3D printing. A project in line with the city’s
personality and the spirit of an iconic Italian brand.
Palm Springs — p. 124
by Gloria Mattioni — photos by Giorgio Possenti
The villa designed for a Hollywood star in the 1960s returns
to the scene with a restyling by Marmol Radziner that respects
privacy and nature
Concrete, steel, wood and glass: the emblematic materials of
modernist Californian architects who defined the great shift
in ‘mid-century’ style between the 1950s and ‘60s. These are
featured in Harvey House in Palm Springs, completed in 1969
and inhabited for only a few years by actor Laurence Harvey,
who died prematurely in 1973. Five years ago, the residence was
bought by entrepreneurs Rea Laccone and Paul Perla who
entrusted the Los Angeles studio Marmol Radziner for the
renovation. Spaces were opened to allow light to penetrate and
meticulous attention was paid to materials.
My minimal — p. 134
words by Francesca Benedetto — photos by Line Klein/Living Inside
In the Copenhagen home of Danielle Siggerud, John Pawson’s
182
ELLE DECOR
pupil. A combination of Nordic rigour and poetry
“The amazing light in this space won me over straightaway.
The play of shadows creates an intimate and serene atmosphere
throughout the house.” That is how Norwegian designer Danielle
Siggerud, born in 1988, with a studio in Copenhagen, begins to
describe her home on the island of Holmen. It is a four-storey
townhouse in a 17th century building in exposed brick, once a
warehouse for the royal navy shipyard. Vintage pieces, such as
the Tobia Scarpa chairs or the Paul Kjearholm table live side-byside with Nordic handcrafted furniture while the Danish and
Japanese ceramics are combined with souvenirs from their travels
and contemporary photographic works.
Wild beauty — p. 144
words by Francesca Molteni — photos by Sabine Bungert/Living Inside
with the collaboration of Flavia Giorgi
In the garden of Piet Oudolf, well-known Dutch landscape
designer with a passion for plants that are spontaneous and
evergreen. A special look inside an intimate and wild place.
Piet Oudolf designs emotions, atmospheres and spaces for
meditation. It all began in Hummelo, a tiny remote Dutch village
where he turned a private garden into a living workshop of
6,000 square metres hosting grassy areas and evergreens.
“The sections with a more rigid design and architectural
layout date back to the earlier years of our life in the house
in Hummelo and they still work very well, following the lines
of the trees and the landscape.” But then something changed,
and everything became more organic, less sculptural.
In short, a version of nature that is not as tame and romantic,
and less shaped by man. A grand master in pursuit
of a balance between man and nature that might be impossible
to achieve, but eternally faithful to his own ideals and
the concept that some things are made to last.
Liberté — p. 152
by Adel Fecih — photos by Karel Balas/Vega Mg/Milk
with the collaboration of Flavia Giorgi
In Paris, in the home of Jean-Christophe Aumas. A creative outpost
for the windows he designs for France’s biggest designer brands
Liberté is the keyword that rings through the rooms of this Parisian
apartment in the 9th arrondissement. But the echo that returns is not
égalité because the revolution pursued by the master of the house
marches in the opposite direction. Diversity and change are the two
distinguishing elements of Jean-Christophe Aumas’ living style.
“For me nothing is ever static, everything continuously evolves”,
he tells us. The atmosphere of this building on the rive droite,
with its distinctive colours, charms the visitor. Inside there is clear
proof that the city’s marchés aux puces provide Aumas with a fertile
hunting ground. “In some ways, my home is a workshop. I like
uncovering new objects and inventing new decorative scenarios”,
he says. Creativity does not exclude method.
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Magazine
internazionale
di design e
tendenze
arredamento
e stili di vita
architettura
e arte
English text
NEX T 2019
DESIGN/
DECORAZIONE/
LUOGHI/
TENDENZE/
LIFESTYLE/
IL MEGLIO
DELL’ANNO IN
ANTEPRIMA
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2019
[NEXT. Il design che verrà]
La nostra guida agli highlight dell’anno. Alla scoperta di luoghi che spalancheranno
per la prima volta le porte al pubblico, anniversari da festeggiare e visioni
da trasformare in realtà. Un racconto giocato a colpi di immagini, riflessioni e interviste
che presentano personaggi da seguire, anteprime da non perdere, spazi da vivere
o da sognare, negli abissi del mare e nelle profondità dell’universo, oltre Marte.
Pagina dopo pagina curiosità, voglia di nuovo e ironia ci accompagnano
alla ricerca di una bellezza intima o ribelle, che promuove invenzioni ed eccellenze
creative in erba, veste e colora di humor interni e persone. All’insegna di una
trasversalità culturale e generazionale che include nel rispetto dell’ambiente.
Quello che suggeriamo è un viaggio attraverso discipline e linguaggi per immaginare
nuovi modi di abitare e vivere lo spazio. Moda e decorazione, cibo e arte, architettura,
storia e design. Alla ricerca di territori di confine dove raccogliersi e sentire
con il cuore e con il naso. Perché oggi più che mai è tempo di emozioni.
English text a pag. 43
Approfondimenti su elledecor.it
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NEW MODERNISM
Styling Alberto Artesani e Frederik De Wachter/DWA Design Studio, foto Tommaso Sartori
Pezzi di elegante semplicità e flash di colore
a tema grafico danno vita a un mood tra
industriale e domestico, con citazioni moderniste
in versione reloaded. Un’unica linea continua
disegna la Newson Aluminum Chair
di Knoll, ideata da Marc Newson in aperto
omaggio a Mies van der Rohe (knoll-int.com).
Accanto, lo specchio con luce Led inclusa Ecco
di Barber & Osgerby per Glas Italia
(glasitalia.com), riflette un solido rivestito
con lastre Silipol b&w di DWA Design Studio
per Mariotti Fulget (mariotti-spa.com).
La lampada al centro simile a un proiettore,
con due cilindri indipendenti in alluminio,
è Sawaru di Nendo per Flos (flos.com),
il tavolino in cristallo e acciaio è Floyd-Hi Table
di Piero Lissoni per Living Divani (livingdivani.it).
Pareti dipinte con Alphamat SF di Sikkens,
colore E4 .05.55 (sikkens.it), pannello a piastrelle
Diarama Mix Black Chroma di Hella Jongerius
per Mutina (mutina.it). A terra piastrelle
Concreto di Lea Ceramiche (ceramichelea.it),
controsoffitto grigliato di PPP (ppp.it). P.B.
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ELLE DECOR
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NEXT 2019
UN FIORE NEL DESERTO
Foto Iwan Baan
Dopo il Louvre di Abu Dhabi, è ancora
l’archistar francese Jean Nouvel a firmare una
nuova operazione di ‘marketing territoriale’
nel Golfo Persico. È il Qatar National Museum
a Doha, la cui inaugurazione è annunciata per
il 28 marzo, a meno di un anno dall’apertura
della Qatar National Library disegnata
da OMA. Un progetto simbolico, in cui arte e
architettura sono chiamate a raccontare l’identità
di una nazione, attraverso un costante confronto
fra passato e futuro. A partire dal percorso
espositivo, che immerge il visitatore nella storia
del Qatar tramite tecniche e linguaggi innovativi,
fino alla strabiliante forma architettonica
dell’edificio: grazie alle nuove tecnologie
dell’acciaio, del vetro e della fibra di cemento,
riproduce le configurazioni a incastro dei petali
della rosa del deserto. Il museo sorge attorno
al palazzo dello sceicco Abdullah bin Jassim
Al Thani, un luogo-simbolo della storia del Qatar,
e oggi porta di accesso alla città per chi arriva
dall’aeroporto. Come il museo, un crocevia fra
epoche diverse. jeannouvel.com, qm.org.qa B.S.
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TUTTI I COLORI DEL BAUHAUS
Foto Thomas Rusch
Festeggia cent’anni la scuola di architettura
fondata nel 1919 a Weimar attiva
per soli 14 anni. L’esperienza del Bauhaus
(vedi itinerario a pag. 100) si concluse infatti
per mano dei nazionalsocialisti nel 1933 a Berlino,
dopo il trasferimento da Dessau. Qui, tra il 1925
e il 1926, il direttore Walter Gropius costruì
le quattro Case dei maestri. Tra gli ospiti illustri,
artisti e architetti tra i quali László Moholy-Nagy,
Oskar Schlemmer, Vasilij Kandinskij
e Paul Klee. Se gli arredi originali sono andati
perduti e la stessa casa di Gropius distrutta, salve
(e sempre attuali) sono le scelte cromatiche che
connotavano gli ambienti. Una tavolozza che vibra
dal rosa salmone al verde salvia, registra due toni
di grigio e viene accesa dal rosso primario
del corrimano. Ai maestri, infatti, era stata offerta
la possibilità di personalizzare gli interni con
il colore, spesso a contrasto con il bianco assoluto
degli esterni, interrotto dal nero degli infissi.
Klee e Kandinskij, fedeli al loro spirito artistico,
sperimentarono soluzioni contraddistinte
da toni molto vivaci. bauhaus-dessau.de L.M.
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ELLE DECOR
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GENIO RIBELLE
Caccia Dominioni
e melagrane nella nuova
collezione del designer
austriaco. Si definisce stilista
di nicchia, ma da Milano
sta conquistando il mondo
Arthur Arbesser
Ritratto Giovanni Gastel
Il sorriso e i pattern di Arthur Arbesser
colpiscono. Due punti attorno cui disegna la sua
felice personalità. Nato a Vienna 36 anni fa,
studi alla Central Saint Martins di Londra,
gavetta da Armani, un giorno decide che
è il momento di provarci da solo. Il suo omonimo
brand, creato 5 anni fa, è subito tracciante
per le grafiche cromatiche e i volumi femminili.
Arthur è odierno Sturm und Drang, va dritto per
la sua strada con necessità e passione creativa,
fregandosene anche un po’ della moda, per
restare fedele a se stesso. Lega i suoi heritage
austriaco e côté internazionale in una ribellione
al mainstream colta e gentile, romantica
e geometrica. Il tempo scorre velocissimamente:
premi e attenzione internazionale, incontri
fortunati e nuove sfide. Fay lo chiama come
creative director per dare un twist alla classicità
del marchio e il brand scandinavo di design Hem
per disegnare tessuti e tappeti. Arthur passa
con nonchalance da una capsule per OVS
ai costumi del concerto di capodanno di Vienna
(prima di lui realizzati da nomi come Valentino
e Vivienne Westwood). Non ha paura
di mescolare campi creativi o contesti. “Siamo
cinque persone, credo non avremo mai numeri
alti ma così posso davvero fare qualcosa
di personale, altrimenti non avrei una ragione
d’essere in questo settore”. Il marchio
è di nicchia ma attira in prima fila alle passerelle
i direttori delle maggiori testate, da Vogue
al New York Times. Se la collezione precedente
prendeva ispirazione dal mondo della ceramica
e dalla figura della scultrice surrealista Vally
Wieselthier, per la A/I 2019-2020, che sfila
questo mese: “Ho preso come spunto il nostro
studio, in un’architettura di Caccia Dominioni in
piazza Sant’Ambrogio. I suoi dettagli, i colori,
le maniglie, i pavimenti. Mescolati a grafiche del
mio frutto preferito, la melagrana”, ci racconta.
Tessuti italiani, ma anche austriaci, come quelli
di Backhausen, manifattura che forniva tessili per
gli arredi di Hoffmann e Moser, e con cui Arthur
collabora. “Il 2019 sarà intenso. Sto lavorando
ai costumi di una grande produzione di Der
Rosenkavalier di Strauss per il teatro Staatsoper
Unter den Linden di Berlino, nel 2020. Sono
emozionato e onorato. Quando guardo i miei
abiti animati dalla danza dei ballerini mi dico,
wow, ho bisogno di questo, di creare, pazienza
il resto”. arthurarbesser.com V.R.
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ELLE DECOR
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UNA NOTTE A TUTTA BIRRA
Rappresentare l’identità del luogo è l’ultima
ambizione dell’hôtellerie. Lo dimostra anche
il futuro boutique hotel Ottilia a Copenhagen,
4 stelle lusso del gruppo Brøchner Hotels,
che ha voluto incarnare lo spirito della capitale
danese subentrando in uno spazio storico:
l’antico birrificio della Carlsberg, in una delle
aree più iconiche della città. Ancora una
sperimentazione in tema di riutilizzo di strutture
esistenti. “Rispettiamo la storia dell’edificio
per renderla parte del design dell’hotel”,
dichiara Karim Nielsen, amministratore delegato
dei Brøchner Hotels. “I silos per i cereali
e le costruzioni industriali diventano così elementi
integranti dell’albergo, ne riflettono il passato
e la vocazione attuale”. All’interno delle camere,
emblematiche le finestre tonde, che riecheggiano
i 64 cerchi dorati della facciata dell’ex birrificio:
oltre che aperture, sono pensate come spazi
in cui rilassarsi e da cui guardare il panorama.
Ma l’esperienza da non perdere è una notte
nelle suite, ospitate nella torre dell’antico silo.
brochner-hotels.com/hotel-ottilia B.S.
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ELLE DECOR
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ESTETICA SOCIAL
Artista, architetto, interior decorator,
designer. Harry Nuriev è un trentenne russo
che sta conquistando la platea con i suoi progetti
‘Instagram friendly’. Intense campiture di colore,
oggetti scultorei e set dai contorni così definiti
da sembrare installazioni sono la sua cifra
linguistica. Perfetto esponente della digital age,
ha dalla sua un insolito sincretismo tra Occidente
e Oriente: dopo aver mosso i primi passi
come progettista negli uffici governativi
del Moscow Parks & Recreation Department,
si è messo in proprio fondando Crosby Studios,
con sede a Mosca e a New York. Nuriev vanta
collaborazioni nei settori più disparati, da Nike
al Gorky Park. All’ultima fiera Design Miami
la sua installazione ‘The Office’ per Balenciaga
si dice sia stata la più condivisa sui social,
ça va sans dire. Nel 2019 sentiremo
parlare di lui per diversi progetti, tra cui
il ristorante Gruzinsky a Mosca, la caffetteria
concept store EatMe x MilkMe a Chicago
e un appartamento a New York (in foto).
crosby-studios.com V.R.
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QUOTE ROSA
Styling Alberto Artesani e Frederik De Wachter/DWA Design Studio, foto Tommaso Sartori
L’ufficio al femminile? Elle Decor lo vede
così, uno spazio morbido e senza spigoli.
Con la scrivania Trust versione Iconic
in legno con dettagli in cuoio di Poltrona Frau,
design Lievore - Altherr - Park (poltronafrau.
com), una sedia Club 44 in rovere di Angelo
Mangiarotti per Agapecasa (agapecasa.it)
e una luce Dorval 01 di Lambert & Fils
(lambertetfils.com). La poltrona per ospitare
i clienti è Taiki di Chiara Andreatti per Lema
(lemamobili.com), tenda in voile con
impunture Formoza di Vescom (vescom.com).
Sul desk, vaso Algas di Patricia Urquiola per
Budri (budri.com), computer HP ZBook Studio
x360 (hp.com), cover in cuoio Valextra
(valextra.com), penna e portamine Neri
di Giulio Iacchetti per Internoitaliano
(internoitaliano.com), sfera di Crazy Art
(crazyart-milano.com). Pareti dipinte
con idropittura Alphamat SF di Sikkens, colore
C4 .40.50 (sikkens.it). Sul pavimento a piastrelle
Concreto di Lea Ceramiche (ceramichelea.it),
il tappeto Trasparenze di Amini (amini.it). P.B.
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ITALIA’S GOT TALENT
È l’architettura italiana a ispirare il lavoro
di Ilaria Bianchi e Domenico Orefice. Lo si evince
dalla geometria chiara e inequivocabile
di ‘I can’t believe it’s not stone’, la panca con
seduta in polistirene dalmatato e piedi in legno
laccato rosso, e delle librerie in noce ‘Mulini’.
Entrambi gli oggetti ricordano porzioni di edifici
storici e macchine progettate da Leonardo
in epoca sforzesca. Una laurea in Disegno
industriale a Torino (lei), a Milano (lui),
e una passione per la street art, affrontano
il tema del design rigorosamente in edizione
limitata. La loro produzione migra dal mondo
della sperimentazione — di simboli e materiali
(spesso di riuso) — alle gallerie. Ilaria,
una collaborazione con DimoreStudio,
vede tra i committenti Swing Design Gallery
e Palazzo Monti, mentre Domenico, il marchio
Man de Milan (un omaggio dichiarato
alla sua città, Milano), e un passaggio
a giugno a Edit Napoli, la prima edizione
della fiera dedicata al design editoriale.
ilabianchi.com, dostudio.org P.C.
Ilaria Bianchi
Ritratto Giovanni Gastel
Domenico Orefice
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IN FONDO AL MAR
© MIR and Snøhetta
A Lindesnes, semisommersi dalle acque
gelide del Mare del Nord norvegese, gli ospiti
del ristorante Under pranzano a 5 metri e mezzo
sotto la superficie marina, con vista impagabile
sui fondali grazie a una finestra panoramica
di 11 metri per 3,5. Il progetto è di Snøhetta,
lo studio di architettura, landscape e design
di interni che in passato si è già cimentato con
edifici a filo d’acqua (la New National Opera
House di Oslo e la Bibliotheca Alexandrina sulla
costa egiziana del Mediterraneo). Under è stato
concepito come un periscopio in cemento grezzo
a forma di parallelepipedo, con un’estremità
che poggia su una passerella collegata alla riva
e la parte restante che s’immerge e tocca il fondo.
”Sarà il più grande ristorante subacqueo al
mondo”, dice Arne Marthinsen, project manager
del SubMar Group, gruppo responsabile
dei calcoli di resistenza alle onde oltre che
della costruzione e installazione della struttura.
Under apre a marzo, sotto la direzione dello chef
Nicolai Ellitsgaard, con proposte gastronomiche
legate all’unicità del luogo. under.no L.M.
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IL DESIGN SALVERÀ IL MONDO
Sguardo fiero e determinato, Paola Antonelli, già senior curator del
Dipartimento di architettura e design del MoMA di New York, racconta
la sua XXII Triennale. Consapevole delle proprie convinzioni
Foto Ronald Smits, © Design Academy Eindhoven
‘Broken Nature: Design Takes on Human
Survival’ è il titolo della prossima esposizione
internazionale al Palazzo dell’Arte di Milano
(dall’1/3 all’1/9). La curatrice non ci parla da
solista. Su questo punto è inamovibile:
i successi si raggiungono sempre con il gioco
di squadra. E la sua vede coinvolti Ala Tannir,
Laura Maeran ed Erica Petrillo, il team
curatoriale, insieme a Laura Agnesi e Marco
Sammicheli alle partecipazioni internazionali e
Studio Folder con Matilde Cassani per
l’allestimento. 26 i Paesi stranieri partecipanti,
una mostra immersiva a cura di Stefano
Mancuso, dal titolo ‘La Nazione delle Piante’, e
una grande mappatura tematica che include tre
opere commissionate (a Formafantasma, Neri
Oxman, Sigil Collective) insieme a 120 progetti.
Chiarito l’impianto, Paola Antonelli ci guida
alla comprensione di ciò che andrà in scena:
la storia di quanto i legami che uniscono uomo
e ambiente naturale siano stati nel tempo
profondamente compromessi. Ecco perché
tutto ruota attorno al concetto di ‘design
ricostituente’, ovvero “la convinzione
che questa disciplina può e deve aiutarci
a visualizzare l’urgenza ambientale in tutte
le sue declinazioni (culturale, socio-politica,
economica…)”, introduce in sintesi. Per salvare
il destino del pianeta è necessario imparare
a valutare i rischi e adattare comportamenti
corretti. “Pensiamo che la natura esista da
sempre in nostra funzione e non ci rendiamo
conto che la stiamo annientando. E che,
in quanto sua parte, distruggendola
distruggiamo noi stessi”, un sillogismo
disarmante. “Vorrei essere chiara: noi ci
estingueremo, è inevitabile. E neppure la mostra
può cambiare le nostre sorti. La cosa migliore
che possiamo fare però è progettare bene
la nostra estinzione, avendo cura di ciò che
lasciamo in eredità”, puntualizza, rilanciando
orizzonti e punti di vista non tradizionali. “Oggi
la geografia della creatività è cambiata: sono
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Paola Antonelli
Ritratto Giovanni Gastel
scuole e materiali nuovi (soprattutto di scarto
e di recupero) a definire il Dna del fare. Ma lo
capisci osservando Brasile e Camerun, non Stati
Uniti o Danimarca”. Il design che le interessa
è inequivocabilmente un atto politico. Già nel
2008, quando con ‘Elastic Mind’, la sua mostra
al MoMA, portò in evidenza scenari al limite
della fantascienza. “Da allora è cambiato
molto, soprattutto il progetto, all’epoca più
speculativo”. Con ‘Broken Nature’ la curatrice
torna sull’intersezione tra design, scienza e
tecnologia mirando, con un sano ‘pragmatismo
magico’ fatto di lavori concreti, a coinvolgere
i tantissimi cittadini che hanno a cuore il futuro.
“Vorrei che lasciassero la mostra con
la convinzione che è importante coltivare
prospettive a lungo termine. Maturare una
capacità di guardare oltre noi e i nostri figli”.
Qualche esempio? L’artista Kelly Jazvak
che con i Plasticglomerates pone l’attenzione
sui nuovi fossili: resti di plastica che non
si decompongono, tracce della nostra era
geologica. “Il secondo obiettivo è raccontare
che viviamo in un sistema davvero complesso
per cui a ogni azione non corrisponde una
reazione univoca, ma riverberazioni che vanno
intuite e studiate. Quindi il sistema globale va
approcciato con l’agopuntura, come fosse un
organismo. Ecco perché informazione e senso
critico sono fondamentali”. ‘Italian Limes’
di Studio Folder racconta come nella storia i
confini siano stati determinati da fiumi o segnali
geografici a volte cancellati dai cambiamenti
climatici. Cosa rimane della geopolitica quando
il geo si scioglie? Ma anche ‘The Legal Status of
Ice’ di Irene Stracuzzi (pagina accanto)
che pone l’attenzione sulla disputa paradossale
tra gli stati dell’emisfero nord per aggiudicarsi
le vie commerciali liberate dal disgelo dei
ghiacciai. La XXII Triennale di Paola Antonelli è
a tutti gli effetti un’azione collettiva: a ognuno
di noi la responsabilità di come agire nella vita
di tutti i giorni. brokennature.org P.C.
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INCONFONDIBILE GEHRY
Foto © Hervé Hôte
A vederla non ci sono dubbi che sia opera
dell’estro di Frank O. Gehry. Sta prendendo
forma ad Arles, nel Sud della Francia, una torre
tortuosa, rivestita di lastre specchianti in
alluminio, ultimo tassello del Luma Arles Parc des Ateliers, centro d’arte contemporanea
per la ricerca e la produzione artistica
multidisciplinare, promosso dalla svizzera Luma
Foundation. Adiacente a cinque architetture
post-industriali recuperate dallo studio
newyorkese di Annabelle Selldorf, e a un parco
pubblico disegnato dai paesaggisti Bas Smets, la
torre di Gehry raggiungerà i 56 metri di altezza.
Un nucleo di cemento con struttura in acciaio,
rivestito da 10 .752 placche riflettenti disposte
secondo una geometria irregolare che ricorda
le formazioni rocciose nei dintorni di Arles,
mentre la base circolare ne rievoca l’anfiteatro
romano. All’interno saranno ospitati gli uffici
della Fondazione, studi per gli artisti, laboratori,
un bar e una terrazza panoramica all’ultimo
piano. E dopo Bilbao, tutti attendiamo ‘l’effetto
Arles’. luma-arles.org, foga.com B.S.
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VAN GOGH SUPERSTAR
Styling Alberto Artesani e Frederik De Wachter/DWA Design Studio, foto Tommaso Sartori
Celebrato in una grande mostra alla Tate
Britain da marzo (fino all’11/8, tate.org.uk),
Van Gogh è anche il protagonista dell’evento
cinematografico di inizio anno, ‘Sulla soglia
dell’eternità’ di Julian Schnabel, il film che del
pittore olandese restituisce una visione personale
di grande emotività. Il nostro set si ispira
alla sensazione di equilibrio tra forme e colori
dell’opera ‘La sedia di Vincent’, 1888. Davanti
al pannello rivestito con Pointillisme di Alpi,
design Alessandro Mendini con Alex Mocika
(alpiwood.com), sedia Woody in frassino
naturale di Francesco Meda per Molteni&C.
(molteni.it) e tabouret LC14 Nantes Rezé
di Cassina firmato Le Corbusier, in rovere
laccato azzurro e marrone (cassina.com).
Vaso in ceramica con girasoli Donna Jordan
di Rio Grande (riogrande.xyz) e piccola luce
Lampadina di Achille Castiglioni per Flos
(flos.com). Sulla parete, dipinta con idropittura
Alpha Rezisto Mat di Sikkens, colore L0.50.30
(sikkens.it), disegno di Miss Goffetown
(missgoffetown.it). P.B.
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ARCHITOUR
Inaugura quest’anno il progetto
considerato la prima destinazione al mondo
che integra natura, intrattenimento e shopping:
l’aeroporto Jewel Changi di Singapore.
Ê disegnato dal team dell’architetto israelocanadese Moshe Safdie, con la partecipazione
di Heatherwick Studio e Kohn Pedersen Fox (per
il terminal 5). Ed è emblema del nuovo indirizzo
intrapreso da buona parte dell’architettura
contemporanea: virare verso la realizzazione
di edifici-attrazioni, non più destinati a specifiche
funzioni ma ideati come mete turistiche, hub
polifunzionali dove fare anche esperienze
di intrattenimento. Il nuovo aeroporto, dalla
forma di enorme volta in vetro e ferro, oltre
a ospitare negozi, hotel e ristoranti, vanterà
un parco indoor sviluppato su 5 livelli, con reti
sospese su cui camminare, una cascata di 40
metri, un labirinto di siepi e migliaia di piante
provenienti da tutto il mondo. Questo polmone
verde donerà anche energia pulita al complesso,
che si trasforma da luogo di passaggio a vera
meta di viaggio. jewelchangiairport.com V.R.
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©Jewel Changi Airport Devt
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UNA SFERA ALLA PIANO
Renzo Piano Building Workshop/©A.M.P.A.S./Image from L’Autre Image
Dopo due anni di attesa rispetto all’apertura
prevista, finalmente inaugura nel 2019
l’Academy Museum of Motion Pictures, il più
grande museo al mondo dedicato alla storia
del cinema. A firmarlo è Renzo Piano, che dopo
il LACMA, Los Angeles County Museum of Art,
torna nella mecca dell’industria cinematografica
con un progetto in grande stile: un’iconica sfera
di cemento, acciaio e vetro che si unisce
all’ex edificio May Company, sede degli storici
magazzini generali di Los Angeles. A realizzarlo
è l’Academy of Motion Arts and Science,
l’organizzazione statunitense che gestisce
l’assegnazione degli Oscar. Inserita in un
campus di 300.000 metri quadrati, la struttura
comprenderà un cinema con mille posti
e, distribuiti su una superficie di 5.000 metri
quadrati, gallerie espositive, laboratori, spazi
per eventi, oltre a una terrazza con vista
mozzafiato sulle colline hollywoodiane. Prima
mostra da non perdere: la retrospettiva sul
regista Hayao Miyazaki, guru dell’animazione
giapponese. academymuseum.org, rpbw.com B.S.
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LABORATORIO NATURA
Styling Alberto Artesani e Frederik De Wachter/DWA Design Studio, foto Tommaso Sartori
Il legno, materiale nobile per eccellenza,
plasmato da lavorazioni artigianali in una sintesi
fra sperimentazione e poesia, si conferma
protagonista del design 2019. Appoggiati
sul piano del tavolo Quadrifoglio in massello
di frassino con piedini in ottone spazzolato,
di Carlo Ballabio per Porada (porada.it),
la sedia Savanna in noce grigio con seduta
rivestita in pelle, di Stephen Tierney per Henge
(henge07.com), piccolo contenitore in betulla
di Kota Fukunaga (craft-design.net), alzata
in rovere naturale Scogliera 01A di Mario
Trimarchi per Alias (alias.design/it) e, sdraiato,
tavolino formato da tre cerchi in legno massello
Match Point di Omri Revesz Design per Baleri
Italia, come quelli impilati davanti al tavolo,
a destra (baleri-italia.it); fermacarte Goccia
di Nanban (nan-ban.com). A sinistra, tavolino
con doppio piano in acero On-on, design
Naoto Fukasawa per Bottega Ghianda
(bottegaghianda.com). L’essenziale lampada
sospesa è Compendium, di Daniel Rybakken
per Luceplan (luceplan.com). P.B.
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IL RITORNO DI OLAFUR
© Olafur Eliasson, foto © Tate Photography Marcus Leith/Andrew Dunkley
A sedici anni dall’epica installazione
‘The Weather Project’, che riproduceva, grazie
a un gioco di luci e vapori, l’atmosfera immersiva
di un tramonto, Olafur Eliasson torna nel 2019
alla Tate Modern con una retrospettiva sul suo
lavoro. Progetti ad alto tasso di sperimentazione
che raccontano della sua ricerca, sofisticata
e colta, sulle modalità di relazione fra l’uomo
e l’ambiente circostante, sia in termini spaziali
sia etici. Le sue opere, di piccola e grande scala,
si relazionano con lo spazio espositivo
modificandone la percezione e dialogano con
il visitatore, che viene coinvolto da un punto
di vista fisico ed emotivo. In mostra una selezione
dei suoi lavori più significativi, da quelli che
evocano fenomeni naturali, giocando con luce,
acqua, aria e spazio, a quelli che riflettono
su tematiche sociali. Al termine della visita,
d’obbligo un salto al bar sulla terrazza, dove
sarà riprodotta una versione della cucina
vegetariana del suo studio berlinese. E siamo
certi che Olafur porterà di nuovo il Sole alla Tate.
tate.org.uk, olafureliasson.net B.S.
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EMOTIONAL POWER
È tempo di intelligenza
emotiva: il 2019 è l’anno che
promuove la forza creativa
delle emozioni. L’obiettivo?
Migliorare la vita
Itai Palti
Ritratto di Or Danon
Ne è convinto Itai Palti, Direttore dello
Human Metric Lab e fondatore di Conscious
Cities, il movimento per lo sviluppo felice
delle città. Architetto meditante, lavora
sull’interconnessione tra la disciplina madre
e le neuroscienze per dare forma a luoghi dove
vivere in armonia con se stessi e gli altri.
Alla domanda come stai? Dice sereno: “Bene,
sono un inguaribile ottimista”. Una risposta che
è già un mantra: riportare l’uomo e la sua sfera
emotiva al centro della disciplina. Complice
la complessità nella quale viviamo che, a suo
dire, ci impone di riordinare le priorità,
provando quanto meno a mettere in discussione
l’attuale paradigma: stop a consumismo e
bisogni materiali e via libera a pratiche più slow,
sostenibili e a ridotto impatto ambientale.
“Sta già accadendo”, afferma, ovviamente
con ottimismo. “Ma non è chiaro se lo
spostamento verso un’economia dell’esperienza
sia il sintomo di un profondo cambiamento
o un sottoprodotto della grande recessione”.
In ogni caso, per creare un nuovo paradigma
dobbiamo cavalcare il momento: riorganizzare
i nostri sistemi di valori, riattivare meccanismi
emotivi da tempo sopiti e investire su obiettivi
collettivi. Come? Puntando su empatia e
immaginazione. “Strumenti fondamentali alla
creazione di nuovi scenari, pubblici e domestici,
perché strettamente connessi alla sfera
dell’‘emotional intelligence’, ovvero la capacità
di riconoscere, utilizzare, comprendere e gestire
in modo consapevole le proprie e altrui
emozioni. È importante allenare l’ascolto per
capire se l’esperienza immaginata corrisponde
alle aspettative di chi le vive”, ci spiega Palti.
L’architettura deve garantire non solo
accoglienza e protezione, ma sempre più
la possibilità di costruire e coltivare relazioni.
Potremmo dire che un luogo è a prova
di benessere quando sostiene la creazione
e il mantenimento di legami sociali. Ciò significa
immaginare concretamente dimensioni che
promuovono la ‘serendipity’ e gli incontri casual,
ambienti intimi e al tempo stesso aperti dove
condividere esperienze, rafforzare legami
e incoraggiare sane interazioni. Quindi una
persona, un luogo, una città sono emotivamente
intelligenti quando consapevoli e sensibili
ai bisogni altrui. Quando contribuiscono
a migliorare la qualità delle giornate di tutti.
Quando ci poniamo domande concrete e forniamo
soluzioni intelligenti. Quando ci emozioniamo
e suscitiamo emozioni. hume.space P.C.
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Con l’abito aderente che segue curve
generose dall’abbraccio morbido,
la Up ha mantenuto negli anni il suo alto indice
di gradimento. Nel 2019 la superpoltrona,
disegnata da Gaetano Pesce e prodotta
nel 1969 da C&B, poi B&B Italia, compie
50 anni. Icona del design italiano dell’epoca,
era venduta sottovuoto e rappresentava
l’espressione del radical design di cui Pesce
era esponente, insieme a progettisti come
gli Archizoom, Riccardo Dalisi, Ettore Sottsass
e Alessandro Mendini. Gli oggetti venivano
caricati di significati in maniera formalmente
provocatoria: nel caso della Up, il suo disegno
ricordava un ampio grembo materno
che rimandava alle statue votive dedicate
alle divinità femminili della fertilità, con una
sfera-pouf legata al corpo della poltrona.
“In quel momento raccontavo il mio concetto
sulla donna: la donna è sempre stata, suo
malgrado, prigioniera di sé”, racconta Pesce.
“Così ho dato a questa poltrona una forma di
donna con la palla al piede”. bebitalia.com L.M.
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Foto Klaus Zaugg 1969
50 ANNI SEMPRE ‘UP’
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Foto Federico Brunetti
IL GIAPPONE A MILANO
Dopo la volumetria rigorosa disegnata dalle
irlandesi Grafton per l’edificio su viale Bligny,
arrivano le trasparenze sinuose del nuovo
campus Bocconi a Milano, progettato da Kazuyo
Sejima e Ryue Nishizawa, vincitori del concorso
su invito bandito nel 2012 dall’ateneo.
Dopo l’inaugurazione del primo edificio, la Torre
cilindrica Castiglioni (in foto) che già ospita
300 residenze universitarie, è prevista per
il 2019 la conclusione dell’intero progetto:
su un’area di 35.000 metri quadrati si stanno
realizzando altri quattro edifici destinati
alle attività Sda Bocconi School of Management,
un complesso sportivo e ricreativo con 2
palestre, un centro fitness e una piscina olimpica.
Ma soprattutto un’area verde di 17.500 metri
quadrati, pensata come una sequenza ritmata
di cortili verdi interni in comunicazione tra
di loro, accessibili non solo agli studenti
ma a tutti i cittadini. Perché per il duo
giapponese le parole chiave sono libertà
di movimento e apertura. Dentro e fuori
dal campus. unibocconi.it, sanaa.co.jp B.S.
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FOREVER YOUNG
Quella tra Philippe Starck, designer superstar,
e Claudio Luti, presidente di Kartell, è una storia
di complicità che genera innovazione. Insieme
ci anticipano le novità per i 70 anni del brand
A Philippe Starck, il più famoso designer
del XXI secolo, amato e odiato, condiviso
e combattuto, va riconosciuto il dono di far
discutere sempre, tutti, a tutte le latitudini.
Lui, che nel corso della sua carriera ha
trasformato il ‘product’ in icona irresistibile,
lo ha reso accessibile per poi dichiararlo morto.
Lui, che ha vestito i panni di un contemporaneo
Robin Hood e che, per sua stessa ammissione,
con progetti milionari ha ‘rubato’ ai ricchi
per dare ai poveri in nome della ricerca, oggi
si fa politico. E diventa attivista per esprimere,
nel modo che più gli si addice, preoccupazioni
e perplessità rispetto a temi come ecologia
e sostenibilità. E con noi esordiosce
provocatoriamente dichiarando, “La plastica non
si tocca”, proprio nell’anno in cui, con Kartell,
lancia Woody, prima collezione di sedute in
legno dell’azienda. Tutto questo nel 2019, data
in cui il brand festeggia il suo settantesimo
anniversario con una mostra a Palazzo Reale
in occasione della Milano Design Week.
Ce ne parlano Claudio Luti e Starck durante
lo shooting scattato per Elle Decor Italia da
Giovanni Gastel. “Sometimes we need plastic”,
dichiara convinto il designer per richiamare
alla memoria le forme sinuose e la trasparenza
di certe sue sedute, “but sometimes we need
wood”. Un paio di anni fa, in occasione di uno
degli incontri mensili tra il presidente
di Kartell e il genio creativo, quest’ultimo mette
sul piatto una nuova sfida sulla quale riflette
da circa trent’anni: ‘stampare’ comode poltrone
di legno. “La plastica non è l’unico materiale
per la mia azienda. Ci confrontiamo anche con
metallo, carbonio e bioplastiche”, racconta Luti.
“Sperimentiamo molto, sempre su scala
industriale. L’innovazione è un classico
all’interno della nostra strategia aziendale”,
afferma con una punta di orgoglio.
“Inseguo la creatività. Le idee? Arrivano
sempre da uno scambio che arricchisce brand
e progettisti”. Ma questo del total-wood,
un progetto tutto di Starck, arriva quando
entrambi sono convinti che i tempi siano maturi:
l’urgenza ambientale lo impone e i design
addicted sono sensibili alla ricerca di un green
sempre più responsabile. “Claudio è un manager
intelligente, di quelli dotati di visione. E ha subito
compreso che se non iniziamo a interrogarci
sul futuro del mondo, la pagheremo”, racconta
Starck lasciando la parola a Mr Kartell che
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puntualizza divertito: “Con Philippe è sempre
un gioco all’innovazione”. Tutto tra loro è
iniziato con 7 colori pastello che hanno cambiato
i connotati alla plastica e segnato il nuovo corso
del brand italiano. “Dove vado a farli?!?”,
si domandò il manager sfidato da Starck.
“Era il 1988 e con l’aiuto di Bayer arrivammo
al Salone: tutti impazziti per la Dr. Glob. Ma
vogliamo parlare del policarbonato trasparente
che usavano i militari per fare scudi ed elmetti?
È lì che è nata La Marie, la sedia dal disegno
e dal nome più semplice del mondo. Alla quale
seguì la Louis Ghost, quella più venduta”,
chiude Luti. “Kartell realizza prodotti industriali,
riproducibili all’infinito, con stampi e processi
sfidanti. La plastica, quando è ben impiegata,
dura nel tempo e quindi è sostenibile. Non lo
è quando dopo soli sei mesi finisce in discarica”,
conferma Luti. “Woody è eco non solo perché
è in essenza, ma perché è leggera, iconica e
timeless: questo è l’unico modo di produrre oggi
per non ipotecare il futuro. Ecco perché mi sento
un novello Robin Wood”, svela sogghignando
Starck. “Con questo progetto contribuiamo
a rendere il mondo migliore. Abbiamo scelto
il multistrato, lavorato sullo spessore, riducendolo
al limite, e brevettato una macchina con
un raggio di curvatura mai realizzata prima.
Abbiamo prodotto una seduta supertecnologica,
in legno, stampata come la plastica, dalla linea
fluida e a un prezzo accessibile. Con un piccolo
escamotage: scocca e gambe sono agganciate
a una sorta di placca in materiale plastico”,
afferma Philippe Starck che fa volare il pensiero.
“Avere bisogno della natura non vuol dire
ucciderla. Il compensato non fa male a nessuno,
certo è che oggi più che mai bisogna riflettere
con consapevolezza anche sull’uso di materiali
naturali. Proprio per non cadere nel grande
inganno e fraintendimento dell’ecologia.
Alla mia età posso testimoniare che nel corso
del tempo ho assistito ad almeno un paio
di eco-trend che nel rispetto dell’ambiente
suggerivano di non consumare plastica,
ma legno e pelle. Sbagliato. Se non impariamo
a produrre e a consumare con intelligenza, noi
umani uccideremo la vita. Sottrarre, ridurre è
il nuovo mantra. Più che ‘Luxury of less’ parlerei
di ‘Intelligence of less’. Ecco, l’intelligenza
è il nuovo lusso. Ma andrei oltre: Intelligence
is the new sexiness”. And we really like it. P.C.
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Philippe Starck
Ritratto Giovanni Gastel
Claudio Luti
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SEMPRE IN FORMA
Riscoprire i progetti di grandi maestri
che a distanza di tempo non hanno perso nulla
del loro valore: una tendenza consolidata
che si riafferma nel 2019. E in attesa di scoprire
quali riedizioni affiancheranno le prossime
novità, ecco i must dell’anno appena concluso
scelti da Elle Decor: a partire dal tavolo
D.859.1 disegnato da Gio Ponti nel 1959 per
l’auditorium del Time & Life Building di New
York, oggi nella collezione Heritage di Molteni&C,
imponente e formalmente leggerissimo (molteni.
it). Sopra, vasi Ebano e Ulivo di Nathalie du
Pasquier per Memphis (memphis-milano.com);
accanto, lampada Monachella, design Luigi
Caccia Dominioni 1953, di Azucena (azucena.
it). Il tappeto è Nello Spazio, dell’architetto/
pittore Umberto Riva per Tacchini Edizioni.
A soffitto le geniali luci Ventosa di A. e P.G.
Castiglioni, 1962, rieditate da Flos (flos.com)
e, sul fondo, le eleganti sedie 905 di
Vico Magistretti, 1964, tornate in produzione
da Cassina (cassina.com). Come scenario il
Centro Niemeyer di Avilés, Asturie, Spagna. P.B.
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Artwork di Ludovica Codecasa con Massimo Novaresi, foto View Pictures/UIG via Getty Images
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IL PROFUMO DEL MONDO
Sissel Tolaas
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C’è un intero mondo da annusare
e un mondo intero da educare a come annusare.
Recita così l’incipit della biografia di Sissel
Tolaas, ricercatrice e artista norvegese ritenuta
la maggior esperta di odori al mondo che
abbiamo incontrato all’ultimo convegno Next
Design Perspective promosso da Fondazione
Altagamma. Il suo cv spazia da talk nelle
maggiori università, mostre nei migliori musei,
collaborazioni tra cui Nasa, Sony, Adidas
e il suo SMELL RE_searchLab di Berlino, dove
ha creato un archivio di oltre 7.000 profumi. Da
anni è impegnata in due progetti: SmellScapes,
una ricerca sugli odori di città del mondo (tra cui
Roma) odierni ma anche antichi, e Nasalo, una
lingua universale basata sull’olfatto e le parole
a esso correlate. “Sono progetti di archeologia,
memoria e sociologia. Le esalazioni di edifici,
musei, segmenti di terra, oceani, luoghi del
passato e del presente attivano in noi un ricordo
che è fondamentale nella conservazione
dell’identità di un gruppo sociale e dona molte
informazioni”, ci spiega. Quest’anno la vedremo
protagonista di numerose mostre, tra le varie al
Cooper Hewitt di New York, al Centre Pompidou
di Parigi e alla Triennale di Milano per ‘Broken
Nature’. In un’era digitalizzata dove i device
non emanano essenze, lei sostiene che questa
sia invece la principale forma di comunicazione:
“Gli odori sono tra i patrimoni intangibili per
l’Unesco. Oggi abbiamo la realtà virtuale
e le intelligenze artificiali ma sono i nostri sensi
i software e le interfacce più avanzati
ed economici che possediamo. Non credo che
i computer potranno imparare ad annusare
o provare emozioni e la maggior malattia
del nostro tempo è proprio la smaterializzazione
del nostro corpo. Ma, sin dall’origine del mondo
la prima forma di comunicazione è stata l’olfatto,
i batteri comunicavano attraverso reazioni
chimiche odorose e tuttora noi, gli animali e la
natura utilizziamo moltissimo questo senso”.
La prossima sfida? “La SensUcation, l’intelligenza
emotiva. Siamo tutti presi dall’allenamento
dei nostri corpi, ma nessuno si cura del training
dei sensi, di cui siamo consapevoli solo al 10%.
Se ci focalizziamo su questa pratica saremo più
in connessione con il resto del mondo, e dunque
più tolleranti”. smell-laboratory.com V.R.
Ritratto Valeska Achenbach
Tutti la cercano. Norvegese,
esperta mondiale di odori,
ne cataloga e ricerca
a migliaia. Come
fondamentale forma di
comunicazione, alternativa
all’era tecnologica
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Foto © Ute Zscharnt for David Chipperfield Architects
UN FIUME DI CULTURA
Apre quest’estate a Berlino la James Simon
Galerie, così chiamata dal nome di uno dei più
noti mecenati della città. Il nuovo edificio firmato
da David Chipperfield e work in progress
da quasi 10 anni farà da ingresso all’Isola
dei Musei. Con i suoi colonnati di ascendenza
classica e la scalinata, fa parte del masterplan
messo a punto nel 1999 per la Spreeinsel
che ospita i cinque musei berlinesi più famosi:
Altes Museum, Alte Nationalgalerie, BodeMuseum, Pergamonmuseum e Neues Museum,
già restaurato e in parte ricostruito dall’architetto
britannico. Come sottolinea lo studio
Chipperfield, “il linguaggio della James Simon
Galerie adotta elementi legati alle architetture
della Museumsinsel, come i colonnati e le scale
esterne, con riferimenti a Schinkel, Stüler e agli
altri architetti coinvolti nel progetto museale.
La matericità dell’edificio in pietra ricostituita con
aggregato di pietre naturali si fonde con la ricca
palette di materiali, dal calcare all’arenaria,
dell’Isola dei Musei”. museumsinsel-berlin.de,
davidchipperfield.com L.M.
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TRUE BLUE
Artwork di Ludovica Codecasa con Massimo Novaresi
Una dimensione meditativa giocata
su una palette di blu, colore elegante, di alta
intensità. Esprit vintage per la poltrona Ile
by Gigi Radice Design per Minotti, in velluto,
caratterizzata da un’apertura nello schienale
(minotti.com), abbinata al pouf Anya di Fendi
Casa, in metallo bronze shadow con seduta
bicolore (luxurylivinggroup.com); dietro, appeso
a parete lo specchio Abal Pill di Matter Made
(mattermade.us) riflette un’opera di Julien
Colombier (juliencolombier.wordpress.com),
a soffitto una serie di elementi Feel di Sara
Moroni per Penta, sistema componibile di
lampade e dischi tessili per modulare la luce
e le onde sonore (pentalight.com). Il tappeto
con decor in rilievo è Spark, firmato da Pietro
Russo per London Art (londonart.it), le piastelle
lucide ispirate alle subway tiles appartengono
alla collezione Hello di Marazzi (marazzi.it);
in basso, tavolino con gambe in metallo
e top in vetrofusione Tetris, di Draga & Aurel
per Baxter (baxter.it), stivali di Balenciaga. P.B.
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IL CAMP AL MET
Foto © Johnny Dufort, 2018, courtesy of The Metropolitan Museum of Art
Ironia, humor, parodia, pastiche, artificio,
teatralità, esagerazione: la definizione
che Susan Sontag diede dell’estetica Camp
in un essay del 1964 calza a pennello
a molte odierne espressioni di moda, e non solo.
Dunque non è un caso che la grande mostra
del Costume Institute del MET di New York —
evento culturale, ma ormai uno degli
appuntamenti mondani più attesi dell’anno —
sia dedicata quest’anno allo stile che, ribaltando
sfacciatamente regole e canoni, ha permeato
le frange più ingessate del mainstream. ‘Camp:
Notes on Fashion’ sarà anticipata, il 6 maggio,
dal gala di beneficenza presieduto da
Lady Gaga, Alessandro Michele, Anna Wintour,
Serena Williams e Harry Styles. Poi, via alla
mostra (dal 9/5 all’8/9), che pone Versailles
come un ‘Camp Eden’ con Luigi XIV precursore
dei dandy e poi vira alla sottocultura ‘queer’
di America ed Europa, fino alla moda d’oggi.
175 tra abiti e opere d’arte dal XVII secolo a ora,
con un griffatissimo parterre di creazioni (in foto,
abito Gucci A/I 2016-17). metmuseum.org V.R.
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ELLE DECOR
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PEACE & LOVE
Foto Silver Screen Collection/Getty Images
Un super concerto celebrerà i 50 anni
del Woodstock Music and Art Fair, meglio noto
come il Festival di Woodstock, dove affluirono
più di 400.000 persone da tutti gli angoli degli
States. Si terrà a Bethel, nella stessa località
dello Stato di New York a 69 km a sud-ovest
di Woodstock che, dal 15 al 18 agosto del
1969, vide alternarsi 32 tra musicisti e gruppi,
dagli Who a Janis Joplin, i Jefferson Airplane,
i Creedence Clearwater Revival, alla stessa Joan
Baez e a Jimi Hendrix. Furono tre giorni di peace
& love, che rivivono nel film documentario diretto
da Michael Wadleigh ‘Woodstock. Tre giorni
di pace, amore e musica’, uscito nel 1970.
Come affermano Ernesto Assante e Gino
Castaldo ne ‘Il tempo di Woodstock’ (Laterza),
il festival fu “come una foto di gruppo
dell’energia esplosiva e liberatoria sperimentata
da un’intera generazione”. L’edizione 2019
sarà organizzata al Bethel Woods Center
for the Arts, in collaborazione con Live Nation
e l’agenzia Invnt ed è programmata dal 16
al 18 agosto. bethelwoodscenter.org L.M.
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ELLE DECOR
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CARTOON MANIA
Artwork di Ludovica Codecasa con Massimo Novaresi, foto Ricardo Gomez Angel/Unsplash
Dall’attenzione speciale mostrata
da grandi istituzioni culturali (vedi la personale
di Zerocalcare al MAXXI, fino al 10/3)
alla diffusione planetaria, sia sugli schermi
sia in forma 3D, dei classici personaggi della
Marvel Comics, la casa editrice di fumetti che
nel 2019 spegne le 80 candeline: è l’anno della
cartoon mania. Uno stile esagerato, colorato
e ludico che trova un riscontro nel mondo
del design: come il mobile contenitore Pablo,
di Elena Cutolo per Altreforme, collezione Festa
Mobile, sorta di maxi semaforo multicolor
(cm 180h, altreforme.com). O il tappeto Egg,
un grande uovo al tegame in versione tessile
con frange, ideato con la consueta ironia dal
duo di designer Studio Job per Seletti (seletti.it).
In sintonia con lo stile fumetto la poltrona dalle
forme extramorbide: Buddy di Manuela Busetti,
Andrea Garuti e Matteo Redaelli per Pedrali,
da abbinare ai pouf della stessa collezione
(pedrali.it). A pavimento, idropittura di Sikkens,
colore M3.47.29 (sikkens.it). P.B.
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AFROFUTURISMO
Styling Samson Soboye, foto Patrice De Villiers, modella Alisha Safo
Un anno di successi per Yinka Ilori, il creativo
di origine nigeriana stanziale a Londra che,
con lo studio Pricegore, ha vinto il concorso
per il Pavilion della Dulwich Picture Gallery.
Si chiamerà ‘The Colour Palace’ e riprenderà
la grafica dei tessuti olandesi trovati nei mercati
di Lagos. Formatosi in Furniture and Product
Design alla London Metropolitan University,
è specializzato nell’up-cycling di arredi vintage,
contaminati dalla tradizione africana e da
atmosfere che appartengono alla sua infanzia.
Nel suo lavoro ogni elemento è una storia,
colorata e fantasiosa. Come l’immagine in
pagina, tratta dalla campagna pubblicitaria del
marchio Red Red che ha scelto i suoi segni per
comunicare i cibi vegani preparati in salsa afro
dallo chef Zoe Adjonyoh. Super cromie anche
per il progetto che illumina il sottopassaggio
di un ponte ferroviario nella zona Sud di Londra,
con il quale ha vinto il concorso per il Thessaly
Road Railway Bridge. L’opera verrà inaugurata
a giugno in occasione del London Festival
of Architecture 2019. yinkailori.com L.M.
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METALLO FUSO
Styling Alberto Artesani e Frederik De Wachter/DWA Design Studio, foto Tommaso Sartori
È l’ultima frontiera del metallo: utilizzato
per creare forme fluide e scintillanti fino a
somigliare a materia liquida, nonostante la sua
intrinseca solidità. Il paravento a onde sinuose
Layout Separé in alluminio verniciato nero
di Alias, design Michele De Lucchi (alias.design),
dialoga con la sedia 139 Cotone Legno
di Ronan & Erwan Bouroullec per Cassina, che
mescola alluminio estruso per il telaio e legno
per seduta e schienale (cassina.com). Effetto
sparkling chrome per Tavolotto, coffee table con
sottile sostegno centrale di Maddalena Casadei
per la Digest Collection di Fucina (fucinadesign.
com), finitura Black-Nickel per il tavolino Shields
di Minotti, caratterizzato da una forma a cilindro
divisa in due parti fuori asse, in lamiera d’acciaio
curvato (minotti.com). Luce sospesa Mariposa,
in acciaio a specchio con diffusore in vetro,
firmata Marcel Wanders per Roche Bobois
(roche-bobois.com). Pareti dipinte con finitura
decorativa coprente per interni Alpha Metallic
di Sikkens, colore T5.07.71M (sikkens.it). P.B.
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Le nuove frontiere sono transplanetarie.
Nel 2019 gli occhi del mondo saranno puntati
sul Pianeta Rosso. È Marte a riscaldare i cuori
di scienziati e imprenditori, di artisti e progettisti
(in foto, la Utah Mars Desert Research Station).
A raccogliere il senso di questa nuova passione
globale ci pensa il Design Museum di Londra,
che ospiterà la mostra ‘Mars’, a cura di Alex
Newson. “Dalle navicelle spaziali utilizzate
per i viaggi agli habitat in cui vivranno
le persone sul pianeta, fino al cibo, gli strumenti
e perfino il make-up che verrà utilizzato dalla
nuova società, ogni dettaglio di questo tentativo
collettivo dovrà essere disegnato”, recita
la presentazione della mostra. Ponendo
il design al primo posto nella costruzione, fisica
oltre che emotiva, di questa grande sfida
dell’umanità. Con un allestimento immersivo,
l’esposizione sarà suddivisa in tre temi/fasi:
Arrivo, Sopravvivenza, Proliferazione.
Con la partecipazione di numerosi designer
in nuove commissioni a tema. Dal 16/10
all’1/3/2020. designmuseum.org V.R.
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Foto Ruaridh Stewart/ZUMA Press/Alamy
META, MARTE
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NEXT 2019
NEW MODERNISM/ Pieces of elegant simplicity and flashes of
color with a graphic theme give life to a mood both industrial and
domestic, with a modernist twist, to meet the needs of our time.
A single continuous line designs the Newson Aluminum Chair by
Knoll, designed by Marc Newson in open tribute to Mies van der
Rohe (knoll-int.com). By it, the mirror Ecco with a Led light by
Barber & Osgerby for Glas Italia (glasitalia.com), reflects a solid
coated with Silipol b&w plates by Dwa Studio for Mariotti Fulget
(Mariotti-spa.com). The lamp in the center similar to a projector,
with two independent cylinders in aluminum, is Sawaru by Nendo
for Flos (flos.com), the crystal and steel table is Floyd-Hi Table by
Piero Lissoni for Living Divani (livingdivani.it). Walls are painted
with Alphamat SF by Sikkens, color E4.05.55 (sikkens.it),
the tile panel is Diarama Mix Black by Hella Jongerius for Mutina
(mutina.it); On the floor, tiles by Lea Ceramiche (ceramichelea.it),
ceiling grid of PPP (ppp.it). P.B.
A ROSE IN THE DESERT/ After the Louvre in Abu Dhabi, the
French archistar Jean Nouvel signs a new project in the Persian
Gulf. It is the Qatar National Museum in Doha, inaugurating on
March 28, less than a year after the opening of the Qatar
National Library designed by OMA. A symbolic project, where
art and architecture tell the identity of a nation, through a
constant comparison between past and future. The exhibition
immerses visitors in the history of Qatar through innovative
techniques and languages. Together with the amazing
architectural form of the building that, thanks to new technologies
of steel, glass and concrete fiber, reproduces the petals of a
desert rose. jeannouvel.com, qm.org.qa B.S.
ALL THE COLOURS OF BAUHAUS/ Built by Walter Gropius
between 1925 and 1926 in Dessau, the four Meisterhäuser,
or Masters’ Houses, welcomed the senior teachers of the famous
Bauhaus school which is celebrating its centenary this year. As
well as Gropius himself, its illustrious guests would include many
of the artists who formed part its international community, such as
Hungarian László Moholy-Nagy, German Oskar Schlemmer,
French-Russian Vasilij Vasil’evi Kandinskij and Swiss artist
Paul Klee. Although the original furniture has been lost
and Gropius’ home has been destroyed, the chromatic choices
of the interior environments have survived, revealing a decisively
modern palette. The colour range vibrates from salmon pink to
sage green, including two nuances of grey and lights up with
the bright red shade used on the bannister. Masters were given
the opportunity to select colours for the interiors and Klee and
Kandinsky, faithful to their artistic spirit, chose especially colourful
solutions. bauhaus-dessau.de L.M.
REBEL GENIUS/ Arthur Arbesser’s smile and his patterns
are both dazzling. Born in Vienna 36 years ago, he studied at
Central Saint Martins in London, worked at Armani, and one day
decided it was time to go solo. His brand, which takes his name,
was created 5 years ago, and is recognisable due to its colourful
graphics and feminine volumes. Arthur combined his Austrian
heritage and his international experience to launch a rebellion
against the mainstream. Creative director for Fay, he has worked
for brands like Hem, OVS and designed the costumes for the
New Year concert in Vienna (previously made by big names such
as Valentino and Vivienne Westwood). But his niche brand is
attracting the editors-in-chief of the biggest magazines to the front
row of its runway shows, from Vogue to the New York Times.
For the A/W 2019-2020 collection set to take to the catwalk this
month he was inspired by his studio’s architecture by Caccia
Dominioni in Piazza Sant’Ambrogio. “Its details and colours, the
handles and floors. Mixed with drawings of my favourite fruit, the
pomegranate”, he tells us. “2019 will be intense. I’m working on
the costumes for a big production of Der Rosenkavalier
by Strauss for the Staatsoper Unter den Linden theatre in Berlin,
in 2020. When I watch the dancers wearing my garments,
see them come to life and I say to myself, wow, this is all I need.
I need to create. All the rest can wait”. arthurarbesser.com V.R.
A NIGHT IN THE OLD BREWERY/ Different strokes for different
folks. As demonstrated by Ottilia in Copenhagen, the new 4 star
luxury boutique hotel of the Brøchner Hotels group, which will
embody the most authentic identity of the Danish capital: set to
rise up in the spaces formerly occupied by the old Carlsberg
brewery, in one of the city’s most iconic areas. Another
experiment designed to reuse an existing building. As stressed by
Karim Nielsen, CEO of Brøchner Hotels “We respect the history
of the building, and will incorporate it into the design of the hotel.
The grain silos and the industrial buildings will therefore become
an integral part of the structure, reflecting both its history and its
new vocation”. The façade is particularly emblematic: it hosts 64
golden circles- a throwback to the ancient brewery. But the
ultimate experience is a night in the suite, pampered in the round
tower of the ancient silo. brochner-hotels.com/hotel-ottilia B.S.
SOCIAL AESTHETIC/ Artist, architect, interior decorator and
designer. This is how Harry Nuriev would define himself, the thirty
year-old Russian who is winning over the public with his designs
that we could define as ‘à la Instagram’. An ideal representative
of the digital age, he is favoured by his own experience,
an unusual syncretism between East and West: having begun his
career in the government offices of the Moscow Parks &
Recreation Department, he soon set up on his own, founding
Crosby Studios, and recently he has added a New York office to
the one in Moscow. He has forged partnerships in the most
diverse sectors, from Nike to Gorky Park. At the last Design
Miami Basel exhibition, his installation ‘The Office’ for
Balenciaga is said to have been the most shared work on the
social networks, but Ça va sans dire. In 2019 he will be wellknown for his many fingers in different pies such as the Gruzinsky
restaurant in Moscow, the EatMe x MilkMe café and concept
store in Chicago and also a private apartment in New York.
crosby-studios.com V.R.
THINK PINK/ How would Elle Decor imagine the space of a
businesswoman? Soft and without edges. With a the Trust desk in
the Iconic wooden version with leather details by Poltrona Frau,
design by Lievore - Altherr - Park (poltronafrau.com), a Club 44
chair in oak by Angelo Mangiarotti for Agapecasa (agapecasa.
it) and a light Dorval 01 by Lambert & Fils (lambertetfils.com); the
chair to host clients is Taiki by Chiara Andreatti for Lema
(lemamobili.com), voile curtain with Formoza stitching by Vescom
(vescom.com). On the desk, Alagas vase by Patricia Urquiola for
Budri (budri.com), HP ZBook Studio x360 laptop (hp.com),
Valextra leather cover (valextra.com), pen and mechanical
pencil Neri by Giulio Iacchetti for Internoitaliano
(internoitaliano.com ), sphere by Crazy Art (crazyart-milano.
com). Walls painted with Sikkens Alphamat SF water-based
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paint, color C4.40.50 (sikkens.it); above the tile floor
Concreto by Lea Ceramiche (ceramichelea.it), the Trasparenze
carpet by Amini (amini.it). P.B.
ITALIA’S GOT TALENT/ Italian and Renaissance architecture
is the muse that inspires the work of Ilaria Bianchi and Domenico
Orefice. This is evident in the clear, unequivocal geometry
of ‘I can’t believe it’s not stone’, a bench with Dalmatian print
polystyrene seat and feet in red lacquered wood, and the
Mulino bookcase in walnut wood. Both objects, juxtaposed in an
improbable piece of scaffolding, evoke the historic buildings and
the machines designed by Leonardo in the Sforza age. They both
graduated in Industrial Design - Bianchi in Turin and Orefice
in Milan-, share a passion for street art and only approach the
subject of design from the perspective of the limited edition.
And their production is now migrating from the world of
experimentation involving symbols and materials (often of reuse)
to the gallery scene. ilabianchi.com, dostudio.org P.C.
UNDER THE SEA/ In Lindesnes, half submerged by the cold
waters of the North Sea in Norway, the guests of the Under
restaurant lunch and dine five and a half metres beneath the sea
surface protected by a panoramic window 11 metres long and 3.5
metres tall designed by Snøhetta. ”Under will be the greatest
underwater restaurant in the world”, explains Arne Marthinsen,
project manager of SubMar, the group responsible for
calculating the structure’s resistance to forces of nature, as well
as its underwater construction and installation. It opens in March,
managed by chef Nicolai Ellitsgaard with an exclusive menu that
echoes the uniqueness of the location. under.no L.M.
DESIGN WILL SAVE THE WORLD/ Through the lens of Giovanni
Gastel, Paola Antonelli, senior curator of the Department of
Architecture and Design at the Moma in New york, recounts to
Elle Decor Italia her 22nd Triennale. Broken Nature: Design
Takes on Human Survival is the title of the next international
exhibition to be staged at the Palazzo dell’Arte in Milan (1-03/109). But for Antonelli, this milestone has not been a solo effort.
Here her stance is immovable: her successes are always the result
of team work. And the members of her team on this occasion
included Ala Tannir, Laura Maeran and Erica Petrillo, the
scientific committee, with Laura Agnesi and Marco Sammicheli in
international relations and Studio Folder with Matilde Cassani
for the set-up. The event will host contributions from 26 countries,
an immersive exhibition curated by Stefano Mancuso, entitled ‘La
Nazione delle Piante’, a large thematic itinerary including three
commissioned works (by Formafantasma, Neri Oxman and Sigil
Collective) and120 designs. Having described the format of the
exhibition, the curator then helps us understand its focus: it will
describe the huge extent to which the connections linking man to
his natural surroundings have been compromised over time. This
is why everything revolves around the concept of ‘restorative
design’, or the “belief that this discipline can and indeed must first
help us to view all the facets of the urgency faced by our current
environmental, socio-political and economic context, to assess the
risks and adopt correct behaviours designed to safeguard the
fate of the Planet”, she explains . The 22nd Triennale of Paola
Antonelli is a collective action: each one of us is responsible for
our actions in our everyday lives. brokennature.org P.C.
UNMISTAKABLE GEHRY/ At first sight, you will recognize the
hand of Frank Gehry. In Arles, in the south of France, a winding
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ELLE DECOR
tower is taking shape, covered with aluminum mirror tiles. The last
piece of the Luma Arles - Parc des Ateliers, contemporary art
center for research and multidisciplinary artistic production,
promoted by the Swiss Luma Foundation. Gehry’s tower will
reach 56 meters in height: a concrete core with a steel structure,
covered by 10.752 reflecting plates arranged according to an
irregular geometry that is reminiscent of the rock formations
located around Arles, while the circular base recalls that of the
Roman amphitheater. Inside it will host the Foundation’s offices,
studios for artists, labs, a bar and a panoramic terrace on the top
floor. And after Bilbao, we will be waiting for ‘the Arles effect’.
luma-arles.org, foga.com B.S.
VAN GOGH SUPERSTAR/ Celebrated in a major exhibition at
the Tate Britain since March (until 11/8, tate.org.uk), Van Gogh is
also the protagonist of the recently released film, ‘At Eternity’s
Gate’ by Julian Schnabel, which presents a personal vision of the
Dutch painter with great emotionality. Our set is inspired by the
feeling of balance evoked by the shapes and colors of the work
‘The Chair of Vincent’, 1888. In front of the panel covered with
Pointillisme by Alpi, designed by Alessandro Mendini and Alex
Mocika (alpiwood.com), chair Woody in frassino natural wood
by Francesco Meda for Molteni & C. (molteni.it) and tabouret
LC14 Nantes Rezé by Le Corbusier for Cassina, in blue and
brown lacquered oak (cassina.com); ceramic vase with
sunflowers Donna Jordan by Rio Grande (riogrande.xyz), on the
ground small light Lampadina by Achille Castiglioni for Flos (flos.
com). Hanging on the wall, painted with water-based Alpha
Rezisto Mat paint by Sikkens, color L0.50.30 (sikkens.it),
and drawing by Miss Goffetown (missgoffetown.it). P.B.
ARCHITOUR/ A futuristic project, considered the first multidimensional destination combining nature, entertainment and
shopping, will launch at the start of this year. We’re talking about
the Jewel Changi airport in Singapore. Designed by the studio
of Israeli-Canadian architect Moshe Safdie, with the participation
of Heatherwick Studio and Kohn Pedersen Fox for terminal 5,
it shows the new direction taken by contemporary architecture
as it moves towards the creation of buildings conceived as
multi-functional hubs and places capable of engaging all the
senses. The new airport, shaped like an enormous glass and iron
dome, will boast an indoor park, a 40-metre waterfall, a maze of
hedges and thousands of plants from over the world. This green
lung will provide the complex with clean energy.
jewelchangiairport.com V.R.
A PIANO-STYLE SPHERE/ No less than two years after its
original launch date, the Academy Museum of Motion Pictures –
the largest museum in the world dedicated to the history of film
will open its doors in 2019. Designed by Renzo Piano who, after
the Los Angeles County Museum of Art (LACMA), returns to the
Mecca of the film industry with a project ‘in grand style’: an
iconic sphere of concrete, steel and glass alongside the former
May Company building, the location of the historic general
warehouses in Los Angeles. The giant behind the project is the
Academy of Motion Arts and Science, who manages the Oscar
awards. Inside a campus of 300,000 square metres, the sphere
will include a 1000-seat cinema, and the building will host
exhibition galleries, workshops and spaces for events, plus a
terrace with breathtaking views of Hollywood hills. The first
exhibition will be a retrospective on Japanese director Hayao
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Miyazaki. academymuseum.org, rpbw.com B.S.
NATURE LAB/ Wood, noble material par excellence, shaped by
craftsmanship in a synthesis between experimentation
and poetry, confirms itself as protagonist of 2019 design.
The Quadrifoglio table in solid wood with brushed brass feet,
by Carlo Ballabio for Porada (porada.it), Savanna chair in gray
walnut with seat covered in leather, by Stephen Tierney
for Henge (henge07.com), small container in birch by Kota
Fukunaga (craft-design.net), stand up in natural oak Scogliera
01A by Mario Trimarchi for Alias (alias.design/it) and coffee
table formed by three Match Point solid wood rings by Omri
Revesz Design for Baleri Italia, in front of the table, on the right
(baleri-italia.it); Drop paperweight of Nanban (nan-ban.com).
On the left, small table with double top in On-on maple, design
Naoto Fukasawa for Bottega Ghianda (bottegaghianda.com).
The suspended lamp is Compendium by Daniel Rybakken for
Luceplan (luceplan.com) P.B.
THE RETURN OF OLAFUR/ Sixteen years after his epic
installation The Weather Project, which reproduced the immersive
atmosphere of a life-sized sunset, Olafur Eliasson returns to the
Tate Modern in 2019 with a retrospective of his work. Ultra
experimental projects that describe his sophisticated, cultured
research on the ways in which man relates with his surroundings.
The exhibition displays a selection of his most significant pieces,
from those that evoke natural phenomena, playing with light,
water, air and space, to those that reflect on moral and social
themes. After the visit, a stop at the bar is a must, where a new
take on the vegetarian cuisine of his studio in Berlin is on offer.
Olafur will undoubtedly bring the Sun back to the Tate.
tate.org.uk, olafureliasson.net B.S.
EMOTIONAL POWER/ Director of Human Metrics Lab, Itai Palti
founded Conscious Cities in 2015 driven by the curiosity to
understand what others feel and how emotions can improve
quality of life. The meditating architect focuses on the elements
that associate the mother discipline with the neurosciences to
create places where we can live in harmony with ourselves and
others. He answers the question ‘How are you?’ calmly with the
words: “fine, I’m an incurable optimist”. A reply that is already
a mantra. And a wish: that 2019 will be the year in which the
emotions, in all their shades, return to the spotlight. P.C.
50 YEARS ALWAYS UP/ With its generous forms, a tight-fitting
outfit that hugs its slinky curves, its enveloping embrace and its
pop personality, Madame Up has remained top of the favourites
stakes for years now. In 2019 the super armchair, designed by
Gaetano Pesce and produced in 1969 by C&B, then renamed
B&B Italia, will turn 50, and it flaunts an ironic appearance that
conceals a complex design concept. A symbolic object that soon
became an icon of the Italian design scene of the sixties/
seventies, it was originally sold vacuum packed and expressed
the radical design current represented by Gaetano Pesce.
“I decided to give this armchair the shape of a woman with a ball
round her foot, a form which is also traditionally linked to the
image of the prisoner”. bebitalia.com L.M.
JAPAN IN MILAN/ Following the stern volumes imposed on the
building in Viale Bligny by Irish firm Grafton Architects,
meandering transparencies are the name of the game for the new
Bocconi campus in Milan, designed by Kazuyo Sejima and Ruye
Nishizawa, winners of the invitation-only contest launched in
2012. After the official opening of the first building, the
cylindrical Castiglioni Tower (photo) which already hosts 300
university residences, with 2019 the entire project will come full
circle: the 35,000 square-metre area will accommodate another
four buildings for the activities of the Sda Bocconi School of
Management, a sports and recreational centre with 2 gyms, a
fitness centre and an Olympic swimming pool. But its high point
will be a grassy area spanning 17,500 square metres.
unibocconi.it, sanaa.co.jp B.S.
FOREVER YOUNG/ Whether you love him or hate him, if there’s
one thing to say about Philippe Starck, it’s that he truly has a gift
for always forcing an opinion out of everyone, on all levels. A
designer who has transformed the ‘product’ into an irresistible
icon, first making it accessible and then declaring it dead. But
today, he is a politician. One who is becoming an activist to
express worries about the subjects on everyone’s lips, such as
ecology and sustainability, in the way that suits him best. And he
is wasting no time, doing so at the beginning of 2019, a year in
which Kartell will celebrate both its 70th anniversary with a
combined exhibition in Palazzo Reale during Milan Design Week
and the production of Woody, his first collection of wooden
chairs. A few years ago, during one of this creative genius’
monthly meetings with Claudio Luti, Starck threw down a new
gauntlet he had been thinking about for about thirty years:
moulding comfortable armchairs made of wood. An idea met with
amazement. “Not because plastic was the only material my
company used. In the past, we have also developed designs with
metal, carbon and bioplastic. We experiment a lot, always on an
industrial scale. Innovation is a classic element of our company
strategy”, says Luti. But this total-wood project, completely
conceived by Starck, comes when both are convinced that the
time is right: the urgent need to protect the environment is
currently making it a must. “Claudio is a smart manager, a
professional with vision. And he immediately saw that if we don’t
begin asking ourselves questions about the future of the world,
we will pay for it later on”, says Starck. “Woody is not only eco
because it is made of wood, but because it is lightweight, iconic
and timeless at the same time: this is the only way to manufacture
today in a way that doesn’t hold the future to ransom. This is why
I feel like a new Robin Wood”, he reveals with a chuckle,
“because with this project we help make the world better.
Thinning down, subtracting, reducing is the new mantra. Rather
than a ‘luxury of less’ I would call it an ‘intelligence of less’. And
in fact intelligence is the new luxury. But I’d go further than that:
intelligence is the new sexiness”. P.C.
ALWAYS IN SHAPE/ Rediscover the projects of great masters
who after some time have lost none of their value: a tendency
which reaffirms itself in 2019. And waiting to find out which
re-editions will join the next news, here are the must-have of the
year just concluded chosen by Elle Decor: starting from the table
D.859.1 designed by Gio Ponti in 1959 for the auditorium of the
Time & Life Building in New York, today in the Heritage collection
of Molteni & C (molteni.it). Above, Ebano and Ulivo vases by
Nathalie du Pasquier for Memphis (memphis-milano.com); next to
it, the Monachella lamp, designed by Luigi Caccia Dominioni
1953, by Azucena (azucena.it). The carpet is Nello Spazio, by
the architect Umberto Riva for Tacchini Edizioni. On the ceiling
the Ventosa lights by A. and P.G. Castiglioni, 1962, reissued by
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Flos (flos.com). On the bottom, the elegant 905 chairs by Vico
Magistretti, 1964, back in production by Cassina (cassina.com).
The Niemeyer Center in Avilés, Asturias, Spain is the setting. P.B.
SMELL OF THE WORLD/ There is a whole world to smell and a
whole world to educate on how to smell. We learn this from Sissel
Tolaas, a Norwegian researcher and artist considered the
world’s leading expert on smells. Her experience ranges from
teaching at major universities, being shown in the most renowned
museums, collaborating with brands (Nasa, Sony, Adidas among
the many) and her SMELL RE_searchLab in Berlin, where she
managed to create an archive of over 7,000 real smells. This
year we will see her in many exhibitions, among them one at
Cooper Hewitt in New York, at the Center Pompidou in Paris and
at the Triennale ‘Broken Nature in Milan. In a digitized era where
devices do not give off essences, she claims that this is the main
form of communication. smell-laboratory.com V.R.
RIVER OF CULTURE/ This summer, the James Simon Galerie,
which takes its name from one of the most important patrons of
Berlin, will open to the public. The new building designed by
David Chipperfield will serve as an entrance to Museum Island.
The James Simon Galerie, with its colonnades of classic origin is
part of the master plan finalised in 1999 for the island on the river
Spree which hosts the five most famous museums in Berlin. As the
Chipperfield studio emphasises, “The architectural style adopts
elements linked to the architectures of the Museuminsel, such as
the colonnades and the external stairs, citing Schinkel, Stüler and
the other architects involved in the museum project.”
museumsinsel-berlin.de - davidchipperfield.com L.M.
TRUE BLUE/ A meditative dimension played on a blue palette,
elegant color, of high intensity. The vintage spirit of the Ile chair
by Gigi Radice Design for Minotti, in velvet, characterized by an
opening in the back (minotti.com), combined with the Anya pouf
by Fendi Casa, in bronze shadow metal with two-tone seat
(luxurylivinggroup.com); behind the wall, the Abal Pill mirror by
Matter Made (mattermade.us) reflects a work by Julien
Colombier (juliencolombier.wordpress.com), on the ceiling a
series of Feel elements by Sara Moroni for Penta, a modular
system of lamps and textile discs to modulate the light and sound
waves (pentalight.com). The carpet with embossed decor is
Spark, signed by Pietro Russo for London Art (londonart.it), the
glossy tiles inspired by the subway flooring belong to the Hello
collection by Marazzi (marazzi.it); at the bottom, coffee table
with metal legs and top in glassfusion Tetris, by Draga & Aurel for
Baxter (baxter.it), boots by Balenciaga. P.B.
CAMP AT THE MET/ Irony, humour, parody, artifice, theatrics
and exaggeration: the definition of the Camp aesthetic would
appear a perfect fit for many modern-day fashion proposals. It is
no coincidence that this year, the great exhibition staged by the
Costume Institute of the MET in New York is dedicated to the kind
of style which has truly permeated the most plaster-cast fringes of
the mainstream, by shamelessly overturning rules and standards.
The exhibition ‘Camp: Notes on Fashion’, will be preceded, on
May 6th, by the traditional charity gala dinner, attended by Lady
Gaga, Alessandro Michele, Anna Wintour, Serena Williams.
And then the exhibition will be opened (from 9/5 to 8/9),
beginning with the definition of Versailles as a ‘Camp Eden’, with
the ‘over the top’ ways of Louis XIV, the ultimate precursor of the
dandies, and then following the queer subculture of America and
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Europe until modern-day fashion. metmuseum.org V.R.
PEACE & LOVE/ A super concert is set to ring in the 50th
anniversary of the Woodstock Festival, which drew crowds of
over 400,000 people from all four corners of the States. It will be
held in Bethel, the same location in the state of New York, 69
kilometres south west of Woodstock. The 2019 edition will be
staged at the Bethel Woods Center for the Arts, in collaboration
with Live Nation and the Invnt agency from August 16 to 18.
bethelwoodscenter.org L.M.
CARTOON MANIA/ From the special attention shown
by great cultural institutions (see the exhibit of Zerocalcare on
show at MAXXI, until 10/3) to planetary diffusion, both on the
screens and in 3D form, to the characters of Marvel Comics, the
historic publishing house that turns 80 in 2019: this is the year of
cartoon mania. An exaggerated, colorful style that finds a
response in the world of design: like the Pablo storage unit, by
Elena Cutolo for Altreforme, Festa Mobile collection, a sort of
multi-colored traffic light (cm 180h, altreforme.com). Or the Egg
rug, a large sunny-side-up.egg in a textile version with fringes,
designed with the usual irony by the designer duo Studio Job for
Seletti (seletti.it). In tune with the comic style the armchair with
extra-soft shapes: Buddy by Manuela Busetti, Andrea Garuti and
Matteo Redaelli for Pedrali, to be combined with the poufs of the
same collection (pedrali.it). On the floor, Sikkens water-based
paint, color M3.47.29 (sikkens.it). P.B.
AFROFUTURISM/ This was a successful year for the Nigerian
artist now based in the UK capital, who along with the Pricegore
Studio, also won the design contract for the Pavilion of the
Dulwich Picture Gallery. The artist, who studied Furniture and
Product Design at London Metropolitan University, is specialised
in up-cycling vintage furniture, which he mixes and matches with
the traditional African fabrics of his childhood, turning each
element into a colourful, imaginative story. yinkailori.com L.M.
FUSED METAL/ It is the last frontier of metal: used
to create fluid and shimmering shapes to resemble liquid matter,
despite its intrinsic solidity. The Layout Separé sinuous screen with
waves in black painted aluminum by Alias, design Michele De
Lucchi (alias.design), interacts with the 139 Cotone Legno chair
by Bouroullec for Cassina, which combines extruded aluminum
for the frame and wood for the seat and back (cassina.com).
Chrome sparkling effect for Tavolotto, coffee table with thin
central support by Maddalena Casadei for Fucina’s Digest
Collection (fucinadesign.com), Black-Nickel finish for Minotti’s
Shields table, characterized by a cylinder shape divided into two
parts off-axis in a curved sheet of steel (minotti.com). Mariposa
suspended light, in reflecting steel with glass diffuser, signed by
Marcel Wanders for Roche Bobois (roche-bobois.com). Painted
walls with opaque decorative finish for Alpha Metallic interiors of
Sikkens, color T5.07.71M (sikkens.it). P.B.
DESTINATION, MARS/ Throughout 2019, all eyes will be on
Mars, the red planet which is currently warming the hearts of
scientists, businessmen, artists and designers. And the task of
collecting and presenting the sense of this new collective passion
has fallen to the London Design Museum, which is organising the
large exhibition ‘Mars’, curated by Alex Newson which places
design at the centre of the physical and emotional construction of
this great challenge laid down to humanity. From 16/10 to
1/3/2020. designmuseum.org V.R.
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