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Empire Spain - 01.2019

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РЕЛИЗ ПОДГОТОВИЛА ГРУППА "What's News" VK.COM/WSNWS
3
31/01/2019
ENERO 2019
$59.00
UNIVERSO DE SUPERHÉROES
É
DE M NIGHT SHYAMALAN
SUSPIRIA • MORTAL ENGINES • DEADLY CLASS
РЕЛИЗ ПОДГОТОВИЛА ГРУППА "What's News" VK.COM/WSNWS
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I DON'T SEE MY
MOVIES. I THINK IT'S
HEALTHIER AND SAFER
TO KEEP A BIT OF
DISTANCE. I'M AFRAID
TO BE DISAPPOINTED."
-bernardo
bertolucci
(1941-2018)
ST EMPEROR FUE
ERA PELÍCULA
EN COLABORACIÓN
GOBIERNO CHINO
1949.
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ENERO 2019
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ENERO 2019
3
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60
GLASS
Del clásico medianamente incomprendido
del 2000, M. Night Shyamalan vinculó después
Split, que fue un éxito, y la conclusión más
esperada es Glass, donde finalmente Mr. Glass,
The Horde y Daniel Dunn se enfrentarán por
primera vez.
L
68 SUSPIRIA
Son diferentes los motivos por los que
se hace un remake, y éste es uno de los más
emblemáticos que veremos por tratarse del
maestro Dario Argento contra el relativamente
novato Luca Guadagnino.
¡TE VA A FALTAR
PARED PARA
LO QUE TE
VAMOS A
REGALAR!
74 MORTAL ENGINES
EMPIRE platicó con el director y los
actores de esta distopía en la que las ciudades
navegan por el desierto consumiéndose unas a
otras en un universo creado por Peter Jackson.
78 LIN-MANUEL MIRANDA
Con motivo del estreno de Mary Poppins
Returns, Lin-Manuel cuenta su historia desde
el éxito de Hamilton, su paso por Moana y cómo
llegó a Mary Poppins.
92 LA HISTORIA DE MÉXICO
EN LOS OSCAR
Desde “el Indio” Fernández hasta Los tres
amigos, México siempre ha sido parte de
la fiesta de la cinematografía y ha ido ganando
espacio año tras año, desde breves
participaciones como presentadores hasta
ganar en las más importantes categorías.
06
SHAZAM
A ver cómo le va a DC con su primer
superhéroe que no puede ser oscuro ni vivir en
un mundo siniestro con aventuras terribles.
10
THE FAVOURITE
Las aventuras más punk de la reina
de Inglaterra, su favorita y una arribista de
nada malos bigotes.
14
LA BODA DE MI MEJOR AMIGO
En la era del remake nos vamos a un clásico
de 1997 que lanzó a Julia Roberts a las comedias
románticas y a Cameron Díaz al mundo. Veamos
cómo se adapta a la era moderna en México.
4
ENERO 2019
40
112
46
116
CREED II
Seguro disfrutaste la primera, y aunque
perdimos al director a manos del rey Tchalla, para
beneplácito de la gente de mayor edad regresa el
Ivan Drago de la 4ª entrega de Rocky,
sí, el que mató al papá de Adonis. ¿Cómo hacer de
una pelea entre el hijo del hombre que mató a su
padre algo que no sea una venganza? A ver.
AT ETERNITY’S GATE
Willem Dafoe como Vincent van Gogh es
algo que nadie querría perderse; no sólo viviremos
intensamente sus momentos más terribles sino
que nos conmoveremos ante el talento de un ser
humano extraordinario.
MISSION: IMPOSSIBLE, FALLOUT
Si algo vale la pena analizar de la última
entrega de la exitosa franquicia del señor
Tom Cruise es justo esta escena de pelea,
la más exquisita que habrás visto este año,
entre Tom, Henry Cavil y un maloso asiático
del que no importa su nombre.
THE CRITERION COLLECTION:
GHOST WORLD
Analizamos una de las bellísimas ediciones que
pertenecen a esta colección que toma lo mejor
de la cinematografía mundial, lo mejora, lo
comenta y lo adorna de manera que, como al leer
esta revista, el cine cobra vida.
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CARTA EDITORIAL
Empieza el año en el que se
culminarán muchos ciclos en
franquicias cinemátográficas
y veremos el probable fin de una:
la trilogía de M. Night Shyamalan
quien completa su historia de
villanos y superhéroes (?) con
Glass, la tercera parte después de
Split y Unbreakable, dónde por fin
La Bestia y David Dunn se
enfrentarán, pero sobre todo se
descubrirá lo que Mr. Glass cómo
titiritero de la historia tiene
planeado.
Después de 18 años tenemos un
final a esta esperada entrega de un
genio como Shyamalan y lo honramos con la portada de nuestra revista
EMPIRE.
Dentro también tenemos una espectacular infografía como ya es
costumbre y artículos muy interesantes sobre la próxima Shazam!, Mary
Poppins, American Story X, Mortal Engines y Suspiria, película que por
cierto, es nuestra portada para nuestros afortunados suscriptores.
También tenemos un feature muy interesante sobre la historia de los
mexicanos en el Oscar y qué tuvimos que pasar para estar ahí. Desde la
época de oro, pasando por la obscura decada de las ficheras hasta la
renovación con los tres amigos. Muy interesante.
Disfruten la revista.
durden
DIRECTOR EDITORIAL
durden@durden.news
EditorIAL
Ventas
Editor in Chief
José Alberto Sánchez
Directora General de Ventas
Marielos Rodríguez
Coordinador Editorial
César Hernández
ventasTBG@editorial.televisa.com.mx
Editora
Anaid Ramírez
Televisa publishing
international
ArtE
Director General
Porfirio Sánchez Galindo
Directora de Arte
Isabel Cisneros
Traducciones
VENTA DE SUSCRIPCIONES
Ary Snyder
01 800 222 2000
Corrección
Alberto Rafael Calva Hernández
ATENCIÓN A SUSCRIPTORES
01 800 REVISTA
01 800 738 4782
Online
Editor web
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PÁGINA WEB
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César Ovando
Edgar Rodríguez Huerta
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Creative Director
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PORTADA SUSCRIPTORES: EL MIL CHANGOS / ERIKA ARGÜELLO
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EN LA PENÚLTIMA EDICIÓN DEL
AÑO, #REVISTAEMPIRE TRAE EN
SU PORTADA A LAS MUJERES QUE
VEREMOS EN EL 2019.
@OMNI_BAT
HACE SUSPIRAR KHAL DROGO. AH
NO, DIGO AQUAMAN.
@HARLEIK
ESTE MES LA @REVISTAEMPIRE TUVO UNA EDICIÓN ESPECIAL DE LO QUE SE
VIENE PARA 2019. ¡UFF, VIENE CON TODO! BTW, DE MIS PORTADAS FAVORITAS.
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EMPIRE EN ESPAÑOL. Marca en Trámite Año 2 N° 22 Fecha de publicación: 27-12-18. Revista mensual editada
y publicada por EDITORIAL TELEVISA, S.A. DE C.V., Av. Vasco de Quiroga N° 2000, Edificio E, Col. Santa Fe, Del. Álvaro
Obregón, C.P. 01210, Ciudad de México, tel. 52-61-20-00, por contrato celebrado con Bauer Consumer Media Limited,.
Editor responsable: Porfirio Sánchez Galindo Número de Certificado de Reserva de Derechos al Uso Exclusivo del Título
EMPIRE EN ESPAÑOL: 04-2017-112309581500-102 de fecha 23 de noviembre de 2017 ante el Instituto Nacional del
Derecho de Autor. Certificado de Licitud de Título pendiente ante la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas
Ilustradas. Distribuidor exclusivo en México: Distribuidora Intermex S.A. de C.V., Lucio Blanco N° 435, Azcapotzalco, C.P.
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Reproducciones Fotomecánicas, S.A. de C.V. Durazno No. 1 Esq. Ejido Col. Las peritas, Xochimilco, CDMX C.P. 16010 Tel:
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PAR A Q U E O RGAN ICES TU AÑ O E N P ELÍ CUL A S
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ENERO 2019
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EMPIRE habló con
Zachary Levi y
el director David F.
Sandberg el 3
de abril de 2018.
¿Pero qué
rayos?
Conoce a Shazam, un
adolescente-superhéroe
decidido a divertirse.
POR BEN TRAVIS
OSCURA. TRISTE. CRUDA.
Shazam (Zachary Levi)
con Jack Dylan Grazer
como Freddie /
El villanísimo
Todas las palabras que asocias con el
Universo Extendido de películas de DC
(Man of Steel, Batman vs Superman,
Suicide Squad) le rebotan a Shazam!
como las balas a su héroe. El primer
tráiler del filme de David F. Sandberg
muestra un lado más ligero en el
repertorio de los superhéroes, con su
héroe canalizando la magia de sus
poderes para cargar los celulares
de la gente y dando unos pasitos de baile.
¡Imagínate a Batfleck haciendo eso!
Detrás de su apariencia de héroe es
sólo un huérfano adoptado: Billy Batson
(Asher Angel), de Filadelfia, quien al
decir la palabra mágica “¡shazam!” se
transforma en el cuerpo de un adulto
con poderes —en este caso, Zachary
Levi—. “Es cumplir deseos al más alto
nivel”, le cuenta Levi a EMPIRE. “Es de
verdad fantástica”.
Mientras Superman y Wonder
Woman tuvieron años para pulir sus
habilidades, Billy debe experimentar
para descubrir las seis suyas (su nombre
es un acrónimo de la sabiduría de
Salomón, la fuerza de Hércules, la
estamina de Atlas, el poder de Zeus, la
valentía de Aquiles y la velocidad de
Mercurio). “No tiene un manual, así que
debe descubrir qué tan poderoso es”,
explica Sandberg. Y después suelta la
bomba D, la palabra que más trabajo
cuesta aplicarle a la mayoría de las
películas del UCDC hasta ahora. “Hay
mucha diversión en él”. Diversión: un
superpoder que podría ser más valioso
que el resto de las habilidades de Shazam.
Dr. Thaddeus Sivana
(Mark Strong).
SHAZAM! SE ESTRENA EL 5 DE ABRIL.
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Rebote
Sabemos que en Estados
Unidos acostumbran hacer
sus versiones para no leer
subtítulos, y aquí la última.
POR OSCAR URIEL
¿REALMENTE NECESITAMOS
un remake de Miss Bala? Nos referimos
a aquella película mexicana del 2011
dirigida por Gerardo Naranjo la cual
convirtió a Stephanie Sigman en una
de las actrices en demanda (la mexicana
actualmente protagoniza el serial
televisivo S.W.A.T. ). Miss Bala era un
descarnado thriller que denunciaba la
corrupción dentro del sistema de justicia
mexicano, a través del relato de una
ingenua concursante de un certamen
de belleza quien corre con la mala suerte
de estar en el lugar equivocado en el
momento erróneo. Ahora llega una
nueva versión producida en Estados
Unidos encabezada por Gina Rodriguez
(Jane the Virgin) en el rol estelar.
“Se trata de una interpretación
totalmente distinta a la película
mexicana. Esta se acerca más a una
clásica cinta de acción. Pablo Cruz,
productor de la original, estuvo con
nosotros para asegurarse que estábamos
haciendo una versión conveniente.
De alguna manera tomamos la anécdota
de Gerardo y la transformamos para
convertirla en una producción de acción,
con un fascinante personaje femenino
como protagonista”, nos cuenta
Rodriguez en una entrevista telefónica
sobre su intervención en esta adaptación
que evidentemente cuenta con un
presupuesto superior al de la versión
de Naranjo.
De acuerdo con Rodriguez, el
ambiente durante el rodaje se sintió
como si se tratara de una producción
totalmente mexicana. Gran parte
del equipo de producción era latino salvo
la visión de la directora norteamericana
Catherine Hardwicke ( responsable
de títulos como Thirteen y la primera
entrega de Crepúsculo, entre otros).
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ENERO 2019
“Resulta fantástico ver a una
directora realizar una cinta de acción.
Hay una apreciación muy distinta
de las cosas, en particular el no exaltar
la sexualidad del personaje central
sino retratar a una mujer común
y corriente en medio de una situación
por demás violenta. Catherine estaba
más interesada en mi personalidad,
en mi carácter, que en la sensualidad que
podría provocar el rol de Gloria. Me sentí
cuidada todo el tiempo”, añade la actriz,
quien también considera que esta versión
de Miss Bala llega en un momento por
demás conveniente. Movimientos
sociales como #MeToo y la crisis
con los migrantes en la frontera de
México y Estados Unidos podrían darle
un carácter de urgencia a la película.
“Soy una actriz que cree que
podemos cambiar el mundo con el arte,
con una conducta intachable y con actos
de generosidad. Me siento orgullosa
de estar viviendo una transformación
en Hollywood que tiene que ver con
el empoderamiento femenino y con
las oportunidades emergentes dentro
de la comunidad latina. Hace algunos
años era imposible pensar que una actriz
con mis características fuera la
protagonista de una película, mucho
menos de una historia de acción. Hoy las
cosas son distintas. Me siento muy
orgullosa de ser parte de esta revolución”,
agrega Rodriguez, quien por cierto se
encuentra rodando lo que será la última
temporada del serial televisivo Jane the
Virgin.
“Siempre he sentido a México como
mi segunda casa. Mis fans mexicanos
son los más amorosos. Quiero decirles
que la última temporada de mi show es la
mejor de todas. Hemos regresado a los
fundamentos del principio de la historia.
Me emociona muchísimo concluirla
porque he hecho los mejores amigos
en Jane the Virgin. Hace apenas unos
días fui a cenar a casa de Jaime Camil,
a quien considero un gran amigo”,
puntualiza la actriz.
MISS BALA SE ESTRENARÁ EN CINES
EL 25 DE ENERO.
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Hay que
comprarle una
cartera a Miss
Bala en
su versión
Señorita Bullet
para Navidad
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EMPIRE habló con
Olivia Colman en su
casa, el 10 de
agosto, sobre su
nuevo rol de reina.
Un drama punk de época
Olivia Colman nos platica
sobre llevar la anarquía a la
monarquía en The Favourite.
POR IAN FREER
“SE PONE MUY LOCO”, dice
Olivia Colman. “Hay un momento en
el que agarran a toronjazos a un tipo
desnudo”, ejemplifica. Parece que
The Favourite no es la típica película de
época. “Me encanta. No quiero ver
dramas de época a menos que Yorgos
Lanthimos los haga. Prácticamente
puedes oler a lo que huelen: el aroma,
las salpicadas de pipí en las faldas. Es
suntuoso pero apestoso”.
Desarrollándose en la Inglaterra del
siglo XVIII, The Favourite tiene a Colman
10
ENERO 2019
interpretando a la reina Anne, cargada
con una obesidad clínica y un carácter
fuerte, gobernando con su amante
—no de ocasión— Sarah Churchill
(Rachel Weisz).
La relación de este par entra en crisis
con la llegada de una ambiciosa servidora
nueva, Abigail (Emma Stone), quien
busca ganarse el cariño de Anne. Como
podrías esperar del realizador griego
de The Lobster y The Killing of a Sacred
Deer, el subterfugio de la corte y el
ménage à trois está enclavado con todo
tipo de rarezas.
“Es un poco como si Bowie hiciera un
drama de época”, señala Colman. “Esta
gente tan rica y poderosa parece tener
grandes ratos en su día sin nada que
hacer, viven en el ocio, así que hacen
cosas realmente hilarantes para
entretenerse. Yorgos se divierte con ello y
lo hace tan ridículo como es posible”,
aterriza la intérprete.
La reina Anne también se deleita en
carreras de langostas y de patos. “Creo
que el pato principal se llama Jessica”,
ríe la actriz; “le gustaba que la abrazaran,
pero cuando la ponías en el piso salía
disparada”, recuerda.
La sensación de juego de Lanthimos
comenzó durante los ensayos. “Teníamos
que jugar rayuela mientras decíamos
los diálogos. No pensar tanto en ellos los
hizo más naturales”, explica Colman,
a quien seguramente veremos desfilar
por la alfombra roja durante esta
temporada de premios.
Ese no fue el único elemento natural
en esta producción. Inspirándose en
Barry Lyndon, de Kubrick, los interiores
de The Favourite están iluminados sólo
por velas. “Había un hombre que tenía
Rachel Weisz y Olivia
Colman son una dupla
ganadora en
The Favourite.
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un carrito con velas y una cubierta de
plástico para que no se apagaran. Fue
muy creativo”.
Colman ya había colaborado con
Lanthimos, interpretando a la gerente
del hotel en The Lobster (de 2015).
Él tiene cero tiempo para discutir las
motivaciones de los personajes, indica
Colman, pero el fuerte y desafiante
espíritu del director no necesariamente
es el mismo que el del hombre.
“Me encanta cuando alguien piensa
otra cosa”, comenta. “Él es muy alegre,
encantador y motivante, algo que quizá
no te esperas si sólo ves sus películas”.
La recomendación: nunca juzgues a un
realizador por su obra, o a una reina por
su pato de carreras.
Emma Stone te dará miedo
como Abigail / Un poco de
tensión entre la reina Anne
(Colman) y Sarah (Weisz).
THE FAVOURITE ESTARÁ EN CINES MEXICANOS
A PARTIR DEL 1 DE FEBRERO.
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ELDEBATE
UN TEMA UNIVERSAL,
OPINIONES DIVIDIDAS.
¿Hay condiciones
para impulsar
la carrera de
los no actores?
Después de su debut en cine, ¿los no actores
encuentran en la industria las condiciones para
desarrollar una carrera?
SÍ
ANA LUCÍA
ALTAMIRANO
COLABORADORA
DESDE HACE algunos años hemos sido
testigos de la aparición de muchos no actores en
películas de directores consolidados. No es que
no haya sucedido en épocas anteriores, pero
claramente hubo un auge mayor en las últimas
décadas —pregúntenle a Carlos Reygadas, por
ejemplo—. De este hecho se desprenden decenas
de discusiones y análisis en distintos sentidos,
pues ocurre no sólo en la escena nacional sino en
la internacional, haciendo que personas
desconocidas —hasta ese momento— se vuelvan
figuras renombradas al menos un tiempo.
Pasó, por ejemplo, en Brasil con Ciudad de
Dios (Fernando Meirelles, Kátia Lund, 2002),
12
ENERO 2019
filme que hizo al público y a la crítica poner sus
ojos en protagonistas nunca antes vistos en
la industria cinematográfica. Ocurrió también
en 2004, cuando Faith Akin echó mano de la
labor de Sibel Kekilli en su proyecto Contra la
pared. Asimismo sucedió en México, en 2013,
cuando Amat Escalante mezcló el trabajo de
actores profesionales, como Armando Espitia,
con un cartel de no actores en la cinta Heli, entre
ellos Andrea Vergara y Juan Eduardo Palacios.
Y así, sólo por mencionar algunas de
las varias cintas que han puesto hincapié en
el trabajo de intérpretes no profesionales,
muchos de ellos han continuado su camino
en la actuación, como en el caso de las dos
primeras películas que aquí cito.
El debate es amplio; estamos frente a un
fenómeno que nos hace reflexionar sobre la labor
de un histrión, su preparación para convertirse
en personajes, y el contraste de un no actor, que
sin preparación profesional reacciona ante los
estímulos de un contexto y un director logrando
resultados muchas veces plausibles. Sin
embargo, aquí lo importante es establecer
si la industria ha dado cabida a que ese trabajo
debutante sea el punto de partida para una
carrera, y como lo mencioné, en el caso de los
participantes de Ciudad de Dios, ocurrió,
de igual modo con Kekilli (a quien incluso vimos
en Game of Thrones). Es decir, aunque no
estemos hablando de una generalidad, sí hay
muchos casos en los que la industria ha
proporcionado oportunidades para que estas
personas desarrollen una trayectoria.
Por lo tanto, sí es posible, sin afirmar que sea
el camino para todos que una primera cinta no
sólo cumpla con poner frente al lente a un actor
natural, como también se les refiere; además
ofrece la oportunidad de abrir panoramas y
considerar una profesión, una más apegada
al arte, que posiblemente la persona en cuestión
no había vislumbrado.
Sin duda existen múltiples ejemplos que nos
llevan a reflexionar en lo positivo y en lo
negativo, y es claro que el tiempo nos hará
ahondar en casos de mayor impacto, como lo que
actualmente vemos con Yalitza Aparicio,
la profesora de preescolar convertida en actriz.
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NO
CÉSAR HERNÁNDEZ
COORDINADOR
EDITORIAL
EXISTEN MÚLTIPLES ejemplos de lo que
un no actor puede aportar a una historia y, por lo
general, es muchísimo más de lo que obtiene. En
primera instancia se trata de personas comunes
que no deseaban un lugar en el mundo del cine
y que lo obtuvieron por sus características
físicas, para brindarle veracidad a un relato.
El tema es relevante en la actualidad por
el éxito inusitado de Yalitza Aparicio, que es de
analizarse porque representa a la mayoría de las
situaciones en las que un director impulsa a un
no actor, y lo procura y protege tanto, que acaba
dando una actuación ejemplar, como sucede con
Aparicio y ha ocurrido con muchas personas que
de manera fortuita llegaron al mundo del cine.
Pero ¿qué pasó con ellas? Todo indica que se
quedaron en el olvido.
Posiblemente es una situación diferente
cuando se toman niños para aportar naturalidad
a los personajes, como hizo Issa López en
Vuelven. En el caso de los pequeños, ellos pueden
continuar su aprendizaje y tomar papeles
secundarios que eventualmente se conviertan
en una carrera cinematográfica.
Mi argumento no se basa sólo en que la
industria mexicana del cine es racista y clasista,
como todo en México, y existen muchos casos en
los que es difícil hacer una carrera —de cualquier
tipo— cuando se tiene cierto aspecto físico; de
hecho, considero que hemos avanzado en ese
sentido y se aprecia más el arte de la actuación.
El asunto es que un actor entrenado, o de
escuela o con experiencia, está preparado para
representar cualquier tipo de papel, y el no actor
funciona al revés, porque así fue como se le
descubrió y para eso se le entrenó.
También hay algo que nos duele notar pero
es un hecho: si los directores eligen un actor
natural por sus marcadas características físicas,
justo los encasillan desde ese momento y sería
difícil que le den a ese no actor (ahora ya con una
película de experiencia) el mismo papel en otra
cinta similar.
No es que no me imagine a Yalitza Aparicio
en otro atractivo personaje, principalmente si
aprovecha el enorme revuelo mediático que se ha
provocado a su alrededor; pero justamente logró
eso porque fue elegida por lo que ella es. Yalitza,
así como otros no actores, es perfecta para ese
papel, pero ¿para otros?
Ese es mi punto, a menos que Aparicio
exprima esta experiencia al máximo y luego se
prepare muchísimo para desprenderse del
personaje de Cleo y demuestre que puede hacer
cualquier otro rol, la industria no podrá hacer
uso de ella. Obvio en ese caso su espontaneidad
como actriz natural ya no podrá ser explotada
porque, al prepararse, dejará de ser lo que la hizo
famosa: una no actriz.
Es complicado porque no deseamos verla
toda la vida haciendo de empleada doméstica,
y sí queremos disfrutarla más en lo que sea.
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THE MANDALORIAN
Llega la primera serie de televisión
live-action del universo Star Wars.
¿La Fuerza estará con ella?
1
__ The Mandalorian se desarrolla varios años después de
los eventos de Return of the Jedi —por lo tanto, décadas antes
del surgimiento de la Primera Orden en The Force Awa
akens—.
Con la Nueva República todavía tratando de compren
ender
las ramificaciones del final del Imperio, el escenario
o está
puesto para una era de anarquía donde no aplican
an las reglas
(y si Star Wars no se sintiera de por sí como el Viejo Oeste,
seguro que con ésta lo sería). La única partee del canon que
intersecta con esa línea de tiempo es la novela
el Last Shot,
t de
Daniel José Older, que muestra más aventturas
ras de Han Solo y
Lando Calrissian, así que es poco proba
ob ble qu
ue The Mandalorian
comparta líneas narrativas.
2
___ Jon Favreau, director de Iron Man y Jungle Book, será
el jefe y guionista de la serie, pero al menos en la primera
temporada no va a dirigir. Favreau tiene experiencia con los
mandalorians, habiéndole dado voz a Pre Vizsla, líder del grupo
separatista mandalorian Death Watch en la serie animada Star
Wars: The Clone Wars (también le dio voz a Rio Durant,
el piloto alienígena en Solo: A Star Wars Story).
y Decir que
el realizador está emocionado es poco: “Si cuando tenía 11 años
me hubieras dicho que yo estaría contando historias que
ocurren en el universo de Star Wars, no te habría creído”.
3
___ Hasta ahora, la trama está blindada hasta los dientes. El 3
de octubre Favreau posteó en Instagram: “Después de las
historias de Jango Fett y Boba Fett, otro guerrero emerge en el
universo Star Wars... Seguimos las aventuras de un pistolero
solitario en los límites de la galaxia lejos de la autoridad de la
Nueva República...”. El título se parece a los westerns de
televisión con los que Favreu creció, como The Virginian. En
entrevista con Nerdist,
t él ha sugerido que la serie presentará
sólo personajes nuevos (ni modo, Watto).
14
ENERO 2019
4
__ Para los que no lo saben,
los mandalorians son una raza que reside
en el planeta Mandalore, en los
Territorios del Anillo Exterior. Son
guerreros conocidos por sus tenaces
habilidades de pelea y sus armaduras
súper cool (piensa en Jango y Bobba
Fett), y que resultaron una astilla en los
traseros de la Orden Jedi en la Vieja
República. Como raza, hay grupos
separatistas (quizá veganos) que
deseaban un Mandalore más pacífico.
La raza tiene un lugar destacado en
Star Wars: The Clone Wars y lealtades
con el Shadow Collective de Darth Maul,
el grupo que tuvo un cameo
desconcertante en Solo: A Star Wars
Story. Así que hay muchas líneas
y temas que pueden encajar bien
en la serie.
5
__ Kathleen Kennedy, presidenta
de Lucasfilm,
y Favreau, han juntado un
magnífico equipo de
realizadores para guiar esta
producción televisiva.
Dave Filoni, el gurú de
animación tras Star Wars:
The Clone Wars y Star
Wars: Rebels, por fin
estrena con acción real, y
aparentemente dirigirá dos
episodios, incluyendo el
inicial. Deborah Chow (Mr.
Robot, Better Call Saul, Jessica
Jones) y Rick Famuyiwa
(director de la excelente película
РЕЛИЗ ПОДГОТОВИЛА ГРУППА "What's News" VK.COM/WSNWS
independiente Dope) también están a
bordo, supuestamente con dos episodios
cada uno. Pero
quizá una directora no muy popular
es quien haya provocado más sorpresa.
Bryce Dallas Howard, quien hasta ahora
tiene sólo cortometrajes en su CV, se
unirá a su padre Ron (director de Solo:
A Star Wars Story) en una galaxia muy,
muy lejana. Y el genio Taika Waititi
(Hunt for the Wilderpeople, Thor:
Ragnarok) está confirmado como
director, y todo parece indicar que se
encargará del final de la temporada.
6
__ Hasta el momento no hay nombres
que se hayan confirmado oficialmente
para el elenco de The Mandalorian, ni
siquiera Warwick Davis. El sitio Making
Star Wars, que tiene un récord decente
de rumores, sugiere que Pedro Pascal
(estrella de Narcos, y Oberyn Martell, en
Game of Thrones) está al frente para
obtener el papel principal. Otro rumor
más raro sugiere que Werner Herzog
protagonizará. El realizador del Nuevo
Cine Alemán convertido en renta-unvillano le dijo a Indiewire que
estelarizaría “una producción enorme, de
franquicia, sobre la cual se supone que no
diga nada”, con nombre clave ‘Proyecto
Huckleberry’. La atención se dirigió a
The Mandalorian cuando miembros del
equipo técnico fueron vistos con gafetes
que decían Huckleberry. Herzog como
villano oscuro sería fenomenal, pero
nada está confirmado.
7
__ Afortunadamente, quien sí está
confirmado es el director de fotografía
Greig Fraser. Fraser
le dio a Rogue One su aspecto distintivo:
oscuro, mezquino y caprichoso, con una
dosis de cámara en mano.
8
__ The New York Times reportó que la
serie tendría 10 episodios con un
presupuesto de 100 millones de dólares.
Sin embargo, después se redujo a ocho
episodios. Parece que The Mandalorian
no perderá tiempo con rellenos
—¡gracias!— y será asesina (a sueldo).
9
__ Con la grabación ya en progreso en
California, The Mandalorian aparecerá
exclusivamente en la plataforma de
streaming de Disney. El servicio
competencia de Netflix, que aún no tiene
nombre, se lanzará en algún punto de
este año. IAN FREER
ENERO 2019
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El director Peter
Farrelly al lado de
Viggo Mortensen en
el set de Green Book.
Peter Farrelly habló
por teléfono con
EMPIRE desde
Boston el 2 de
octubre, después
del festival de cine
de Zurich.
“Estoy ejercitando
otro músculo”
De cómo Peter Farrelly, el ducho
director de comedia, cambió
al drama en Green Book.
POR JOHN NUGENT
LA ÚLTIMA PELÍCULA de Peter Farrelly
tenía una escena en la que dos hombres de edad
mediana compiten con ventosidades. Su nueva
cinta, Green Book, es muy distinta: cuenta la
historia real del pianista afroestadounidense
Donald Shirley en gira por el sur de Estados
Unidos, durante los años 60, con el chofer
italianoestadounidense Tony ‘Lip” Vallelonga.
Mejor conocido por ser un tipo alocado
(Dumb and Dumber, There’s Something About
Mary, Shallow Hal), es claro que ese no fue
siempre su plan. “Después de nuestras primeras
comedias, seguramente dije que hiciéramos
un drama”, dice entre risas. “Pero no lo hicimos.
Es como enamorarte: no planeas estas cosas”.
No es sólo una dirección nueva muy
significativa: también marca la primera película
sin su hermano Bobby, quien por razones
personales se ha alejado de la realización de cine.
“Para ser honesto, no fue tan diferente de
dirigir una comedia”, comenta Farrelly sobre
16
ENERO 2019
el cambio de género. El verdadero reto
fue el proceso de escritura: al escribir el guion
con Brian Currie y Nick Vallelonga (hijo del
verdadero Tony Lip), Farrelly debía contenerse.
“Mi tendencia es ir tras el chiste”, acepta.
“Siempre me repetía: ‘No, esta es una película
diferente. Tenemos que ser fieles a la historia’”.
Quizá no haya competencias de flatulencias
aquí, pero eso no significa que la historia no
tenga cierta ligereza. “Estoy ejercitando otro
músculo. El humor es sutil y provocado por los
personajes”, señala.
Mucho de eso tiene que ver con sus
dos actores principales, Viggo Mortensen
y Mahershala Ali, quienes se echan a andar uno
al otro de una manera encantadora tipo The Odd
Couple; el primero como un bonachón medio
tonto y el segundo como un fanático de
la gramática. “No me esperé las carcajadas que
hemos recibido”, acepta Farrelly. “Y son
resultado de la actuación. La reacción de
Mahershala a lo que hace Viggo es genial”.
Pero si hay un elemento consistente en
las cintas de Farrelly es el del viaje en carretera.
Esta es su quinta o sexta película en carretera,
dependiendo de tu definición; aquí los
personajes usan el “Negro Motorist Green Book”
(algo como la Guía Roji) para navegar el hostil
Estados Unidos. Farrelly admite que le fascina
la carretera, y ha cruzado Estados Unidos 22
veces (“16 solo”), y esa es la única similaridad que
esta película tiene con Dumb and Dumbrer.
“Hago notar mucho el auto, pero no es un tema
conscientemente recurrente”.
Ganándose una excelente recepción
en el Festival de Toronto, Green Book obtuvo
el People’s Choice Award —uno importante
para los Oscar—. ¿Cómo se siente respecto
a la temporada de premios? “Por supuesto.
¡Quiero ganar!”, y ríe. “No, estoy bromeando.
No pienso en ello. Sólo espero que Viggo
y Mahershala obtengan lo que merecen;
no creo que actualmente haya dos actores
mejores que ellos”. Es indudable que de competir
en ventosidades a competir por el Oscar hay
unos buenos kilómetros de diferencia.
GREEN BOOK SE ESTRENA EL 22 DE FEBRERO.
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TRAILER PARK
ES MÁS FÁCIL ESTACIONAR UN 18
RUEDAS EN REVERSA QUE ELEGIR
QUÉ VER EN EL CINE O LA TV. PERO
UN BUEN TRAILER AYUDA.
AVENGERS: ENDGAME
Nada supera la angustia por presenciar
el último mensaje de Tony Stark a Pepper
Potts, diciéndole que siempre se trató de
ella. Aunque Stark está perdido en
el espacio, sólo ese mensaje importa.
GAME OF THRONES
Sí, el trailer no nos dice nada, y así nos
tienen desde hace ¿cuánto?, ¿seis años?
Aún así fibrilamos por escuchar la música
y ver cómo el fuego se une con el hielo, lo
que nos prepara para los siguientes seis
años de invierno en lo que se estrena.
SEGUNDO
CHANCE
Los productores de la nueva
cinta Veinteañera, divorciada
y fantástica nos adelantaron
algunos puntos sobre ella.
POR ANAID RAMÍREZ
TOY STORY 4
Excelentemente bien hecho este teaser
que nos presenta a todos los muñequitos
que ya conocemos al ritmo de judy Collins
y su Both Sides Now mientras
descubrimos a un nuevo personaje.
LUEGO DE ATESTIGUAR cómo Treintona,
soltera y fantástica atrajo la mirada de 2.9
millones de personas durante su paso por
la cartelera comercial, los productores Juan
Manuel Flanders y Beto Flores no dudaron
en aprovechar el éxito, y el pasado octubre
anunciaron la producción de Veinteañera,
divorciada y fantástica, que dirigirá Noé
Santillán-López. “No es una secuela, pero
sí podrían compartir el mismo universo,
pues está un poco inclinada al mismo tipo
de historia: una mujer en crisis, en este caso
que atraviesa por un divorcio y se lanza a la
aventura”, explica Flores. Pero ¿qué más
podemos esperar en esta cinta?
Casos de la vida real
A diferencia de Treintona, la nueva cinta no
está basada en la publicación de Juana Inés
Dehesa, aunque sí se tomaron como
referencia anécdotas de personas cercanas
a los productores. “Bromeábamos que está
basada en hechos reales”, cuenta Beto.
“Mi hermana se divorció a los 24 años; varias
amigas nuestras también, a los 25 o 26,
tuvieron estos fracasos amorosos”, menciona
Flores no con el afán de balconear a sus
conocidos sino para explicar un poco cómo
se desarrollará la trama. “Pero lo vieron como
una experiencia que las volvió más fuertes
y ahora, años después, se convirtieron en
personas más sólidas y más preparadas
para las siguientes aventuras de la vida”.
Una nueva chilanga
A diferencia del filme anterior, que se rodó en
la Perla Tapatía, Veinteañera se desarrollará
en la Ciudad de México. Regina, en la piel de
Paulina Goto, es una joven “que considera el
divorcio como un tabú y no lo quiere afrontar,
siente que es un fracaso”, explica Flores.
Ante esto, ella decide dejar Guadalajara para
instalarse en la capital del país, y eso “la hace
todavía más vulnerable, es como un pez fuera
del agua”, agrega Juan Manuel. Además de
la tragedia personal, la adaptación de Regina
a su nuevo hogar también será motivo de
risas, pues deberá acostumbrarse al tránsito,
a las rentas caras, a vivir con roomies y a
las quesadillas sin queso.
Un universo expandido
Aunque las historias de Treinteañera
y Veinteañera son distintas entre sí,
los productores consideran que es el mismo
universo y sentaron los elementos que
identificarían ambos filmes. “Lo hemos
uniformado en que muchas de las crisis
de la vida, la mejor manera de afrontarlas,
es con humor. El personaje se enseñará
a liberarse y relajarse, a decir que si viviste
un momento trágico le puedes dar un nuevo
significado si maduras, lo asimilas y lo
enfrentas”, aterriza Beto. “Y que de los
fracasos se aprende”, señala Flanders, “esa
es otra de las cosas que tienen en común las
dos cintas, son mujeres que sienten que
fracasaron y finalmente se dan cuenta de que
crecieron al enfrentarse a esos tropiezos”.
VEINTEAÑERA, SOLTERA Y FANTÁSTICA
SE ESTRENARÁ A FINALES DE 2019.
ENERO 2019
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Había una
vez en
Westeros
POR DAN JOLIN
__
LA LARGA NOCHE
Este era el título del piloto, de acuerdo
con George R.R. Martin (y negado por
HBO), que se refiere al invierno
cataclísmico que cayó en su mundo unos
6 a 8 mil años antes de los eventos de
Game of Thrones.
2 __ LA LLEGADA DE LOS
OTROS
La línea oficial de HBO menciona “el
verdadero origen de los White Walkers”,
también conocidos como Los Otros,
quienes llegaron hacia el sur desde las
Tierras del Eterno Invierno e invadieron
Westeros durante La Larga Noche.
Como sabemos por la última temporada
de Thrones, los White Walkers fueron
creados por la antigua gente de los
bosques, Los Niños (The Children),
en respuesta a los crímenes contra la
naturaleza cometidos por los Primeros
Hombres de Westeros. Así que la nueva
serie podría clavarse en ese conflicto
humano/criatura mítica además de en la
subsecuente fundación de los Vigilantes
de la Noche y la construcción del Muro
para repeler a Los Otros (algo que suena
taaaan trumpiano...).
3 __ EL REY Y LA REINA DE LA
NOCHE
Otro hilo narrativo posible podría ser
la caída del 13er Lord Comandante de los
Vigilantes de la Noche, quien, según las
leyendas de Westeros, se enamoró de una
18
ENERO 2019
mujer “con piel tan pálida como la luna
y ojos como estrellas azules”.
Se convirtió en el Rey de la Noche
tomando el lado de Los Otros,
corrompiendo a los Vigilantes y
reinando el fuerte durante 13 años.
Esa misteriosa hechicera podría ser
el “papel carismático” que sabemos
ha aceptado Naomi Watts.
4 __ LOS PRIMEROS STARK
Sí, 8,000 años antes de que Ned
perdiera la cabeza, había Starks. Pero en
esa época eran conocidos como Los
Reyes del Invierno, una dinastía ruda
y aguantadora que podría haber
producido héroes como Brandon
El Constructor (quien construyó el
Muro y fundó la Casa), pero
mantuvo al Norte bajo la fuerza
brutal durante generaciones.
Interesantemente, la rivalidad de la
Casa Stark con la feliz Casa Bolton
comenzó durante La Larga Noche.
5 __ ¿BIENVENIDO A YI-TI?
La mención de HBO de “los misterios
del Este” podría no referirse de
hecho a Essos, sino que quizá nos
lleve más al Oriente hasta, bueno, al
Oriente Lejano y la nunca vista nación
de Yi Ti. Aquí, según el mito, la Larga
Noche fue provocada por un tirano
sacrílego conocido como el emperador
Bloodstone, quien renunció a los dioses
de Yi Ti y fundó un culto caníbal.
Es difícil ver cómo podría esto
entrelazarse creíblemente con todos
los líos congelados del Norte, pero
cuadra con las insinuaciones de
HBO de que veremos algo
completamente nuevo en esta serie.
LA PRECUELA DE GAME OF THRONES
INICIARÁ SU PRODUCCIÓN ESTE AÑO.
Ilustración: Kerry Roper
La precuela de Game
of Thrones está por llegar.
He aquí cinco líneas
narrativas mientras esperas.
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S.W.A.T. EN
LA CDMX
En el set con Stephanie
Sigman y Lina Esco en uno
de los capítulos de la serie.
POR ADRIÁN RUIZ
AUNQUE EL FRÍO HABÍA
arreciado en la Ciudad de México días
antes, todo indica que la naturaleza y el
clima se pusieron a favor de S.W.A.T. para
el rodaje de su segunda temporada, pues
desde la mañana el día irradiaba sol de
palmo a palmo. Una terraza cercana al
Templo Mayor, donde se puede leer la
carta que Hernán Cortés mandó a España
en la que decía sentirse asombrado por la
belleza y esplendor de la arquitectura
mexica, fue el marco donde se filmó uno
de los capítulos de esta emisión.
Con un equipo de producción vasto,
que abarcaba unos ocho camiones, a
temprana hora comenzaron los ensayos.
Se podía ver a Stephanie Sigman, quien
da vida a la capitana Jessica Cortez,
aprendiéndose sus líneas y también un
par de pasos de baile —la salsa y la cumbia
se le dan bien—; ello sugiere que en esta
segunda entrega conoceremos más a
fondo la psique de su personaje.
“Jessica tiene ganas de volver a lo que
hacía antes de estar en S.W.A,T., y eso es
lo que vamos a filmar en estos días. En la
segunda temporada vamos a ver cómo
llegó a ser la capitana de S.W.A.T., porque
es una posición muy difícil de conseguir y
más aún de mantener. Se abordará cómo
balancea trabajo y vida personal, el
ambiente masculino, ser mujer. La
veremos ser tía”, contó Sigman
a EMPIRE antes de rodar esas escenas.
En la escena que presenciamos,
Sigman está acompañada por dos
personas más “echando fiesta” y poco
a poco la terraza se llena de extras.
Al parecer se está recreando un ambiente
de desparpajo latino: algunos bailan,
otros charlan, beben, los meseros
reparten los tragos, y en medio de la toma
aparece Sigman tratando de buscar a
alguien. Como instantes antes unos
hombres habían pasado con pistolas,
todo indica que será una escena de
una escapada de diversión con altas
dosis de adrenalina.
“Jessica es un personaje complejo,
no es la típica policía ruda, es badass.
Al mismo tiempo es mujer, le gusta verse
guapa; una cosa no está peleada con la
otra, yo no veía eso antes, o se veía una u
otra cosa”, reflexionó la actriz mexicana.
Antes del rodaje, EMPIRE también
platicó con la estadounidense Lina Esco,
quien da vida a la agente Chris Alonso y
expresó su entusiasmo por filmar en la
CDMX. “Amo estar aquí, me encanta que
rodemos en lugares coloniales de la
ciudad. Me emociona mucho”. Asimismo,
la intérprete hizo hincapié en que S.W.A.T
se ha caracterizado por explorar temas
relevantes sociales y políticos, hecho que
continuará en esta segunda temporada.
“Abordamos temas como los tiroteos
en las escuelas, que es muy importante
ahora; la salud mental, el racismo,
tuvimos un episodio donde hablamos
del DACA. Tratamos de abordar aspectos
relevantes en Norteamérica, el racismo
no se acaba, la violencia tampoco. Todos
los temas me preocupan, pero el racismo
me enerva”, refirió.
LA SEGUNDA TEMPORADA DE S.W.A.T. SE
ESTRENARÁ EN JUNIO POR FOX CHANNEL.
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MOSTRAMOS HOY A LAS
ESTRELLAS DEL MAÑANA.
DANAE REYNAUD
POR ADRIÁN RUIZ
¿Cómo es tu personaje en Lady Rancho?
Camila es una chica que ha sido consentida,
y a pesar de que sus papás la educaron bien,
hay caminos que emprendió sola debido a su
entorno y por distracción de muchas personas.
Al inicio ella es egoísta y superficial en sus acciones,
tal vez no en sus sentimientos, tiene una coraza que
no le permite ser sensible a muchas cosas.
¿Cómo te quedaste con Camila?
Fue raro y muy rápido. Me dijeron que querían
verme, yo no sabía si era un casting. Cuando fui a
platicar con Mineko (Mori) y Rafa (Montero) no me
contaron de qué trataba la película, recuerdo que salí
de las oficinas sin entender si era un casting, si lo iba
a hacer, o si ya era yo. Después me llamaron
y entendí que sí querían que yo fuera Camila.
¿Cuál es la primera audición que recuerdas
haber hecho en tu vida?
Fue para un cortometraje del CUEC, yo tenía 10
años. Era para un corto que se llama Ana.
¿Recuerdas tu primer papel?
Fue a los seis años en una pastorela, en unos talleres
que tomaba. Pero profesionalmente fue a los nueve,
en una obra de José Antonio Cordero, que era una
adaptación muy extraña audiovisual de Casa de
muñecas de Henrik Ibsen.
¿Cuáles son tus directores favoritos?
De la vida… me encantan los hermanos Bardem
y Edgar Wright, su lenguaje es muy interesante.
(Alonso) Ruizpalacios me encanta, vi Museo como
tres veces. Laura Baumesiter, hice un corto con ella
pero nunca un largo.
¿Quién ganaría en una pelea, un pato del
tamaño de un caballo o cien caballos
del tamaño de un pato?
Definitivamente 100 caballos del tamaño de un pato.
Los caballos tienen más destreza.
LADY RANCHO SE ESTRENA EL 4 DE ENERO.
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ENERO 2019
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“Alfinal,
todossomos
migrantes”
Charlamos con Isidoro Hamui
sobre la edición 16 del
Festival Internacional de Cine
Judío en México.
POR LALO ORTEGA
“ES PROBABLE QUE SI LE preguntas
a alguien de dónde eran sus abuelos, dirá que
no eran de la Ciudad de México”, adelanta
Isidoro Hamui, director del Festival
Internacional de Cine Judío en México
(FICJM), sobre la temática que será
denominador de la selección oficial en su
edición de 2019: la migración.
Con el paso de la caravana migrante por
México aún fresco en la memoria, resulta una
coincidencia de lo más oportuna pues, como
cuenta Hamui en entrevista con EMPIRE,
el tema se decidió hace año y medio.
Él considera que se trata de un asunto que
siempre moverá a la gente: “Al final, todos
somos migrantes, todos vamos de un lugar
a otro en busca de mejores oportunidades”,
menciona Hamui.
El eslogan del 16º FICJM, “Un festival
sin fronteras”, no sólo es una declaración de
intenciones; bien podría referirse a más que
las fronteras físicas. En su edición previa, el
festival registró más de 60 mil asistentes en
el año. La mayoría fueron menores de 40
años, y más de la mitad no pertenecían a
la comunidad judía.
“El Festival de Cine Judío no es para
judíos, es para mostrar la diversidad de
México”, sostiene el director. Como es lógico,
los filmes en la selección tocan temas de
la tradición judía, pero con historias que
podrían pasar bajo nuestro propio techo.
“Todos somos iguales, tenemos los mismos
problemas”, afirma Hamui.
Así, además de los asuntos políticos,
el festival presenta filmes que abordan temas
que van desde la imaginación infantil a la
diversidad sexual. Por ejemplo, la
estadounidense Pinsky trata de una chica
lesbiana cuya familia judía conspira para
relacionarla con un chico de su comunidad.
La israelí Tel Aviv en llamas —premiada
en el Festival de Venecia— es una comedia
sobre un joven palestino que conoce por
casualidad a un soldado de Israel, y se
convierte en escritor de una popular
telenovela. “Es curioso ver una película
fondeada por el gobierno de Israel que trate
desde la comedia el lado palestino del
conflicto en Medio Oriente”, puntualiza.
La segregación, y la lucha en su contra,
también se hacen presentes con Los
disidentes, cinta acerca de la formación del
partido ortodoxo para reivindicar a los judíos
árabes o sefardíes, ante la hegemonía de los
judíos ashkenazis europeos.
En total, la selección oficial se conforma
por siete largometrajes, con otros títulos
como Vaca roja, Ser niño de nuevo, El árbol de
higo y El desafío. Para su disfrute, el FICJM
lanzará un cinebono de cuatro boletos por
159 pesos. “Una película para cuatro amigos,
o cuatro títulos para un cinéfilo que quiera
pasarse el día en el cine”, es la entusiasta
invitación de Hamui.
EL 16º FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE JUDÍO
EN MÉXICO SE LLEVARÁ A CABO DEL 18 DE ENERO
AL 07 DE FEBRERO.
ENERO 2019
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EMPIRE habló con
la directora
Marielle Heller por
teléfono desde
Pittsburgh,
Pennsylvania,
el 5 de noviembre.
Una mujer
muy seria
El nuevo drama sobre falsificaciones
que le dio a Melissa McCarthy su primer
gran papel fuera de la comedia.
POR JOHN NUGENT
22
ENERO 2019
ESPERAMOS cierto tipo de películas
de Melissa McCarthy desde que en 2011,
Bridesmaids la lanzó al estrellato.
La intérprete ha realizado comedias
enormes y locas a un ritmo prolífico,
pero su último filme, Can You Ever
Forgive Me?, se sale por completo del
molde. Es un drama tragicómico que ya
la puso entre las favoritas en la carrera
por el Oscar para Mejor actriz.
“Creo que ella sabía que era un tipo
de película diferente y su acercamiento
fue desde una perspectiva distinta”,
señala la directora del filme, Marielle
Heller —por cierto, es su segundo
largometraje, después de la excelente
The Diary of a Teenage Girl—.
Adaptada de las memorias del mismo
nombre de la autora neoyorquina Lee
Israel, una mujer no complaciente
a quien “le gustan los gatos más que
la gente”, cuenta una historia triste
y tranquila sobre la soledad urbana
y lo que Heller describe como “el talento
menos correspondido: el dolor de ser
artista no reconocido”.
Autora y biógrafa exitosa en las
décadas de los 70 y 80, su inspiración
terminó en los 90. Desesperada, comenzó
a falsificar cartas de sus héroes literarios
y a venderlas por grandes cantidades de
billetes verdes.
Para Heller, la cinta tiene un
equilibrio perfecto que permite generar
simpatía por una misántropa criminal.
“No quieres ablandar a nadie para que
sea agradable”, explica Heller, “pero es
importante que entendamos sus motivos.
Me pareció completamente fascinante”.
Esto no significa que no haya humor
aquí. Israel tenía una mente ferozmente
aguda y un ingenio salvaje, y muchas
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PLÁTICA
DE ELEVADOR
CAREY MULLIGAN
Supimos que acabas de aprobar
tu examen de manejo.
¡Así es!
¿Para qué me
alcanza? / Amigos
que te acompañan
en las buenas y en
las malas / Lee
Israel (Melissa
McCarthy) no
quiere dejar huella
/ Jack (Richard
E. Grant), atento
de que no haya
pájaros en
el alambre.
de las escenas más divertidas resultan
de la interacción de ella con su único
amigo no felino, Jack, interpretado por
Richard E. Grant en un papel glorioso
tipo Withnail. “Yo era una gran seguidora
de Withnail and I”, argumenta Heller,
“así que tuvimos mucha suerte de que
Richard aceptara”.
Sin embargo, los devotos a McCarthy
que esperen su rutina habitual deben
estar prevenidos. “Me preocupaba que
sus fans pudieran no querer verla
haciendo algo tan diferente”, admite
Heller. “No es por lo que el público la
reconoce, pero Melissa siempre estuvo
de acuerdo con esto”.
Así que, prepárate para que tus
expectativas salgan volando.
¡Felicidades! ¿Cómo te fue?
No fue fácil. Había reprobado cinco
veces. La primera vez fue por Never
Let Me Go. El director Mark
Romanek insistió en que aprendiera
a manejar un auto estándard. No
tenía licencia así que me pusieron
en un curso intensivo una semana.
Reprobé a los tres minutos de
iniciado el examen. Luego volví a
Reino Unido y tomé mis otros dos
exámenes cuando tenía nueve
meses de embarazo de mi hija.
Reprobé ambos, lo cual fue trágico.
Después hice dos más cuando tenía
nueve meses de embarazo de mi
hijo. Los reprobé también. Pero este
año pensé: “Voy a lograrlo. Voy a
tomar un curso intensivo”. Así que
lo hice con un instructor de manejo,
Noel —mi persona favorita en el
mundo—, ¡y pasé! Cambió el juego.
¿Eres ahora una conductora
confiada?
¡Acabo de pasar un mes manejando
en Los Ángeles! ¡Y en el lado
equivocado del camino!
¿Incluyó manejar en carretera?
Sí, manejé en carretera, aunque me
iban dando indicaciones.
¿Eres cuidadosa?
Soy muy cuidadosa. No voy a
cometer errores. Manejo como
si tuviera 90 años.
CAN YOU EVER FORGIVE ME? SE ESTRENA
EL 22 DE FEBRERO.
ENERO 2019
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LA AGENDA
GRANDES TEMAS
BAJO LA LENTE DE EMPIRE
Es hora de despedir
a Jack Sparrow
El reboot de Pirates of the
Caribbean es el mejor
pretexto para alejarse de
Sparrow, opina Dan Jolin.
LA PASAMOS BIEN con el capitán
Jack. Su inolvidable entrada abrazado del
mástil de un barco que se hundía; cuando
le molestó que Elizabeth quemara el ron;
ese genial diálogo final: “Tráiganme el
horizonte”. Sí, fueron buenos tiempos.
Y todos en la primera película.
Ahora que Deadline reporta que
Disney va a relanzar la franquicia
Pirates of the Caribbean, no debe haber
consternación sabiendo que realinean
el aparejo los guionistas de Deadpool
Rhett Reese y Paul Wernick. Ni siquiera
preocupa la perspectiva de que una nueva
aventura de los piratas supere a la estrella
de la serie, algo que el escritor original de
Pirates, Stuart Beattie, insinuó en una
entrevista reciente cuando dijo que, en su
opinión, Johnny Depp había tenido “una
buena corrida” con el personaje.
Jack ciertamente perduró; convirtió
a Depp en uno de los actores mejor
pagados de Hollywood, y ayudó a
transformar una atracción de parque
temático en una franquicia que ganó más
de 4 mil 500 millones de dólares. Sin
embargo, hay mucho que le quita el brillo
a esa sonrisa llena de dientes de oro.
La quinta entrega de Pirates of the
24
ENERO 2019
Caribbean, Salazar’s Revenge, del año
pasado, fue la más débil de la serie, tanto
en respuesta de los críticos como en
ganancias en taquilla, y además el mismo
Depp ha sido acusado de violencia
doméstica (él lo niega). Considerando
que Disney despidió a James Gunn
debido a viejos tuits controversiales,
no sería sorprendente que el estudio
decidiera lanzarlo por la borda.
Pero el problema no es sólo Depp
sino también Jack. El personaje fue un
accidente feliz; un acto novedoso creado
por Depp, los guionistas y el director
Gore Verbinski. Merecidamente, fue un
éxito con la audiencia, que adoró la
manera en que se tambaleaba a través de
la acción entre cañonazos como un Pepe
Le Pew borracho, dándole al traste a
nuestras expectativas y socavando
anárquicamente el drama. Pero no fue
¡Síganme los buenos! /
El inmortal Jack
Sparrow (Johnny Depp)
con Elizabeth Swann
(Keira Knightley).
creado para ser el ancla de una franquicia
continua. Como dijo Verbinski antes del
estreno de la primera secuela, en 2006:
“No quieres sólo la película de Jack
Sparrow. Él es el condimento, pero
necesitas a muchos tipos derechos en
la acción. No les des demasiado de Jack
porque sería como darles un exceso de
postre”. La verdad es que su acto
tambaleante ya está muy visto y
desgastado, especialmente en sus últimas
dos aventuras, donde quedó fuera del
contexto de Will Turner/Elizabeth
Swann y nos dio tal exceso de “postre”.
¿Por qué no empezar con un
concepto nuevo en este reboot de Pirates
of the Caribbean? No es como que Disney
abandone a un personaje querido de un
material de origen. Esto no es como
tratar de hacer Iron Man sin Tony Stark.
Sparrow ni siquiera era uno de los
corsarios animatrónicos en la atracción
de Disney World. Sería mucho más
interesante si Reese y Wernick
desecharan por completo todo el acervo
que le dio al traste a esas cinco películas
y mandaran al mar a un grupo de
personajes nuevos.
Sería mejor que tratar de remezclar
al mismo Sparrow y darle a un nuevo
actor el trabajo de encender otra vez la
chispa del Depp de 2003.
Jack tuvo su momento bajo el sol
caribeño, duró mucho y abusó de su
bienvenida. Es hora de que nos traigan un
horizonte completamente nuevo.
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A tiempo para el checador
Chava Cartas y parte del
elenco de Mirreyes vs
Godínez dan argumentos
para llegar puntuales a esta
comedia mexicana.
POR ADRIÁN RUIZ
TRAS LA MUERTE de Don
Francisco Kuri, quien era dueño de una
fábrica de zapatos, el destino de dos
tribus urbanas, los godínez y los
mirreyes, está en jaque. Los primeros
deberán sacar la casta para salvar el
inmueble y no quedar en el desempleo,
y los segundos harán lo propio para no
perder su estilo de vida. Una vez
expuesta la situación, ambos grupos
deberán trabajar en conjunto en
Mirreyes vs Godínez, una comedia
dirigida por Chava Cartas, quien enfatiza
que este filme busca divertir sin ser
ofensivo para nadie.
“La idea es no faltarle el respeto
a ninguna de las dos culturas. Quería
contar una historia donde todos somos
iguales, todos buscamos las mismas
metas, ya sea si te tocó la fortuna de
crecer en una casa con comodidades,
pero tu papá fue godín o tu abuelo; no los
critico, es el mundo que les tocó. Está
el otro clan que tienen que acabar de
estudiar y buscar un lugar en la oficina.
La idea era fusionar a ambos, hacerlos
reales y que no cayeran en la caricatura.
Me interesaba la comedia de la vida, por
ahí fue el camino que tomé”, indicó
el realizador.
Cartas llegó a este proyecto por
invitación de Francisco González
Compeán, y aceptó porque en cuanto
supo el título de la cinta, se enganchó.
“Es el momento de que pongamos
películas con mensaje, que envuelvan
mundos importantes, que te hagan reír
y llorar. Son seis personajes con dos
culturas diferentes, dos perspectivas de
ver la vida. Todos tenemos contacto con
ellos, yo me considero godín”, agregó.
Caracterizados por tener horario
fijo, llevar comida en tupper, organizar
tandas, entre otras bellas costumbres
hechas tradición, en el lado godín
hallamos a Daniel Tovar y Diana Bovio,
quienes revelaron el modo de trazar no
sólo sus personajes sino los de todos.
“Fue recabar mucha información.
Yo fui godín tres años de mi vida y lo
gocé muchísimo, esa experiencia la traje
a la película, pero también platiqué con
gente que ahorita es godín, para no irme
al cliché, sino agarrar más información y
no poner lo obvio. Platicamos mucho en
grupo, Chava nos sentó, los construimos
Incómodos
minutos en el
elevador
juntos, creamos personas de verdad y no
estereotipos”, afirmó Diana.
Asimismo, Daniel manifestó que
en esta cinta no hay malos ni buenos,
y sí una felicidad tácita de ambos grupos
por demostrar su manera de ser. “Los
dos grupos son orgullosos de lo que son;
más que un conflicto de lucha de clases
es un conflicto de estilo de vida”,
complementó Regina Blandón, quien
en el filme es una representante del
bando de los mirreyes.
Entre cameos y costumbres con
las que más de uno se identificará,
la cinta de una u otra forma expone que
todo mundo tiene un lado mirrey y uno
godín, por lo que Regina no tuvo reparo
alguno en compartir el suyo.
“Del lado mirrey… toda la vida yo fui
a una escuela de los Legionarios de
Cristo, entonces hay varios mirreyes de
esas escuelas en los que nos inspiramos
muy bien. En cuanto a mi parte godín,
toda mi familia fue godín; yo fui godín
en una tienda de bolsas y zapatos, eso
de tener una hora para comer y estar al
tanto de la caja registradora lo sé. Todos
nos podemos identificar con los
personajes porque, o se es godín, mirrey,
o ambos”, finalizó.
MIRREYES VS GODÍNEZ SE ESTRENA
EL 25 DE ENERO.
ENERO 2019
25
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Los demonios
están sueltos
Emilio Portes debuta en el horror
con Belzebuth, que reúne a
criminales, policías y diablillos.
POR ANAID RAMÍREZ
26
ENERO 2019
SI EL CINE DE HORROR fuera
un demonio en búsqueda de su siguiente
presa, Emilio Portes se habría puesto
de pechito para ser poseído por él.
Pareciera natural que después de
entregarnos Conozca la cabeza de Juan
Pérez y el ahora clásico de temporada
Pastorela, el cineasta decidiera cambiar
de género para hablar de alguna entidad
maligna y, por qué no, darle un toque de
realidad al combinarla con crímenes e
investigaciones policiacas.
Ese demonio se hace pasar por una
película llamada Belzebuth y se posesionó
de Portes en cuanto Luis Carlos Fuentes
le entregó el texto original. “Cuando llegó
el guion a mis manos, me enamoró como
me enamoraba de las películas
ochenteras de (John) Carpenter o de
Tobe Hooper”, confiesa el realizador a
EMPIRE. “Pensé que esta película podría
suceder en México y la adaptamos un
poco a la realidad mexicana, a la frontera,
donde los personajes investigan una ola
de muertes que parecen estar ligadas a un
sacerdote excomulgado y a Belzebuth”.
Algo similar le pasó a Joaquín Cosío,
quien encarna al protagonista de esta
historia, el agente Emmanuel Ritter.
“Cuando el guion llegó a mis manos me
convenció de inmediato; tenía todos los
atributos de un buen texto: una historia
muy interesante, muy bien construida,
con personajes sólidos, y la idea, aun
siendo de terror, era bastante original”,
argumenta el actor.
El resultado es “como una mezcla de
La profecía con Seven”, señala Portes,
pero “confronta al espectador con
terrores reales. La película todo el tiempo
es una división entre el terror
sobrenatural y el fantástico, pero tiene un
grado de realismo latente”, explica el
cineasta, quien asegura que lograron
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esto gracias a la investigación y
construcción mitológica que realizaron
a partir del cristianismo.
“Hay una especie de reminiscencia
con Herodes, con la tentación de
Cristo, con las profecías apocalípticas
y la idea del anticristo, de la destrucción
de la humanidad y la segunda llegada del
mesías”, aclara Portes, y esta base es
uno de los elementos que principalmente
permitirán un vínculo entre la cinta y la
audiencia, asegura.
Además te atrapará la construcción
de los personajes, como lo indica Cosío,
y ejemplifica con su papel. “Emmanuel
Ritter es un hombre perseguido por
la desgracia, de alguna manera tiene
el signo de la tragedia encima. Es una
figura que pasa por varias etapas,
Emmanuel Ritter es varios Emmanuel
Ritteres, es un hombre muy feliz a raíz de
que tiene un hijo, luego se desemboca la
tragedia, pasa el tiempo y se transforma
en un hombre amargado, frustrado y,
finalmente, se le ofrece la posibilidad de
redimirse salvando a un pequeño niño, y
en el cumplimiento de ese deber es que
las fuerzas del mal se posesionan de él”.
Y no lo dice figurativamente, en
realidad veremos a un Cosío como pocas
veces —o mejor dicho, como sólo en el
cine de Portes— lo hemos visto: poseído.
El intérprete explica que la gran
inquietud que tuvieron él y el director
para esas escenas fue cómo hacerlas algo
verosímil, “sin caer en el chiste o en una
cosa de caricatura”. Así que optaron por
construirlas a partir de la perversión:
“eso le da a Ritter una gran violencia
y un gran odio hacia quienes están a su
alrededor; la posesión es en realidad un
momento donde Ritter se llena de rencor
extremo, de un deseo de agredir y de
lastimar a terceros”, agrega.
Alguien pintó con
marcador de aceite
el pintarrón.
El momento “catártico” para Ritter
no es lo único que te estremecerá de
Belzebuth; de hecho, estamos casi seguros
que te impactarán mucho más la crudeza
y lo explícito de las situaciones reales que
el agente investiga. “Esos sucesos
violentos nos permiten entrar a un
mundo de terror y es donde arranca
la historia, es un principio muy
contundente para introducirnos a este
universo, y tal vez son más terribles
que la posesión misma”, dice Cosío.
“No son dimensiones gratuitas, son
sucesos reales y terribles que hablan de la
violencia en la que estamos inmersos”.
Al estar en medio de esta batalla
entre el bien y el mal, te llegarán algunas
pedradas. “El mensaje es ese: los
demonios andan sueltos. Cuando ves
las noticias sólo puedes pensar en eso”.
BELZEBUTH SE ESTRENARÁ EL 11 DE ENERO.
ENERO 2019
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Encantadora ladrona
Daniela Luján debuta en
el doblaje con Charming,
en una audaz chica.
POR ANA LUCÍA ALTAMIRANO
DANIELA LUJÁN cumple por
primera vez su sueño de hacer doblaje,
dando voz al personaje de Leonor, una
mujer fuerte que rompe con estereotipos
en Charming, una producción animada
dirigida por Ross Venokur.
En esta cinta se desarrolla un
conflicto de princesas y príncipes,
como en muchas otras películas.
¿Qué hace especial a Charming?
Es la historia que nadie nos contó desde
la perspectiva del príncipe y también
desde la perspectiva de una mujer que no
es una princesa, que es más bien
la antítesis de esa figura; es una ladrona
28
ENERO 2019
que trabaja junto con el príncipe para
rescatarlo a él (ríe) y eso a mí me parece
lo más divertido; aunque es un cuento de
hadas, por decirlo de una manera, no es
algo convencional.
En ese sentido, ¿cuál es tu opinión
sobre estos estereotipos que han
implantado las princesas de cuentos,
y más en estos tiempos que vivimos
en medio de varias corrientes de
feminismo?
Al hablar de estereotipos me parece
importante señalar que no solamente
son de las princesas, sino también de los
príncipes. Creo que tenemos muchas
expectativas por cuestiones de género,
y lo padre de esta película es que los quita
y te dice de alguna manera que no hay un
género para ser o para hacer ciertas
cosas. Mi personaje, Leonor, es una chica
que maneja increíble las armas, que es
muy aventurera, y él no; es una cuestión
de las habilidades que adquieres.
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Ella es Leonor,
el personaje de
Charming al que
Daniela Luján le
presta su voz.
Pero es verdad que vivimos mucho
tiempo esta implantación de estigmas
de las princesas delicadas y el
príncipe valiente y todopoderoso…
Sí, y de un tiempo para acá se han
cuestionado esas posturas, y me parece
increíble, porque estas expectativas que
tenemos nosotras mismas de lo que
deberíamos ser es muy fuerte, y es muy
rudo de pronto, en cierta etapa de tu vida,
confrontarte con este deber ser y con
lo que realmente te nace de dentro. El
que ahora las niñas y los niños tengan
nuevas referencias y se cuestionen si esta
actividad o cierto rol es por género, me
parece magnífico.
En concreto, ¿cómo defines a Leonor?
Es una chica muy fuerte, independiente
y trabaja en equipo con el príncipe, de
hecho se disfraza y va con él en esta
aventura, y terminan haciendo un gran
team. Eso fue lo que más me gustó de
Leonor: la fuerza que tiene, y que es
completamente diferente a una princesa
delicada en su torre.
La aportación que va en el subtexto,
además del entretenimiento,
¿diríamos que es el darles la libertad
a los niños y a los papás, porque los
prejuicios están muchas veces en los
adultos, de pensar diferente?
Sí, es que venimos de una educación que
de muchas formas es muy cerrada y de
pronto es difícil romper con ella, pero
poco a poco se está logrando, y creo que
con estas nuevas películas y referencias,
y con vigilar nuestros pensamientos y
decir “por ahí no va”; de cuestionarnos
a nosotros mismos nuestras creencias.
Y sí, a mí me parece que esa es
la aportación, además obviamente, no
quiere decir que no crean en el amor,
porque estoy completamente segura de
que el amor es la fuerza que mueve
cualquier cosa. Además es muy simpática
la película, divertida; se la van a pasar
muy bien, chicos y grandes.
Para hacer el doblaje, ¿trabajaste
junto a los otros actores?
Se hace por separado y eso también es
una cosa muy loca para mí. Hay que
imaginarse la réplica y es todo un reto.
CHARMING SE ESTRENA EL 11 DE ENERO.
Estoy volando,
Jack.
Reinas de
corazones
Platicamos con la directora
y las protagonistas de
Mary Queen of Scots.
POR ÓSCAR URIEL
LA CRÓNICA DE LA legendaria
pugna imperial entre Elizabeth I de
Inglaterra y su prima Mary Stuart ha sido
llevada al cine en varias ocasiones y con
distintas apoximaciones. Katherine
Hepburn, Glenda Jackson, Helen Mirren
y Samantha Morton son sólo algunas
actrices que se han visto seducidas
para caracterizar a estas enigmáticas
gobernantes. Y es que la circunstancia
histórica que unió a las monarcas está
repleta de conspiraciones, traiciones,
seducción, ambición y, sobre todo, dos
indómitas mujeres en el centro de la
colisión. Mary Queen of Scots, de Josie
Rourke, es la más reciente cinta que tiene
como claro objetivo llamar la atención de
los millennials sobre este vehemente
pasaje histórico de Inglaterra.
“Esta es mi primera misión
cinematográfica, y lo que claramente
me atrajo a dirigir esta historia fue
simplemente que Saoirse Ronan quería
interpretar a Mary Stuart. Es una actriz
cuyo trabajo he admirado mucho a lo
largo de los años. Prácticamente la hemos
visto crecer en la pantalla grande, desde
Atonenment hasta Lady Bird, una de
las mejores películas del año pasado. La
oportunidad de colaborar con ella fue el
motor de mi decisión para dirigir Mary
Queen of Scots”, explica Rourke, quien
hace su debut en el cine después de
conseguir una sólida carrera como
directora de teatro en Londres.
Paradójicamente, gracias a Lady Bird
Saoirse Ronan compitió en la carrera del
Oscar el año pasado con Margot Robbie,
quien caracterizó a la patinadora Tonya
Harding en I, Tonya. Ahora es la misma
Robbie quien personifica a su rival
Elizabeth I en esta producción.
“Acepté interpretar este personaje
porque se trataba de una producción
protagonizada por dos actrices. Es un
proyecto personal de Saoirse, por quien
siento una enorme admiración. Me
hubiera gustado compartir escena con
ella más tiempo, pero la misma anécdota
lo impedía: son dos poderosas mujeres
separadas por los hombres a su alrededor,
quienes conspiran todo el tiempo para
mantenerlas alejadas.
Sólo hicimos una secuencia juntas pero
justo esa escena representa el corazón
de la película. Valió la pena todo el
trabajo invertido sólo por realizar ese
momento con Saoirse”, confiesa Robbie,
quien se sometió a un complejo proceso
de caracterización con el objetivo de
convertirse en la más popular monarca
en la historia de Inglaterra.
Por su parte, Ronan expresa el
por qué de su pasión destinada en Mary
Queen of Scots. “Quería hacer un retrato
honesto de un personaje apasionante.
Mary Stuart fue una mujer adelantada a
su época a quien la sociedad confrontó
con su propia prima. Ha sido una relación
distorsionada por distintas versiones. Es
satisfactorio pensar que al fin se le hace
justicia con esta película”, dice Ronan.
MARY QUEEN OF SCOTS SE ESTRENA
EL 18 DE ENERO.
ENERO 2019
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Esto sí es
Sundance
La nueva cinta de Hari Sama,
Esto no es Berlín, participará este
mes en el Festival de Sundance.
POR ANA LUCÍA ALTAMIRANO
LA NECESIDAD DE UN ARTISTA
de cuestionarse y comunicarse con el exterior
desde un lugar íntimo puede convertirse en una
oportunidad para crear lazos y mensajes
universales, y al parecer, es el camino que
el director Hari Sama está tomando con Esto no
es Berlín, el cual figura en la selección del World
Cinema Dramatic Competition de la edición de
2019 del Festival de Sundance, uno de los más
reconocidos a nivel mundial por los filmes
innovadores e independientes que presenta.
“Me siento muy privilegiado, para mí es uno
de los festivales más atractivos del mundo. He
visto mucho del trabajo que se ha proyectado en
Sundance en mi vida como espectador. Es uno de
los festivales que más respeto y que más interés
me han generado, por lo que estoy muy feliz de
formar parte de él en 2019. Es una oportunidad
increíble, estoy muy satisfecho”, señaló Sama.
Para él (El sueño de Lú, 2012) formar parte
de esta competencia revela que su camino como
cineasta está sano y rindiendo frutos, al lograr
explorar en esta cinta el drama de una juventud
que se descubre a sí misma en la década de los 80
y que se enfrenta al mundo de los artistas de esa
época, la sexualidad y el contexto social, pero
desde un enfoque propio que al final le habla
a un mundo que, afortunadamente, parece sí
estar respondiendo.
“Aparecen impulsos que te hacen reflexionar
sobre ciertas cosas y a mí me había llegado
el momento de retomar estas cicatrices
esenciales de la adolescencia, para volver a
preguntarme cosas y establecer ese diálogo con
los demás desde el presente. En ese sentido, creo
que redescubro que mi posición como artista y
como cineasta es el lugar incómodo, donde no
me siento confortable o cálido, sino arriesgado
y también más vulnerable”, explicó el realizador.
“Siento que soy mejor comunicándome desde
el cine que en la vida cotidiana”.
Producto de esta necesidad, Sama llevará a
competencia y a estreno mundial en Sundance
este nuevo filme, cuyo guion escribió junto con
Rodrigo Ordóñez y Max Zunino.
ESTO NO ES BERLÍN SE ESTRENARÁ EN MÉXICO
A FINALES DE 2019.
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ENERO 2019
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El director Hari Sama en
un set de Esto no es
Berlín / Esta película te
hará sentir nostalgia por
los 80, no una del tipo
Stranger Things, sino
una más underground,
como si visitaras el bar
UTA del antiguo D.F.
ENERO 2019
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Tornafiesta
EMPIRE estuvo en las
locaciones de La boda
de mi mejor amigo,
el remake mexicano que
dirige Celso García.
POR ADRIÁN RUIZ
“KIMMY DICE QUE SI amas a
alguien, debes decirlo en ese momento,
claro y fuerte. De lo contrario,
el momento simplemente… te pasa
de largo”, reza una de las frases
emblemáticas de My Best Friend's
Wedding, cinta que reposicionó a Julia
Roberts como la reina de la comedia
romántica, lanzó a Cameron Diaz al
estrellato y temas como “I Say a Little
32
ENERO 2019
Pray For You” o “The Way You Look
Tonight” volvieron a tener resonancia.
Hoy se prepara una nueva versión,
de manufactura mexicana, en la que
el director de La delgada línea amarilla,
el capitalino Celso García, es el
comisionado para llevar a buen puerto
esta historia encabezada por Ana
Serradilla, Carlos Ferro y Natasha
Dupeyrón. La labor para nada es sencilla.
“El mayor reto y riesgo es que
las opiniones estén polarizadas; puede
haber gente que le encante, y otros
que la odien completamente y defiendan
la película original. Cuando tomé la
dirección de esta cinta sabía de estas
posibilidades; lo más importante es que
le den una oportunidad. No intento
que a todo el público le guste, pero
sí que todos la vean, eso para mí es lo más
Los personajes de
La boda de mi mejor
amigo a punto de
cantar "I Say a Little
Pray For You"... ¿o
acaso la cambiarán
por alguna de
Timbiriche?
importante”, dijo Celso, durante el rodaje
de una de las escenas claves del filme.
Además de adaptarla a la época y al
país, el director está apostando por una
comedia de situación. “Estamos teniendo
buen resultado con eso, hay algunas
escenas que sí requieren elevar el tono
e irse a la farsa, pero son mínimas, estoy
muy contento con los actores y el tono
que le estamos dando, siento que
tenemos algo interesante”.
Desde temprana hora, en una casona
del poniente de la Ciudad de México,
el escenario comienza a transformarse
en un brunch prenupcial. Los extras
comienzan a llegar en ropas elegantes
y sosteniendo unas copas. En medio del
campo, el equipo de producción instala
la estatua de hielo con la figura de un
hombre desnudo; si recordamos
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¡CÁLLATE PAPÁ!
Jeremy Irons habla sobre Bringing Up
Daddy, la cinta en la que se “destrampa”.
POR LALO ORTEGA
la versión de 1997, obedece a una de las
escenas más hilarantes de la historia,
en la que una de las primas de la futura
novia tiene un pequeño percance.
“Se queda pegada a la estatua de
hielo, mientras que la otra prima recibe
una llamada del personaje de Ana
Serradilla, que es Julia (Roberts), y le está
preguntando dónde se encuentra Pam
(quien vendría siendo Cameron Diaz),
porque esto sucede después de que Manu
y Julia están juntos y Pam los ve. Es un
pequeño momento pero nos conecta con
todos los demás”, indicó Celso.
Las encargadas de personificar a
las primas de esta historia que se
desarrolla en Guadalajara, son Mónica
Huarte y Minnie West, personajes que
tendrán más peso en el remake. “Son de
Monterrey y no se han casado,
ya acabaron con todos allá y quieren
ligar en Guadalajara, llegan a ver qué
pescan, además tienen un problema
de alcohol (ríe). Son las ovejas negras
de la familia, no tienen pudor, dicen lo
que piensan. Van a tener más escenas
que en la original. En la secuencia de
la canción tienen más participación”,
reveló Mónica.
“Ellas ansían arrasar con la boda
de su prima y con todos los hombres
a su alrededor. Me he divertido
muchísimo en todo el rodaje, Mónica
y yo somos como un caballo que está
ansioso por salir. Celso ha tomado bien
nuestras propuestas, no nos ha
limitado en nada”, agregó Minnie.
LA BODA DE MI MEJOR AMIGO SE
ESTRENARÁ EL 14 DE FEBRERO.
SU HISTORIAL DE TRABAJO
reúne a directores como
Bernardo Bertolucci o David
Lynch, y títulos desde
Los Borgia y, próximamente,
Watchmen. Incluso entre sus
papeles más “ligeros” figuran
el batimayordomo Alfred
Pennyworth y el león Scar.
Pero Atticus, su rol en
Bringing Up Daddy, es un
cínico actor cocainómano
y mujeriego que, tras sufrir
un infarto, queda confinado
a un road trip con un hijo al
que desprecia, para llegar a la
boda de su hija. “Me enviaron
el guion y me gustó mucho
por tratarse de un personaje
diferente a todo lo que he
hecho. Pensé que sería bueno
hacer un poquito de comedia”,
cuenta el actor a EMPIRE.
¿Qué te atrajo del personaje?
Que es políticamente
incorrecto. Somos muy
cautelosos con la corrección
política estos días, pero a él
no le importa. Pensé que sería
interesante mostrar a este
hombre tan desquiciado, en
esta época.
Justo eso, es muy grosero
para los estándares actuales.
¿Cómo crees que lo recibirá
el público de hoy?
No lo sé. El cine y las historias
en general lidian con personas
que se comportan fuera de lo
socialmente aceptable. Pero
las películas nos llevan a otros
lugares, y al hacerlo quizá nos
ayudan a entender qué clase
de conducta es la que no
estamos dispuestos a permitir.
Tu personaje es un actor.
¿De qué forma tu ya larga
carrera y tu experiencia
personal influyeron en tu
interpretación?
No diré nombres, pero he visto
a “Atticus” en varios actores.
Seguro que a todos se nos
vienen a la mente algunos,
y tus lectores podrán
reconocer en él a personajes
de la industria.
Hay un gran contraste entre
tu rol, un mujeriego, y su hijo,
un feminista declarado. ¿Qué
piensas de eso?
Siempre hay una brecha entre
generaciones, diferentes
formas de ver el mundo que
crean una tensión dramática.
Hay más conciencia ahora
que en mis tiempos, pero
para fines de la historia y de
la comedia, es muy útil este
encontronazo de perspectivas.
BRINGING UP DADDY SE
ESTRENA EN PLATAFORMAS
DIGITALES EL 04 DE ENERO.
ENERO 2019
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¿A CÓMO
ESTÁ EL
LITRO DE
LECHE?
ANA CLAUDIA
TALANCÓN
Un vaso de leche para acompañar
unos chilaquiles verdes.
POR ADRIÁN RUIZ
¿Qué es lo más fácil y al mismo
tiempo lo más complejo de dedicarte
a la actuación?
Por un lado, es muy fácil echar a volar
la imaginación; y por el otro, también
deshacerte de todo lo que eres para
poder dar vida al personaje me parece
sumamente difícil.
¿Qué te gusta hacer en tus ratos
libres?
Me encanta subir la montaña. Me fascina
cocinar, andar en patines, el yoga. Yo no
lo tomaría como un hobbie, pero me
encantan la pintura, la escultura,
la fotografía, son más un medio de
expresión para mí.
¿Cuál es el platillo que mejor sabes
cocinar?
¡Ay! ¡Es que tengo muchos, la verdad!
Me encantan los pescados al horno. Me
salen súper bien las sopas. Me fascinan
las ensaladas, los chilaquiles, los chiles
rellenos ¡Todo!
¿Podrías compartirnos la receta de
un platillo que te guste hacer y te
quede delicioso?
La de los chilaquiles. Fíjate, para que
todo mundo pruebe unos buenos
34
ENERO 2019
chilaquiles,
hi
tuestas los tomates verdes, o
tomatillos,
m
sabe más rico, los pones a asar
un p
poquito en el comal, con un ajito, una
cebolla
bo
o y un buen manojo de cilantro. Ya
que está bien asado todo, lo metes a la
licuadora,
ad
que quede un poco tatemado,
le da b
buen sabor. Agregas sal y pimienta
a la licuadora.
u
Después hierves un poco la
salsa y lle agregas epazote. A mí me gustan
crujientes,
nt así que cortas tus tortillas en
la forma ue más se te antoje, las fríes; si
estás haciendo
ci
muchas tandas cambia el
aceite, para
arr que no sepa a quemado. Los
mezclo con
on
n la salsa y listo. Prefiero
servirlos al momento porque no me
gusta que me
m queden remojados.
Les agrego crema
c
y un poco de quesito.
También le ec
echo un poco de epazote
encima, y para
ra los golosos, se les puede
poner chorizo
o frito y cebolla cruda,
delgada, como
o rajitas.
¿A
A có
cómo el litro de leche?
¿¿Aquí o en Estados Unidos? La verdad
no recuerdo muy bien. En 25 pesos,
¿o en 20? (ríe).
Si el Apocalipsis sucediera mañana
y sólo pudieras salvar a cinco de las
películas en que has participado,
¿cuáles rescatarías?
¡Ay no, esa está horrible! Descartas
a muchas otras y se van a enojar conmigo
los directores. Mejor nos morimos
y no nos enteramos. Nos aventamos
al fuego con las pelis.
AHÍ
VIENEN
EL RECLUSO
(2019)
Al lado de
Flavio Miranda
e Ignacio
Serricchio
protagoniza
este serial de
drama. Su
personaje es
Frida Villarea.
PROYECTO
SIN NOMBRE
(2019)
De acuerdo con
la actriz, se
trata de una
película de
realismo
mágico. "Tiene
que ver con un
personaje que
vivió en el
pasado y
regresa a ser
parte de la vida
de alguien
más", dijo a
El Universal.
¿Qué hay en tu playlist en este
momento? ¿Qué es lo que más te
gusta escuchar?
Hay un grupo, yo sé que no es muy nuevo,
se llama Seu. También me gusta mucho
Carla Morrison. Escucho bossa nova;
sí, sí, yo sé que son de elevador, pero
tengo muchas versiones y para toda
ocasión: Bossa Marley, Bossa Chill, Bossa
Stones, tengo un chorro de esas.
Me gustan The Beatles, Cat Stevens,
Silvio Rodríguez, Serrat… Ahora que lo
pienso, creo que soy muy ecléctica.
En la escala del 1 al 10, ¿qué tan
famosa te consideras?
Ahí sí no tengo ni idea.
¿Tienes algún apodo?
Sí, me dicen Rana Claudia.
¿Has puesto alguno?
Sí claro, en el transcurso de mi vida
he puesto varios.
Si en una cena con tu pareja jugaran
a contestar cada llamada o mensaje
que reciba el otro, ¿qué sería lo peor
que podrías descubrir?
No sé... Que me traicionara horrible,
algo así.
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YA A LA VENTA
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MIRA FIJAMENTE A LA PANTALLA, Y EMPIEZA A VIVIR
+++++EXCELENTE ++++BUENA +++PASABLE ++POBRE +TERRIBLE
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ENERO 2019
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CINE
SUSPIRIA
+++
ESTRENO 11 DE ENERO /
153 MINUTOS
Luca Guadagnino
Dakota Johnson, Tilda Swinton,
Malgorzata Bela, Chloë Grace Moretz
DIRECTOR
ELENCO
Es Berlín en 1977. Susie
Bannion (Johnson) se integra a
un grupo de baile femenino dirigido
por la coreógrafa Madame Blanc
(Swinton), quien está bajo investigación
del Dr. Klemperer (Ebersdorf), quien
indaga la desaparición de la bailarina a
quien Susie reemplazó, Patricia (Moretz).
SINOPSIS
LA NOCIÓN DE HACER un
remake de Suspiria (de 1977), la obra
maestra de Dario Argento, parece
perversa —la original tiene una historia
mínima y es recordada por su estilo
abrumador—. Es una sinfonía de rock
progresivo de horror, con efectos de
colores vibrantes y música martillante,
pero su guion es menos sofisticado que
la película para televisión Satan’s School
for Girls (de 1973), que tiene más o menos
la misma trama. La Suspiria de Argento
no sólo es inigualable, como casi todas las
películas de horror aptas para remake,
sino inaccesible. En el ciclo de los
remakes, sólo la Psycho de Gus Van Sant
parece tan demente como la Suspiria
de Luca Guadagnino, lo cual es quizá lo
más admirable de ella.
Sabiamente, Guadagnino ni siquiera
trata de imitar a Argento. Su historia se
desarrolla en el año en que se estrenó
la original, pero enfatiza la política de
la época, cambiando el escenario de una
ciudad en el Bosque Negro, atormentada
por la alquimia medieval, a una Berlín
monótona, gris y dividida. La Suzy de
Argento (Jessica Harper, quien tiene un
cameo aquí) llegó en una tormenta de
cuento de hadas con destellos de luces
expresionistas, y la Susie de Guadagnino
(Dakota Johnson) sólo camina
fatigosamente bajo una llovizna
interminable. Argento eligió a Joan
Bennett y Alida Valli, íconos de
Hollywood y Europa, como amantes
de la danza embrujada, mientras que
Guadagnino llena su aquelarre con
figuras sorprendentes de catálogos
pasados de Derek Jarman, Rainer Werner
Fassbinder y Paul Verhoeven: Tilda
Swinton, Angela Winkler, Ingrid Caven y
Renée Soutendijk.
No todo funciona. Recién salido de
Call Me by Your Name —Dario Argento
debería hacer un remake de ella con
escenas de 20 minutos de asesinatos
con cuchillos—, o Guadagnino no sabe
crear suspenso o no le interesan esas
mundanas cuestiones comerciales.
Hay escenas enteras de explicaciones y
comentarios editoriales, y luego vistazos
perturbadoramente divertidos de
actividades fraternales extrañas (esta es
una película en exclusiva de mujeres)
sangrando en escándalos de horror que se
introducen en la narrativa como los
números de canto y baile en un musical.
De hecho, las principales secuencias de
horror se intercalan con, o surgen de,
interpretaciones de vanguardia.
Guadagnino y el guionista David
Kajganich tocaron casi todos los ritmos
de la historia original, pero con un énfasis
distinto —y ciertos trucos que involucran
al personaje de Johnson—. Hay razones
por las que Susie es un misterio y Madam
Blanc —la siniestra directora de danza
(Swinton)— no es una villana claramente
definida, sin embargo toma tanto
mencionarlas que pocos permanecerán
lo suficientemente interesados en
la delgada historia para que les importe
el inteligente golpe del final. KIM NEWMAN
No es una atrocidad
con el nivel de, digamos, Halloween
de Rob Zombie, pero es un
horror que pondrá más a prueba
tu paciencia que tus nervios.
VEREDICTO
ENERO 2019
37
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Agarro vuelo y me voy
a las alturas / En el
futuro se pueden
utilizar lentes oscuros
en cuartos oscuros /
Cuando alguien
indeseable llega
a la reunión.
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ENERO 2019
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CINE
MORTALENGINES
+++
ESTRENO 1 DE ENERO
/128 MINUTOS
Christian Rivers
Hera Hilmar, Hugo Weaving,
Jihae, Robert Sheehan, Leila George
DIRECTOR
ELENCO
En un futuro posapocalíptico,
ciudades móviles dominan el paisaje
en enormes orugas, las cuales se tragan
a las más pequeñas para hacerse
de sus recursos. El londinense marginado
Tom Natsworthy (Sheehan) está orgulloso
de su hogar hasta que conoce a la
misteriosa Hester Shaw (Hilmar) y se
entera de que el héroe de Londres,
Thaddeus Valentine (Weaving), podría no
ser tan ejemplar como creía.
SINOPSIS
METÁFORA VISUAL del
capitalismo, la vista de una Londres
gigantesca y móvil engullendo un
poblado más pequeño es impresionante.
El mundo despojado de Mortal Engines
está muriendo y la humanidad está al
borde de la extinción, causada por su
propia arrogancia. Sin embargo, ese
defecto sigue dominando, con cada
ciudad convencida de que es su destino
manifiesto convertirse en la depredadora
alfa en este mundo de “darwinismo
municipal”. Es un gancho atractivo
para esta película épica producida por
Peter Jackson, pero es también el
escenario de una historia de aventuras
bastante convencional.
La buena noticia es que Christian
Rivers, viejo colaborador de Jackson y
director por primera vez, mantiene
constante el ritmo de la acción y la eleva
de modo paulatino. La historia, basada
en un libro de Philip Reeve, ha sido
perfectamente optimizada para
la pantalla al mantener los ritmos
emocionales y agregar otros para
aumentar su peso, pero al mismo tiempo
elimina grandes partes innecesarias que
van de un lado a otro mientras nuestros
héroes luchan por descubrir qué está
pasando y eventualmente detener una
trama que amenaza a todo el planeta.
Alguien, parece, está tratando de
recobrar las armas que alguna vez
rompieron la corteza del planeta y que
pusieron a las ciudades de todo el mundo
en movimiento.
Como el joven historiador
londinense Tom Natsworthy,
Robert Sheehan es agradable aunque
su papel es desagradecido. Es un ingenuo
atrapado en eventos de gran calibre,
dándole a otros la oportunidad de
explicar cosas para él y la audiencia.
Todavía menos interesante resulta
Hester Shaw (Hera Hilmar), la misteriosa
chica enmascarada que apuñala a un
hombre sin una provocación obvia casi
en cuanto la conocemos. El porqué lo
hace resulta un punto central en la trama
de la película.
Hera Hilmar es una presencia
atractiva, incluso cuando gruñe
y se ve desesperada; además, su
trasfondo y deseos conflictuados le dan
una sensación diferente respecto de la
típica imagen de las mujeres de acción
en otros títulos.
Aunque el Valentine de Hugo
Weaving resulta una figura muy familiar,
hay una textura muy agradable en
el elenco de reparto, desde Shrike
(Stephen Lang), que parece un
Terminator aterrador, hasta Anna Fang,
la súper cool Jihae.
Y la construcción del mundo
es tan buena como esperarías de un
director que se entrenó con The Lord
of the Rings. Desde las huella de metros
de profundidad que cada ciudad deja
tras de sí cuando se mueve, hasta los
chatarreros tipo Mad Max que tratan
de sobrevivir fuera de la estructura de las
ciudades, hay una sensación real de
desesperación y deterioro en todos lados.
En la impresionante Londres, pasamos
más tiempo en las entrañas de la ciudad
que en sus alturas (la catedral de San
Pablo es lo más alto de la estructura,
con el domo y todo).
La trama, sin embargo, es un tanto
predecible y recuerda un poco a Star
Wars conforme se acerca el final, pero
hay momentos de verdadera gracia en
el camino y más aventuras emocionantes
de las que quizá esperes, así que es un
buen comienzo para Rivers y su esfuerzo
es digno de la trayectoria de Jackson.
HELEN O'HARA
VEREDICTO Toma quizá demasiadas
referencias de cosas familiares, pero
cuando se clava en su propia rareza,
este filme deja huella y despega.
ENERO 2019
39
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CINE
CREED II
+++
ESTRENA EN CINES /
131 MINUTOS
Steven Caple Jr.
ELENCO Michael B. Jordan, Sylvester
Stallone, Tessa Thompson, Dolph
Lundgren, Florian Munteanu
DIRECTOR
Contra los deseos y consejos
de su novia Bianca (Thompson) y Rocky
(Stallone), Adonis Creed (Jordan), el
nuevo campeón de peso completo del
mundo, está por enfrentarse a Viktor
Drago (Munteanu), hijo de Ivan Drago
(Lundgren), el hombre que mató a su
padre, Apollo Creed.
SINOPSIS
CREED FUE UN IDEAL del boxeo:
una fuerza salida de la nada. El guionista
y director Ryan Coogler y la estrella
Michael B. Jordan tomaron una
propiedad prácticamente moribunda
y la convirtieron al mismo tiempo
en vieja y nueva escuela, mezclando
hábilmente el romance con el mejor
pugilismo, los matices y la conciencia
social para evitar cualquier posible roce
de banalidad.
40
ENERO 2019
Creed II, con Coogler sólo como
productor ejecutivo, es por desgracia
un esfuerzo menor, lleno de trazados
programáticos y escritura burda que se
siente como nariz ensangrentada, pero
ayudado por la química de sus estrellas y
su compromiso con los ritmos de la saga.
El punto de partida para la secuela no
es Rocky II sino Rocky IV, también
conocida como ‘Esa donde Rocky tiene
barba, corta leña y gana en Moscú’. Para
1985, Apollo Creed (Carl Weathers) había
sido relegado a estatus de segundón, y es
su muerte en manos de Ivan Drago la que
le pone el motor a esta nueva película.
Bajo el tutelaje de Ivan (Dolph
Lundgren), el ascenso de Viktor Drago
(Florian Munteanu) como contendiente
de la recién ganada corona de peso
completo de Adonis (Michael B. Jordan),
lleva a este joven boxeador a la confusión,
como lo demuestran las interminables
escenas de él debatiendo sobre si debería
aceptar la pelea para vengar a su padre.
Así, el mayor problema de esta cinta
es el guion. Sus múltiples discursos
(“¿Estás aquí para probarle algo a los
demás o para probártelo a ti mismo?”, le
ladra Rocky a Apollo) contrastan con la
economía y sutileza del filme de Coogler.
Mientras Creed hizo que la vida de
Adonis en Filadelfia se sintiera auténtica,
Creed II no le aporta nada al nuevo
Nos da la impresión de
que a Adonis (Michael
B. Jordan) no lo
citarías “a la salida”.
mundo de Adonis como campeón: es sólo
una letanía cansada de departamentos
espaciosos, montajes para hacer el amor
a ritmo de R’n’B e interacciones mínimas
en la historia del boxeo. También es una
película que desgasta su subtexto en la
bata de las barras y las estrellas. “¡Es
shakesperiano!”, dice un comentarista,
refiriéndose al nexo entre padres, hijos
y tragedias en juego. Creed II es
shakesperiana menos la inteligencia,
la profundidad y el peso emocional.
Sin embargo, hay cierto placer al
pasar tiempo con estos personajes.
Jordan y Stallone mantienen la química
de su primera película. La secuela
consigue divertirse al estilo básico de
todas las de Rocky. Hay montajes que se
intercalan entre Adonis y Viktor
entrenando, aunque por desgracia no
se subestima la música de sintetizador
como si fuera 1985.
Caple Jr. monta secuencias de boxeo
impresionantes, usando cámara lenta
con cautela y un gran punto de vista en
las tomas. Pero luego de la cinta anterior,
Creed II se siente como un paso atrás,
sólo conecta ocasionalmente. IAN FREER
VEREDICTO Creed II es a Creed lo que
las secuelas de Rocky son a la original:
una toma más genérica y con menos
textura de la típica película de boxeo.
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LA SIRENA
++
ESTRENO 25 DE ENERO/ 90 MINUTOS
Svyatoslav Podgaevskiy
ELENCO Viktoriya Agalakova, Efim
Petrunin, Sesil Plezhe
DIRECTOR
EL DIRECTOR SVYATOSLAV
Podgaevskiy tiene algún problema
con los matrimonios, o al menos eso
parece, pues las películas que de él
han llegado a nuestro país (La novia,
por ejemplo) parten de algún
casamiento, y éste sólo propicia caos.
En el caso de La sirena, su más
reciente filme, el conflicto inicia cuando
Marina (Viktoriya Agalakova) y Roma
(Efim Petrunin) están por llegar al altar.
La premisa dista un poco de la
cinta anterior de Podgaevskiy,
pues los futuros esposos no son
perseguidos por un rito familiar
sino por la maldición de una “sirena”,
y se desata cuando los amigos de
Roma organizan una despedida
de soltero en una cabaña en la mitad
del bosque. A partir de ahí surge una
serie de hechos sobrenaturales que
ponen en riesgo la vida del galán
y la relación de los tórtolos.
Si hasta aquí la trama te invita a
pensar en tomarte tus reservas, haces
bien. Entre los destinos familiares,
las inseguridades personales y las
ideas conservadoras, la película no
aterriza la historia que quiere contar,
por lo que se torna confusa y absurda.
Lo que afecta más al desarrollo de
la cinta es la entidad que persigue a
los enamorados. Pese a que varios
momentos del pasado de la sirena
se muestran para que descubras su
origen y comprendas su penar, sus
travesuras en la actualidad son tan
arbitrarias que no hay claridad de sus
intenciones ni de las posibles formas
de romper con su maldición; es una
entidad débil y no logras entender por
qué es tan difícil acabar con ella.
El mayor —y tal vez único— logro
de Podgaevskiy en esta película es
la ejecución de los efectos visuales
y la creación de atmósferas tétricas.
Pero esto no es suficiente para que
suspendas un rato tu credulidad y
dejes pasar las inconsistencias de
esta producción. AR
Una cinta que consigue
ser entretenida por su producción y
escenarios, pero que es predecible
e inconsistente en su desarrollo.
VEREDICTO
CINE
WHITE BOY RICK
+++
ESTRENO 25 DE ENERO /
111 MINUTOS
Yann Demange
ELENCO Matthew McConaughey, Richie
Merritt, Bel Powley
DIRECTOR
La historia se basa en hechos
reales. Todo gira alrededor del
adolescente de Detroit Richard Wersche
Jr. (Merritt), alias ‘White Boy Rick’, quien
se convirtió en traficante de drogas e
informante del FBI... para preocupación
de su padre traficante de armas
(McConaughey).
SINOPSIS
RICHARD WERSHE Jr. representa
en carne viva la frase “demasiado,
demasiado joven”. Como los hechos de su
vida no son tan conocidos, no nos
meteremos mucho en los detalles; baste
decir que el chico identificado como
‘White Boy Rick’ no pasó a la adultez sino
que llegó a ella estrellándose.
Es una historia controversial: deja
la prepa para unirse a una banda de
narcos de Detroit y luego le informa
sobre ellos al FBI, y de este modo llena
de material al director Yann Demange,
quien en ’71 (de 2014) lidió con otro joven
en un medio urbano hostil y diferente.
Pero con más terreno por cubrir,
White Boy Rick está menos centrada
en la historia que la película debut de
Demange, así que cualquiera que espere
que iguale la intensidad explosiva de ’71
podría sentirse decepcionado.
White Boy Rick es un acercamiento
directo y cronológico que ofrece la mejor
forma de mostrar sus sorpresas,
especialmente hacia el final, cuando
la empatía por su protagonista amenaza
con deslizarse al caos.
Sin embargo, hay mucho que
apreciar, como la recreación de
Demange del Detroit de los 80: un
mundo desalentador infestado por ratas,
decadencia y violaciones a la ley, pero
también un lugar de música donde
las discotecas palpitaban con el pulso
intenso del electro y el hip-hop.
También está llena de buenas
interpretaciones, desde Bel Powley
(como la hermana adicta de Rick) y Bruce
Dern (como su abuelo), y sobre todo
Matthew McConaughey, quien deja de
lado sus encantos fuertes para revelarse
impresionantemente extraño como Rick
Wershe Sr. Es un hombre cuya mezcla
de optimismo, autoconfianza y brújula
moral descompuesta lo convierte en
la imagen de lo peor del Sueño
Americano. Como un Midwestern Boy,
Rick Sr. saca rifles de asalto de la cajuela
de su auto y anuncia cada año que es
cuando la hará en grande.
Aunque el filme muestra el efecto
maligno de esta relación padre-hijo, no
profundiza en esto como en los propios
problemas de Jr., lo que pone en primer
plano al novato Richie Merritt. Quizá así
haya sido el verdadero Rick, pero el
personaje y la actuación de Merritt son
blandos. Nos recuerda al adolescente
también enredado en el crimen de
Animal Kingdom, de David Michôd: un
chico que resultaría poco interesante y
olvidable excepto por las situaciones de
vida o muerte en las que se encuentra.
Claro que cualquier normalidad
del adolescente sólo incrementa el efecto
de anormalidad en las situaciones
peligrosas. Pero es un reto para cualquier
audiencia que el personaje principal sea,
últimadamente, ese al que menos te
emocione ver. DAN JOLIN
Hijo de tigre
pintito...
Pese a ser una irregular
película, ofrece una historia interesante
y una interpretación deliciosa de
Matthew McConaughey.
VEREDICTO
ENERO 2019
41
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CINE
LADYRANCHO
++
ESTRENO 4 DE ENERO /
92 MINUTOS
Rafael Montero
ELENCO Danae Reynaud, Hoze Meléndez,
Renata Vaca, Delia Casanova, Azela
Robinson, Juan Carlos Colombo,
Mario Moreno
DIRECTOR
La señorita Camila Pérez-Meyer
lo tiene y ha tenido todo, hasta de más.
Hija de un prominente político, se la vive
en la fiesta y el despilfarro hasta que
provoca un escándalo que se vuelve
viral y por el que sus padres deciden
darle una tremenda lección.
SINOPSIS
A PARTIR DE LA ERA de Internet
y las redes sociales, la evidencia del
despotismo y la debilidad de valores en la
clase privilegiada de México es el pan de
cada día. Los desplantes antes privados
de quienes ostentan una “posición” ya no
42
ENERO 2019
están tan ocultos y cualquiera con la
cámara de su celular está listo para
levantar un testimonio, a veces hasta en
tiempo real, que además se viraliza de
inmediato arrastrando el nombre de los
mal llamados “lords” o “ladies” por lo
vulgar de su comportamiento.
Parece que además disfrutáramos
observando cómo algunos se caen de esa
supuesta “superioridad”; cómo el dinero
no compra categoría y cómo los viajes
no siempre ilustran.
Eso fue justo lo que le sucedió
a Camila Pérez-Meyer (Reynaud),
de los Pérez-Meyer de toda la vida;
hija de un político reconocido (Colombo),
de esos que cuidan mucho las formas
y que pretenden tener la familia perfecta
para dar el virtuoso ejemplo.
Lo malo es que, como muchos
padres, cree que sólo con proveer dinero
cuida de los suyos, y por lo mismo no
percibe el momento en que su hija
adolescente ya está completamente fuera
de control, gastando y reventando como
si no hubiera un mañana.
Las cosas ya están en un punto muy
complicado cuando a la chamaca se le
ocurre ponerse un pedo apoteósico,
aun cuando le habían cancelado las
tarjetas de crédito, y atacar un puesto
de jochos, estrellar su propia camioneta
y pelearse con la policía poniendo
el nombre y el apellido de su famosa
familia por los suelos.
Sus papás, ya hartos de su actitud,
la mandan entonces al rancho de la
familia, donde Camila tendrá que
adaptarse a una vida sin lujos, sin
tecnología, sin antros, sin “shopping”
y sin sus amiguis sonsacadoras, además
de que deberá trabajar y valerse sola por
primera vez en su vida.
Una regla, la que le cuesta más
trabajo aprender en el rancho, es que
“quien no trabaja no come”, cosa que
sabemos no sólo aplica en el rancho sino
en la vida de todos los días, y quien ignora
esa regla es porque simplemente vive
completamente fuera de la realidad.
Desconozco si quepa aquí la anécdota
personal, pero cuando yo tenía ocho años
e iba pésimo en la escuela, mi mamá me
mandó con la que vendía verduras
en el mercado para trabajar y aprender la
lección que me haría valorar a la escuela
¿Tú sí tienes cisterna?
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MIRREYES
VS GODÍNEZ
+++
ESTRENO 25 DE ENERO /
94 MINUTOS
Chava Cartas
ELENCO Regina Blandón, Roberto Aguirre,
Daniel Tovar, Diana Bovio
DIRECTOR
Cuando Don Francisco (Hernán
Mendoza) muere, sus retoños deben
tomar las riendas de la zapatería familiar.
Sin embargo, sus ideas de mirreyes
no empatan con las dinámicas de los
empleados, unos godínez de hueso
colorado y duros de roer.
SINOPSIS
(según ella). Como con Lady Rancho,
mi experiencia fue la peor, y no sé si
valoré la escuela o no —yo creo que no—;
eso sí la experiencia jamás se borró de mi
cabeza y mucho menos de mi espíritu.
En el rancho había otra lección para
Camila: lo bien que fue recibida por casi
todos excepto por el capataz. Camila
aprendió lo que es el afecto entre la gente
que trabaja; conoció que el trabajo
dignifica y entendió que hay valores
ineludibles si se quiere ser una persona
de bien y no una “lady” cualquiera.
Porque se puede tener dinero
y poder, pero el afecto y la dignidad
son cosas que uno distingue a través de la
verdadera amistad, como la que Camila
encuentra en su amiguita del rancho,
Beatriz (Vaca), de quien aprenderá
conceptos desconocidos como la
camaradería, la humildad, y ser una
persona que se gana el sustento como
todo el mundo. CÉSAR HERNÁNDEZ
VEREDICTO Se puede pasar un buen rato
contemplando las desventuras de esta
chiquilla, primordialmente por las
actuaciones de todos en el reparto.
EL RING es una zapatería de nombre
Kuri & Sons. En una esquina tenemos
a los godínez, encabezados por Genaro
Rodríguez (Daniel Tovar), un oficinista
entregado que le ha dado todo a la
empresa, incluso Don Francisco (Hernán
Mendoza), el dueño, le tiene una gran
estima. Rodríguez se hace acompañar
de su respectivos compañeros, entre ellos
Nancy (Diana Bovio).
En la otra esquina está Santiago Kuri,
el hijo mirrey de Don Francisco, un joven
acostumbrado a lo fácil, con ideas
ambiciosas pero sin fundamentos o
viabilidad. Junto con Kuri aparecen
su hermana, Michelle (Regina Blandón),
y un puñado de amigos. La batalla
comienza cuando Don Francisco,
el patriarca y proveedor de la familia,
fallece de manera intempestiva y el
patrimonio Kuri cae en jaque.
Tanto los mirreyes como los
godínez buscan un mismo objetivo: salvar
a la empresa. Pese a sus buenas
intenciones, cada bando desea hacer
las cosas a su modo, generando así una
comedia en la que las peculiaridades
de estos grupos de la subcultura
mexicana saltan a la luz, con algunos
gags mejor ejecutados que otros, pero
sin llegar a ser ofensivos.
Después de experimentar en el
horror con Inquilinos, el jaliscience
Chava Cartas vuelve a mostrar sus dotes
para la comedia, teniendo más solvencia
y fluidez en las situaciones que presenta
si tomamos como referente Treintona,
soltera y fantástica y Rock Mari, trabajos
previos del director que, a pesar de tener
la digna intención de hacernos reír, no
eran tan redondas como lo es este filme.
Es cierto que Mirreyes vs Godínez
no está libre de lugares comunes y en
momentos se pasa un poquito con
aquello de los estereotipos, sin embargo
el reparto aparece para salvar esos
momentos, pues se percibe una buena
química y timing, y por si fuera poco hay
cameos que surgen como refuerzos.
La cinta se ondea con la bandera de la
tolerancia, la inclusión y la abolición
de etiquetas, por lo que resulta en un
producto que va más allá del mero
entretenimiento. ADRIÁN RUIZ
VEREDICTO Sin
inventar el hilo negro,
esta producción sobre las rivalidades
entre clanes adquiere personalidad por
su sentido del humor muy “mexa”.
Gracias a su tono te permite sentirte
identificado con las dinámicas de sus
personajes. Es una cinta desenfadada,
alivianada y hecha para entretener,
con o sin gafete.
ENERO 2019
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CINE
LAS MUSAS
DELDIABLO
++
AHORA EN CINES / 107
MINUTOS
Jaumé Balagueró
ELENCO Elliot Cowan, Franka Potente,
Ana Ularu
DIRECTOR
Desde la desaparición de su
novia, Samuel Solomon (Cowan) tiene
una pesadilla en la que ve cómo asesinan
a una mujer. La persona que cada noche
aparece en su mente, es hallada muerta
por las mismas circunstancias que él
atestiguó en sus sueños.
SINOPSIS
EL ESPERADO regreso del español
Jaume Balagueró, responsable de
estupendas piezas de género como Rec y
Mientras duermes, quien lo hace con su
segunda película basada en una novela
—La dama número 13, de su paisano José
Carlos Somoza—, sobre todo en la
premisa de la misma, que alude al poder
y trascendencia de la palabra, para lo cual
como principal detonante del terror tiene
a las musas y su relación con los procesos
44
ENERO 2019
creativos. Por desgracia e irónicamente,
estas últimas no lo acompañaron
por completo y el resultado funciona
apenas como entretenimiento.
En este caso el protagonista es un
profesor de universidad llamado Samuel
Solomon, interpretado con convicción
por el televisivo Elliot Cowan, quien
luego de que su vida queda marcada
por la tragedia, se sumerge en la
depresión, hasta que en sueños
comienza a tener visiones sobre el
asesinato de una mujer, hecho que unos
días después se hace realidad. Confuso
y atormentado, va al lugar del crimen
en búsqueda de respuestas y se encuentra
con una chica en problemas que dice
haber tenido la misma premonición.
Destaca el acabado de la película,
que ofrece atmósferas envolventes en el
interior de un universo de aire espectral
donde el miedo va vestido de melancolía,
lo cual le otorga identidad a un relato
que mantiene los temas recurrentes
en la filmografía del director —exponer
distintas fuentes de la maldad— y se
apunta en la línea de los clásicos del
género que se emparentaban con la
evocación de lo fantástico.
Por supuesto, todo está salpicado
de referencias literarias —desde Dante
y Keats, hasta Cavafis y Shakespeare—
y sustentado en la antiquísima idea del
Visiones espectrales
que no pueden augurar
nada bueno.
uso de las palabras, ya sea escritas o
pronunciadas a través de un susurro,
como una forma de despertar fuerzas
ocultas. Y es precisamente con el afán
de enfatizar esto y un excesivo respeto
por la fuente original, que lo primero
pierde fuerza, haciendo tropezar el
desarrollo y cortando el efecto de
inquietud que las imágenes producen.
Además, por momentos se pierde
mucho en explicaciones innecesarias,
por lo que cae en incongruencias
evidentes, recurre a algunos lugares
comunes y olvida sus propias reglas.
Aún así, la escalofriante belleza
de varias de las secuencias es innegable,
y se agradece que se aleje de los artificios
que buscan provocar el sobresalto fácil;
amén de que Franka Potente entrega
una más que efectiva interpretación
y también da gusto encontrarse en la
pantalla, en un papel poco usual, al
veterano actor Christopher Lloyd.
JESÚS CHAVARRÍA
VEREDICTO Una
propuesta de terror de
manufactura impecable que deambula
entre referencias literarias. Pese a no
tener la solidez necesaria en su
desarrollo, encuentra excelentes
momentos cuando evita lo discursivo
y permite que la experiencia visual
tome el protagonismo.
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BELZEBUTH
++
ESTRENO 11 DE ENERO/ 114 MINUTOS
DIRECTOR Emilio
ELENCO Joaquín
Portes
Cosío, Toni Bell,
Tate Ellington
NO SORPRENDE QUE las situaciones
CINE
LACASALOBO
++++
ESTRENA 25 DE ENERO /
70 MINUTOS
DIRECTORES Joaquín Cociña,
Cristóbal León
VOCES Amalia Kassai, Rainer Krause
Luego de escapar de una
colonia de alemanes en Chile, una joven
llamada María (Kassai) se refugia de un
lobo en una casa rodeada por un bosque.
Pero pronto descubre que no es el mejor
lugar para estar, pues su estancia se
convierte en una pesadilla.
SINOPSIS
SIN ESTAR BASADA en alguna obra
en específico, La casa lobo se siente como
todo eso que se ha perdido de los cuentos
de los hermanos Grimm o de Hans
Christian Andersen cuando son
adaptados por los grandes estudios para
hacer películas infantiles. En otras
palabras, la animación de Joaquín Cociña
y Cristóbal León se percibe como un duro
cuento de hadas lleno de crudeza y horror.
Y como buen cuento de hadas,
la historia nos instala en un lugar muy,
muy lejano —al menos para quienes
estamos de este lado del hemisferio—:
un bosque chileno donde María halla una
casa que le servirá para refugiarse de la
comunidad alemana a la que pertenece
y de un supuesto lobo que la persigue.
Sin embargo, todo lo que está por
ocurrirle ahí tiene pinta de tortuosa
penitencia para ella y de pesadillas
escabrosas para nosotros como público.
A partir de esta premisa Cociña y
León trazan una animación en stop
motion con claras reminiscencias
al cine de Jan Svankmajer, apreciables
en la reconversión de los objetos y
las metáforas visuales. Los personajes,
escenarios y cada detalle del set pasan
paulatinamente de lo bidimensional
—como las secuencias que parecen óleos
sobre tela o aquellas en donde se juega
con la perspectiva y profundidad— a las
piezas con volumen —siempre con
personajes un tanto distorsionados—,
mientas la cámara se desliza por
habitaciones que, como en los sueños,
no dejan de transformarse.
Es justo la parte visual, reforzada por
la banda sonora, lo que te sumerge en una
atmósfera que deambula entre el horror y
lo surrealista; los personajes podrían no
hablar y aún así nos sentiríamos
aterrorizado y en medio de un sueño. Eso
no significa que los diálogos carezcan de
peso; de hecho, cuando escuchamos a los
personajes decir sus líneas metafóricas,
es cuando más miedo sentimos, pues
muchos de ellos hacen referencia a los
abusos de poder —llámese de gobiernos
dictadores o de líderes religiosos—.
Ante esto último, no es fortuito que
la protagonista sea originaria de una
comunidad alemana. Si escarbamos un
poco en la historia chilena, resulta lógico
que dicha característica del personaje y
todas sus vivencias pesadillescas hagan
referencia a la Colonia Dignidad —de
bases como las de los menonitas en
México, pero en una versión intensa y
con más injerencia política—, cuyos
crímenes reales ponen la piel de gallina.
Con múltiples referencias a los
cuentos de hadas, como Blancanieves y
Hansel y Gretel, La casa lobo, el primer
filme en stop motion que se realiza en
Chile, sabe cómo perturbarnos con
“chonchitos con manos” y sacarnos
sustos desde el primer susurro.
ANAID RAMÍREZ
Esta familia está
en llamas.
violentas que se registran en nuestro
país sean el marco de películas de
horror; así como Issa López retomó
los asesinatos fronterizos para crear
Vuelven, en Belzebuth Emilio Portes
hace referencia a los narcotúneles
y a la manera en que los niños se
exponen a las olas de violencia.
Con menos grado de fantasía y
más secuencias de crueldad explícita,
el filme se desarrolla a partir de que
una enfermera se suicida después de
asesinar a varios recién nacidos en
el área de cuneros de un hospital, y
entre las víctimas está el hijo del
agente federal Emmanuel Ritter
(Joaquín Cosío). Con los años otras
masacres ocurren, y a la investigación
policiaca —a la que pertenece
Ritter— se suman las del cuerpo
“forense de lo paranormal” —el team
gringo—, y la conclusión es que un
demonio va tras un pequeño que
podría ser el nuevo mesías.
Esta premisa le permite a
Portes confrontar lo sobrenatural con
la criminología y no con la ciencia,
como vemos frecuentemente en el
género, y esto es quizá el atractivo de
esta producción. Asimismo, resulta un
acierto la creación de atmósferas
espeluznantes y claustrofóbicas,
tanto en los túneles más angostos
como en los escenarios más abiertos
que presumen los desiertos
mexicanos y sus atardeceres.
Pese a los visibles esfuerzos por
entregarte algo digno y al intrigante
arranque de la cinta, ésta no logra
exorcizar los demonios de lo absurdo
y lo predecible, y tampoco impide
que los diálogos explicativos se
posesionen de ella. Pasada la mitad
de la película, cuando conviven
el momento más tenebroso y el más
(¿)involuntariamente(?) risorio —lo
detectarás muy fácil, ya verás—,
prácticamente todo se viene abajo. AR
VEREDICTO Es para quienes buscan
piezas originales, con propuesta y
transgresoras, tanto en su técnica
como en su discurso. Tienes que verla
en cuanto llegue a tu cine de confianza.
VEREDICTO Para seguirle la pista
al horror mexicano y las propuestas
que intenta, aunque no esperes la
mejor de las ejecuciones.
ENERO 2019
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CINE
ATETERNITY'S GATE
++++
ESTRENO 18 DE ENERO /
110 MINUTOS
Julian Schnabel
Willem Dafoe, Oscar Isaac, Mads Mikkelsen
DIRECTOR
ELENCO
Los años más decisivos para Vincent van Gogh
(Dafoe) ocurrieron en Arles y Auvers-sur-Oise. Esta
película es un vistazo a las vivencias del pintor en
aquellos dos lugares.
SINOPSIS
SI LOVING VINCENT evocaba a la obra del
artista holandés, pareciera que la finalidad de
At Eternity’s Gate es, más bien, aludir a las emociones
y a las alteraciones que pudieron afectar a Vincent van
Gogh. Transmitirte esas sensaciones a través del
lenguaje cinematográfico es, junto con la interpretación
de Willem Dafoe, el mayor mérito de esta biopic.
Una de las tácticas que le permiten a Julian Schnabel
llegar a ese objetivo es la concreción de su relato; al lado
de Jean-Claude Carrière y Louise Kugelberg,
coguionistas, creó una historia sencilla que se enfoca en
el paso del pintor por Arles y Auvers-sur-Oise, donde
pasó sus días más decisivos —por la cantidad de piezas
que creó y por sus complicaciones de salud—.
De este modo, eres testigo de los últimos meses de
Van Gogh: de sus desequilibrios, aislamiento y trifulcas.
Pero más allá de ser espectador de la acción a cuadro,
por algunos instantes la película intenta ponerte en los
pies, ojos y mente de Vincent: la superposición de
diálogos te hace sentir que estás perdiendo la razón;
las variantes de color aparecen para enfatizar los
delirios del protagonista; los bruscos movimientos de
una cámara subjetiva se muestran tan inquietos como
las ideas y los trazos del pintor.
Es gracias a esta función de la cámara que también
identificas, como si fueras el propio artista, la belleza de
los paisajes reales de Arles y Auvers-sur-Oise.
Los escenarios originales de esta historia no podrían
ser mejor locación para enmarcar esta ficción.
La suma de esto invita a pensar en At Eternity’s
Gate como un cuadro hermoso y emotivo que adquiere
valor no tanto por la firma de su director, sino por la que
pone Dafoe con su interpretación. Sólo un actor con su
afectividad podría encarnar la sensibilidad de
un artista como Van Gogh. Y sí, se vislumbra una
fructífera temporada de premios para Dafoe.
Pese a los méritos, no todos los trazos de Schnabel
son acertados. Hay momentos en que el ensamble
parece responder más a una pretensión que a una
necesidad narrativa, y también sobran los diálogos
explicativos sobre las emociones que transita el
personaje central. Esto no impide que At Eternity’s Gate
sea un homenaje digno para Vincent y una pintura
efectiva para ti como espectador. ANAID RAMÍREZ
Pretextos sobran para verla: si eres fan de
Willem Dafoe, de las biopics o de Vincent van Gogh,
cualquiera que sea el caso, la vas a disfrutar.
VEREDICTO
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ENERO 2019
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ENERO 2019
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CINE
SECONDACT
++
ESTRENO 11 DE ENERO /
103 MINUTOS
Peter Segal
ELENCO Jennifer López, Vanessa
Hudgens, Milo Ventimiglia, Leha Remini
DIRECTOR
Una mujer de mediana edad,
Maya (López), a la que se le niega una
oportunidad de crecimiento por no haber
estudiado la universidad, cambia por
completo su perfil en redes sociales.
A raíz de eso, accede a un trabajo
de alto nivel en el que además enfrenta
un doloroso asunto del pasado.
SINOPSIS
MAYA (JENNIFER LOPEZ) es una
de esas personas súper inteligentes que
aplican su talento y su experiencia
en su trabajo al grado de proponer
medidas que logran mejorar las ventas
pero que no le ayudan a conseguir
el puesto que desea. Al final, los honores
los obtiene alguien más “preparado”,
en este caso un hombre, quien deberá
ejecutar sus ideas exigiendo de Maya
una obediencia y sumisión que ella no
puede tomar nada bien.
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ENERO 2019
La vida de Maya fuera del trabajo no
puede ser más apacible, alegre y normal.
Por ejemplo, vive con su pareja Troy
(Milo Ventimiglia), con quien se lleva
de maravilla, aunque él tiene un gran
conflicto por la rotunda negativa de Maya
para tener hijos.
Además, ella cuenta con el apoyo y el
cariño incondicional de su mejor amiga,
Joan (Leah Remini), cuyo hijo resulta
ser un prodigio de la informática y quien
por su voluntad decide crear un perfil
de la amiga de su madre, en el que
le inventa una vida con estudios en
la más prestigiosa universidad y los
mejores empleos; sus redes sociales
aparecen plagadas de imágenes de una
vida que no es la suya, con logros que
nunca sucedieron. Pero gracias a toda
esta ficción, una oferta impensable de
empleo en la empresa de sus sueños ha
llegado a ella, y en bandeja de plata.
Instalada en su nuevo trabajo Maya
tiene que hacer valer sus habilidades y su
experiencia, además de confiar en sí
misma como nunca lo ha hecho; y sobre
todo, por nada del mundo puede permitir
que la descubran.
En esa posición, mientras compite
por la creación de un producto ciento por
ciento orgánico pero que genere mayores
ganancias sin que cueste demasiado,
Maya tendrá un encuentro con su pasado
Más que al hombre
de sus sueños, Maya
(Jennifer López) busca
el trabajo de sus
sueños: sin
outsourcing, con
contrato indefinido
y las prestaciones de
ley... ¿Quién no?
—¿coincidencia?— que de ningún modo
imaginó que pudiera suceder.
Todos estos ingredientes te harían
pensar que estás ante una comedia
romántica, sin embargo no podrías estar
más equivocado. En realidad, el
desarrollo de la historia se inclina más
hacia un dramedy, y logra ser
entretenido, principalmente, por el
ensamble: Leah Remini, como siempre,
hace su trabajo de manera portentosa,
y todo alrededor de Jennifer López está
puesto con la finalidad de hacer brillar
a la protagonista, para distraernos de su
imponente presencia.
De lo que las interpretaciones no
nos van a distraer es de notar lo absurdo
y melodramático de su “giro de tuerca”,
que además aparece a media película
y te permite visualizar el resto del camino
que tomarán los acontacimientos.
Esto quiere decir que si acudes con tu
mamá al cine, va a disfrutar la película
por la historia, por las amigas de Maya
y por sus compañeros en su nuevo
trabajo. Pero nada más. CÉSAR HERNÁNDEZ
VEREDICTO Es una comedia familiar
que podría hacerte sentir bien pero que
no trascenderá en tu existencia,
a menos que hayas vivido exactamente
lo que estás viendo en la pantalla
y te sirva como catarsis.
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LOOK AWAY
++
ESTRENO 18 DE ENERO / 103 MINUTOS
DIRECTOR Assaf
Bernstein
ELENCO India Eisley, Jason Isaacs,
Mira Sorvino
LA PRIMERA IMAGEN en Look Away
es un ultrasonido de dos bebés en el
útero. Años después, en una
conveniente coincidencia, la insegura
Maria (India Eisley) descubre la
ecografía escondida en el marco de su
espejo. A partir de entonces, ella
escucha la voz de su reflejo, con quien
sostiene charlas que de pronto
recuerdan a The Lord of the Rings.
Tímida y acomplejada, Maria debe
lidiar con el acoso en la escuela y la
envidia que siente por su única amiga,
más sociable y popular que ella con
los chicos. Su padre (Jason Isaacs),
un cirujano plástico, la recrimina por
su aspecto físico y falta de amigos.
La protagonista encuentra
consuelo en su doppelgänger del
espejo, la versión de sí misma que
a ella le gustaría ser. La implicación
—aun si la película insiste inútilmente
en mantener la ambigüedad— es que
Maria tenía una gemela y que la
personalidad de ésta, de algún modo,
se manifiesta en su mente. Ella la insta
a defenderse y a tomar las riendas de
su identidad... lo que en teoría es un
mensaje muy positivo.
Pese a que el trabajo actoral
de Eisley en dos roles paralelos
y opuestos es digno de admiración,
el guion levanta serias preguntas una
vez que la doble asume el control de
las acciones. Primero, porque si la
idea es que la protagonista se
empodere y tome control de sus
decisiones, se pierde todo su impacto
narrativo al explicarse por medio de
una personalidad dual. Y segundo,
porque la revancha de Maria es cada
vez más hiperbólica y gratuita.
Sin importar la justificación para
lo que pasa en la cabeza de su
personaje principal, Look Away pierde
el piso hacia su último acto para
entregarse a una venganza pueril.
Es en estos casos que conviene
tomar el título de la película como
recomendación. LO
VEREDICTO Es mejor dejar pasar Look
Away por su problemática historia,
un “elefante en la habitación” que
opaca a su talentosa protagonista.
CINE
DESTROYER
++++
ESTRENO 4 DE ENERO /
120 MINUTOS
Karyn Kusama
ELENCO Nicole Kidman, Toby Kebbell,
Tatiana Maslany
DIRECTOR
Erin Bell (Kidman) es una
detective de la policía de Los Ángeles
que tiene como misión infiltrarse en una
banda liderada por Silas (Kebbell), pero
su plan de capturar al criminal se
desmorona durante un atraco. Después
de 16 años, Silas regresa para robar un
banco y Bell tiene una segunda
oportunidad para atraparlo.
SINOPSIS
SIN DUDA, el bastión sobre el que se
sostiene la más reciente propuesta de
Karyn Kusama es el apabullante
descenso emocional que hilvana sin
reparos Nicole Kidman. La actriz lleva
su transformación física más allá del
efectismo para interpretar a una
detective casi en los huesos que,
consumida por la amargura, ve cómo un
antiguo caso de sus tiempos como agente
encubierta —que por cierto saliera muy
mal— vuelve a cobrar vigencia para
enfrentarla cara a cara con sus más
terribles remordimientos, mientras
la relación con su hija es un desastre.
Sin embargo, y aunque no se puede
dejar de resaltar —no por nada ya le valió
a la intérprete de origen australiano
la nominación como Mejor actriz en los
Globos de Oro y los Satellite Awards—,
no es lo único que esta producción ofrece.
Dicho personaje de tormentoso pasado
y filosofía derrotista, rasgos sacados
directamente de las entrañas del cine
negro —pero reconvertidos con acierto,
pues en ese género los protagonistas
suelen ser hombres— y que resulta
de una desagradable pero envolvente
complejidad, encuentra la réplica
ideal en el armado general y en la
consistencia del ritmo.
Debido a esto no da concesiones
a la hora de delinear pedazos de una
realidad en permanente estado de
descomposición, que ya sea en espacios
cerrados o abiertos carcome las buenas
intenciones y asfixia cualquier atisbo de
lo que pudiera ser una posible redención.
La narrativa, fragmentada a través
de incisiones precisas y con toda
la intención de hacer cómplice al
espectador de una desesperanzadora
reconstrucción entre fantasmas,
sombras y asuntos no resueltos,
se sostiene gracias a un guion sólido
y por momentos sofisticado, elaborado
por Phil Hay y Matt Manfredi
—ya habían tenido una afortunada
colaboración con la directora en The
Invitation—, quienes apuestan por líneas
argumentales claras y diálogos medidos.
Esta decisión resulta efectiva hasta
el último momento, pese a que el discurso
final sobre la naturaleza de lo irreparable
y el peso de la culpa se queda corto en
relación con la complejidad del pasaje
que lleva hacia él. Mención aparte
merece la fotografía perpetrada por Julie
Kirkwood, quien hace de Los Ángeles un
escenario desolador para una trama cuyo
desarrollo nunca pierde la potencia
inicial. JESÚS CHAVARRÍA
¿En qué nivel de
destrucción en la
escala de Erin Bell
(Nicole Kidman) te
encuentras?
VEREDICTO Un drama criminal de
grandes alcances estilísticos, intrigante
y devastador, que sirve de vehículo
a modo para ver otro enfoque de las ya
conocidas posibilidades interpretativas
de Nicole Kidman. Pero además ofrece
un interesante cambio de rostro al
género clásico del cine negro, del que
retoma los lineamientos, evitando
falsas pretensiones y sin hacer
demasiados aspavientos al respecto.
ENERO 2019
49
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Yann Bellaile
(Romain Duris) es como
tu vecino chismoso
versión extrema.
CINE
SIN DEJAR
HUELLAS
+++
ESTRENO 18 DE
ENERO/ 113 MINUTOS
Erick Zonca
ELENCO Vincent Cassel, Romain Duris,
Sandrin Kiberlain
DIRECTOR
Cuando desaparece uno de los
hijos de Solange Arnault (Kiberlain),
el comandante alcohólico François
Visconti (Cassel) asume el caso. Durante
la investigación, el hombre nota el
obsesivo interés de Yann Bellaile (Duris),
profesor y vecino de la víctima, por
ayudar en las indagaciones.
SINOPSIS
PODRÍA TENER UN título original
(Fleuve Noir, río negro en francés)
bastante revelador sobre lo que quiere
ser, un film noir, pero Sin dejar huellas
es todo menos obvia sobre el rumbo que
tomarán sus cínicos protagonistas y en
cómo se resolverá el conflicto central,
cualidades suficientes para mantenerte
muy pegado a tu butaca a lo largo de sus
casi dos horas de duración.
Si el director Erick Zonca tiene ese
efecto en ti es, por un lado, gracias a que
la primera novela del autor israelí Dror
Mishani (The Missing File, de 2011) sirvió
como base del guion de esta cinta, y por
el otro, porque si bien el relato cae en
muchos lugares comunes del género,
son bien aprovechados para incrementar
tu intriga y asombro cuando se desata
cada nudo de este enredo. Pero la mayor
fortaleza de esta película es, sin duda, la
construcción de sus personajes y la forma
en que su elenco se apropia de ellos.
No te causará ninguna sorpresa ver
a Vincent Cassel como el tipo destructivo
50
ENERO 2019
(Black Swan), violento (Mesrine)
y sociópata (Mon Roi) que es con su
comandante François Visconti. Sin
embargo, pese a interpretar un papel
dentro de sus estándares, no te quedará
a deber porque aquí llega a puntos
extremos y que posiblemente pocas veces
le has visto. Debido a su caracterización
despreciable —sin superar con ello a su
Joseph en Sheitan—, a su deambular y a
su tropezada habla, no sólo te convence
de la actitud arrogante de su personaje;
seguramente imaginarás incluso —como
nos ocurrió a nosotros— los aromas que
su presencia desprende.
Romain Duris no está en menor nivel
con su interpretación del retraído y autor
fracasado Yann Bellaile, quien resulta ser
vecino y profesor del desaparecido Dany
Arnault —un personaje invisible que
apenas tiene rostro—. La actuación de
Duris va en correspondencia con su
personaje: inicia como un rol incidental,
a penas perceptible, y termina con una
participación crucial. Por su parte, como
Solange Arnault, la madre del
adolescente, Sandrine Kiberlain,
se convierte en el foco de la escena cada
vez que aparece a cuadro.
Con esta fortaleza en sus actuaciones
y sus ambientes sombríos, Zonca además
te entrega un par de giros de tuerca que,
si bien se mueven lentamente y apenas
unos minutos antes de las escenas
decisivas podrías visualizar hacia dónde
se dirigirá, te dejarán boquiabierto no
tanto por la resolución sino por la forma
en que los personajes reaccionan ante
la situación. ANAID RAMÍREZ
Un film noir que cumple con
su objetivo de atraparte y no soltarte
sino hasta el final, pese a sus
constantes caídas en lugares comunes.
La película se sostiene de sus
actuaciones y de sus resoluciones,
aunque podrías vislumbrar algunos
movimientos decisivos.
MARY QUEEN
OF SCOTS
++++
ESTRENO 18 DE
ENERO / 124 MINUTOS
Josie Rourke
Saoirse Ronan, Margot Robbie,
Thom Petty, James McArdle
DIRECTORA
ELENCO
La reina viuda Mary (Ronan)
regresa a su natal Escocia para asumir
el trono, pero no a todos les gusta
la idea de que ella reine. A la par, en
Inglaterra, Elizabeth (Robbie) siente
peligro por la nueva monarca.
SINOPSIS
VEREDICTO
LA HISTORIA DE MARY
QUEEN OF SCOTS tiene lo que le
gusta a cualquier realizador: tres
matrimonios tumultuosos, romances
sugeridos y una muerte trágica por
órdenes de su prima, Elizabeth I
РЕЛИЗ ПОДГОТОВИЛА ГРУППА "What's News" VK.COM/WSNWS
de Inglaterra, que exageran el drama.
La directora Josie Rourke halla la manera
de centrarse en una historia con la que
nos podemos relacionar —sobre mujeres
luchando para sobrevivir en un mundo
de hombres— aunque a veces sacrifica
la credibilidad histórica para conseguirlo.
Conocemos a Mary (Saoirse Ronan)
y a sus damas cuando regresan de Francia
para asumir su trono. Mary está muy
consciente de su estatus: Reina de
Escocia desde que tenía meses de nacida
y heredera de Inglaterra a menos que su
prima Elizabeth (Margot Robbie) se case
y tenga un heredero. Pero Mary es
católica en una isla protestante, y eso la
convierte en una amenaza. Sus propios
señores y hasta su solidario medio
hermano James Murray (McArdle)
la ven como alguien que podría escabullir
de nuevo al Papa. Los escoceses más
puritanos, liderados por John Knox
(David Tennant), además consideran
indigno el hecho de que una mujer reine.
Y a Elizabeth no le hace ninguna gracia
que una monarca más joven y hermosa
le esté echando el ojo a su trono.
Aunque está consciente del peligro,
Mary elige mal a sus aliados. Su segundo
esposo, el encantador pero poco confiable
Lord Darnley (Jack Lowden), prueba ser
una desilusión. El tercero, Bothwell
(Martin Compston), es aparentemente
leal, hasta el momento en que se revela
como un abusivo violador.
Ella es lo suficientemente egoísta
para demandar respeto y no se
compromete con sus súbditos. También
es lo bastante ingenua para seguir de
fiesta como si continuara en Francia a
pesar del horror de su corte. Las tragedias
de la película son prácticamente todas
provocadas por ella, pero conociéndola
a través de los libros de Historia es difícil
creer que podría haber actuado distinto.
De la misma forma, Elizabeth parece
enganchada en rumbo de colisionar con
su pariente monarca.
Por supuesto que es una pincelada
por encima de la historia verdadera.
El guion de Beau Willmon reduce
ocasionalmente las relaciones complejas
a incidentes apenas dibujados,
que se sienten poco realistas en
A eso le llamamos no
mover ni un solo dedo.
comparación con las interpretaciones
más internas del elenco. Algunas
elecciones de diseño se perciben
muy anacrónicas también, aunque el
vestuario es, afortunadamente, más
fiel que la última vez que vimos a Mary
en pantalla en la loca Reign.
El mayor problema es que la reunión
clave que debería ser el punto más alto
del filme, es su momento más débil; pero
la convicción de Ronan y Robbie, y un
elenco de reparto bastante fuerte,
convierten a la cinta en un choque de
personalidades muy atractivo.
Intranquila es la cabeza que lleva una
corona, y es triste cuando incluso
una reina enemiga está más cerca de
comprender tus problemas que
las personas que amas. HELEN O'HARA
VEREDICTO Una lección de historia
con más fuego en su centro que la
mayoría. El ángulo feminista de
verdad puede revivir los viejos
psicodramas Tudor gracias en buena
medida a las interpretaciones
convincentes de Ronan y Robbie.
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Un pasito a la La La
Land en Silicon Valley /
Los nerds de tu salón
que despreciabas /
David Kim Stanley
(Steven Zahn) envidia
el rubio platino de su
compañera godín / El
tipo de PC que muchos
ya no conocimos.
52
ENERO 2019
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tv & streaming
VALLEYOFTHE BOOM
+++
ESTRENO 20 DE ENERO/
POR NAT GEO
1/ 45 minutos
Matthew Carnahan
ELENCO Bradley Whitford, John Karna, Oliver Karna,
Dakota Shapiro
EPISODIOS VISTOS
CREADOR
Un divertido viaje en el tiempo para
llevarte a inicios de la década de los 90, cuando
el boom de la tecnología se instaló en Silicon Valley.
SINOPSIS
SI CONSIDERAMOS que muchos piensan en
la programación, la tecnología y todos sus parientes
como tareas cuadradísimas, Valley of the Boom
—El boom de Silicon Valley para América Latina—
no podría abordar de manera más opuesta esos
temas; resulta en una serie que juega con los
formatos y se moldea a ellos para contar la historia
de tres servicios de Internet que hoy nos resultan
cotidianos: los exploradores, las comunidades
virtuales (o redes sociales) y el broadcasting.
Matthew Carnahan, creador de la serie y
director de algunos episodios, presenta un ensamble
de material de archivo, entrevistas actuales con
varios de los involucrados reales y, en especial,
sketches que usualmente rompen su propia
narrativa para que algún personaje haga alguna
nota al margen o aparezcan números musicales
intencionalmente ridículos.
Entre la edición de estos ingredientes y las
actuaciones de figuras como John Karna (Lady
Bird), Steve Zahn (The Wonders) y Oliver Cooper
(Red Oaks), el ágil ritmo de Valley of the Boom se
mantiene constante sin que haya momentos en que
pierda tu atención. Y entonces ahí lo tienes:
te diviertes mientras aprendes un poco de la historia
sobre las nuevas tecnologías.
No es la intención de la serie hacerte entender
el por qué de nuestro apego a lo digital, pero
mientras ves las dramatizaciones intercaladas con
los comentarios reales descubres a los abuelitos de
Google, Facebook y YouTube. Asimismo te invita
a reflexionar sobre la evolución de modelos de
negocio en Internet y el modo en que esas
innovaciones cambiaron la vida del mundo,
empezando por la de sus creadores.
El resultado es una combinación de risas
—no tantas como las que te genera Silicon Valley
con su naturalidad— y datos interesantes que no
sólo acapararán la atención del público millennial.
ANAID RAMÍREZ
VEREDICTO Si Internet te actualiza de las
novedades, esta serie te pone al tanto pero
del pasado. Entre recreaciones cómicas y
entrevistas de primera mano, Valley of Boom te
entrega información muy digerible e interesante.
ENERO 2019
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TV & Streaming
DEADLY CLASS
++++
ESTRENO 17 DE ENERO/
POR FX NETWORK
Miles Orion Feldscott,
Rick Remender
ELENCO Benjamin Wadsworth, María
Gabriela de Faría, Benedict Wong,
Lana Condor, Michel Duval
CAPÍTULOS VISTOS 1/ 60 minutos
CREADORES
En 1987, en plena urbe de San
Francisco, el adolescente vagabundo
Marcus (Wadsworth) es rescatado de
la violencia de las calles para ser
reclutado en una escuela de asesinos
tipo elite, donde los alumnos aprenden
cómo usar armas de artes marciales
y eliminar a los objetivos que les
comisionen... o a sus enemigos.
SINOPSIS
NO HAY DUDA DE QUE en Deadly
Class nos sientan en un pupitre y las
paredes del salón de clases nos evocan
al sinfín de academias a las que se hace
referencia en los programas para jóvenes
adultos —Elite y Baby son ejemplos
54
ENERO 2019
recientes— con la diferencia de que
los compañeros de clase te quieren
asesinar, volviéndolo todo un escenario
de vida o muerte, con el instinto de
supervivencia al tope.
Rick Remender, como creador de
la serie, y los hermanos Russo, quienes
fungen como productores, están
tomando muchos riesgos aquí, pero para
bien. Sacudirnos de vez en cuando de lo
“políticamente correcto” es parte de
la experiencia de cualquier tipo de arte
que busca cuestionarnos cómo
pensábamos y qué tanto hemos
evolucionado como raza.
El reparto nos provee de nuevas
caras y actuaciones frescas, que nos
llevan a preguntarnos a qué tipo de grupo
queremos pertenecer; donde los Rats son
los últimos en la cadena alimenticia pero
sin duda también la metáfora viviente
de esa sensación que tuvimos en la
secundaria o en la preparatoria de que
alguien nos quería poner la suela del
zapato en la cabeza.
La música y ambientación ochentera,
con la era Reagan en su esplendor, son
los dulces extras que nos regala Deadly
Class. Incluso en eso la serie resulta
novedosa; no se regodea en la nostalgia
de producciones como Stranger Things;
más bien apela al sentido callejero de esta
época que gustaba cargar con grabadoras
A Marcus Lopez
(Benjamin Wadsworth)
le llueve sobre mojado.
del tamaño de un televisor sobre
el hombro al ritmo del punk rock.
Llama mucho la atención que dos
de sus protagonistas representan a
personajes latinos, con un Marcus
(Benjamin Wadsworth) de Nicaragua
y María (María Gabriela de Faría) de
ascendencia mexicana, sumándoseles el
personaje de Chico, interpretado por
el originario de tierras aztecas Michel
Duval —como nota al margen, es hijo de
la actriz Consuelo Duval—.
Deadly Class es una serie filosa,
sin pelos en la lengua, con situaciones
adultas que empujan a sus personajes
adolescentes. Las mismas reglas de inicio
exigen disciplina y no sexo, aunque
los estudiantes querrán tener la última
palabra para pasar sus materias y salir
con los mejores aliados posibles, sin que
los manden a detención.
El éxito de la serie de Rick Remender
dependerá de qué tanto la audiencia está
lista para sacudirse lo políticamente
incorrecto de las situaciones, con
escenarios que abordan racismo,
misoginia, homofobia y el uso de
la violencia para resolver los problemas
del mundo. MARIO P. SZÉKELY
VEREDICTO Una
serie que, pese al tema
y sus referencias ochenteras, logra ser
auténtica al no tener reservas.
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STATION 19 SEGUNDA TEMPORADA
+++
ESTRENO 04 DE ENERO / 97 MINUTOS
1 / 42 minutos
Stacey McKee
ELENCO Jaina Lee Ortiz, Jason George,
Grey Damon, Barrett Doss, Alberto
Frezza, Jay Hayden, Okriete
Onaodowan, Danielle Savre,
Miguel Sandoval, Chandra Willson,
Bret Tucker
EPISODIOS VISTOS
CREADORA
SÍ QUE TUVO UN TREMENDO
cliffhanger el último episodio de la
primera temporada. Bomberos caídos
por todos lados. Según el reglamento,
cuidan sus vidas trabajando en
parejas, cosa imposible de sostener
cuando tienes a tu compañero caído
y te pide que en vez de sacarlo a él
ayudes a una vida civil en peligro.
Afuera es el caos entre carros de
bomberos, patrullas y ambulancias.
Cuando el episodio comienza el
jefe de la estación está peleando
porque nadie de su equipo vuelva a
entrar al edificio, pero hay al menos
dos integrantes arriba sin atención y
quién sabe dónde diablos estén,
además de que sigue habiendo gente
que no puede salir.
Dos cosas caracterizan a este
impresionante y conmovedor primer
episodio de la segunda temporada:
1. Empieza súper arriba.
De verdad es virtualmente imposible
seguir la acción y las emociones
de este capítulo sin dejarse llevar;
lloras y se te encoge el ombligo, te da
coraje que el capitán sea tan obtuso
que no deje que los bomberos vuelvan
al edificio en llamas para seguir
realizando su trabajo, que no sólo es
eso, es una pasión, y además son sus
compañeros del día a día los que
podrían estar necesitando ayuda allá
arriba. Todos están en peligro y cada
uno tiene una historia emocionante
en la continuación del infierno en el
rascacielos del último capítulo de la
primera temporada.
2. Empieza súper arriba.
¿Cómo continuar? No hay forma de
que mantengan el nivel de acción/
emoción que vivimos con este
episodio en esta temporada. Si se
continúa con el puro drama, sentirás
que se cae, aunque la llegada del
nuevo capitán seguro traerá conflicto.
TIENES que verlo, porque es
buenísimo, y por el morbo de saber
cómo es que mantendrán la tensión
en los capítulos subsecuentes. CH
tv & streaming
BRINGING UP
DADDY
++
ESTRENO 04 DE ENERO /
97 MINUTOS
Steve Clark
ELENCO Jeremy Irons, Jack Huston,
Megalyn Echikunwoke
DIRECTOR
Después de viajar y sufrir
un infarto, un famoso, patán y
cocainómano actor debe cruzar el país
en auto con su distanciado hijo, quien
podría padecer cáncer.
SINOPSIS
CLÁSICAS O RECIENTES, épicas
o íntimas, las mejores road movies
retratan un viaje transformador para sus
personajes, con el espíritu de una época
y cultura como telón de fondo. Los otros
esenciales son, obvio, el vehículo (un
auto, casi siempre) y los viajeros, quienes
convivirán, se unirán o pelearán a partir
de la magia de un buen desarrollo de
personajes. Bringing Up Daddy cumple
con el auto y los pasajeros, pero para el
resto cae en el cliché y el estereotipo.
La historia nos presenta a Atticus
Smith (Jeremy Irons), un reconocidísimo
actor de Hollywood que desborda
carisma frente a la cámara pero detrás
de ella se entrega a la cocaína, el alcohol
y al acoso de cuanta mujer se le atraviese.
Luego de recibir un premio, y a días de la
boda de su hija, sufre un infarto y termina
en el hospital.
Su distanciado hijo, Adam (Jack
Huston), es un profesor de cine con ideas
progresistas sobre las mujeres. Carga con
un diagnóstico de tumores testiculares,
pero decide visitar a su padre. Con
Atticus impedido para poner pie en un
avión, ambos deben a viajar en auto.
Desde el primer gag se nota que
Irons, más conocido por papeles serios
—Kafka y Rodrigo Borgia entre ellos—,
se divierte al máximo con su personaje,
con unos modos indignantes para el
Hollywood en indignación de la era
del #MeToo.
El director Steve Clark y su
coguionista Thomas Muffet parecen
haber hecho una lista de elementos a
cubrir en una road movie. En lugar de ver
a los protagonistas parar en lugares
y situaciones que les hagan crecer,
Bringing Up Daddy parece un recorrido
por todas las convenciones del género.
Así, padre e hijo pasan por
restaurantes, bares, campamentos
—chamán y alucinógenos incluidos—
y otros paisajes típicos estadounidenses,
sin que haya más entre ellos que
reproches sobre su pasado común.
Todo conduce a la inevitable y mágica
reconciliación, que se ve venir desde
que arrancan el auto.
Es una pena, pues con las posturas
opuestas de sus protagonistas acerca de
las mujeres, esta película bien pudo decir
algo interesante sobre las diferentes
ideas de la masculinidad entre
generaciones. En vez de ello, el guion
mantiene a Adam enfrentado
telefónicamente con su pareja (Megalyn
Echikunwoke) por un malentendido
sobre sus testículos que podría resolverse
con un WhatsApp.
Conviene pensar que Jeremy Irons
hace tolerable el viaje. Aunque es una
lástima que éste sea uno de sus raros
papeles cómicos, pues vaya que se le dan.
A Valerie (Michaela
Watkins) y Alex
(Tommy Dewey) se
les apareció la
iguana.
LALO ORTEGA
Un road trip, por lo menos en
el cine, debe estar lleno de sorpresas
en el camino, pero Bringing Up Daddy
es tan predecible como un viaje a casa
de la abuela. Al menos Jeremy Irons
nos acompaña en el camino.
VEREDICTO
ENERO 19
55
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cómics
EXTERMINATION
++++
SALE A MEDIADOS
DE ENERO
Hace unos años, los cinco
X-Men originales fueron trasladados
al presente del Universo Marvel para
recuperar el “Sueño de Xavier”, al
confrontarlos con las circunstancias
que vivían los mutantes. Ahora, todo
parece indicar que el momento final
de estos jóvenes héroes ha llegado.
SINOPSIS
CON EL LEMA “Exterminar el
pasado, eliminar el futuro”, Marvel inició
este año Extermination, un nuevo evento
que pondría a los jóvenes discípulos de
Charles Xavier frente a su mayor reto,
uno que tal vez les cueste la vida,
y escribo “tal vez” porque al momento
de redactar esta reseña el quinto
y último número de la saga está por salir.
De cualquier manera, se sabe que
se trata de una jugada de las que
acostumbra la Casa de las Ideas para
reacomodar sus títulos, sobre todo ahora
que han revivido a la Jean Grey original.
De paso, se limpia el terreno para los
personajes que, en caso de cerrarse la
venta de Fox Disney, veremos en el
Universo Cinematográfico de Marvel.
56
ENERO 2019
Pero estos son y no son los X-Men
originales. Son algo así como la versión
Marvel del “Cuento de Navidad” de
Charles Dickens, en el que Cyclops,
Marvel Girl, Iceman, Beast y Angel
llegaron al presente, en 2012,
en las páginas de All-New X-Men,
de Brian Michael Bendis y Stuart
Immonen, para ser testigos del desastre:
las consecuencias del evento Avengers vs.
X-Men, y del dominio de Cyclops
por la Fuerza de Phoenix que lo llevó
a matar al Profesor X.
Ante este panorama terrible para la
raza mutante, el Hank McCoy adulto
decide tomar medidas drásticas y emplea
una plataforma de viaje en el tiempo para
retroceder hasta los eventos de X-Men #
8, de 1964, y convence a las versiones
jóvenes de los X-Men para acompañarlo
al futuro con la intención de que
atestigüen los lamentables caminos
que tomaron, y que esa lección los guíe
a mejores decisiones.
Una vez en el presente, los cinco
chicos conocieron sus sórdidos
y oscuros futuros y comenzaron a sufrir
cambios que alteran su línea de tiempo
original, como los poderes telepáticos
de Jean, que se manifestaron antes
de lo que indicaba la cronología del
canon marvelita. Además, decidieron
quedarse en el “futuro”.
Luego de participar en eventos
como Battle of the Atom, quedó claro que,
La foto de los mutantes
mientras caían de una
de las bajadas en la
montaña rusa.
como dijo Beast, habían dejado de
intentar cambiar el futuro y permitieron
que el futuro los cambiara. Con el tiempo
lograron su propio título, X-Men: Blue,
y fincaron su base en Madripoor bajo la
supervisión de Magneto.
Pero sin que ellos lo supieran,
Magneto había estado recibiendo
mensajes del Profesor Xavier desde el
pasado que le indicaban que algo andaba
mal con la línea de tiempo, y fiel a la
tradición Back to the Future, las personas
cercanas comenzaron a desaparecer.
Al concluir esta aventura, el Profesor X
(hace cuatro párrafos dijimos que lo
mataron pero ya conocen a estos chicos
de Marvel) les confirma que deben
regresar y olvidar lo aprendido.
De esta manera llegamos a
Extermination, y descubrimos que
la presencia de los X-Men en el presente
desencadena, para variar, un futuro
apocalíptico. Muy al estilo de Days of the
Future Past, un villano viaja al presente
con la intención de matarlos. Los demás
lo sabrán leyendo la nueva saga semanal
de Marvel Cómics México.
JORGE SALVADOR JURADO
Una lectura de las que
ya nos tienen acostumbrados los
X-Men, con futuros posibles en riesgo
y la muerte de un personaje mayor.
Un ‘boccato di cardinale’ para quienes
aman a los chicos X.
VEREDICTO
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MARVEL RISING
++++
SALE A MEDIADOS DE ENERO
EN TÉRMINOS DE proyecciones
económicas, Marvel Rising es una
iniciativa multiplataforma de Marvel
Entertainment que busca conquistar a
un público más joven a través de
personajes adolescentes con los que
se pueda identificar, muchos de éstos
de reciente creación.
En términos de un lector de
cómics, Marvel Rising es una
oportunidad para que los héroes más
jóvenes (Ms. Marvel, Squirrel Girl,
Quake, Patriot, America Chavez,
Inferno y Spider-Gwen) encuentren
su propio camino narrativo acorde
con una nueva generación de lectores;
que los acompañen como sus
predecesores lo hicieron con nosotros.
Encontrarás mucha diversión aunque
se trata de una lectura para un público
muy joven. JSJ
cómics
JUSTICELEAGUE:
NOJUSTICE
+++
SALE A MEDIADOS
DE ENERO
La Liga de la Justica debe
dividirse y formar cuatro equipos,
conformados por héroes y villanos, para
enfrentar una amenaza que involucra a
Brainiac y a cuatro seres que componen
las más grandes energías del universo:
misterio, maravilla, sabiduría y entropía.
SINOPSIS
THE UNBEATABLE SQUIRRELGIRL
BEATS UPTHE MARVELUNIVERSE
++++
SALE A MEDIADOS DE ENERO
SQUIRREL GIRL es la hermana menor
de Spider-Man, y se trata de una de
las últimas creaciones de Steve Ditko,
el cocreador del Trepa-muros. Con
una cola peluda y poderes y
habilidades proporcionales a los de
una ardilla, esta joven de dientes
grandes ha servido para cuestionar
la credibilidad de los superhéroes,
pues muchos dan validez a un tipo
que desarrolla poderes similares a los
de una araña pero se ríen de quien
posee características de una ardilla.
A ella nada de esto le importa;
ha sabido sacar fuerza de la infamia
y nos ha entregado páginas que
arrancan tantas carcajadas que ningún
otro superhéroe podría estelarizar.
Prueba de ello es esta novela gráfica
que llega al mercado gracias a Marvel
Cómics México. JSJ
DARK NIGHTS: METAL tuvo
consecuencias para DC Comics; entre
éstas un nuevo aire para el venido a
menos Scott Snyder, quien ahora vuelve
a hacer equipo con James Tynion IV y
Joshua Williamson como escritores de
Justice League: No Justice.
Otra consecuencia fue ampliar su
concepto de universo, más allá incluso
del Multiverso (un concepto al que suele
recurrir DC Comics para explicar la
existencia de distintas Tierras y
universos alternativos o paralelos).
O como mejor lo explicó el propio
Snyder: “Pensamos que conocíamos todo
el mapa del cosmos de DC. Pensamos que
habíamos explorado todo lo que había
que explorar. Ahora sabemos que todo
este tiempo el Multiverso no era más
que una pecera, y hemos sido arrojados
al océano, desatando nuevas y
aterradoras amenazas y sus respectivas
posibilidades enormes. Metal abrió
canales de narración que Francis, James,
Joshua y yo estamos ansiosos por
explorar. Cuando terminemos, los
fanáticos nunca volverán a ver a la Liga
de la Justicia de la misma forma”.
Igual que el Vigilante anunciando
la llegada de Galactus a los Cuatro
Fantásticos, Justice League: No Justice
inicia con Brainiac advirtiendo a la Liga
sobre una amenaza enorme que requiere
de la formación de cuatro equipos,
basados en sus habilidades, que puedan
hacer frente a un peligro cósmico capaz
de destruir planetas e incluso el universo.
Estos equipos combinan héroes y
villanos. A saber: Team Mystery (Martian
Manhunter, Sinestro, Superman, Starfire
y Starro), Team Entropy (Lobo, Lex
Luthor, Beast Boy, Batman y
Deathstroke), Team Wonder (Raven,
Doctor Fate, Zatanna, Wonder Woman
y Etrigan) y Team Wisdom (Cyborg,
Harley Quinn, Atom, The Flash y
Damian Wayne).
“La Liga de la Justicia se da cuenta
de que necesita expandir su alcance para
convertirse en algo más grande”, dijo
Manapul, el artista de la serie.
“Cualquiera que haya pedido que Harley
Quinn, Martian Manhunter, Starfire,
Zatanna, The Atom, Raven o Doctor Fate
estén en su Liga de la Justicia se pondrá
de pie y aplaudirá”.
Quien conoce la historia de la Liga de
la Justicia sabe que fue creada para que la
fuerza combinada de sus integrantes los
ayude a contrarrestar amenazas que
superan a cada uno de los héroes en
solitario. Es esta, digámoslo así, su
esencia. Y Justice League: No Justice va
en el mismo sentido. Tal vez predecible.
Pero también se trata de un evento
bisagra, uno que permite a los creativos
de DC finalizar los dos títulos regulares
de Justice League y dar paso a una Liga (o
Ligas) renovada. JORGE SALVADOR JURADO
Nuestros héroes
y villanos
uniformados.
Una miniserie semanal llena
de acción que te permite ver a tus
personajes favoritos en momentos
culminantes para su futuro.
VEREDICTO
ENERO 2019
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NOMODO TRIO
Estación de carga Fast Qi con
enfriador/calentador de bebidas.
gadgets
SOÑARALO GRANDE
Samsung presenta The Wall,
la pantalla que se ocupará del
muro más grande de tu casa.
UNA DE LAS PRINCIPALES diferencias
entre ir al cine y ver una película en tu casa, es el
tamaño de la pantalla, porque hasta ahora sólo
los proyectores te permitían apreciar tus títulos
favoritos, digamos, en un tamaño digno. Sin
embargo, todo parece indicar que los Reyes
Magos del entretenimiento en casa leyeron
nuestras cartas y nos enviarán una televisión
especial para reproducir nuestros DVD,
D,
Blu-Ray y streaming como se mereceen.
Fue a inicios del año pasado que
Samsung anunció su TV modular
MicroLED de ¡146 pulgadas!
—sí, leíste bien—, a la que puedes llam
mar
simplemente “The Wall”. Se trata de la
versión casera de la pantalla que la
compañía había creado para
comercios y tiendas, la cual ofrece un
na
resolución 4K y cuenta con tecnologíía
microLED en lugar de OLED o LED
—una de las principales herramientas
que solía utilizar la compañía—.
Debido a estas características, tendrás
la oportunidad de ver no sólo una imagen
agen
enorme, sino que además será muy clara
y nítida, con negros muy puros y colores
muy llamativos.
58
ENERO 2019
La pantalla funciona con microLED, lo que
implica una mayor luminosidad y menos
consumo energético, y se estima que su vida útil
será de 100 mil horas. En específico, “The Wall”
tiene una dimensión de 146 pulgadas en diagonal
y un grosor de sólo 30mm, y gracias a que cuenta
con un diseño modular sin bisel, puedes
personalizarla al tamaño y forma que necesites.
Como imaginarás, deberás romper varios
cochinitos para hacerte de este capricho. Aún no
se confirma el precio, pero se estima en 100 mil
dólares... claro que esa cifra no te preocupará si
te portaste muy bien en 2018, porque así los
Reyes no tendrán reparo en ser generosos.
De venta por pedido en Samsung.
LA TECNOLOGÍA siempre ha sido creada
en búsqueda del confort. Desde cada item o
electrodoméstico en casa, la comodidad y la
practicidad han sido objetivo para las
invenciones tecnológicas. Esa búsqueda tiene
otro logro: el Nomodo Trio carga de manera
súper rápida tu teléfono o cualquier device
inalámbrico para que cuentes con batería
permanente sin los estorbosos cables.
Pero mientras tu batería bebe de la fuente
más segura de energía, tú también necesitas
mantenerte debidamente alerta con una buena
taza de café o té, los cuales tu Nomodo Trio va a
mantener calientitos para nunca bajar la energía
ni la guardia ante las obligaciones diarias.
Ahora que si tu oficina es calurosa y sin
ventilación, lo que vas a necesitar es que tu
bebida refrescante
refres
se mantenga así, y eso se logra
con la base en
nfriadora del Nomodo Trio, para
que disfrutess de un refresco, agua o cerveza.
Tu N
Nomodo Trio te regala la taza y lo
puedes tener por sólo $99.99 USD en
Ama
azon.com
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WHAT’S THE MATRIX?
Aquí es donde le ponemos título
alternativo y clasificamos todo lo
que verás en cartelera este mes.
sorprendente
BELZEBUTH
El Mascarita
endemoniado.
VALLEY OF THE BOOM
Malditos de sistemas.
LA CASA LOBO
Las mejores carnitas
del rumbo.
GLASS
¿De todas tus
personalidades no tiene
suna que caiga bien?
DISTROYER
Virgencita plis.
SUSPIRIA
Peor que cuando ponen
Payaso de Rodeo.
THE FAVORITE
Don’t minde the bollo
ocks.
LAS MUSAS DEL
DIABLO
La de moño colorado.
DEADLY CLASS
La letra con
sangre entra.
SIN DEJAR HUELLAS
Porque estoy seguro que
tú mi amor ya no me
recuerdas.
LOL
WTF!
MISS BALA
Ésta no quiere la
paz mundial.
E BOY RICK
WHITE
heyenne Apá?
¿Y la Ch
RNA
ESCUELA NOCTUR
as
Donde las maestra
enseñan de más.
CREED II
Ya siéntate Rocky.
AMIGOS POR SIEMPRE
Martin Ricca no sale.
clavada
palomera
BRINGING UP DADDY
Mejor no vayas por
mí a la escuela.
MIRREYES VS
GODINEZ
Tuppers vs Bacardí
LADY RANCHO
A tus órdenes para
lo que ordeñes.
AT ETERNITY’S GATE
Sin oreja nos vamos a
vivir a un mundo nuevo.
STATION 19
Está que arde.
Y LES PEGÓ EL AMOR
Suegros de l’enfer.
NO MIRES
Callate los ojos.
LA SIRENA
Canta en Ruso.
MORTAL ENGINES
Que se lleven a Ecatepec
para ese mundo.
MARY QUEEN
OF SCOTTS
Idea millonaria: camas de
bronceado en Escocia.
JEFA POR ACCIDENTE
Para que no estudio.
NACIDO PARA
SER REY
Rey, no mirrey.
predecible
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POR UNA SIMPLE ESCENA AL FINAL
DE SPLIT, M. NIGHT SHYAMALAN NOS
TIENE ANSIOSOS POR LA LLEGADA DE
GLASS. AQUÍ UN RECUENTO DE ESTE
ORIGINAL UNIVERSO DE SUPERHÉROES.
POR CÉSAR HERNÁNDEZ
Y FRÁGIL
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M. Night Shyamalan
se reencuentra con
David (Bruce Willis)
/ Shyamalan dirige
en The Village / Dos
mosqueteros 15
años antes /
La Horda (James
McAvoy) en duelo
de miradas con
Casey (Anya
Taylor-Joy)
y con esta imaginación,
cuando alguno se llegaba a él, daba terribles voces, pidiendo
y suplicando con palabras y razones concertadas que no se
le acercasen, porque le quebrarían; que
real y verdaderamente él no era como los otros hombres:
que todo era de vidrio, de pies a cabeza.
MIGUEL DE CERVANTES SAAVEDRA
(EL LICENCIADO VIDRIERA)
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ENERO 2019
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ra vivir... El éxito está
sentimiento de magia,
que yo puedo proteger.
M. Night Shyamalan
hyamalan nació
ó en un suburbio
delphia donde, tras
ara súper 8, empezó
lando a su ídolo
haciendo historias
struos y misterio,
car como
e sus películas
l, cuando éstas
salieron en DVD.
Ya más grande comenzó a llamarse
M. Night (noche) Shyamalan, que sigue
siendo difícil de pronunciar pero que nos ayuda bastante
a entender qué tiene este hombre en la cabeza.
Empezó a hacer cine con una convicción entusiasta,
cualidad que lo colocó hasta donde está; siempre dirigió
y produjo las historias que él mismo escribió, y es algo
que sigue haciendo incluso en la actualidad, a poco más
de 25 años de trayectoria.
El éxito llegó con The Sixth Sense, de 1999, un gran año
para el cine y más para Night, quien pese a su corta experiencia
había entrado en la industria con el pie derecho y con la suerte
de escribir papeles para actores consagrados que siempre
aceptaron colaborar con su visión.
En The Sixth Sense se reveló su estilo con uno de los plot
twists más impactantes de la cinematografía mundial; además
uno tan bien realizado que sorprende y conmueve cada vez que
se revisita. Este largometraje obtuvo ni más ni menos que seis
nominaciones al Oscar, y puso a Shyamalan frente a los
reflectores para convertirse más adelante en el escritor mejor
pagado en Hollywood.
Inmediatamente después filmó una idea que tenía pensada
en tres partes, pero que en el momento sintió que no encajaban
una con las otras dos, de modo que decidió hacer de manera
independiente la primera historia. Así surgió Unbreakable,
en el año 2000, que tuvo un éxito moderado comparado
con el anterior filme de Night y con el siguiente, Signs,
protagonizado por Mel Gibson, un megatrancazo en taquilla
que cotizó a M. Night como el escritor que recibió más dinero
por un guion: nomás fueron cinco millones de dólares.
Cada dos años sacó una película con el estilo que lo
caracteriza: The Village en 2002, Lady in the Water en 2004
y The Happening en 2006, la cual ya no le gustó a nadie pero
mantuvo la identidad del realizador, con historias que giran
en torno a eventos sobrenaturales que prueban la humanidad
de los protagonistas; conflictos familiares relacionados con una
pérdida o problemas de pareja; la soledad de la niñez; la
fragilidad humana, todos vinculados con el agua y accidentes
que marcan la existencia.
Shyamalan tiene un estilo muy propio en el que se juega
todo durante la historia por mantener interesado al público con
el desarrollo de la misma, hasta que revela —o no— su giro de
tuerca. Eso parece funcionar desde The Sixth Sense, pasando por
Signs, The Village y Lady in the Water, aunque en esta última
pareció enredarse de más, por lo que la atención se fue
diluyendo, justo, como en el agua.
Si somos honestos, todos sentimos que perdimos al director
indio con los títulos The Happening, The Last Airbender y After
Earth, pero sin duda volvió al asociarse con el más famoso
nombre en el horror contemporáneo: Blumhouse.
Comprobamos ese beneficio a través de la exquisita fábula
The Visit, estrenada en 2015, con la que vuelve a su estilo
sombrío pero entretenido, asustándonos verdaderamente
y con un plot twist que nos devolvió el alma al cuerpo a quienes
fuimos fans de sus primeros trabajos.
Pero sin duda el M. Night maduro, al tope de su talento,
lo habríamos de conocer hasta un año después, cuando Split
apareció en pantallas en 2016. La premisa fabulosa de esta cinta
tiene que ver con un sujeto que desarrolla personalidades
múltiples a partir de un trauma (fiel a sus demás personajes),
y todo el tiempo juega con la idea de qué sucedería si esas
personalidades dieran origen a una con poderes sobrenaturales.
La anterior película resulta ser la segunda pieza perdida de
la serie que comenzó con Unbreakable, cuyo final muestra cómo
ambas se insertan en el mismo universo. La mejor de las
sorpresas es saber que en la tercera entrega se daría el
encuentro entre los personajes de Unbreakable con los de Split,
que es lo que te tiene aquí leyendo en vez de ir a tender tu cama.
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What's broken can always be fixed
What's fixed will always be broken
Jens Lekman
En lo personal siempre sostuve que Unbreakable era la mejor
película de Shyamalan, aun cuando en Signs tuvo a Mel Gibson.
Desde una primera mirada me sorprendió muchísimo cómo
combinó el lenguaje cinematográfico con una forma de contar
adaptada de la estructura de un cómic, incluso las entregas que
hace, como por capítulos, nos recuerdan a una novela gráfica.
Era el año 2000 así que no estábamos saturados como
ahora de superhéroes y supervillanos, pero aunque así hubiera
sido el panorama, el primer soplo de frescura que Unbreakable
nos brinda es que, precisamente, no está basado en un cómic,
sino en todos.
Es justamente esa simpleza lo que se aprecia en primera
instancia en esta propuesta. Es como si el término superhéroe
no se hubiera acuñado aún y simplemente este concepto fuera
nuevo para el mundo de la realidad al estar relegado a
los cómics.
Empecemos por el principio. Después de unos datos duros
acerca de la venta de cómics en ese año en Estados Unidos,
pasamos al prólogo en el que en 1961 un bebecito nace con
las piernas y brazos rotos. Metafóricamente todos nacemos
frágiles, pero la cara de horror del médico que lo ve nos dice que
este niño verdaderamente está más que jodido.
Su amorosa madre, como en película mexicana, es quien lo
impulsa a ser lo que es, y lo obliga a enfrentar el mundo sin
miedo a pesar de que tiene una enfermedad terrible que le resta
densidad a sus huesos por lo que, como muchos de nosotros, se
rompe fácilmente. Su condición vulnerable y la crueldad
infantil acuñan entonces el término Mr. Glass, que el muchacho
adopta como concepto mientras devora los cómics con los que
su mamá premia al joven Elijah Price (Samuel L. Jackson) cada
vez que se aventura al parque frente a su casa.
No le quiero dar la razón a mi madre con esto, pero
los cómics evidentemente dañaron la cabeza del incipiente
malvado que creció confinado por su condición y rencoroso por
reconocer que su papel en la humanidad tendría que forjarse
con el triple de esfuerzo.
Principalmente, la película nos habla del destino, de ser
lo que eres, pero que debes serlo completamente o habrás
fracasado en la vida. Mr. Glass alimenta su rencor leyendo
cómics y apreciando que, por comparación, a él le toca ser
débil, frágil, vulnerable.
Su maldad no radica en ser malo, sino en que está tan
convencido de su perspectiva y a tal grado cree en los cómics,
que es capaz de cometer los crímenes más atroces para
comprobarlo. Como el Vizconde demediado de Calvino, Glass
busca su complitud en su opuesto: no tiene sentido la luz en
el día si no existiera la oscuridad en la noche, y él no puede ser
un villano de historieta si no hay un héroe en algún lado listo
para confrontarlo.
Ahí llegamos a la otra parte de la trama, Unbreakable nos
habla también de que conocerse a sí mismo nos brinda la misión
en la vida que deberemos de cumplir para estar completos; o
sea, del equilibro de las fuerzas. David Dunn (Bruce Willis)
resulta ser el único sobreviviente de un descarrilamiento
terrible en el que TODOS mueren y él, por su carencia de pelo,
ni despeinado salió. A partir de ahí conocemos a otro ser
inconcluso, imperfecto y al que siempre le faltó algo.
Esta historia también tiene prólogo (otro guiño a la
estructura dramática de los cómics) cuando Dunn, como atleta
universitario, tiene que dejar su carrera por un accidente
automovilístico del que él y su novia escaparon de milagro,
64
ENERO 2019
pero por el que él tiene que abandonar
su prometedor futuro como jugador de
futbol americano.
Dunn, en la época en que se
desarrollan los hechos, vive con su esposa
y su hijo, pero las cosas están mal y ni él
sabe por qué. Sólo siente cada mañana
una profunda tristeza que no le permite
disfrutar ni de su familia.
Tras el accidente, Elijah lo busca
para hacerle unas preguntas, mismas
que curiosamente ya le había hecho el
médico que lo atendió después del
descarrilamiento. ¿Cuándo fue la última
vez que se enfermó o que se rompió un
hueso? Por algo eso le resuena a Dunn
y comienza a buscar la respuesta, que
está marcada por dos hechos relevantes:
una vez casi muere en la piscina de la
escuela y el dichoso accidente que lo
retiró del americano lo alejan de la idea
de un ser invulnerable.
Eso es lo que ha movido a Mr. Glass
todos estos años. Asumido como
supervillano por su superfragilidad,
se ha dedicado a buscar a su contraparte
sin nombrarlo superhéroe, pero justo
con las características contrarias a las
suyas, irrompible.
La historia es profundamente
conmovedora a varios niveles. Por un
lado presenta la fortaleza de espíritu de
Mr. Glass para enfrentar a un mundo que
lo daña física y moralmente, tanto que lo
puso por completo en su contra. Elijah
desprecia a la humanidad porque se
refleja en ella y se sabe frágil, pero de
manera simultánea se contempla moral
e intelectualmente por encima de ella,
al grado de que no le importa sacrificar
a unas cuantas personas para hacer su
fantasía realidad: superhéroes
y supervillanos conviven con la gente
normal en la vida cotidiana, no sólo
en los cómics.
Lo anterior es relevante porque
el equilibrio que Mr. Glass busca fuera
de él se encuentra dentro; es un ser frágil
por fuera y poderoso en su interior, cuya
esencia incompleta es una falacia.
Del mismo modo y del otro lado
del espectro, pero ahí mismo, en
Philadelphia, está David Dunn,
invulnerable por fuera pero superroto
por dentro, vacío y triste. En ocasiones,
durante la película, vemos cómo no
puede ofrecer una respuesta emocional
ante nada. Su esposa y su hijo son como
fantasmas para él.
Sin duda, el aterrizaje del drama
humano en una historia de gente con
superpoderes —porque se asume que
la inteligencia y hasta la maldad en
Mr. Glass son completamente
sobrenaturales— hace de esta película
lo que es; pero va mucho más allá.
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tenemos miedo a la
fuerza mental
maniouladora de Mr.
Glass (Jackson) / David
(Willis) intenta
esconderse para no ir
al médico.
M. Night Shyamalan nos presenta su historia en el carro
de un tren que está a punto de descarrilarse, con David Dunn
hablando con una mujer pero con la cámara atisbando entre
los respaldos de dos asientos, enmarcando la escena como si
fueran viñetas de una historieta. Cuando la conversación
termina abruptamente, Night nos revela el punto de vista,
una niña chismosa que nos recuerda que eso no es un cómic
sino la realidad misma.
Rejoice!
The broken are the more evolved!
The Beast, Split
Sólo M. Night Shyamalan sabía, cuando presentó su segundo
proyecto con Blumhouse, que éste formaba parte del universo
de Unbreakable, así que nosotros simplemente nos dejamos
llevar por la imponente actuación de James McAvoy como
Kevin Wendell Crumb, un sujeto con 23 personalidades,
estudiado por una doctora que quiere demostrar al mundo
que cada personalidad puede modificar incluso la biología
del sujeto, por ejemplo su masa muscular, su vista,
padecimientos, edad, etcétera.
Para retomar la historia que empezó 15 años antes,
Shyamalan hizo su tarea y se acercó al fotógrafo de It follows,
el novato Mike Gioulakis; además de su talento,
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ENERO 2019
Night lo contrató cuando se enteró de
que Unbreakable era la película favorita
del joven. Asimismo buscó a la directora
de arte de True Detective, Mara LePereSchloop, quien le dio ese ambiente único
a la guarida del protagonista.
Hasta entonces podríamos intentar
atar algunos cabos al respecto de cómo
Unbreakable se relaciona con esta obra,
en primera instancia porque el papel
de Kevin estaba pensado para integrarse
a la historia de la primera película, cosa
que no sucedió —aunque si observamos
con atención, en la escena en la que David
Dunn va a la estación del Metro para
sentir a las personas, una mamá que pasa
junto a él le ofrece una visión de una
mujer siendo abusiva con su hijo, justo
como la mamá de Kevin lo fue con él,
¿será la representación infantil del
mencionado personaje?—.
Del mismo modo, sabemos que
el papá de Kevin murió en un tren que
podríamos pensar es el que se descarrila
en Unbreakable, pero cuando Kevin va
a visitar la tumba para dejarle flores,
poco antes de transformarse en la Bestia,
se ve una estación más como del Metro
que de un ferrocarril.
Otra referencia se encuentra al final
de Unbreakable, cuando la mamá de
Elijah describe las dos formas de villano
que existen: el que domina con la mente
(que sería Mr. Glass) y el villano soldado,
que describe tal cual como Dennis a la
Bestia.
Del mismo modo, cuando Casey
Cook —una de las víctimas de Kevin,
encarnada por Anya Taylor-Joy—
amenaza a su tío en el bosque, es un
reflejo de la escena en la que el hijo de
David Dunn le apunta con una pistola en
la cocina, además de que, igual ya es pura
locura mía, los nombres de David Dunn
y Casey Cooke podrían ser un guiño
a Marvel y sus personajes con nombres
que empiezan con la misma letra como
Peter Parker, Pepper Potts, Matt
Murdock y Jessica Jones.
Un detalle súper bonito en
Unbreakable es el código de colores que
usa Night para los personajes; el villano
genio siempre vistió de morado, el héroe
de verde y el villano soldado de
anaranjado.
Así sabemos que Shyamalan pensó
siempre en Unbreakable como una
trilogía, aunque la primera vez se deshizo
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e res a o esce es por u suje o
germófobo, por lo que se ve, y muy fuerte
físicamente. Las chicas no saben lo que
les espera cuando empiezan a darse
cuenta de que el tipo tiene personalidad
dividida y van conociendo a cada una
de las identidades que conforman la
ocupada psique del maldito.
Para que te lo sepas, en la película,
de 24, sólo tienen protagonismo ocho
personalidades, que son Dennis, Patricia,
Hedwig, La Bestia, Kevin Wendell
Crumb, Barry, Orwell y Jade. Completas
las personalidades son Barry, Jade,
Orwell, Kevin, Heinrich, Norma,
Goddard, Dennis, Hedwig, Bernice,
Patricia, Polly, Luke, Rakel, Felida, Ansel,
Jalin, Kat, B.T., Samuel, Mary Reynolds,
Ian y el Señor Pritchard.
También conocemos a la doctora
Fletcher, cuyas anotaciones durante
las consultas funcionan para explicarnos
la situación; acerca de cómo la mente
crea cosas y estados: así como se cura
a sí misma mediante el efecto placebo,
del mismo modo puede enfermarse
o modificarse biológicamente para
convertirse en lo que cada una de las
personalidades necesita. La doctora
también menciona que una de las
personalidades tiene diabetes, lo que
se confirma después en uno de los videos
que una de las víctimas encuentra
en la computadora.
Parte de lo interesante de la historia
es cómo imaginamos lo que nos
proponen, como el lugar donde están
todas las personalidades, que la doctora
Karen Fletcher ubica como un sitio
donde todos están sentados en sillas
y cuando uno quiere aflorar tiene que
tomar o pedir la luz. La doctora le otorgó
la luz a Barry, el más funcional de todos,
pero eventualmente, por algo que hace
Hedwig, Patricia y Dennis toman su
turno y empiezan a crear su culto a la
Bestia y a asumirse como La Horda, que
es el nombre de supervillano que se le da
a Kevin en las noticias.
La búsqueda a nivel filosófico podría
ser la misma. La Horda quiere que todo el
mundo sepa que existe, pero en un
principio se sentía vulnerable y por eso
dependía casi por completo de la doctora
Karen. Luego, con el surgimiento de la
al de la película, el plan es que todos noten lo que
ruo es capaz de hacer mientras protege a La Horda.
r de cómo dialogan Unbreakable y Split, nos queda
u conexión hasta que al final de la última aparece,
e u a especie de epílogo, David Dunn con una línea que replica
de manera exacta el final de Unbreakable: “Mr. Glass”.
This is not a cartoon. This is the real world.
Mr. Glass, Glass
Así como Unbreakable se trató del viaje de David Dunn para
reconocer sus poderes y Split mostró la historia de Kevin
Wendell Crumb, la culminación de esta trilogía le concede hasta
el título al dañado pero brillante Elija Prince, Mr. Glass.
Porque con sus ataques terroristas, él echó a andar
los acontecimientos que representan el conflicto en esta tercera
película. Ya más maduro y con más recursos, M. Night
Shyamalan creó la culminación de esta historia para que fuera
extraordinaria en todos los sentidos, más vinculada a la idea
de los cómics como inspiración para Mr. Glass, quien mueve
los hilos de la trama.
Como vimos al final de Split, David Dunn utiliza sus poderes
para rastrear a la Bestia antes de que cometa otro de sus
crímenes. Para su mala suerte, alguien más está cazando
a los tres protagonistas: una doctora metiche llamada Ellie
Staple (Sarah Paulson), quien piensa que los superpoderes de
los tres son un delirio peligroso y que, de acuerdo con su
criterio, ella puede curarlos de su locura.
Lo que en realidad hizo la mujer fue poner en contacto
a La Horda con Mr. Glass, quien no tarda en manipular a las
diferentes personalidades de Kevin para, no sólo ayudarlo
a escapar de la clínica en la que lo tienen recluido, sino crear
una mancuerna hecha en el infierno.
Todo parece indicar que, además, Mr. Glass tiene pistas
para develar secretos para ambos personajes, La Horda y David
Dunn, con lo que en él reside el poder para manipularlos,
además de que, irónicamente a su condición en silla de ruedas,
siempre se encuentra uno o varios pasos adelante de sus
compañeros de película.
Sin duda, M. Night Shyamalan cuenta con todos
los elementos para armar una gran conclusión, además de
reunir para el elenco a los actores originales de Unbreakable,
Bruce Willis, Samuel L. Jackson, Spencer Treat Clark —el hijo
de Dunn— y Charlayne Woodard —como la mamá de Elijah—.
De Split regresan James McAvoy y Anya Taylor-Joy.
Como Casey, Taylor-Joy aún tiene mucho campo para
desarrollarse en este universo, si partimos de cómo la dejamos
al final de Split, cuando se nos insinúa que sí se quedó con su tío
abusador. Podría unirse a cualquiera de los dos bandos, como
la única sobreviviente de un encuentro con la Bestia y su
extraordinario manejo de las armas. Sería súper cool que se
convierta en una superheroína, pero sería todavía más
emocionante si se convierte en una supervillana, aunque ya
sería muy injusto para Dunn, que de por sí ya nada más con
La Horda le van a echar montón.
GLASS SE ESTRENA EN MÉXICO EL 18 DE ENERO.
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UN CINEASTA ENAMORADO DE UN CLÁSICO Y UN REMAKE CONSIDERADO
IMPOSIBLE… HASTA AHORA. CONTRA TODAS LAS CRÍTICAS,
LUCA GUADAGNINO HA COMETIDO EL SACRILEGIO DE FILMAR UNA NUEVA
V E RSIÓN DE SUSPIRI A, EL D EL I R I O C RO M ÁT I CO D E DAR IO A RGE N TO .
Y MÁS QUE HACERLE JUSTICIA, EL DIRECTOR BUSCA RENDIRLE SU
PROPIO HOMENAJE VÍ A LO MAT RI A RCAL Y LO GROTES CO .
POR LALO ORTEGA
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décadas
AFRONTÉMOSLO: SUSPIRIA (Dario
Argento, 1977) se sale tanto de lo
convencional, que la primera vez que
terminas de verla no parece tener mucho
sentido, al menos no en lo que se refiere
a la narrativa tradicional y a la
cinematografía de manual. En este filme,
considerado de manera casi unánime su
obra cumbre, el italiano Argento
experimenta con la luz, el color
y el sonido en un alucine sensorial de tal
calibre que hubiera merecido su propia
categoría cuando se estrenó. “Es la peli
cocaínica definitiva”, escribió sobre ella
el cineasta danés Nicolas Winding Refn
en un artículo para MovieMaker
Magazine en 2016.
Si hubiera que trazar un árbol
genealógico del cine, los fans de la última
cinta de Refn, The Neon Demon (2016),
la encontrarían en línea de descendencia
directa con Suspiria. Son 40 años los que
separan a las dos, una muestra de cuánto
ha perdurado la influencia de esta cinta
de terror sobrenatural. Incluso el mismo
John Carpenter, quien estrenaría
Halloween un año después de la película
de Argento, la ha llamado una de las obras
más grandes jamás producidas en
el género. Ante tanto halago, vale
preguntarse qué es lo que hace tan
especial a este filme (y no, no es la
aparición de un joven Miguel Bosé).
Con toda certeza tampoco se trata de
su guion, que no tiene ni la complejidad
ni las sorpresas para inspirar profundos
análisis y teorías. Suzy Bannion (Jessica
Harper), una estadounidense aprendiz de
70
ENERO 2019
ballet, viaja a Alemania para estudiar
en una prestigiosa academia de danza.
Con una cadena de extraños sucesos, y un
par de brutales asesinatos de por medio,
Suzy descubre que la escuelita es una
fachada para un clan de brujas.
Claro que se presentan otras
situaciones pero, en esencia, así
de simple es la trama de Suspiria.
Jamás profundizamos en las vidas de
Suzy, de las brujas o de los otros
residentes de la academia, y resulta
sorprendente que con tan poco se
complete un largometraje de 98 minutos.
El distintivo de esta cinta, y de otras en la
filmografía de Argento, no está en la
narración, sino en la estética.
En parte, Suspiria es la culminación
de un subgénero cinematográfico surgido
en Italia: el giallo, llamado así por las
cubiertas de las novelas policiacas
publicadas en aquel país durante los años
30, que eran de color amarillo. En este
cine, que se popularizó en los 70 —y del
que Argento
A
es uno de los mayores
expon ntes—, la prioridad es
la experiencia visual y auditiva, más
que la
l lógica narrativa.
“Tiene
“
una lógica de pesadilla”, opina
de Su
uspiria el historiador de cine Rob
Gallu
uzzo en el corto documental A Sigh
from the Depths. “No se siente real. Por
cómo está filmada y por los colore te
preguntas si es una historia o un mal
sueñ
ño”, declara.
El
E uso de la luz y el color en
la esp
pecttacu
a lar cinematografía de
Luciano Tovoli, en conjunto con la
direccción artística influenciada por el
art déco y el expresionismo, es justo
el seggundo aspe
s cto de Suspiria que
se s le por com
o pleto de lo convenciona
mo en un caleidoscopio, los colores
Com
den
primarios e tonos neón i
el e cuadre en cual er
to
y desde fuentes ine ic
,
alte nándose entree un
u o
ro
o para
sugerir la presencia de lo sobrenatural.
Una pose difícil
/ Un misterioso
Dr. Josef
Klemperer /
Chloë Grace
Moretz no s
supera
el baño de
sangre.
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merece
e ser aprecia
c do en la paantalla más
grande posible.
“Es un asalto a los sentidos”, añade
Galluzzo en el mismo documeental,
incluido en la recien
nte
t restauración de
la película en 4K y con sonido
o de cuatro
canales. “No sólo es una pe
p sad
adilla
no que
materializada en pantalla, sin
es imposible hacerle un rem
e ake”. Eso
nino lo
no impidió que Luca Guadagn
n
intentara cuatro décadas máss tarde.
Los grotescos cortes de carne
y la sangre de un inusual rojo escarlata
completan
p
un espectáculo visual tan
deslumbrante como desconcertante.
Si se añade a la fórmula la banda
sonora compuesta por la banda de rock
progressivo Goblin, el resultado es una
películaa que a pesar de su profunda
influencia en el terror todavía no ha
sido igu
ualada. Es un cuento de hadas
visual y auditivamente hiperbólico que
ELCOREÓGRAFO
El nombre de Luca Guadagnino es de los
más sonados en los últimos años, en
particular debido a una pequeeña cinta
amada por unos y odiada por otros: Call
M by Your Name (2017)
Me
7 , la cu
ulminación
de lo que el director tituló
retroactivamente La trilogía del deseo,
conformada también por A Bigger Splash
(2015) y I am Love (2009).
¿Quién no
quisiera ser
alumno de Tilda
Swinton?
El director, consentido de grandes
festivales como el de Venecia y el de
Berlín, entre varios otros, hace un tipo de
cine que pretende ser sentido más que
visto. Los placeres sensuales están al
frente y al centro, como fuerza
transformadora de sus personajes, y los
espacios abiertos y paisajes idílicos,
marcos de la creciente intimidad de
quienes los habitan. Estos son sólo
algunos de los elementos recurrentes a lo
largo de su citada trilogía.
Con este precedente, podría resultar
muy extraño que el italiano eligiera
el frío encierro y escandaloso terror de
Suspiria para su siguiente proyecto.
Sin embargo, para él esto hace todo
el sentido. “Cada película que hago es
un paso al interior de mis sueños
adolescentes”, detalló a The Guardian
a finales de 2017. “Suspiria es el sueño
de adolescente megalómano más
extraordinariamente preciso que pude
haber tenido”. Así el cineasta, que vio la
original a la edad de 14 años, logró en
2007 que Argento le concediera los
derechos para hacer un remake de su
película. Entonces ofreció la silla de
director al estadounidense David Gordon
Green, responsable de filmes tan diversos
como Pineapple Express (2008) y la más
reciente secuela de Halloween (2018).
Pero cuando el cast tomaba forma
—según IndieWire, ni más ni menos
que con Isabelle Huppert— el proyecto
fue cancelado.
Durante el Festival de Venecia de
2015, donde estrenó A Bigger Splash,
Guadagnino anunció sus planes de
retomar las riendas del proyecto, que
sería protagonizado por los cuatro
actores principales de su entonces más
reciente cinta. De ellos sólo Tilda
Swinton y Dakota Johnson terminaron
involucradas, al igual que el guionista
David Kajganich. Para entonces el
enfoque de la nueva Suspiria ya no
era el de un simple remake. “La estoy
abordando como un homenaje a la
emoción poderosa e increíble que
sentí la primera vez que la vi”, apuntó.
“CUANDO BAILAS
LA DANZA DE OTRO…
… te haces a ti mismo a la imagen de su
creador”. Son las palabras que
el personaje de Tilda Swinton, Madame
Blanc, enuncia en el tráiler de la película.
Casi parece un metacomentario irónico,
pues partiendo sólo de lo visual, Suspiria
de Guadagnino no podría ser más
diferente que la de Argento.
Donde la original es todo un
torbellino cromático de fantasía,
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los ambientes de la nueva versión se
pintan de grises, verdes y cafés, en un
contraste radical que parecería producto
de la necedad (ser diferente sólo porque
sí). Pero hay una razón para ello.
La versión de Guadagnino se sitúa en
Berlín durante 1977, año marcado por
las operaciones de la Fracción del
Ejército Rojo en Alemania Occidental
—y un guiño al estreno de la original de
Argento—. En paralelo con la llegada de
Susie Bannion (Johnson) a la academia
de danza, el guion de Kagjanich delinea
un país sumido en la violencia que
culminó con el “otoño alemán”, uno de
los periodos más violentos en la historia
política de aquel territorio.
También coincide con que fue una
época de feminismo radical en el país
europeo. “El movimiento de las mujeres
en la Alemania de aquel tiempo abrazaba
la diferencia y el separatismo como
medios de reclamar autonomía y una
identidad autodeterminada”, comenta
Swinton. Y añade Johnson: “las mujeres
trataban de aprovechar su enojo,
verbalizarlo”, para lo que, señala el
director, la danza era una forma de
expresión primordial.
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ENERO 2019
Una ironía sobre Suspiria de Argento
es que, a pesar de suceder en una
academia de danza, los personajes no
bailan en más que dos breves escenas. En
esta ocasión, por el contrario, la danza
abstracta juega un papel central como un
modo de canalizar el poder de las brujas.
Algunas influencias que tuvieron las
coreografías: las bailarinas Pina Bausch,
Martha Graham y Mary Wigman,
testimonio de que la nueva Suspiria
cuenta no sólo con un complejo lenguaje
dancístico sino también con amplia
presencia femenina tanto detrás como
delante de cámaras.
“Hay 38 mujeres y tres hombres en
la película”, indica Tilda Swinton a
ScreenDaily, e incluso esa aseveración
merece ser puesta en duda a causa de las
excentricidades camaleónicas de la
actriz, que en esta ocasión implican, sólo
por adelantar algo, una prótesis de
genitales masculinos —no diremos de qué
personaje se trata, para no arruinar
la sorpresa a los no iniciados—.
En cuanto a Dakota Johnson, se trata
de su segunda colaboración con
Guadagnino y se espera que, por lo
menos, Suspiria limpie el mal sabor de
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¡Oh, Manon! ¡Oye
nuestras voces!
/... Y la de esta
bailarina llamada
Susie Bannion
(Dakota Johnson).
ESPAGUETI CON
MUCHA SALSA
ADEMÁS DE SUSPIRIA, DE ARGENTO,
PUEDES ENTRARLE A LA VIOLENCIA
DEL GIALLO ITALIANO A TRAVÉS DE
ESTOS TÍTULOS:
NOCHE DEL DEMONIO (1963)
Considerada un precedente del giallo.
Un tributo hitchcockiano de Mario Bava
a partir de una historia sobre una mujer,
aficionada a las novelas criminales, que
acaba envuelta en una serie de asesinatos
en orden alfabético.
SEIS MUJERES PARA
EL ASESINO (1964)
boca dejado por Cincuenta sombras. “No
es broma, filmar Suspiria me afectó tanto
que tuve que ir a terapia”, relató la actriz
para Elle, en abril del año pasado.
¿UN BAILE SACRO O PROFANO?
En septiembre de 2018, durante el
estreno mundial de la reinventada
Suspiria, el Festival de Venecia fue
epicentro para una ovación de pie que se
prolongó por ocho minutos. Como era de
esperarse, las reacciones se han
encontrado en extremos opuestos del
espectro. “Polarizante es un calificativo
demasiado suave”, escribe Peter Travers
para Rolling Stone.
Incluso desde abril del mismo año,
cuando se mostró un breve adelanto en
CinemaCon, ya se hablaba de imágenes
tan impactantes que traumatizaron a
varios asistentes. La visceralidad del
horror corporal en la película ha sido
comparada al trabajo de David
Cronenberg, que no es poca cosa.
Por otro lado están quienes, como
Stephanie Zacharek, de Time,
la consideran tan horripilante como
aburrida e insípida, entorpecida por
Madame Blanc
(Tilda Swinton)
no está dormida,
sólo reflexiona
hacia adentro.
sus propias ambiciones. En referencia
al trasfondo político y social que informa
la trama, la crítica comenta que
“Guadagnino piensa demasiado y siente
muy poco”. Una afirmación irónica si se
considera el historial de este cineasta de
lo sensual, amante de un clásico diseño
para experimentarse por vía de
los sentidos.
¿Necesitábamos una nueva versión
de Suspiria? Quizá no, pero cual haya sido
el resultado final, lo cierto es que
reacciones tan dispares tienden a ser
indicador de un filme digno de verse, si
acaso sólo porque levantará pasiones.
Lo que sí es que, por lo menos, ya puede
presumir de haber hecho llorar al buen
Quentin Tarantino.
Resta ver si esta reinterpretación
se sostiene por sí misma, o si sólo se trata
de un baile sobre la tumba de una joya.
Es una condición que Guadagnino, como
Argento, tendrá que aceptar acerca de su
cinta: los clásicos de culto sólo se forman
con el paso del tiempo.
SUSPIRIA DE LUCA GUADAGNINO
LLEGARÁ A LOS CINES DE MÉXICO
EL 11 DE ENERO DE 2019.
Considerada la mejor cinta giallo, con
escenarios de color excesivo y un gran
guion sobre un asesino enmascarado
que persigue a hermosas modelos. Esta
película de Bava tuvo impacto en el
mismo Argento, y en cineastas como
Tarantino y Wes Craven.
EL PÁJARO DE LAS PLUMAS
DE CRISTAL (1970)
El debut de Dario Argento como director
convirtió al giallo en un fenómeno cultural.
Un escritor de vacaciones en Roma es
perseguido por un asesino serial, por haber
frustrado un intento de homicidio.
WHAT HAVE YOU DONE TO
SOLANGE (1972)
De Massimo Dallamano, con música
de Ennio Morricone, esta cinta tiene
prácticamente todos los elementos
del giallo. Un profesor sostiene un
romance con una estudiante, y se vuelve
el principal sospechoso cuando otra
alumna es asesinada.
ROJO PROFUNDO (1975)
Antes de Suspiria, Argento comienza a
mezclar crimen con lo sobrenatural en
esta cinta (y hace ver a la muñeca
diabólica Anabelle como una broma).
La situación: un hombre presencia el brutal
asesinato de una psíquica, y es arrastrado
a una red de intriga.
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PARECIERA QUE NO EVOLUCIONAMOS COMO SOCIEDAD. EL PLANTEAMIENTOO
CON EL PROGRESO, EN UN PANORAMA APOCALÍPTICO. CHARLAMOS CON LOS
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C RAL DE M
CENT
OS
SENTA
S
A UNA HUMANIDAD OBSESIONADA
O S SO
PROTAGONISTAS DE ESTA SAGA LIDERADA POR PETER JACKSON.
POR ÓSCAR URIEL
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DE VEZ EN CUANDO
llega a
la cartelera cinematográfica un título
en particular que nos invita de inmediato
a sumergirnos en una experiencia
colmada de fantasía a través de
sofisticados efectos digitales. Mortal
Engines es una de ellas.
En una época donde proliferan
las sagas basadas en mitos populares
o superhéroes ya aceptados por la
audiencia, Peter Jackson y su equipo de
creativos nos regalan un relato
apocalíptico protagonizado por dos
jóvenes personajes que buscan justicia
en una distopía que pareciera no ofrecer
a sus habitantes esperanza alguna.
Aunque esto suene a otro argumento
de una saga futurista adolescente donde
los protagonistas tienen que afrontar una
serie de dificultades para salvar sus
respectivas vidas (entiéndase The Hunger
Games o Divergent, por poner sólo un par
de ejemplos), esta historia posee sus
claras desigualdades.
Mortal Engines se sitúa en un mundo
que nunca antes habíamos visto en
el cine. Se trata de una sociedad
compuesta por ciudades rodantes que se
desplazan por desérticos paisajes para
someter otros núcleos urbanos más
pequeños con la finalidad de apoderarse
de sus recursos. Esto no es otra cosa que
una clara alegoría de la sociedad
globalizada en la que vivimos.
“Es un universo como sólo Peter
(Jackson) pudo haberlo diseñado. Junto
con su equipo, el director (Christian
Rivers) ha creado uno de los mundos más
originales que hayamos visto en el cine.
Fue un verdadero privilegio haber
participado en esta producción”, confiesa
el actor Robert Sheehan (Misfits
(
s), quien
interpreta el personaje protagónico en
esta historia, Tom Natsowrthy.
EL PRINCIPIO DE
LA LEYENDA DE LAS
CIUDADES RODANTES
Como la mayoría de las franquicias
cinematográficas juveniles, Mortal
Engines nació a partir de una serie de
novelas, en este caso de la autoría
del británico Philip Reeve, quien habría
imaginado este particular universo
desde la década de los 80, cuando
planeaba escribir una novela de ciencia
ficción para adultos.
El cuento de Reeve resultó un tanto
truculento y abultado, por lo que sus
editores le aconsejaron convertir el
relato en algo más simple; transformarlo
en una novela de corte juvenil,, tan
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ENERO 2019
habituales en ese momento en las
tendencias editoriales. El escritor hizo
caso a la sugerencia de la casa editora,
manteniendo como constante la
atmósfera steampunk en la que sitúo
la acción, así que Mortal Engines se
convirtió en un bestseller de inmediato.
Le siguieron tres novelas más:
Predator’s Gold, Infernal Devices y
A Darkling Plain, esta última editada
en 2006. Un año después los cuatro libros
se transformarían en uno de los derechos
literarios más solicitados por Hollywood.
“La idea de llevar al cine Mortal
Engines data de 2007, después de que
Peter realizó su versión personal de King
Kong. Él fue quien adquirió los derechos
de estas novelas para convertirlas en una
serie de películas. Y esta producción está
basada específicamente en la primera de
todas. Como parte de su equipo, nosotros
estábamos conscientes de estas
adquisiciones, pero Peter no nos decía
nada hasta ese momento. Luego
empezamos a tener juntas creativas con
la finalidad de resolver los desafíos
visuales que la misma historia planteaba.
En ese entonces yo trabajaba en otras
películas de la compañía, y de vez en
cuando entraba a alguna de las reuniones
y daba mi opinión. Después llegaron las
producciones de The Hobbit, en las cuales
participé de manera directa. Al terminar
estas películas decidí dirigir mi primer
cortometraje, lo hice, y me dispuse a
diseñar lo que sería mi primer
largometraje como director. Fue
entonces cuando el proyecto de Mortal
Engines empezó a tomar forma y el
calendario de producción se trazó,
complicando la posibilidad de que Peter
pudiera dirigirla. Un buen día me llamó y
me ofreció la dirección de la película, casi
11 años después que la compañía adquirió
los derechos”, cuenta el cineasta
Christian Rivers, quien asegura haber
leído únicamente la primera novela
de la serie pero afirma tener en su hijo
a un fan devoto de los libros, algo que lo
mantiene al tanto de la saga.
A pesar de que Christian ha trabajado
casi toda su vida en el mundo del cine,
la misión de llevar este relato a la pantalla
grande constituye el cometido más
estresante y aterrador de su carrera.
“El paso a dar para convertirte en un
realizador tiene que ver con confiar en tu
instinto. No puedes hacer una película de
esta magnitud pensando que otra toma u
otra alternativa pudo ser mejor opción.
Anna Fang
(Jihae) al frente
de su nave /
Christian Rivers
da indicaciones
a su
protagonista,
Hera Hilmar /
Thaddeus
Valentine (Hugo
Weaving) tiene
un problema de
miopía y no
quiere usar
lentes / Nota
mental: los
monstruos no se
extinguen en el
Apocalipsis / A
Hester (Hera
Hilmar) no le
alcanzó para
comprar el avión
presidencial,
pero esta nave
está cool.
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En absoluto. Tienes que fiarte de tu
intuición, porque si no, jamás avanzarás.
Como ejemplo siempre he tenido
la figura de Peter, el haberlo visto
desenvolverse en el set de King Kong y en
las películas de The Hobbit,
t y estar cerca
de él a la hora de resolver los distintos
problemas que se suceden en el día a día
en un rodaje, ha sido el aprendizaje más
importante en mi vida profesional hasta
ahora”, confiesa el realizador, quien
prácticamente ha trabajado en todos
los departamentos dentro de un rodaje,
desde diseño de producción hasta
asistente de dirección.
De acuerdo con Rivers, el conducirse
como director de un cortometraje
de bajo presupuesto le provocó más
ansiedad que el ser realizador de la
segunda unidad de The Hobbit.
Finalmente el título de líder de un rodaje
lleva consigo una responsabilidad
particular, independientemente del
presupuesto con el que se cuente.
El hecho de tomar decisiones creativas
con respecto al rumbo que tomará una
producción como Mortal Engines es un
compromiso particular.
Como ejemplo de esto podemos
mencionar la apariencia de los actores
protagonistas de esta película, la cual
es totalmente distinta a la descrita por
Philip Reeve en las novelas. Como suele
pasar en Hollywood, los roles fueron
acicalados por los realizadores
a pesar de que la fisonomía de los
protagonistas está impecablemente
descrita en los libros.
“Estamos conscientes de que no
vamos a quedar bien con todos los
lectores. Fue una resolución creativa que
tomamos todos los involucrados. Hester,
nuestra protagonista, en el libro es
descrita de manera que tiene una
profunda cicatriz en el rostro. Nosotros
optamos porque fuera un rasguño.
El cine es un medio completamente
visual, muy distinto al literario. Si pones
atención podrás darte cuenta de que cada
uno de los personajes conserva la
personalidad descrita por Reeve en sus
textos. Simplemente hicimos una
interpretación cinematográfica de la
prosa”, agrega Rivers, y resalta que sobre
la apariencia física está la complejidad de
los personajes, lo cual se desarrolló de
manera amplia en el guion.
Otra de las determinaciones
creativas tomadas por el director fue
diversificar el contenido para atraer a un
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público más adulto. De acuerdo al mismo
autor, las novelas fueron trazadas para
ser disfrutadas por niños entre los nueve
y 11 años; sin embargo, los productores
consideraron que la trama podría incluso
llamar la atención de adolescentes si se
realizaran los respectivos cambios.
“Este es un renglón muy sensible,
pues parte de la esencia de la historia
radica en la conducta naive de los
personajes. Tanto Hester como Tom han
crecido en un ambiente muy limitado,
casi sitiados por las circunstancias. Gran
parte del carisma de los protagonistas
radica en el candor que manifiestan ante
los acontecimientos. Este factor jamás se
pensó alterar, eso es el alma del cuento”,
asegura el realizador.
Por otra parte, las metáforas
incluidas en Mortal Engines sobre el
comportamiento de la sociedad, hoy
en día son determinantes. Por ejemplo,
dentro de la película encontramos una
escena donde los niños son separados
de sus padres en una especie de frontera
que divide a las distintas comunidades,
¿es propósito de los realizadores hacer
referencias a lo que sucede en la
actualidad en el panorama internacional?
“De alguna manera sí, aunque
nuestra intención principal es divertir
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ENERO 2019
al espectador. La historia está situada
muchos años en el futuro, pero
comprendemos que la humanidad
siempre ha estado enfrascada en un
círculo que tiene que ver con el
colonialismo y la destrucción, por lo que
muchos de los acontecimientos que
pasan aquí nos parecerán familiares”,
dice el director.
TOM, EL JOVEN
LONDINENSE EXPULSADO,
SE INTEGRA A
LA RESISTENCIA
A pesar de las características épicas
que tiene Mortal Engines, el relato es
sobre todo una historia de amor entre
Tom y Hester en un ambiente
apocalíptico. Ambos tendrán que
confrontar distintos obstáculos para
finalmente tratar de vivir en paz.
El mismo soplo de ingenio con el que
fueron creados los espacios y lugares
de la franquicia The Lord of the Ring fue
el que fundó el universo de Mortal
Engines. “Básicamente se trata del mismo
equipo de creativos; sin embargo, tengo
que decirte que el corazón de esta
historia no son los efectos digitales
ni los innovadores diseños, sino el
personaje de Hester, una misteriosa
adolescente que oculta algunos
secretos y quien entabla un especial
vínculo con Tom”, nos cuenta el actor
irlandés Robert Sheehan, a quien antes
vimos en el serial televisivo Genius:
Picasso y en Bad Samaritan.
“Te confieso que fui un mal
estudiante de Historia, y es que en la
escuela tenía un maestro no apto para
enseñar esta materia. Sin embargo,
con el paso del tiempo me sentí
interesado, a través de podcasts, en la
investigación del pasado. Son un gran
instrumento para aprender. Creo que
es esencial conocer nuestro pasado
para evitar estos errores en el futuro”,
manifiesta el joven intérprete,
quien también reconoció que
desconocía la existencia de estas
novelas antes de que fuera convocado
a participar en el reparto.
“Cuando mi agente me habló del
proyecto, inmediatamente me puse a
buscar en Internet sobre el tema, y quedé
sorprendido al darme cuenta del impacto
de los textos de Reeve, pero sobre todo
me llamó la atención el tono satírico que
Un detrás de
escenas de
Hester en acción
/ Tom y Hester
caminan sobre
las huellas de los
neumáticos de
Londres /
Thaddeus luce
como todo un
villano / La
mortal engine
MEDUSA en
búsqueda de
víctimas para
tragárselas.
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NO HA REALIZADO NINGUNA PELÍCULA DESDE
2014, PERO PETER JACKSON NO HA PERDIDO
EL TIEMPO, Y COMO PRUEBA, NOS CUENTA SOBRE
SUS MUCHOS PROYECTOS.
TINTIN 2
Después de hablar hace poco con Steven Spielberg,
el superdúo de directores planea una secuela de
The Adventures of Tintin que se escribirá este año y
aparentemente estará basada en la historia Prisoners
of the Sun, que es la favorita de Jackson. “Quizá hasta
hagamos la captura de movimiento este mismo año,
aunque ninguna película es un proyecto real hasta que
un estudio te da el dinero”, dice.
poseían las novelas. El futuro visto a
través de un ojo crítico basado en nuestro
presente”, declara Sheehan, quien
asegura que la principal satisfacción de
participar en un proyecto con estas
características es formar parte de un
mundo por completo distinto a lo que
hemos visto en el pasado, además de
contar con la garantía de Peter Jackson.
EL ENIGMA DETRÁS DE LA
CICATRIZ EN EL ROSTRO
Hera Hilmar es la actriz islandesa que
da vida a Hester Shaw, la enigmática
joven con una marca en su cara
que llega para cobrar venganza por
el asesinato de su madre.
“Hester quiere vivir en un mundo
sin la existencia de un sujeto en
particular: Thaddeus Valentine
(Hugo Weaving), el homicida de su
madre, quien también representa
la llave para develar varios secretos
ocultos en esta historia”, nos cuenta
en entrevista Hilmar, quien consiguió el
deseado rol de Hester después de una
extenuante audición.
“Creo que de una manera indirecta el
personaje de Hester puede convertirse
en un ejemplo para todas las niñaas y
jovencitas que tendrán la oportuniidad de
ver esta producción. Vivimos e tiempos
difíciles para todos, en un per do
significativo para las mujerees,
considerando lo que las redess sociales
s
pueden provocar. En una sociedad
d
donde todo el tiempo tienes que estarr
lista para ser fotografiada en Instagram,
Mortal Engines celebra de algguna manera
la belleza imperfecta de una mujer”,
expone Hilmar, quien pasó seiis meses
portando una cicatriz en el set, misma
que fue acentuada después, en el proceso
de posproducción.
“El departamento de caracterización
lo hizo muy fácil para mí. Diseñaaron una
marca en el rostro para que la po
ortara
todo el tiempo durante el rodaje,, aunque
que
esto no dañó mi cara, pues deespués fue
terminada de manera digital. Pero
independientemente de esta situaación,
creo que el mensaje central no
o está en
el aspecto físico, sino en las maarcass que
todos llevamos en el alma, y lass cuaales
tienen que ser sanadas por noso
otros
mismos. Mortal Engines es más quee una
película de acción”, finaliza la acctriz.
MORTAL ENGINES SE ESTRENARÁ
EL 1 DE ENERO.
THE DAMBUSTERS
“Estoy pensando en cómo hacer que despegue, valga la
expresión”, ríe Jackson. Su recuento de los bombardeos
clave de la Segunda Guerra Mundial ha tomado muchísimo
tiempo. Él iba a dirigirla, después Rivers, usando un guion
de Stephen Fry con sets de tamaño real en Lancaster.
Sin embargo, Jackson está decidido a que The Dambusters
alce el vuelo en los próximos dos años.
BAD TASTE 2
“Admito que no he pensado en ella desde hace mucho”,
indica Jackson sobre una secuela que prometía a un weta
gigante intergaláctico que comía y luego evacuaba a Derek,
el héroe loco de Jackson que fue visto por última vez en el
espacio dentro de una casa de madera. Lo que sí promete
es una versión remasterizada de la original, además de
Meet the Feebles, Branidead y Heavenly Creatures,
empleando las mismas técnicas que ha usado para
restaurar el pietaje para They Shall Not Grow Old, su nuevo
documental sobre la Primera Guerra Mundial. “Se ve
increíble”, dice el realizador. Imagínate Braindead en 4K.
THE LORD OF THE RINGS:
SUPER-EXTENDED EDITION
Si Warner Bros. alguna vez digitaliza los siete millones de
pies de negativo en alta definición, a Jackson le encantaría
explorar los errores chuscos, las tomas eliminadas y
las escenas completas, para una posible edición más larga
que la extendida, o un documental, o ambas. “Warner no
parece muy interesado en la idea”, admite.
LA SERIE DE LA TIERRA MEDIA DE AMAZON
Hasta ahora Jackson no está involucrado en la serie de
Amazon. Pasa que los herederos de Tolkien tienen la
aprobación final del elenco, líneas narrativas y guiones.
“Me sería imposible dirigir sin tener el control”, comenta
Jackson, después de que Amazon le dijera que desea que
la serie se desarrolle en el mismo mundo que las películas.
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P
MOBLEY
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n la mañana
que EMPIRE se reúne con Lin-Manuel
Miranda, él tuitea algo muy diferente a
su saludo matutino habitual y alegre. “Hoy tengo un
montón de entrevistas de Mary Poppins, que se
estrenará en seis meses, y mis hijos durmieron muy poco
anoche, así que si te preguntas por qué soné tan gruñón en
esa entrevista, recuerda este tuit”. Se entiende que esté
exhausto considerando su ritmo de trabajo a lo largo de los
últimos años —ya llegaremos a eso— y dos hijos pequeños,
pero para un periodista es un tuit preocupante.
Afortunadamente,
unas horas después no
suena para nada
gruñón; sólo lleno de una
incredulidad encantada
por las extraordinarias
oportunidades que ha tenido
desde que su tercer musical,
Hamilton, se convirtiera en un
éxito generacional de Broadway.
De la noche a la mañana Miranda se convirtió en un compositor,
letrista, actor y rapero megaexitoso, y en la cima de las
oportunidades que le han seguido está el hecho de que fue
elegido como Jack, el coprotagonista de Mary Poppins Returns.
“He tenido sueños atrevidos en mi vida”, dice. “Quería estar
en Broadway y hacer películas; pero la audacia de soñar que
podría haber una secuela de Mary Poppins y yo estar en ella no
es algo que pensara se convirtiría en realidad”.
Tampoco es una posibilidad que muchos otros vieran venir.
Esta es la lista completa de los papeles de Lin-Manuel Miranda
en películas de estudios de Hollywood antes de Mary Poppins
Returns: un pequeño rol como botánico en The Odd Life of
Timothy Green, sobre un niño que milagrosamente crece de un
huerto de vegetales, y un cameo en la primera Sex and the City.
Y párale de contar. Sin embargo, cuando el director Rob
Marshall estaba buscando a alguien para interpretar al recién
creado farolero Jack, en lo alto de su lista estaba Miranda, quien
en esa época brillaba en Broadway.
“Fuimos con él por muchas razones”, explica Marshall,
cuyas películas musicales incluyen Chicago e Into the Woods.
“Proviene de la calle (Miranda es de Washington Heights,
un barrio al norte de Harlem, en Nueva York), sabíamos que
entendería a un hombre común, y además nos encantaba su
trabajo como cantante e intérprete. Pero si tuviera que elegir
una sola razón, diría que por la pureza de su alma. Es muy
importante que Mary Poppins tenga ese compañero, alguien
que comparte esa cualidad mágica, y Lin tiene ese espíritu.
Es muy honesto, real y sensible”.
Marshall y su coproductor, John DeLuca, se reunieron con
Miranda del otro lado de la calle donde está el teatro Richard
Rodgers, en el que dos veces al día se representa Hamilton,
y Miranda no daba crédito a su suerte. “No podía creer lo que
me estaban proponiendo”, recuerda. “En cuanto dijeron ‘Emily
Blunt’, y que era una historia nueva y no un remake, acepté.
Creo que Rob Marshall es uno de los mejores directores de
filmes musicales de todos los tiempos, así que quería aprender”.
Es importante explicar
el fenómeno Hamilton, porque deja en claro por qué un director
nominado al Oscar le invitaba un café a un tipo de Broadway.
La obra es un musical hip-hop sobre uno de los padres
fundadores de Estados Unidos, un resumen que suena más
como la propuesta entusiasta de un maestro de Historia que a la
premisa de un éxito teatral de más de mil millones de dólares.
Y sin embargo, eso es exactamente en lo que se convirtió,
porque Miranda se dio cuenta de que Hamilton vivió “una vida
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Jack y Georgie
(Joel Dawson)
vuelan una
cometa.
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Jack (Lin-Manuel
Miranda) es un
líder nato.
Miranda como
Alexander
Hamilton, el del
título, en una
interpretación
durante los Tony
Awards de 2016.
hip-hop”. Migró sin un quinto a Estados Unidos, se casó
y enriqueció, luego se convirtió en uno de los hombres clave de
George Washington durante la Independencia. Después
estableció una parte de la maquinaria estatal de Estados Unidos,
incluyendo su sistema financiero y una de las bases de su teoría
constitucional en pocos pero productivos años (“El hombre no
para”, como lo pone la letra de la obra). Agrégale un mal affair,
duelos, rivalidades amargas y su muerte a manos del
vicepresidente (no es spoiler: es historia y el número inicial), y
tienes una épica que capturó la imaginación de una generación.
Originalmente no iba a ser un musical —cuando debutó el
número inicial en la Casa Blanca en 2009, Miranda la presentó
como un álbum conceptual de hip-hop—, pero con su director
regular Thomas Kail y su colaborador musical Alex Lacamoire,
evolucionó en uno que hace referencia a todo, desde Beauty and
the Beast hasta a Busta Rhymes, con dos escenarios giratorios
en comparación al único de Les Misérables (esto le encanta al
lado nerd teatral de Miranda). Miranda escribió y compuso
todo, interpretando él mismo a Hamilton el primer año.
La obra fue un fenómeno total. Ganó 11 Tony de un récord
de 16 nominaciones, además de siete Olivier en su producción
en Londres. Los boletos para las últimas semanas en las que
Miranda se presentó fueron revendidos en decenas de miles
de dólares. Incluso inspiró dos homenajes de comedia:
Jeb! The Musical (sobre una figura política menos influyente,
Jeb Bush) y Spamilton.
No es demasiado afirmar que Hamilton tuvo un efecto
similar en los musicales al que tuvo Harry Potter en la literatura;
llevó gente nueva al teatro y a fans ardientes obsesionados con
sus personajes (las ventas de la biografía de Hamilton, del
historiador Ron Chernow, se dispararon), y conectó al mundo
con el vernáculo compartido de Hamilton.
El mismo Miranda se hizo de un Pulitzer Prize por drama,
tres Grammy, un Emmy (por su número inicial ‘Bigger’, ganador
de un Tony) y un Tony por su primer musical, In the Heights,
una historia contemporánea hip-hop de la vida del migrante,
desarrollándose en su nativo Washington Heights
y que comenzó a escribir cuando estaba en la universidad.
“Hablamos del éxito de Hamilton, pero nada cambiará mi vida
como In the Heights”, expresa. “Pasé de maestro sustituto
a compositor fuera de Broadway, y luego a compositor en
Broadway, y no hay ningún salto más grande que pueda dar”.
No es que Miranda sólo quisiera interpretar su propio
material. En 2007 consiguió su primer crédito en pantalla como
portero en The Sopranos. “Soy tan verde en la actuación que
puedes ver que busco la marca de dónde pararme. La única
dirección para el Sr. David Chase fue: ‘De verdad tranquilo’. Y yo
pensé: ‘Tranquilo, entiendo’. Tenía dos diálogos”.
El estrellato no siguió, pero con In the Heights Miranda
consiguió una oportunidad en el cine, aunque en un papel que
no podía ser más pequeño. Miranda audicionó para el director
de Sex and the City, Michael Patrick King. “Me dijo: ‘No tendrías
que audicionar para mí; esto es una locura. No deberías
interpretar esta parte, pero encontraré la manera de que estés
aquí’. Así que me dio el papel de Tommy Kail moviendo un sofá
en una escena. Esa fue su manera de tener en su trabajo a gente
del elenco que le gustara. Si algo me preparó para estar en Mary
Poppins y y la locura que ocurría cuando filmábamos en
exteriores en Londres, fue la película de Sex and the City. No sé
si te acuerdas, pero fue algo enorme. Tengo memorias de gente
tratando de recordar sus diálogos fuera de cuadro, y que había
toneladas de paparazzi. Fue un día muy surreal. En la edición
extendida del director, creo que Tommy Kail tiene un diálogo”.
El último día de In the Heights, mientras Miranda tomaba
un tren a Georgia (porque los vuelos a Atlanta estaban
cancelados debido a una tormenta de nieve) para empezar
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a trabajar en su segundo musical, Bring it On, recibió una
llamada para ofrecerle The Odd Life of Timothy Green. “Fue el
caso de se cierra una puerta y se abre una ventana. Todo eso
ocurrió por In the Heights. Comencé a escribir esas obras
porque nadie me daba un papel para nada”.
Pero las ofertas luego de
Hamilton, cuando llegaron, fueron de otro nivel. Justo antes de
que se estrenara fuera de Broadway, Ron Clements y John
Musker, los directores de The Little Mermaid, de Disney, lo
llamaron. Veinte años atrás habían descubierto al compositor
Alan Menken (de Little Shop of Horrors y héroe de Miranda) y
a su ya fallecido compañero de escritura, Howard Ashman,
reconociendo en ellos algo especial y reclutándolos para
trabajar en Disney para Mermaid y Beauty and the Beast.
Ahora querían a Miranda, quien fue con ellos a un viaje al
Pacífico para Moana.
Entre bastidores en el teatro Richard Rodgers, cuando
Hamilton despegó, Miranda comenzó a escribir las canciones
para esa película (que eventualmente fueron nominadas al
Oscar), mandó cintas a Burbank o consiguió que actores que no
tuvieran llamado interpretaran su último riff. “Moana me
mantuvo bastante cuerdo durante el fenómeno de Hamilton,
fijó mis pies en la tierra como escritor. Pasaban muchas cosas
locas y nuestros actores recibían ofertas de trabajo
desquiciadas, salíamos en portadas y yo tenía que entregar
canciones cada martes y jueves. Buena parte de mi año
estelarizando en Hamilton fue decir ‘no’ a muchas cosas a fin de
tener el tiempo para escribir”.
Conforme la ola crecía, todos los que eran “alguien” fueron
a ver la obra: los Obama, Oprah, Beyoncé, Barbra Straisand
y J.J. Abrams mientras trabajaba en Star Wars: The Force
Awakens. “J.J. Abrams llegó a la función y en el intermedio —yo
estaba en la audiencia tomando notas porque era mi función de
descanso— bromeé con él y le dije: ‘Oye, si tienes una cantina,
yo te compongo la música’, y me respondió que sí tenía una.
¡Vaya que me salió bien el chiste!”. El trabajo iba y venía entre
Miranda y Abrams para retroalimentación y ajustes,
y eventualmente terminaron con dos canciones, una de
las cuales, “Jaba Flow”, es interpretada en huttés. Y hay riffs
de Shaggy en “It Wasn’t Me”.
Después de un año loco, Miranda se alejó de su bebé de
Broadway, se cortó el cabello largo de Hamilton y se mudó
a Londres para filmar Poppins. Pero eso significó trabajar
aún más duro para igualar el legado de bailes extraordinarios
en la Poppins original, y añadió “bailarín/actor con animales
animados” a su brillante currículum.
“Es lo más duro que he trabajado”, admite Miranda. “No sé
si lo has notado: hay bailes increíbles en Hamilton, pero
Hamilton no baila mucho. Yo estoy parado rapeando mientras
cosas sorprendentes pasan a mi alrededor, así que en ésta
quería ganármelo. Soy un gran fan de ‘Step in Time’”. Tomó
un curso intensivo de baile para aprenderse las ambiciosas
y enormes coreografías (el mismo Marshall las supervisó).
Miranda después pasó sus horas de comida practicando
movimientos, comiendo un sándwich con una mano y pasando
su sombrero elegantemente a un farol con la otra. “De verdad
trabajé muy duro para siquiera acercarme a la sombra de Dick
Van Dyke y Julie Andrews en la película original”.
Pero Jack tiene un papel diferente al que tenía Bert en la
original. Si Bert era casi un igual a Poppins, Jack “la admira
porque ha aprendido que cuando Mary Poppins está cerca,
pasan cosas geniales, lo cual refleja en mucho mi propio
sentimiento de asombro al encontrarme en una película
de Mary Poppins”.
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Jack fue alguna vez el aprendiz de Bert y eso representó un
reto, uno que fue más grande que el del Banco de Inglaterra,
donde filmaron una secuencia: el acento. Jack debería sonar,
bueno, ¿mal? “Para mí la lección fue: ‘No trates de sonar
completamente cockney’ (acento del oeste de Londres)”, ríe
Miranda. “Intenté ir más por Anthony Newley, Billy Bragg, clase
trabajadora del este y no rimar mi slang. Pero eso afecta el
ritmo. Tengo un... no diría rapeo pero sí patrón muy distintivo...
y fue un placer dejarlo salir. Y estás filmando en los Shepperton
Studios. Tienes un equipo técnico que está allí para ayudarte, así
que era muy divertido entrar y salir de allí cada día. Y por cierto,
nadie tiene un mejor sentido del humor sobre ese acento que el
mismísimo Dick Van Dyke”.
Recibió un gran apoyo de Emily Blunt como Poppins, y es
fan tanto de la actriz como del personaje. “Es como una
Timelord Doctor Who sin edad”, sonríe Miranda. “Emily es un
poco más como la Mary Poppins de Dorothy Parker (que la de
Julie Andrews original), si es que eso tiene sentido. Se desarrolla
en los años 30 y creo que se inspiró en eso”. También se
sumergió en la cultura británica y especialmente, por alguna
razón, los dulces (“Me refiero a que hay platillos voladores;
hostias rellenas de tang. No conocía ese sabor fuera de una misa
católica”), y disfrutó el hecho de que nadie, excepto algún
turista estadounidense ocasional, tuviera idea de quién era.
Eso no iba a durar mucho. Después de que el rodaje de Mary
Poppins Returns terminó el verano pasado, Miranda fue a Gales
para interpretar a Lee Scoresby en la adaptación para TV de
His Dark Materials. “Estoy en una posición muy envidiable y
consciente de lo afortunado que soy porque tengo ideas que
puedo llevar conmigo como si fueran equipaje: las cosas que
muero por escribir y hacer. Y están las oportunidades a las que
si no les hubiera dicho que sí, estaría maldiciendo las pantallas
cada que Lee Scoresby apareciera. ¡Tenía que hacerlo! ¿His Dark
Materials? ¿Una temporada por libro? ¿Y con Jack Thorne
escribiendo? ¡Claro que acepté!”. Pero mantener un acento
tejano en medio de Gales es más reto que el dialecto de Jack.
Existe la posibilidad de volver a trabajar con Marshall en
una nueva versión live-action de The Little Mermaid más
adelante, aunque ninguno lo discute más allá de expresar su
amor por la original. “Cualquier cosa que me ponga en una
habitación con Menken me hace feliz”, dice Miranda. “Estoy
aquí para cualquier cosa que haya que hacer. Si necesitas a
alguien para sacarle brillo a las garras de Sebastian, yo lo haré”.
Y claro, carga con esos tres musicales potenciales en su
cabeza, “dos de los cuales amenazan con llegar a la gran
pantalla”, además de escribir canciones para el musical
animado Vivo con su coescritor de In the Heights, Quiara Alegría
Hudes. Acepta todas las oportunidades que se le ofrecen, pero
está muy consciente de ser “muy neoyorquino” como para
esperar el nivel de éxito de Hamilton cada vez. “Mi filosofía es
que no controlas el éxito o fracaso de algo. Estoy en un negocio
donde podría pasar siete años escribiendo una obra y que cierre
en una semana, y necesito tener la capacidad de aceptarlo.
Así que debo saber que voy a ser un mejor artista en el otro lado
o creerlo con todo el corazón. En Mary Poppins Returns, fue
ambas cosas. Sabía que aprendería mucho y que con suerte
haríamos la continuación de una historia de la que los fans de la
original estarán orgullosos. Creo que lo hicimos”.
Miranda se describió a sí mismo en The Hamilton
Mixtape, el álbum que siguió a la obra, como “no relajado”.
Quizá tenga una noche ocasional sin dormir y una mañana
en la que se sienta gruñón, pero no muestra que esté
desacelerando. Igual que su papel más famoso —al menos hasta
Poppins—, el hombre no para.
MARY POPPINS RETURNS ESTÁ AHORA EN CINES.
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El artista y escritor Rick Remender puso punto final
a su carrera en los estudios Marvel, donde había
ayudado a crear la nueva era de personajes como
Venom, Uncanny X-Force y Punisher, a fin de buscar
su propia fortuna con Deadly Class para Image
Comics, ahora de estreno en FX Network.
POR MARIO P. SZÉKELY
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La primera vez que escribí el título
Deadly Class fue mientras trabajaba
de animador con Don Bluth (An
American Tale, Anastasia). Luego
pasaron unos años, ocho de hecho, y
cuando estaba en Marvel me cansé de ver
cómo las creaciones de colegas hacían
millonaria a la compañía. Así que decidí
salirme de ahí para cambiar mi futuro”,
recuerda Rick Remender una tarde de
tres grados centígrados en Vancouver,
Canadá, donde él y su reparto se han
dado unos minutos para platicar con
EMPIRE sobre su proyecto sangriento,
contenido en los foros de esta ciudad
con fama de producciones como The X
Files y Supergirl.
Con 35 números publicados desde
enero de 2014, Deadly Class es todo lo
contrario a una escuela mágica a la Harry
Potter, cruzando caminos con The
Hunger Games de Suzane Collins y Battle
Royale de Koshum Takami, para ir más
allá y encuadrar en formato de televisión
una situación de vida o muerte que hará
levantar la ceja hasta a los aficionados a
la sanguinaria Game of Thrones.
“En mí búsqueda por encontrar un
proyecto, revisé la Morgue de las Ideas,
que es mi libreta donde cerca de 200
personajes y conceptos de historias se
concentraban. De ahí rescaté dos
historias potenciales: Reagan Youth,
un retrato de la generación X a la que
pertenecí montado sobre mi patineta,
y Deadly Class, donde sólo tenía la
concepción de una escuela de asesinos.
Junté ambas cosas y me salió esta mezcla
rara de chocolate con mantequilla de
cacahuate que ahora tenemos en las
manos como cómic”, describe el artista
de 45 años, quien por momentos parece
más sabio por estar sentado con un
pizarrón de fondo y el escritorio de
profesor que usa el personaje del mentor
de esta singular academia.
Para Remender, su paso por Marvel
no fue hacia el vacío, sino a sus memorias
de los años 80, cuando viviendo en
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Phoenix era parte de la escena del punk
rock, cuyas bandas, cuando visitaban
Hollywood y las playas californianas, se
daban una vuelta por el centro de su
ciudad, donde él tenía una fraternidad
con sus compañeros de rodadas y
piruetas en los parques.
“En la década de los 80, años de mi
adolescencia y madurez, nunca me gustó
esa idea de tomar alcohol los viernes por
la noche y hacer comentarios misóginos
con mis amigos varones. Mi concepto de
diversión era otro, así como lo es mi
recuerdo de esa época. Deadly Class no
está llena de personajes obsesionados
con Ghostbusters, E.T, los calentadores
y el cubo rubik, como lo recrean las
películas y series de TV de hoy. Aunque
me considero un geek de la fantasía que
gustaba de jugar Dungeons and Dragons
y leer Lord of the Rings, también la
música y el grafiti me influenciaron en
esos tiempos”, revela el autor.
Deadly Class sigue los pasos del
huérfano Marcus Lopez Arguello
(Benjamin Wadsworth), de nacionalidad
nicaragüense. Él deambula las calles,
siendo interceptado y luego reclutado
por los alumnos de la escuela de asesinos,
quienes guiados por su mentor Master
Lin (Benedict Wong), ven en él un
candidato ideal para compartir pupitre.
“Encontré una idea muy bella detrás
de Deadly Class, donde un cuchillo
enterrado en tu espalda no era ya una
metáfora. Y en donde todos esos eventos
conflictivos, intimidantes y de bullying
de tus primeros años de juventud, aquí
podrían cobrar proporciones reales
monumentales.
“Mientras más masticaba el concepto
de Deadly Class, más surgía una serie de
metáforas. Como la meta de una
academia de asesinos es realmente ser
una institución para entrenar y
transformar a gente buena e inocente en
monstruos, resulta alarmante que
podemos usar ese lente para ver otras
escuelas reales en el mundo y darnos
cuenta de cómo empezamos con
personas que eran muy lindas en el aula y
luego fueron instruidas para volverse
tiburones de Wall Street, desde donde
pueden desalojar a familias enteras de
sus casas”, reflexiona Remender.
Comprometido con su historia
y personajes, Remender vio cómo la
imprenta de Image Comics imprimía
su sueño y éste comenzaba a generar
aficionados, tantos que fue inevitable
que Hollywood volteara a verlo. Su
mudanza a Los Ángeles fue resultado
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En esta escuela la
amenaza siempre
va más allá de un
simple calzón chino /
Un espíritu libre y
solitario puede ser
reclutado fácilmente
/ Siempre es día de
muertos en Deadly
Class / Ser popular
te mantiene vivo.
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No es seguro andar
solo ni en el recreo /
Niña grosera / El
profesor sabe bien
que la letra con
sangre entra / Un
aliado es un aliado.
90
ENERO 2019
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de entrevistas con las principales productoras, pero en todos
encontró una negativa que jamás hubiera sospechado.
“En todas las juntas me decían: ‘No puede suceder tu
historia en los años 80. A nadie le interesa tu generación. Ni la
música que escuchaban’. Todos estos ejecutivos de corbata me
hacían sentir que mi generación era olvidada y marginada. Yo lo
que quería hacer era una carta de amor a los años en que crecí,
como lo fue Mad Men para los años 50 y 60.
“Pero la gente de los estudios insistía: ‘Deadly Class tiene
que suceder en el presente, porque los chicos de hoy no podrán
entender la vida sin celulares’. Y yo me preguntaba
desconcertado: ¿entonces los jóvenes no pueden entender
nada de historia? Les respondía que no pensaba que los jóvenes
fueran estúpidos, y que podían apreciar a una generación que
vivió antes de ellos y no tenía estos aparatos mágicos (teléfonos
celulares)”, dice Remender, colocando las manos sobre
el escritorio que tiene un cocodrilo pequeño con sus fauces
apuntándole.
Finalmente, se salió con la suya cuando SONY se acercó
en son de paz y admirando su visión ochentera. Ahí llegaron
entonces los hermanos Anthony y Joseph Russo
(Avengers: Infinity War), quienes también ya tenían en la mira
a Deadly Class por su intensidad, originalidad y visión
imperfecta del mundo.
“Soy muy afortunado. Los Russo trajeron consigo su arsenal
de artistas, con experiencia en las adaptaciones de Marvel a
otros medios. Y se jalaron a Benedict Wong de Doctor Strange
para que fuera el director de nuestra escuela de asesinos,
dándole un pedigrí especial y único al proyecto”, sonríe el ahora
guionista de Deadly Class y coshowrunner con Miles Orion
Feldscott (Bionic Woman).
Con la vista también puesta en la realidad fuera de los
dispositivos de pantalla, Remender comparte que el
proceso de adaptación de Deadly Class implicó eliminar
las armas de fuego usadas por los estudiantes dentro del
aula de clases, debido al peligro de evocar las horrendas y
trágicas imágenes de las noticias en Estados Unidos y el mundo
sobre tiroteos en las escuelas.
“Soy padre de familia y lo que menos quiero es hacer
referencia a la violencia en las escuelas. Deadly Class es una
metáfora y cuento, donde mis personajes para la serie de
televisión usarán artes marciales y armas, como la katana, para
su supervivencia”, explica sin temor Remender.
El autor asegura que una de las cosas que más le dan orgullo
de su serie, es contar con una variedad multicultural en su
reparto. “Esto no se hizo de manera gratuita, o porque se ve
atractivo en pantalla, sino porque cada personaje trae colgada
en sí una cultura y un pasado al que se debe”, dice levantándose
quien un día dejó las filas de la casa erigida por Stan Lee para
construir su propia escuela.
HERMANOS DE ARMAS
Los bits se escuchan tras los cojines de unos audífonos
diseñados para doblarse en cualquier momento. Segundos atrás,
la música de Depeche Mode se reprodujo al girar de las bobinas
de ese walkman sostenido por Marcus (Benjamin Wadsworth),
quien luce una mirada nerviosa y solitaria ante una urbe que se
niega a reclamarlo como uno de sus hijos, mientras él sólo desea
sobrevivir la noche entre los vagos, la niebla y el frío de la bahía
del San Francisco de 1987.
A esa escena llega Saya Kuroki (Lana Condor) montada en
motocicleta y, enfundada en una chamarra de cuero —que bien
podría haberse descolgado del guardarropa de Michael Jackson
en ‘Bad’—, rescata a Marcus de un ataque de pandilleros. Pronto
todo está dicho, son ellos contra el mundo.
Y lo bueno es que son más.
Huérfanos como Marcus y rebeldes como
Saya (Lana Condor) hallan compañeros
en la escuela de asesinos que lidera
Master Lin (Benedict Wong), siempre
listo para sacarle sangre con un roce de su
katana a todo alumno respondón.
“Marcus es llamado a ser parte de
esta academia secreta para asesinos.
Al principio piensa que nada de eso es
real, que todo es una gran broma, pero
luego se da cuenta de que todos ellos son
matones o quieren serlo, y por eso se
vuelve muy complicado su proceso de
sobrevivir la escuela.
“Mi personaje cuestiona
constantemente su moralidad y ética,
preguntándose cómo puede sobrevivir
en este mundo sin ética, cuando tienes
obligaciones morales. Todo esto es puesto
a prueba durante la primera temporada
de Deadly Class, ya sea las novias de
Marcus o la oportunidad de usar drogas;
sobre todo, cada vez que se le exige
lastimar a alguien físicamente. Ello
forma parte del viaje emocional del
episodio uno al último”, explica
Benjamin Wadsworth, quien interpreta a
este personaje latino que para el episodio
ocho ya tendrá una cicatriz en el rostro.
Actor desde temprana edad y con
créditos en Dad vs Lad y una aparición
en Teen Wolf, Wadsworth nació en
Houston, Texas, y estudió gran parte de
su escuela en casa, evadiendo por
decisión de sus padres el ambiente de
un colegio tradicional.
“Aunque no experimenté mucho de
las subculturas de una escuela, sí puedo
entender la existencia y rivalidad entre
grupos que se forman, porque cada uno
cree ‘tener la verdad sobre ese ALGO’
e imponérsela a los demás”, asegura
Wadsworth. “Siempre he estado
interesado en interpretar personajes que
no son perfectos, y en el guion de Rick
(Remender) encontré mucha honestidad
en la forma en la que hablan los
adolescentes, con sus malas palabras y su
continuo uso del humor para molestarse,
provocarse y alegrarse entre sí”.
Surgida de las filas de X-Men:
Apocalipsis y a punto de dar a luz la
cyberpunk Alita: Battle Angel como parte
de sus filas, Condor llega con mucho filo
a Deadly Class y coincide con Wadsworth
en que la frescura de la historia y lo
volátil de sus personajes es lo que puede
llevar a que Deadly Class atrape a su
audiencia y no la aburra jamás.
“En Deadly Class no tenemos miedo
de ser oscuros ni políticamente
incorrectos, porque este cómic está
basado en los años 80. Así que las cosas
que decimos son reflejo de la manera
en que la gente de esa era se comportaba
y se pronunciaba. Y eso, a mi parecer, es
muy buena noticia, porque hay
programas que le ponen shampoo a esa
época para volverla siempre accesible
a todos los públicos y edades”, expone
Condor con su semblante de mujer
guerrera oriental.
Como toda historia de supervivencia,
los aliados de armas son los que
importan. Lex (Jack Gillet) es un chico
de peinado punk que recibe con una
navaja en su bolsillo y los brazos abiertos
a Marcus. El entusiasmo del actor rubio
es tal que hasta se para sobre la mesa para
hablar de su personaje:
“Lex es, como Marcus, parte de Los
Rats —como les dicen a los que no
pertenecen a ningún grupo de la escuela
de asesinos, compuestos por desde
porristas mortíferas hasta pronazis—
y de inmediato se vuelven amigos.
Mi forma de llamarle la atención al
protagonista es usando mucho humor,
pero en ocasiones pongo en peligro las
cosas porque soy muy explosivo
e impredecible”, confiesa Gillet con
una sonrisa traviesa.
El fuego cruzado no sólo se da con
armas punzantes, sino entre
personalidades. Marcus se encontrará
seducido primero por Saya, para después
verse defendiendo el honor de su nueva
compañera María (María Gabriela de
Faría), cuya ascendencia mexicana
la torna en una vengadora con rostro
de catrina de plata cada vez que ataca
a sus presas.
“Amo la música de los años 80,
y aunque no viví esos tiempos, me doy
cuenta que sus canciones le hacen honor
a la frase ‘si el arte no refleja los tiempos
que vivimos, no es arte’. En verdad puedo
ver reflejada a la sociedad de esos días,
escuchando su música”, dice entusiasta
la venezolana De Faría. “Creo que en
Deadly Class todos pudimos revivir esa
era porque nuestros vestuarios y
peinados, sumados a la ambientación,
nos transportaron enseguida”.
Lo que nos lleva a ese walkman
sostenido por Benjamin Wadsworth al
inicio. ¿Sabía el actor utilizarlo?
“El equipo de producción se burló
de mí cuando no supe colocar el cassette
dentro del walkman, y luego hasta me
enseñaron a rebobinar la cinta con un
lápiz”, señala Benjamin, cuyo Marcus
está en la cornisa de una serie que lo
invita a caminar sus azoteas al ritmo
del sintetizador.
DEADLY CLASSS, 17 DE ENERO POR FX.
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OSCAR CON ACENTO
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NO GANAREMOS EN LOS MUNDIALES,
Y SÓLO UNA VEZ CADA NUNCA EN LOS
PREMIOS NOBEL O PULITZER, PERO CON
LOS OSCARES ES OTRA HISTORIA.
POR JACQUELINE WAISSER
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er parte de la fiesta más glamurosa del
séptimo arte, lo cambia todo. Hasta la
forma en que vemos y disfrutamos la
ceremonia. Somos el patito feo que se
transformó en cisne. En 90 años,
pasamos de la irrelevancia a la
trascendencia; de simples observadores
a dignos contrincantes. Vivimos las
victorias de nuestros coterráneos como
propias, nos emociona tener un motivo
para ir a festejar al Ángel y nos divierte el
“¡Ay, c*brón!” que se le escapa a Gael, tiro
por viaje, frente a millones de
espectadores televisivos mientras intenta
transitar por la categoría que le tocó
presentar. Que ni qué, son buenos
tiempos. Pero no siempre fue así…
Si damos fe a la leyenda urbana que
señala a Emilio “El Indio” Fernández
como el modelo de la estatuilla del
Oscar, entonces es incontrovertible la
presencia de México en los premios
de la Academia desde sus inicios.
La historia cuenta que en los años
20 un muchacho fornido, oriundo de
Coahuila, apareció en Hollywood,
huyendo de su pasado revolucionario.
El joven trabó amistad con Dolores del
Río, cuyo marido era el director de arte
de la MGM, Cedric Gibbons. Fue ella
quien lo propuso como modelo para
el diseño de la estatuilla que la Academia
había encomendado a Gibbons.
Sin duda, “El Indio” gozaba de una
atlética complexión y exóticos rasgos
indígenas (para los estándares sajones)
dignos de ser labrados en oro. Sin
embargo, no existen pruebas
contundentes que validen esta teoría.
Si bien es verosímil la historia, también
es poco probable, en primera instancia,
porque la Academia jamás la ha
legitimado y, en segunda, porque las
fechas no coinciden. La estatuilla fue
creada en 1928 (para ser entregada por
primera vez en la ceremonia de 1929),
mientras que Dolores del Río y Gibbons
se casaron hasta 1930. El investigador
y crítico Rafael Aviña ha expresado en
diversas publicaciones que se trata
simplemente de una gran mentira
derivada de la mitomanía de “El Indio”,
quien era, a fin de cuentas, un avezado
contador de historias.
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ENERO 2019
Pero seamos autoindulgentes y, para
propósitos de este reportaje, supongamos
que el hombrecillo pelón más codiciado
de la Tierra está hecho a imagen y
semejanza de nuestro gallo. Así las cosas,
estaríamos ante un precioso y velado dejo
irónico, al más puro estilo Buñuel: en
plena era Trumpiana se le adora a la
figura de un migrante mexicano.
NO TODO O UE
BRILLA ES ORO
No obstante que de los tardíos 20 hasta
los 30 Hollywood era un hervidero de
talentos mexicanos aspirando a cumplir
el sueño americano, esta particularidad
demográfica no se vería reflejada en la
gala más importante del cine. Relegados
a papeles secundarios o estereotipados,
los actores mexicanos no pintarían en
esas primeras ceremonias del Oscar, ni
en muchas por venir.
Ni siquiera se le volteó a ver a México
cuando, unos años después, Hollywood se
paralizara con el estallido de la Segunda
Guerra Mundial y las circunstancias
gestaran la llamada época de oro de
nuestra industria. Las películas que
surgieron del studio system mexicano,
joyas indiscutibles de la cinematografía,
no recibieron reconocimiento alguno por
parte del AMPAS. Sobre todo porque la
categoría de Mejor película extranjera,
donde podrían haber figurado, no sería
instaurada como tal sino hasta 1957.
E
ATIN OVER UE
NOS SACÓ DEL
ANONIMATO
A Ricardo Montalbán se le recuerda
como el señor Roarke de Fantasy Island,
sin embargo es otro el mérito por el que
se le debería inmortalizar: fue el primer
mexicano que apareció en una ceremonia
de los Premios Oscar.
Ricardo Gonzalo Pedro Montalbán y
Merino vivió la mayor parte de su vida en
Estados Unidos, pero jamás negó a su
país de origen. Antes de consolidarse en
Hollywood como galán hispano (nació en
la Ciudad de México, de padres
Por su
presencia, Emilio
Fernández bien
pudo ser
referencia para
la máxima
estatuilla /
Pasarela de
talentos, entre
ellos Ricardo
Montalbán.
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inmigrantes españoles), participó en
cintas como Santa (versión de 1943),
Cadetes de la Naval y La casa de la zorra,
entre otras. Su entrada a las grandes ligas
hollywoodenses fue con Fiesta,
la primera de tres colaboraciones con
Esther Williams, que le valieran un
contrato con MGM. Es así que, para
la ceremonia de 1950, la número 22,
Montalbán ya era una estrella. Junto con
sus compañeros de elenco de Neptune’s
Daughter, interpretó “Baby it´s Cold
Outside”, melodía que ganaría Mejor
canción original ese año y que, hoy día,
sería considerada un himno al acoso.
En 1971 Montalbán volvió a hacer
acto de presencia, en la 43ª edición de
los Oscar. En esa ocasión, al lado de la
actriz francesa Jeanne Moreau,
entregó el premio a Mejor película
extranjera a la cinta italiana Indagine su
un cittadino al di sopra di ogni sospetto,
del director Elio Petri.
Su tercera y última intervención fue
en 1984. Él y Jane Powell anunciaron el
premio a Mejor dirección de arte, que se
llevó Fanny and Alexander.
Montalbán jamás ganó un Oscar,
pero no se puede pensar en un actor más
distinguido, refinado o culto para haber
representado a México ante el público
norteamericano, y contrarrestar la
imagen caricaturizada del panzón con
sombrero que imperaba en su gremio.
GANAR TERRENO
El siguiente paso lógico para nuestros
paisanos fue el de graduarse, de meros
“presentadores” del Oscar, a auténticos
competidores. Y el primero en lograrlo
fue Antonio Rodolfo Quinn Oaxaca.
Si bien es cierto que Anthony Quinn,
nacido en Chihuahua, jamás trabajó en la
industria mexicana de cine dado que
desde muy pequeño emigró con sus
padres a Estados Unidos, es
incuestionable su conexión con México.
Fue precisamente la mezcla racial de su
fenotipo lo que determinó el rumbo de su
carrera. No es casualidad que la principal
característica de su filmografía sea
la diversidad étnica de sus roles.
Y aunque en su momento el actor se
quejó de a menudo ser estereotipado,
fueron esos papeles los que lo hicieron
leyenda y le consiguieron el Oscar.
Quinn no sólo fue el primer actor
de origen mexicano en ser nominado,
sino también el primero en recibir la
codiciada estatuilla, en 1952. En una
suerte de guiño a su ascendencia, fue
el rol de Eufemio en Viva Zapata! el que
le valió el distintivo de Mejor actor de
reparto; una interpretación de la que
su fallecido padre, Francisco Quinn,
habría estado muy orgulloso, ya que él
mismo luchó en la Revolución Mexicana
al lado de Pancho Villa.
En 1956 volvió a hacerse del galardón
en la misma categoría, ahora como Paul
Gauguin en Lust for Life. Asimismo
recibió la nominación a Mejor actor en
1957 por Wild is the Wind, y en 1964 por
su personaje en Zorba the Greek.
Por su parte, Katy Jurado engalanó la
ceremonia de 1955. La belleza brava fue
nominada como Mejor actriz de reparto
por Broken Lance, filme en el que
interpretara a una princesa india casada
Anthony Quinn
en un momento
de Viva Zapata!,
donde encarnó a
Eufemio, papel
por el cual ganó
su primer Oscar
como Mejor
actor de reparto.
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con el personaje de Spencer Tracy. Cabe
notar que, a pesar de trabajar al lado de
leyendas actorales en esa película, fue la
única del elenco en recibir esta distinción.
Con la fama de Around the World in
80 Days aún muy fresca, nuestro querido
Cantinflas fue presentador en 1956 por
vía remota, toreando en un ruedo desde
México. Su intervención para presentar
Mejor cinematografía en tándem con
Jerry Lewis, duró escasos 55 segundos.
La década de los 60 fue de notoriedad
para nuestro cine, puesto que México
apareció en la categoría a Mejor película
extranjera durante tres años
consecutivos: en 1961 con Macario, en
1962 con Ánimas Trujano y en 1963 con
Tlayucan. Si los directores o los actores de
estas cintas (tales como Ignacio López
Tarso o Roberto Gavaldón) asistieron a
las premiaciones, es difícil de saber, pues
aunque para esos años ya se televisaba
el evento e incluso existe pietaje de dichas
transmisiones, el trabajo de cámara
seguía siendo bastante rudimentario, de
tal suerte que sólo los ganadores que
subieron al estrado salieron a cuadro.
Tuvieron que pasar 13 años para que
México volviera a ser considerado en esta
categoría, con Actas de Marusia en 1976,
la cual se quedó en el intento. En
el documental también hubo de qué
hablar con Torero! de Manuel Barbachano
Ponce, nominada en 1958, y Olimpiada en
México, de Alberto Isaac, en 1970.
El oro llegó por partida doble en 1972,
en las categorías de Mejor cortometraje
documental y Mejor cortometraje (Live
Action), gracias a Centinelas del silencio
de Robert Amram.
Dos años después, en la edición 46,
otro compatriota ganaría, aunque de
manera indirecta, en la categoría de
Mejores efectos de sonido. Se trata del
genio del sonido Gonzalo Gavira,
integrante fundamental del equipo
responsable del horror sonoro que
acompaña a El exorcista. A él se le
adjudican los espeluznantes ruidos de la
cabeza giratoria de Regan.
Y cómo no mencionar a nuestro tesoro
nacional retratista de nubes, Gabriel
Figueroa, nominado por su fotografía en
The Night of the Iguana en 1965.
BEFORE THE THREE
AMIGOS
Los 80 pasaron sin pena ni gloria, con una
presencia mexicana prácticamente nula,
quizá reflejo de la paupérrima producción
nacional y de la crisis que azotaba a la
industria. Empero, los 90 marcarían el
principio de la revolución por venir.
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Katy Jurado fue
la primera actriz
mexicana en ser
nominada a los
Premios Oscar,
por Broken
Lance / Macario,
la primera cinta
mexicana en
postularse a
Mejor película
extranjera /
Gonzalo Gavira
en el set de
The Exorcist /
A Little Princess,
el debut en
Hollywood de
Alfonso Cuarón
y Emmanuel
Lubezki / Los
tres alegres y
talentosos
compadres:
Iñárritu, Del Toro
y Cuarón.
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De manera incipiente, pero segura,
los artífices del renacer cinematográfico
mexicano, los poderosos que hoy día
mueven los hilos, comenzarían a
aparecer en escena.
Desde su primera incursión en
Hollywood, el cinefotógrafo Emmanuel
Lubezki se dio a notar. En 1996 fue
nominado por su trabajo en A Little
Princess y en 2000 por Sleepy Hollow. Ahí
comenzarían sus múltiples rondas por el
Oscar, ocho hasta la fecha, con tres
estatuillas a su nombre.
En 1997 la Academia conocería el
rostro de un jovencito de 17 años a través
del cortometraje De tripas, corazón, de
Antonio Urrutia, sin imaginar que el
adolescente en cuestión se convertiría en
parte de la realeza fílmica. El jalisciense
ojiverde llamado Gael García Bernal
desfilaría varias veces más por el
glamuroso escenario, tanto en calidad de
presentador como de protagonista de
alguna de las cintas nominadas,
intérprete o hasta activista político.
Otro parteaguas en 1997 fue
la aparición de Salma Hayek como
presentadora, en la 69ª ceremonia. Si bien
el mercado gringo ya se empezaba a
familiarizar con ella debido a filmes como
Desperado y From Dusk till’ Dawn —y por
ende también con sus atributos físicos,
ampliamente exhibidos en esas cintas—,
para marzo de 1997 la guapa de 30 años
navegaba la ola de una nueva y más
poderosa fama, otorgada por su primer
protagónico en Fool´s Rush In y por su rol
de Esmeralda en The Hunchback.
Muy ad hoc con su novel
intervención, le tocó introducir la balada
de Kenny Loggins, “For the First Time”,
contendiente a Mejor canción.
En ese momento Hayek aún jugaba
el rol de la latina sexy y coqueta, como
constatan los talk shows por los que hacía
rondas promocionales en aquellos
tiempos. Pero esa imagen cambiaría
drásticamente. A través de los años y de
las subsecuentes participaciones de la
veracruzana en los Oscar, presenciamos
su consolidación como una influyente
figura dentro de la escena mundial del
cine. Si se tendría que destacar la
ceremonia específica que marcó su “antes
y después”, tendría que ser la de 2003,
a la que asistió como productora y actriz
de Frida, mismo que le valió varias
nominaciones, dos Oscar y la credibilidad
y respeto de la industria.
A ERA DE A INC USIÓN
El verdadero vuelco vendría con el nuevo
siglo. En 2001 el publicista convertido en
director, Alejandro González Iñárritu,
rompería más de un paradigma con su
explosiva Amores perros, nominada a
Mejor película extranjera. Aunque no era
la primera vez que se lograba ese mérito,
algo se sentía diferente: una adrenalina
que abría paso a ideas novedosas y
atrevidas, el primer peldaño cuesta
arriba hacia una etapa de esplendor.
Una ceremonia coyuntural fue
la número 79, en 2007. Entre Babel,
El laberinto del fauno y Children of Men,
los nombres latinos no dejaron de
aparecer en los prompters leídos por
las estrellas que presentaban a los
nominados: Alfonso Cuarón, Guillermo
del Toro, Adriana Barraza, Eugenio
Caballero, Guillermo Navarro,
Guillermo Arriaga, por mencionar sólo
algunos. Sumando los logros de las tres
cintas, se obtuvieron cuatro Premios
Oscar y 12 nominaciones. La garra
conformada por la triada de titanes del
cine, Iñárritu-Cuarón-Del Toro, soltaba
su primer zarpazo.
Es innegable que de 15 años para acá,
la Academia es otra. Ha tenido que mutar
al ritmo de las necesidades sociales e
históricas con las que se ha enfrentado.
Sea por el #OscarSoWhite, el reclamo del
“Whitewashing”, la correctitud política,
el terreno ganado en la lucha de los
derechos de la comunidad LGBTT,
el movimiento #Metoo, la fascinación
por el folclor mexicano representado por
—pero no limitado a— Coco,
el empoderamiento de los latinos,
afroamericanos, asiáticos, o cualquier
otra etnia, es un hecho que la Academia se
ha vuelto más incluyente y sensible a los
grupos minoritarios.
Esto ha significado una apertura
hacia la diversidad artística y a
las películas y actores que están
dispuestos a premiar. No cabe duda que
los extranjeros, léase nuestros mexicanos,
se han beneficiado de ello. Con lo anterior
no se pretende minimizar su talento.
Imposible negar el virtuosismo de un
Lubezki o de los tres monstruos de la
dirección ya citados. Pero no se puede
dejar de lado el hecho de que el timing les
favoreció, al menos en cuanto a obtener
la entrada en uno de los círculos más
cerrados y elitistas del cine.
Hoy día no concebimos unos Oscar
sin figuras mexicanas, cuyos nombres ya
no son vocablos impronunciables sino
referencias aspiracionales y adoradas.
Vayan preparando su mezcal
para brindar, pues lo más probable
es que dentro de esta ceremonia, la 91,
se vuelvan a romper techos de cristal
al son de mariachi.
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La entrevista empire
20 1 8 F UE U N G RAN AÑ O PA RA
ET HAN H AW K E: BL AZE, STO CK H O LM
Y JULIET NAKED SON ALGUNAS DE
LAS CINTAS QUE PROTAGONIZÓ,
PER O ESTAM O S SEGU RO S Q UE TE
QUEDARÁS CON F I R ST REFO R M E D,
LA CUAL PODRÁS DISFRUTAR EN
DV D Y B LU- RAY.
POR CÉSAR HERNÁNDEZ
FOTOS SHUTTERSTOCK
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EL ACTOR
TEXANO
ETHAN HAWKE
NO PODRÍA
TENER UNA
CARRERA
más afortunada cuando su segundo
largometraje fue Dead Poets Society,
en 1989, junto a Robin Williams y bajo
la dirección de Peter Weir. Pero también
hubo White Fang, Reality Bites, Gattaca,
Great Expectations, Training Day
y la trilogía Before. Con cada título que
refuerza su trayectoria, y convirtiéndose
así en blanco de varios directores, es
difícil que el intérprete tenga temporadas
tranquilas y 2018 no fue la excepción;
Juliet Naked, Blaze, Stockholm y First
Reformed fueron las cintas que estrenó
el año anterior. Pero ¿qué mueve a un
actor como Hawke? ¿Cómo inicia uno
este tipo de carrera? Ethan, desde
Londres, platica con EMPIRE y desvela
este tipo de dudas acerca de su carrera.
¿Recuerdas el momento exacto en el
que decidiste que querías dedicarte
a la actuación?
Dios, hubo tantos momentos en mi
juventud en los que supe que quería
dedicarme a esto... En cierto modo,
es como si el universo te hablara, ¿sabes?
Hubo puertas que se abrieron para mí
cuando era un actor muy joven. Hice una
audición para Dead Poets Society.
Me quedé con el papel y fue como
si el universo me abriera las puertas.
¿Crees que ser actor es algo que haces
o algo que eres?
Creo que es mejor para todos cuando
estamos conectados con nuestro trabajo
de un modo más profundo. Cuando
te dedicas a algo que realmente amas se
siente como una extensión de ti, porque
es algo que realmente quieres hacer,
100
ENERO 2019
que te interesa. Siempre me he sentido
así sobre la actuación. Lo pienso como
una extensión de mí.
¿En algún momento tuviste que
decidir entre ser actor y dedicarte
a otra cosa?
Siempre he elegido el arte, en general.
Me gustan tantos aspectos diferentes
del arte: escribir, dirigir, actuar, producir
obras de teatro, hacer documentales,
escribir libros... todo eso me motiva.
Muchos de tus colegas dicen que ser
actor es una carrera de resistencia,
no de velocidad. ¿Cuál es tu opinión
al respecto?
Pues no puedo hablar por los demás.
En mi caso, simplemente he seguido
mi olfato. Siempre he pensado que si
persigues lo que te hace feliz, cosas
buenas van a salir de ello. No sé si es
correcto o no, pero siempre he creído
que mientras más conectado estés
contigo mismo, mejor puedes contribuir
con los demás.
Disfruté mucho el sketch que hiciste
con Jimmy Kimmel, en el que cambias
tu nombre legalmente a Handsome
Hawke. Era claramente un chiste,
pero ¿qué piensas sobre la cultura
de la adoración al aspecto físico que
prevalece en Hollywood?
Los humanos han hecho eso a lo largo
del tiempo, ¿no lo crees? Nos
obsesionamos con el aspecto de los
demás. No pienso que eso sea único de
Hollywood o de esta época.
¿No crees que es un problema?
Pues no creo que sea algo a lo cual
aspirar, pero parece ser un hecho.
Entonces ¿puedo llamarte
Handsome Hawke?
Llámame Handsome Hawke las veces
que quieras. De hecho, le exijo a mi
esposa que me diga así. Me enojo cuando
no lo hace (ríe).
¿Qué pensabas de la industria del
cine antes, cuando hacías teatro?
¿Cuáles eran tus expectativas?
Dios, no lo sé. Creo que lo que no esperas
cuando eres joven es que el mundo
cambia todo el tiempo. Supongo que
quería seguir los pasos de mis héroes,
actores a quienes realmente admiraba.
Lo que no entendía es que no puedes
seguir su camino exactamente porque el
mundo sigue girando, y lo que funcionó
en una generación no aplica en la
siguiente. Tienes que estar presente
donde estás. Creo que la mayor sorpresa
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para mí ha sido la manera en la que mi
industria ha cambiado a través de los
años: el Internet, la forma en la que se
hacen y distribuyen películas, el modo
en que diferentes tipos de cintas son
ovacionadas y celebradas. ¿Sabes?,
cuando era niño lo único que quería era
ser actor de drama, y ese trabajo es cada
vez más difícil de encontrar. Los estudios
ya no hacen dramas de la misma forma
que cuando yo era niño.
Hace unos minutos hablabas de
cuando filmaste Dead Poets Society,
de 1989, ¿existe alguna anécdota con
Robin Williams que guardes en tu
memoria?
Un montón. Esa película —hablando de
lo que mencionaste al inicio de la
entrevista— fue lo que me hizo
convertirme en actor. Convivir con Robin
Williams, con Peter Weir; compartir esa
experiencia con más gente joven que
estaba en la misma situación; aprender
juntos y ver por nuestra cuenta lo que
era posible lograr. Esa producción fue
un escalón muy emocionante para mí
porque estábamos haciendo arte
comercial. Definitivamente era
comercial, pero también es arte. Robin
era un verdadero genio. Peter Weir un
gran líder y un maestro de cine. Cuando
volteo a ver esa experiencia, parece que
cada vez se hace más grande en mi vida
en vez de desvanecerse.
¿Tienes alguna opinión respecto
a la forma en la que murió
Robin Williams?
No, sólo lamento mucho que tuviera ese
don para hacer felices a los demás y que
fuera tan difícil para él ser feliz.
Acerca de Reality Bites, ¿cómo ves
a esa generación? Tú triunfaste,
pero ¿cómo crees que le estaría
yendo ahora a tu personaje, Troy?
(Ríe) No lo sé. Hice una nueva película,
llamada Juliet Naked, basada en la novela
de Nick Hornby, con Rose Burn. Cuando
estaba haciendo ese personaje, sentía que
de alguna manera era como interpretar
a un Troy Dier de 46 años. Son diferentes
personajes, pero de alguna forma veía
a Troy 25 años después.
¿Crees que esa película, Reality Bites,
podría hacerse ahora, con los
millennials y el estado actual
del mundo?
Bueno, el momento en el que la hicimos
era la época de la primera generación de
gente con un alto nivel educativo que no
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ENERO 2019
que estábamos desilusionados con
sabernos muy bien educados y no
encontrar qué hacer con nuestras vidas.
Creo que esta generación, nos guste o no,
está siendo definida por su relación con
las redes sociales. Su identidad, tal vez
a niveles que muchos ni siquiera
entendemos, está determinada por
Instagram, Facebook o dondequiera
que esté su presencia virtual. Así es como
se comunican entre ellos. Eso es algo
de lo que mi generación no tiene ni idea.
¿Qué puedes compartirnos sobre
la producción de Gattaca?
Es una gran película. Andrew Niccol
tiene una mente asombrosa. Se habla
mucho actualmente sobre la violencia
con armas de fuego. Hace algunos años
hice con él otra película, Lord of War,
acerca de la venta de armas y cuánto
dinero están ganando los traficantes.
Nadie había querido hablar acerca de
cuántos millones se ganan vendiendo
armamento, y eso es lo que queríamos
comunicar. En Gattaca exploró
a profundidad la ingeniería genética,
que es realmente urgente. Hace un par
de años hice otra película con él sobre
los pilotos de drones de guerra,
una pieza extremadamente emocionante
y relevante, de arte político. No sé,
me encanta Gattaca y siempre he creído
en Andrew Niccol.
Y, ¿qué memorias tienes de Training
Day que se estrenó muy a inicios
de este siglo?
Ha sido una de las mejores experiencias
de trabajo de mi vida. Training Day
y Dead Poets Society son dos películas
que fueron en extremo satisfactorias;
desde un punto de vista artístico,
y al mismo tiempo fueron muy exitosas
comercialmente. Se trata de dar
felicidad a la gente y hacer algo que
amas, al mismo tiempo. Esas dos cosas
pueden compaginar y se siente muy bien
cuando lo hacen.
Volviste a colaborar con Antoine
Fuqua en The Magnificent Seven.
Sí, trabajamos juntos en Brooklyn Finest
también.
Recientemente te vimos en First
Reformed, y en lo personal me
encantó. ¿Cómo te involucraste
con el proyecto?
Hace un par de años platiqué con Paul
(Schrader) durante los Film Critic’s
Awards, y me dijo que estaba trabajando
en algo que quería enseñarme.
I terca bia os correos y oco des és
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me llegó un guion que me fascinó.
Es un libreto tan visceral y poderoso...
Noté al instante que era del mismo
escritor de Taxi Driver. Podías sentir esa
voz en todo el guion y supe de inmediato
que quería hacerlo, ser parte de eso.
Los medios, o las personas en general,
intentamos ponerle etiquetas a todo
lo que vemos. Pero, como amante
del cine, me gustaría saber si crees
que First Reformed es una historia de
amor romántico, un documento
para generar conciencia o una
historia de religión.
Creo que lo hermoso sobre ella es que no
hay una sola respuesta a esa pregunta.
Es una historia romántica, es política y
también es religiosa. Eso es lo que la hace
magnífica. Mi personaje es
tridimensional. A veces cuando te piden
que interpretes a un personaje de una
sociedad religiosa acabas siendo malvado
o de plano un chiste, si no
completamente benévolo. Pero tener
la posibilidad de dar vida a una persona
religiosa que es al mismo tiempo muy
seria y cuya fe se ve desafiada de una
manera interesante y realista,
considero que eso hace mi trabajo
muy emocionante, interpretar un retrato
de un hombre como ese.
Acerca de tu pasión y vocación
por escribir, ¿se relaciona de alguna
forma con la actuación o más bien
lo sientes como una especie de
vacación en otro arte?
Considero que, más que otra cosa,
es mi deseo de mantenerme emocionado,
curioso, y expresarme de diferentes
maneras.
Ya tienes algunas novelas publicadas,
como The Hottest State
y Ash Wednesday. ¿Estás trabajando
ahora en algún libro o hay algo que
estés a punto de publicar?
Siempre estoy trabajando en algo.
En realidad, no sé cuándo voy a volver
a publicar, pero siempre estaré
escribiendo.
Independientemente de tu trabajo
como escritor, ¿llevas un diario como
el Reverendo Toller, tu papel en First
Reformed?
Sí, en muchos momentos de mi vida he
escrito diarios. A veces no lo hago, pero la
mayor parte del tiempo, sí.
FIRST REFORMED AHORA ESTÁ DISPONIBLE
EN DVD .
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Entre las cosas, miles, que Ethan Hawke hace perfecto, está dirigir,
además de producir, escribir y hasta editar. Aquí los seis trabajos
de dirección que Hawke tiene en su haber.
Blaze, 2018
Chelsea Walls, 2001
Una vez más Ethan dirige su mirada a la vida
real y en esta película retrata las peripecias del
cantante Blaze Foley. El ambicioso proyecto
cuenta con el talento de estrellas de la talla de
Sam Rockwell, Kris Kristofferson, Steve Zahn,
Richard Linklater y el mismo Hawke.
Extraordinario experimento de Hawke en el
que cuenta historias de vida de cinco artistas
entre las discretas paredes del Chelsea Hotel
de Nueva York. Un poeta, un pintor, un
novelista, una bailarina y un cantante de jazz
viven sus momentos más álgidos y terribles
dentro de ese escenario que seguro inspira
por su sordidez y luminosidad.
Seymour: An Introduction,
2014
Una de las obras más aclamadas de Hawke,
en ella nos presenta, lleno de admiración, la
vida de Seymour Bernstein, un pianista amado
por todos, un maestro cuyas enseñanzas son
la clave para llevar una vida espectacular.
Lisa Loeb & Nine Stories:
Stay (I Missed You), 1994
(Video musical)
En el apogeo del grunge, Lisa Loeb presentó
este sencillo de su disco Tails y Ethan Hawke
dirigió el video en el que la cantante se pasea
por un departamento vacío de Nueva York.
El sencillo tuvo un éxito inusitado... pero
como parte del soundtrack de la película
Reality Bites, protagonizada por Hawke y
Winona Rider, dirigida por Ben Stiller.
The Hottest State, 2006
Basada en su propia novela autobiográfica,
Ethan Hawke se dirige a sí mismo y a un
ensamble de intérpretes jóvenes pero
experimentados —entre ellos Michelle Williams,
Mark Webber, Alexandra Daddario, Josh
Zuckerman y Catalina Sandino Moreno—,
en una historia acerca de un incipiente actor
proveniente de Texas que intenta sobrevivir
y triunfar mientras busca su oportunidad en
Nueva York y, al mismo tiempo, no perder
a su novia, una hermosa cantaautora.
La cinta fue nominada a Mejor película
en la sección Horizons del festival de Venecia.
Straight to One (Corto), 1994
Si leíste La broma, de Milan Kundera, este
corto te va a sonar muchísimo: un jovencito se
pregunta “¿qué sería de mí si hubiera tomado
diferentes caminos en momentos clave de mi
vida?”. Este sujeto tiene la oportunidad de
revisarlos pero ¿qué impacto tienen estas
decisiones en su futuro y en el de los demás?
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ALERTA:
SPOILERS
COMO DIS CO RAYADO PERO SÓLO LO ME JOR
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LA GUÍA
DE EMPIRE
PARA VER
EN CASA
Mamma
Mia! Here
We Go Again
Ol Parker nos lleva por los grandes
éxitos de Here We Go Again.
POR BEN TRAVIS
00:04:18
CAPRICHOS ADOLESCENTES __ La
precuela de Here We Go Again comienza con la
graduación de la joven Donna (Lily James); se
rasga la toga y canta ‘When I Kissed The Teacher’.
“El filme lidia con la muerte de Meryl, y esta
canción nos saca de allí tan rápidamente como
es posible”, dice Parker, agregando que prefirió
mantenerse alejado de la elección obvia: ‘Super
Trouper’. “Quería que Lily agitara las cosas como
lo hace Donna”.
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00:11:06
00:21:00
00:26:02
Seyfried) está de luto por su madre y relanzando
el hotel Bella Donna en tributo a ella. Una oferta
de trabajo amenaza con mantener a su pareja,
Sky (Dominic Cooper), en Nueva York. Corte a una
tensa llamada telefónica y el desgarrador dueto
‘One of Us’. “Las canciones de ABBA son muy
difíciles para los hombres. Lo harás muy bien en la
ducha, pero hay algo truculento con la tonalidad”.
‘Waterloo’, usada parcialmente en los créditos de
la anterior, fue perfecta aquí. “Es muy rítmica”,
comenta Parker. En el café Napoleon de París,
el rockero virgen Harry (Hugh Skinner) le pregunta
a Donna si le quita lo inocente. “Fue: ‘¿Y cómo los
meto en la cama para el final de la canción?’.
La respuesta era con energía y risa. Escribí:
“Juntos destrozan un restaurante francés’”.
‘SOS’ de Pierce Brosnan se volvió icónica en
2008 por las razones equivocadas, pero ésta
es de verdad conmovedora. “Hizo la toma y
nuestro supervisor de guion estaba llorando”,
recuerda Parker. Brosnan incluso pidió que la
tocaran para su madre. “Lo hicimos y también
lloró. Ahí estaba James Bond buscando la
aprobación de su mamá”.
00:30:01
00:53:58
01:16:12
It Have to Be Me?’ requirió una cuña enorme”,
admite Parker. El romance marítimo de Donna
con Bill (Josh Dylan) tampoco fue fácil de filmar.
“Filmar en embarcaciones es una pesadilla. Hay
dos embarcaciones con cámaras, y la de rescate,
la de maquillaje, la de cabello y la del director.
Te alineas para la toma y alguna pasa en frente,
y luego se le cae la peluca a Josh”.
más problemático que el mar abierto fue hacer
‘Knowing Me, Knowing You’ sin conjurar a Alan
Partidge. “Pensé en eliminar los ‘a-ha’ o usar un
sonido de guitarra en su lugar. Debido a Alan se
han vuelto algo absurdo”, indica Parker. “Las
tomas alternativas terminaron archivadas pero
Jeremy Irvine los alcanzó en el estudio. Lo hizo tan
conmovedoramente que los recuperamos”.
eufórico de Mamma Mia! es la secuencia de
‘Dancing Queen’. “Pensé: ‘Mierda, hagámosla de
nuevo’”, ríe Parker. Y aparecen Harry (Colin Firth)
y Bill (Stellan Skarsgård) con una flota de
embarcaciones para salvar el relanzamiento del
hotel de Sophie. “Bromeaba con que hicieran
la escena de Titanic desde el principio, y la única
disputa era quién sería Kate y quién Leo”.
01:33:50
01:39:20
01:43:42
El gerente del hotel es Fernando Cienfuegos
(Andy García), el viejo ex de Ruby Sheridan
(Cher). El director Parker le presentó en el tráiler
de guionismo la idea a Richard Curtis, la mente
maestra de la comedia romántica, con una
revelación tan buena que Curtis se cayó de la
silla de risa. “La película son 105 minutos para
llegar a ese chiste”.
emocional de la precuela y secuela ocurre en la
capilla Kalokairi: Donna bautizando a Sophie en el
pasado y Sophie bautizando a su hijo ahora, con
el fantasma de Meryl Streep uniéndosele para ‘My
Love, My Life’. “Es la canción de ABBA favorita
de mi mamá. Bjorn reescribió la letra. Fue muy
emotiva en el set; Cher, Andy, Colin, Julie
y Pierce lloraron”.
original y los recién llegados se unen para
‘Super Trouper’ en mezclilla, lentejuelas y spándex.
“Si tienes el privilegio de contar con este elenco,
juntarlos en una sola toma es obligatorio”.
LLAMADA FRÍA __ Sophie (Amanda
BOATY MCBOATFACE __ “Meter ‘Why Did
AMANTES DESVENTURADOS __
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¿QUIERES ACOSTARTE CONMIGO? __ DISTURBIOS EMOCIONALES __ La
(NO) SOY ALAN PARTRIDGE __ Pero
BAUTISMO DE LLANTO __ El clímax
HOLA, NAVEGANTES __ El momento más
JUNTANDO LAS TROPAS __ El elenco
MAMMA MIA!: HERE WE GO AGAIN ESTÁ DISPONIBLE
EN DVD, BLU-RAY Y DESCARGA
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Planode
ataque
¡ALERTA
SPOILERS!
El guionista/director Drew Pearce nos guía
por un útil mapa del Hotel Artemis.
ILUSTRACIÓN DOUG JOHN MILLER
POR CHRIS HEWITT
EL HOTEL ARTEMIS es oscuro
y lóbrego, y aunque sea un hospital, es
más posible que sufras una lesión fatal
allí que antes de llegar. Sin embargo el
lugar, como fue diseñado por Drew
Pearce (guionista y director) y Ramsey
Avery (diseñador de producción) para
Hotel Artemis, está bien planeado.
“Estaba construyendo formas para
realizar el plano antes de empezar
a escribir”, dice Pearce. Aquí él nos habla
sobre las áreas clave del hotel —y las
cosas horribles que pasan dentro—.
1 _ TODO SON RISAS Y JUEGOS HASTA
QUE ALGUIEN SALE HERIDO
“Necesitabas a Suiza”, comenta Pearce del cuarto de juegos que
en teoría es una zona neutral en el hotel. “Casablanca fue una gran
influencia. Necesitas áreas como el bar de Rick”. También es la
escena de un enfrentamiento entre Acapulco (Charlie Day), Nice
(Sofia Boutella) y Waikiki (Sterling K. Brown), a pesar de la
prohibición del Artemis sobre las armas. “Sin embargo podían
eliminarse con cualquier cosa en esta habitación”, señala Pearce.
“Así que cualquier tipo de arma, si te fijas, ha sido asegurada”.
Drew Pearce dirige
a Dave Bautista
(Everest) y Jenny
Slate (Morgan).
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2 _ UN LOBBY PODEROSO
Es donde la enfermera (Jodie Foster)
hace que espere tras barrotes de hierro
cualquiera que no quiera ver corriendo
por el Artemis. “Esa puerta pesaba
cientos de kilos”, recuerda Pearce, quien
llevó a cabo una investigación meticulosa
sobre los hoteles del centro de Los
Ángeles y la basó en un número de
locaciones reales. “Los penthouses
tienen con frecuencia su propio
minilobby; así fue como la enfermera
eligió este penthouse”. Después se
convierte en la escena de una batalla
sangrienta entre Everest (Dave Bautista),
el ordenanza de corazón grande como
refrigerador, y varios malosos. “Quería
que se sintiera como la última resistencia.
Teníamos tres horas para filmar la pelea
de Everest y sólo podíamos pagar a dos
extras con hachas”.
3 _ UNA LÍNEA EN LA
ARENA
Junto a la puerta del lobby hay un
corredor secreto con un elevador.
Aquí Nice pelea con los hombres
desechables de Wolf King. “Sofia es
tan adepta al trabajo físico que sólo
hay una toma en la que no es ella”,
menciona Pearce. “Le dimos una
semana para entrenar y al final sólo
entrenó día y medio. Todos los
dobles decían: ‘Mierda, sí que es
buena’”. Nuevamente, Pearce se
inspiró en pasillos de hoteles reales.
“Durante la época de la Prohibición,
los hoteles encontraron maneras
secretas de abastecer ginebra y
alcohol a sus huéspedes”.
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5 _ NIÁGARA (Y ACAPULCO) CAEN
Aunque las cinco suites del Artemis parecen iguales
por su distribución, cada una tiene un mural gigante
para diferenciarlas, y la suite Niágara es la madre de
todas. Fue diseñada para Wolf King (Jeff Goldblum),
el jefe criminal dueño del hotel. Y es donde no sólo
él, sino el traficante de armas Acapulco, se reúnen
con su creador. “Es casi como el cuarto de la muerte
operático”, ríe Pearce. “Es totalmente giallo. Ese fue
el diseño”. Al igual que con las demás habitaciones,
está dominada por un mural —aquí de las cataratas
del Niágara—. “El poder del agua implica que esta
habitación es la más poderosa”, explica. “Las
cataratas del Niágara funcionaban en muchos
niveles diferentes, ¡y nadie más se ha dado cuena!”.
HOTEL ARTEMIS ESTÁ
DISPONIBLE EN DVD, BLU-RAY
Y DESCARGA
4 _ DEJANDO LA HONOLULU
La suite Honolulu es donde fallece el muy malherido hermano
de Waikiki, Lev (Brian Tyree Henry), después de que una bomba
puesta por Nice corta la energía para los sistemas de soporte vital.
“La suite Honolulu es clave porque la toma de Waikiki viendo hacia arriba
y encañonando una pistola en esa suite es una de las primeras imágenes
que tuve para la historia. Ahora la tengo enmarcada en mi oficina”,
indica Pearce.
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Juego
de tronos
Cómo Christopher McQuarrie, Tom Cruise y compañía
lograron la espectacular escena de la pelea en el baño.
CONSIDERANDO TODOS
los trucos y acrobacias en Mission:
Impossible Fallout, de Christopher
McQuarrie —Tom Cruise saltando
de un avión a 25,000 pies; Tom Cruise
manejando una moto sin casco en hora
pico; Tom Cruise piloteando un
helicóptero—, nada le gana al impacto
de la pelea en el baño de un club nocturno
en París entre Ethan Hunt (Cruise),
su contraparte de la CIA August Walker
(Henry Cavill) y la cuestionable figura del
bajo mundo John Lark (Liang Yang).
Es una confrontación de diferentes
estilos de pelea con una pista sonora
rítmica y un bajo profundo en el que
los lavabos son destrozados, las columnas
hechas añicos y los brazos recargados
en cuatro minutos. En las siguientes
líneas McQuarrie, Cruise, Cavill, Yang y
el coordinador de dobles Wade Eastwood
nos cuentan cómo la realizaron.
Cuarenta y
cuatro segundos
y 169 cuadros de
tubos rotos,
porcelana
pulverizada
y puertas
destrozadas.
Christopher McQuarrie:
Curiosamente, esa es la escena favorita
de todos. No podría decirte de dónde
salió, excepto que yo quería un lugar
donde pudieran tener una pelea.
Tom Cruise: Esa pelea en el baño...
siempre supimos que deseábamos
hacer una así.
Wade Eastwood: Sabíamos que habría
un enfrentamiento en un baño. No era
tan grande como lo es ahora. Mi trabajo
es diseñar la pelea y presentarla. Siempre
filmo una visión en vivo de la pelea con
mis dobles y luego la presento.
McQuarrie: No hay tanto que puedas
hacer en un baño. Jugamos mucho con
eso de dónde están las tazas,
los mingitorios, las puertas, los lavabos.
La razón por la que lo quería tan blanco
era para crear una sensación de
vulnerabilidad.
Eastwood: La diseñé con Liang en
mente. Él es miembro de mi equipo
de dobles. Quería una apariencia
diferente para Mission: Impossible,
cierta velocidad y agilidad. Quería
combinarla con el estilo de Ethan
y luego presentar a Henry, que es un oso.
Henry Cavill: Yo trabajé muy de
cerca con Wolfie Stegemann
[coordinador de peleas] para crear un
estilo muy bravucón. Queríamos que
fuera el polo opuesto del estilo de pelea
de Ethan Hunt.
Eastwood: A Tom no le importa no ser
un luchador superhumano. Quiere ser
real y no ganar todas las peleas.
McQuarrie: Tom y Henry estaban bien
con la vulnerabilidad. No puedes filmar
una escena como esa si los actores no
están dispuestos a perder. Les patean
el trasero en esa escena y ahí está la
verdadera diversión de ella.
Cruise: Hablábamos de Walker y Hunt,
cómo podían derrotarlos a ambos
y hacerlo con inteligencia.
McQuarrie: Y luego nos preguntábamos
quién sería John Lark. Queríamos elegir
a un actor y yo decía que tenía que pasar
la evaluación de lucha primero, pero
cuando la hicimos pensé que alguien iba
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a morir y que necesitábamos uno
que fuera muy letal y además doble
de películas.
Liang Yang: Wade quería que yo
interpretara a Lark. Tengo experiencia en
wushu y Wade quería que lo usara.
Pasamos dos semanas diseñando la pelea.
Cruise: No espero que los actores
realicen las peleas, de verdad que no, pero
si quieren, si les interesa, es otro estilo de
arte. Yo he hecho esto y me he entrenado
para ello toda mi vida, básicamente. McQ
y yo nos sentamos
con ellos y les dijimos que si no querían
hacerlo, entonces esta no era la película
para ellos y no había problema. Sé lo
difícil que es. Todos dicen que es muy
emocionante y que quieren hacerlo
pero después lo hacen y dicen: “Mierda,
esto de verdad duele”.
Cavill: Tom y yo nos checábamos el uno
al otro a lo largo de la pelea
asegurándonos que ninguno estuviera
lastimado o adolorido. Al principio
nos hacíamos los rudos y decíamos
que estábamos bien. Hacia el final
comenzamos a ser muy honestos
entre nosotros.
Cruise: Lo que tengo con McQ es que
nunca le digo lo mucho que algo duele.
Nunca. No quiero que se distraiga.
Y con Henry y Liang no admites que
duele. Pero en la última toma, sabíamos
que no lo haríamos de nuevo. Lo vi, me
vio y fue como “esto sí dolió”. Moretones
en el brazo.
Eastwood: Todo es Tom y Henry. Todo.
Todo. Ciento por ciento.
McQuarrie: La audiencia está metida
en la pelea por cómo ubicamos la cámara.
114
ENERO 2019
El que la realizaran los actores me
permitió poner la cámara ahí y no hacer
que se moviera o esconder cosas. Así que
terminas pensando: “Wow, parece
que eso duele de verdad”. ¡Y es porque
duele de verdad!
Yang: Tenía golpes pero estoy
acostumbrado. Cuando me lanzan
contra el espejo es un vidrio especial
pero de todas maneras te corta un poco.
Hay pedacitos en tu piel y ni modo,
te los quitas. Henry tenía un moretón
en el pecho por mi huella. Ese fue un
golpe duro.
Cruise: A mí me pateó en el estómago
y me caí. Eso fue real.
Yang: Eso requirió como diez tomas. Y yo
traía unas botas de piel muy dura. Era un
cuarto pequeño y muy caliente por todas
las luces, así que cada cierto número de
tomas teníamos que ir a ponernos
vestuario nuevo porque estábamos
sudando. Tom se quitó la camisa para
cambiarse y entré en shock: mi pie le
había dejado marcas en todo el pecho.
Eastwood: Es puro contacto. Estás
pegándole a cosas de hule pero de todos
modos hay impacto, y estás levantando
tipos y cayéndote al piso y haciendo
reacciones dinámicas con el cuello,
la cabeza y el cuerpo.
Cruise: Queríamos que la pelea se viera
un tanto irregular, ruda. Teníamos que
seguir haciéndola hasta que se viera así.
Henry y Liang, todos nosotros, tenemos
un acuerdo. Esto es por lo que vamos. No
queremos que se sienta pulida. Queremos
esos bordes ásperos donde Chris pueda
realizar algunas tomas y mostrarme
cayendo de rodillas. Sientes el golpe.
August Walker
(Henry Cavill)
y Ethan Hunt
(Tom Cruise) se
reagrupan con
la agente Faust
(Rebecca
Ferguson) /
McQuarrie: “Cree
una sensación de
vulnerabilidad”.
McQuarrie: Vi un par de videos de
reacciones al tráiler y estás viendo una
toma espectacular tras otra. Y luego
Henry Cavill encañona sus brazos
—¿cómo podemos decir esa expresión?—,
bueno, todos dijeron: “¡Wow! ¡Sí!”.
Cavill: ¡La recarga de brazos! Esa fue una
ocurrencia súbita.
Cruise: Lo que Henry aporta en la
escena, encañonando sus brazos como
si fueran armas. Es un gran actor.
Cavill: Lo intenté en una toma porque se
sentía bien, y luego nadie dijo nada así
que dejé de hacerlo. Luego McQ indicó:
“Vuelve a hacer lo de los brazos unas
cuantas tomas después”, y yo no sabía
a qué se refería.
Yang: Eso fue genial. Cuando estábamos
ensayando, no lo hizo nunca. Pero
cuando estábamos filmando, ¡pum, pum!
Muy bien, bueno para el personaje y para
el momento. Y luego viene y me golpea.
McQuarrie: Está encañonando sus
brazos. Tom Cruise vuela un helicóptero.
¡De verdad! ¡Entre las montañas! Es el
poder de Cavill.
Eastwood: La pelea debía tomar cinco
días, pero regresamos e hicimos otros
dos. Tomó siete días.
McQuarrie: La filmamos en ocho días,
y se suponía que serían cuatro.
Cruise: Yo habría dicho 20 días.
McQuarrie: Fueron 169 tomas para una
escena donde no hay mucha edición.
Está filmada principalmente en másters.
Todas las demás partes provenían de las
cosas en los cubículos en los baños, lo que
se insertó. Toda la narrativa.
Cruise: Es una narrativa clásica. Sabes
dónde estás.
Eastwood: No estoy interesado en
premios ni reconocimientos, pero ser
apreciado por tus iguales en el cine, tener
un vuelo icónico, eso hace que todo valga
la pena. Es todo lo que voy a intentar
hacer. Provoca que toda esa sangre, sudor
y lágrimas valieran la pena.
Cavill: Yo soy hipercrítico, así que
después de que terminé de juzgarme
a mí mismo y jurar que sería mejor la
siguiente vez, me pareció que fue
increíble. Verla con una audiencia
fue lo mejor.
McQuarrie: Me sorprendió la respuesta
de la escena de la pelea. El secreto más
oscuro que Tom y yo podemos contar es
que vemos todo y decimos: “Pudo ser
mejor”. Vemos otras peleas en baños
y decimos: “Mierda, eso fue fenomenal.
No sé si fuimos tan buenos en nuestra
pelea en el baño”. Pero eso es a lo que le
apuntamos constantemente. CHRIS
HEWITT Y ALEX GODFREY
MISSION: IMPOSSIBLE FALLOUT ESTÁ
DISPONIBLE EN DVD, BLU-RAY Y DESCARGA
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EFECTOS SECUNDARIOS
Miss Bala
El crimen organizado y
los concursos de belleza
compartieron entorno en
la cinta de Gerardo Naranjo.
POR ANAID RAMÍREZ
CRUZAR LA FRONTERA
El cuarto título de Gerardo Naranjo como
director acaparó los reflectores en 2011,
debido a los dos mundos que fusionó en
Miss Bala: el de las reinas de belleza
y el del narcotráfico. Naranjo se basó
vagamente en Laura Zúñiga, quien fuera
Nuestra Belleza Sinaloa, para crear una
ficción sobre una joven (Laura Guerrero,
interpretada por Stephanie Sigman)
que, mientras busca cumplir su sueño de
participar en un concurso de belleza,
de manera involuntaria se inmiscuye en
el crimen organizado. El resultado de este
ensamble provocó que la cinta llegara a
varios festivales internacionales, como el
de Cannes —en la sección Una cierta
mirada—, y se hiciera de una mención
especial en San Sebastián. Además,
el filme fue elegido para representar a
México en los Oscar para la categoría de
Mejor película extranjera; aunque no
llegó a la lista final, sí se llevó muy buenos
apuntes por parte de la crítica: “En cada
momento de tensión Miss Bala tiene
mucho que decir en pocas palabras”,
señaló IndieWire.
MÁS ALLÁ DE
LAS PASARELAS
Apenas su segunda participación en una
película y Miss Bala fue el parteaguas
para la carrera de Stephanie Sigman.
A partir de ese momento tuvo mayor
presencia en producciones mexicanas
como Morelos y Alicia en el país de María.
Asimismo, luego de interpretar a Laura,
Sigman saltó la frontera y ha participado
en películas y series internacionales
como Spectre, The Bridge, S.W.A.T.,
Narcos y Annabelle: Creation.
GRINGOLANDIA
A siete años del estreno de Miss Bala,
Sony anunció que haría un remake del
filme de Naranjo y que Catherine
Hardwicke (Twilight) sería la encargada
No todas las
princesas tienen
historias de cuento
de hadas.
de dirigir esta historia de crimen. Gina
Rodriguez es la actriz que vivirá la
pesadilla de la joven —que en la nueva
versión se llama Gloria—, y en el elenco
también figuran las mexicanas Aislinn
Derbez y Cristina Rodlo. Coproducida
por la misma casa productora que la cinta
original, Canana, la nueva Miss Bala
llegará a las pantallas de Estados Unidos
y México en febrero.
SOBREDOSIS
Además de tener la opción de reproducir
los 113 minutos de esta travesía, los
formatos caseros de Miss Bala incluyen
un par de contenidos extra. Por un lado
está el detrás de cámaras, en el cual
descubrirás, por ejemplo, cómo se trazó
la balacera que determina el destino de
Laura, y también cómo la producción
hizo reajustes a la planeación original
para resolver las secuencias más
complejas. También hay entrevistas con
el productor Pablo Cruz, el guionista
Mauricio Katz, el actor Noé Hernández
y una con el propio director del filme.
MISS BALA ESTÁ DISPONIBLE EN DVD.
ENERO 2019
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Se respira
tristeza
La versión de Ghost World de The Criterion Collection
es un homenaje a Daniel Clowes y trae un minicómic.
POR CÉSAR HERNÁNDEZ
LOS CÓMICS PARA ADULTOS
suelen ser bastante absurdos y más
infantiles que los hechos para niños.
Excepto los que crea Daniel Clowes,
llenos de franca melancolía y de una lista
de personajes patéticos que guardan
todo lo que está mal con la sociedad pero
no como una crítica sino con una
compasión mesiánica.
Sin una buena entrada en la taquilla,
Ghost World, de 2001, es de esas joyas que
adoptan un culto casi inmediato a su
salida en DVD. No es sorpresa, sin
embargo, ya que el material original
—los cómics de Daniel Clowes con el
mismo título— también es objeto de una
adoración que podríamos llamar
subterránea. A pesar de tener múltiples
premios en su haber, el público de Clowes
es muy selecto así como su obra es única.
El trabajo de este historietista
apareció regularmente en forma de
cómic bajo el título Eightball; presentaba
narraciones cortas y más, que después se
compliarían como novelas gráficas.
Ghostworld es una de esas novelas.
Terry Zwigoff fue quien se aventuró
a realizar la película de Ghost World,
para la que tuvo que acudir a una clase
de actuación y preguntarle al maestro
si podía darle un curso rápido de cómo
dirigir actores.
Pero Terry no estaba solo, ya que
el guion lo trabajó con el mismo Clowes,
quien además de ser multipremiado por
su trabajo gráfico, obtuvo una
nominación al Oscar por la adaptación
116
ENERO 2019
de esta la novela, asimismo fue la primera
vez que se nominó en los máximos
premios de la Academia un material
producto de un cómic o novela gráfica.
Ghost World sigue las peripecias de
Enid (Thora Birch) y Rebecca (Scarlett
Johansson) al salir de la escuela. Ninguna
de las dos tiene pensado estudiar una
carrera pero sí buscar un empleo. En
el material original ambas protagonizan,
pero la película se centra en Enid.
Con su trama, la cinta enfrenta a
las amigas a partir de su compromiso
con la misión de vida que establecieron
al salir de la escuela, en primera
instancia porque Enid debe una
materia de arte que tendrá que cumplir
durante el verano.
La protagonista no tiene rumbo
y mientras empieza su curso de arte,
Rebecca ya busca un departamento para
ambas y consigue trabajo en la cafetería
local. Por su parte, Enid pierde el suyo en
la dulcería del cine por criticar
las películas y ofender a los clientes.
Por diversión, las chicas deciden
responder un anuncio en el que un
hombre solitario busca a una mujer con
la que tuvo un encuentro furtivo en un
avión y se burlan de él por quedar
plantado, después lo siguen a su casa.
A partir de ahí Enid se obsesiona con
Seymour (Steve Buscemi), que es el
nombre del sujeto, y se impone la misión
de hallarle pareja.
La división entre lo que eran las
amigas antes de salir de la escuela
y lo que son después, empieza a hacerse
más grande. Mientras Rebecca madura
y se va haciendo responsable, Enid sólo
vive para pasar el tiempo con su nuevo
amigo y cada vez está más perdida,
al tiempo que explora su lado artístico
alimentado por la relación con Seymour.
Hacia el final las amigas apenas se
hablan, y Enid ha traicionado por
completo los planes que ambas hicieron
de trabajar y vivir juntas.
Todo sucede en un pueblo gris y triste
en el que la gente espera un autobús que
no ha pasado en años, hay unos
pantalones tirados en la calle que nadie
reclama y, en general, las vidas suceden
fantasmales, como el título de esta
comedia más negra que el alma de Enid.
Cabe destacar el enorme trabajo que
realizó Zwigoff para que los diálogos
y la visión de Clowes llegaran al público
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lo más apegado al espíritu del cómic, en
general como arte, no sólo como Ghost
World. Esto se debe al trabajo impecable
de Affonso Beato, quien creó un ambiente
en el que los personajes de Clowes
parecen atravesar las paredes
de lo insustaciales que son.
El culto fue tan fuerte alrededor de
Ghost World que The Criterion
Collection realizó una edición como
las que acostumbra, con una portada del
propio Daniel Clowes, un miniejemplar
de Eight Ball con una historia que da
seguimiento a las vidas de las
protagonistas, y un nutrido booklet con
un texto de Howard Hampton, analista
cinematográfico, además de un texto de
Zwigoff al respecto de la música en la
película, material absolutamente esencial
para poder apreciarla.
Como primera escena de la película
tenemos una toma de un edificio de
departamentos que nos permite
Enid (Thora Birch)
y Rebecca
(Scarlett
Johansson),
amigas que
después se harán
rivales / La
portada del DVD
está ilustrada por
el propio Daniel
Clowes / A
Seymour (Steve
Buscemi) la
charla de Enid
lo tiene al filo de
la cama.
escudriñar por las ventanas, mientras
suena un extraño y rítmico rock hindú
que nos introduce al personaje principal,
Enid, bailando descontroladamente, a la
par de que observamos el fragmento de
una película hindú en el que, justamente,
están tocando la melodía de inicio,
elegida acertadamente por Zwigoff para
que nunca se nos olvide que estamos
entrando en un mundo fantasma.
Esta versión incluye un nuevo
transfer digital de la película a 4K,
supervisado por Terry Zwigoff, así como
comentarios de Terry y de Daniel Clowes,
entrevistas nuevas con las protagonistas
y un fragmento de la película Gumnaam
de 1965, en la que aparece el número
musical bollywoodense que comentamos
arriba. Exquisito.
GHOST WORLD REEDITADA Y REMASTERIZADA
ESTÁ DISPONIBLE EN LA EDICIÓN DE
THE CRITERION COLLECTION.
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OBRA MAESTRA EMPIRE
The Ring
Cuando el maestro
del suspenso se subió
al cuadrilátero.
POR JESÚS CHAVARRÍA
DE LA ETAPA DE Alfred Hitchcock
dentro del cine mudo, siempre se
menciona en primera instancia la que fue
quizá su más grande éxito de taquilla en
aquel entonces, dígase The Lodger: A
Story of the London Fog (1927); sin
embargo, no cabe duda de que The Ring,
producción del mismo año, tiene los
méritos y particularidades suficientes
para ser igualmente referida y revisitada,
sobre todo por quienes se han quedado
sólo con la versión más conocida del
también responsable de piezas maestras
como Vertigo (1958), Psycho (1960) y The
Birds (1963); es decir, aquella en la que ya
118
ENERO 2019
estaba enfocado en aprovechar y poner
al servicio de sus propósitos las múltiples
posibilidades de la revolución sonora.
Empecemos por decir que The Ring
es la única de sus películas donde el
guion es de su completa autoría, y que
está dedicada al mundo del pugilismo,
un claro indicador de la profunda afición
que el director profesaba por este
deporte. Luego basta investigar un poco
al respecto para descubrir que,
efectivamente, Hitchcock era un asiduo
asistente a las funciones de box
que se organizaban en los suburbios
londinenses.
Sin duda, es irresistible para
cualquier seguidor de su figura y su
filmografía el imaginarlo sentado en las
gastadas butacas de una arena a reventar,
entre las siluetas de un público
enardecido, rodeado de la euforia
provocada por el combate entre dos
gladiadores modernos que dejaban sudor
y sangre en el cuadrilátero, mientras en
su mente Hitchcock iba decantando
el evento hasta encontrar los hilos que
le permitirían hacerlo suyo y trasladarlo
a la pantalla grande.
Esto bien podemos considerarlo
ejemplo de los procesos creativos
propios del artista, quien no
desperdiciaba el hecho y buscaba
entender los mecanismos para luego
usarlos como herramientas en su labor.
Pero eso es sólo el principio,
porque además de que le da a
The Ring el matiz de una obra muy
personal, resulta que aunque tiene
poco que ver con el género del que se
convirtió en el maestro, luce una
manufactura digna de cualquiera de sus
logros posteriores.
Es cierto, la historia es más bien
anecdótica y no contiene giros
argumentales sorpresivos; sigue los
pasos de un boxeador cuya forma de
ganarse la vida es enfrentando a todo
aquel que se sienta capaz de derrotarlo
Este hombre es capaz
de vencer a cualquiera
en un solo round.
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DIEZ REGLAS
DE EMPIRE PARA
LOS PROPÓSITOS
DE AÑO NUEVO
POR CÉSAR HERNÁNDEZ
Reglas o clichés del cine para verlo
y hacerlo, y para la vida en general.
1. Superficiales. Los propósitos
de Año nuevo nunca son profundos ni
tienen que ver con el espíritu, con el alma
o con ayudar a la humanidad.
2. Todos nos hacemos mensos.
Los propósitos están diseñados
para no ser cumplidos.
en un solo round, hasta que alguien
llega para enviarlo a lona mientras
seduce a su prometida. Amén de que
los personajes, a cargo de actores
que con el tiempo volverían a ponerse
bajo sus órdenes —Carl Brisson, Lillian
Hall-Davis y Gordon Harker—, son más
bien arquetípicos.
Pero los valores de este filme
están en el manejo de la imagen —como
lo evidencia la austeridad en el uso de los
cuadros de diálogos—, principal materia
prima del cine silente, y en eso la
habilidad de Hitchcock ya rayaba en
el virtuosismo.
Es más que sobresaliente el
dinamismo del montaje con
reminiscencias al cine alemán
—recordemos la admiración que el
realizador tenía por el legendario
F.W. Murnau—, además de la manera
en que alude a cierto voyerismo y devela
acciones plagadas de ingeniosas
convenciones producto de una pasmosa
Perder la pelea es una
cosa, perder a la novia
es un encaje /
Entrenando antes de
que llegue aquel que
ha de vencerlo.
claridad sobre el sentido dramático,
salpicadas de ironía y humor negro.
Tal es el caso de la secuencia
centrada en el entrenador del
protagonista, quien no suele guardar
la chaqueta de sus rivales a sabiendas
de que no tardarán en bajar del
encordado, cuando, a través de su
expresión, mientras sostiene la prenda
correspondiente, se enfatiza el
momento en que uno de los
contrincantes es capaz de superar a su
pupilo; lo mismo al mostrarse el letrero
que anuncia “2º Round” y éste luce
prácticamente nuevo, evidenciando que
pocas veces se había llegado a utilizar.
Es importante mencionar que
para la realización de The Ring, el
director inglés contó con un
presupuesto muy respetable y enormes
libertades creativas, pues acababa de
abandonar Gainsborough Pictures
—sello bajo el que había debutado—
para integrarse a British International
Pictures, lo que por supuesto fue parte
de lo que le permitió entregar un
producto con tales aciertos
cinematográficos, mismos que no
pasaron inadvertidos para los miembros
de la crítica especializada, quienes le
celebraron el resultado.
En contraste, la respuesta del
público fue un tanto tibia, pues resintió
la falta de carisma y de desarrollo de los
personajes. Detalle que a la larga sabría
compensar y con creces un Alfred
Hitchcock ya en plenitud, la cual
alcanzaría gracias a pasos previos como
este, que de por sí ya eran brillantes.
3. Siempre el físico. Los propósitos
tienen que ver con ser hermosos y flacos,
relacionado con la culpa que nos da todo
lo que tragamos en Navidad.
4. Negocio redondo. Los gimnasios
que en enero se llenan de gordos que no
estarán ahí el mes siguiente. Lo mismo
sucede con las clases de inglés, etcétera.
5. Una simple fantasía. Al
momento de escribirlos se emplea la
fantasía, de modo que se trata de deseos,
no de metas. No son ni medibles, ni
alcanzables, ni específicas, ni realistas.
6. Amor. En los propósitos, como
en las películas, se busca el amor como si
obtenerlo bastara con proponérnoslo.
7. Tangibles. El “encontrar al amor
de mi vida” no es como que
proponiéndotelo aparezca.
8. Inicios. En enero intentas renacer
a costa de estas patrañas que te dices a ti
mismo para convencerte de que tienes
la voluntad de realizar tus propósitos.
9. Bucket List. Las películas con
listas siempre son las más divertidas
porque generalmente vamos intentando
cumplir propósitos descabellados en un
tiempo récord, mientras descubrimos
que la vida no se contiene en una lista.
10. To do list. Como en esas
películas podríamos hacer una lista
espejo a nuestros propósitos pero en la
que pongamos cosas que hacer por los
demás, una al mes, y añadir una más con
cada año que se cumpla a cabalidad.
THE RING ESTÁ DISPONIBLE EN DVD,
BLU-RAY Y DESCARGA.
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EL CRÍTICO EMPIRE
THE FAVOURITE
Yorgos Lanthimos, ese
perverso indagador del
comportamiento humano.
POR ÓSCAR URIEL
CONOCÍ AL DIRECTOR griego
en 2009, cuando su película Dogtooth
viajaba por el circuito de festivales bajo
el mote de ‘la discreta joya del evento’
al tratarse de una sobria, en ocasiones
cruel, mirada sobre un trío de hermanos
aprisionados por sus propios padres en
una estancia. En ese momento era casi
imposible no poner atención a lo que
proponía el joven director.
La cinta habría llamado la atención
por su tono austero y su mirada
aparentemente distanciada de los actos
retratados, sin embargo de manera
paradójica el efecto inquietante en el
espectador era simplemente ineludible.
120
ENERO 2019
Lanthimos prosiguió laborando en
exitosos proyectos como Alps, The
Lobster y The Killing of a Sacred Deer
siempre en colaboración con su guionista
de cabecera, Efthimis Filippou. Ahora
intenta algo distinto al dirigir, por
primera ocasión, un libreto que no es de
su autoría (en este caso, de Deborah
Davis y Tony McNamara) en un delicioso
vehículo de lucimiento para tres actrices.
Es probable que The Favourite
resulte la película más accesible de
Lanthimos hasta ahora. Finalmente, la
temática de la lucha por el poder dentro
de una corte real se ha abordado en
distintas ocasiones en exitosos proyectos.
Digamos que no se trata de un asunto de
originalidad o de descubrimiento.
La historia se centra en la relación
de la Reina Anna, monarca de Inglaterra
en el siglo XVIII, con su corte. Anna,
interpretada por Olivia Colman, es una
excéntrica soberana que posee 17 conejos
en representación de sus no concebidos
vástagos. Es una mujer de precaria salud
con hábitos nada saludables.
Presente en escena se encuentra
Sarah (Rachel Weisz), dama de confianza
y amante de la Reina, una inteligente
mujer que manipula en su totalidad
a la monarca mediante consejos
y exhortaciones que benefician
principalmente a su esposo, Lord
Marlborough (Mark Gatiss), oficial de
la armada quien es una de las cabezas
en la continua guerra de Inglaterra con
Francia. Sarah parece tener el control de
la situación hasta que se presenta Abigail
(Emma Stone), una sirvienta que poco a
poco se gana la confianza de la monarca,
tratando de destituir a Sarah de la
autoridad en palacio. Lo que hace
Lanthimos con esta conocida anécdota
es impregnar su cáustica visión de la
conducta humana en una historia
reconocida por el espectador. Es una
especie de All About Eve con el sello
distintivo del realizador griego.
Sexo, decadencia, traición, mentiras,
seducción y una inagotable ambición por
parte de los dos personajes que tratan de
ganar la preferencia de la reina, hacen
Anne (Olivia Colman)
es más popular que
la reina de
corazones / Incluso
el director Yorgos
Lanthimos la visitó
en su palacio.
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TV SHOTS
de The Favourite la comedia para ver en
este principio de año. Lo que resulta
alucinante es observar a un realizador
que de manera abierta se rehúsa a caer
en los convencionalismos al retomar una
anécdota por demás tradicional. Es un
provocador nato, un rebelde que rechaza
tropezar con lo habitual al seguir
explorando con ese ojo inquisidor el
comportamiento de los personajes en
una situación que los hace manifestar
su verdadera naturaleza, ¡y qué mejor que
hacerlo en la alborada del siglo XVIII en
Inglaterra!
Por otra parte, The Favourite es una
película exclusivamente de actrices. Hay
apariciones esporádicas de actores en
roles secundarios (Nicholas Hoult es el
más sobresaliente); sin embargo,
la producción pertenece de modo
exclusivo a ese trío pasional conformado
por Colman, Weisz y Stone.
Para quienes no estén familiarizados
con el trabajo de Colman, próximamente
la veremos como la sucesora de Claire
Foy en el rol de la Reina de Inglaterra en
The Crown, y les aviso a los seguidores del
serial que no tienen de qué preocuparse.
Colman es una de las actrices más
alucinantes trabajando actualmente.
Lo que pudo haber sido una actuación
correcta en The Favourite, dada las
características implícitas del rol, Colman
la convierte en un verdadero tour de
force. La actriz nunca está en su zona de
confort; por el contrario, siempre existe
esa sensación de que se encuentra
combatiendo los lugares comunes que
el personaje le demanda.
Es fascinante mirar a una intérprete
aguda e inteligente dar vida a un
complicado rol y transformarlo en un
personaje por el que el espectador siente
afinidad pese a sus actos. En la era de los
movimientos #MeToo y #TimesUp,
Lanthimos nos ha entregado un
perspicaz estudio de mujeres inteligentes
en pugna por el poder.
SERIE: LOS SIMPSON
SHOT: THE FLAMING MOE
A.K.A. FLAMING HOMER
DE TODAS LAS HERMOSAS cosas
que The Simpsons nos ha dejado,
justo en el episodio 10 de su tercera
temporada la serie nos obsequió este
enigmático trago que además ha sido
objeto de todo tipo de conjeturas y
empachos. En este capítulo Homero,
aburrido, comparte con Moe una
creación que por accidente disfrutó
una vez en su casa; se trataba
de una misteriosa bebida compuesta
por diferentes licores, un ingrediente
secreto y que al final se flameaba
provocando “una fiesta en mi boca,
y todos están invitados”.
Con ese trago la taberna de Moe
se convirtió en el antro de moda, y de
muchos lugares del mundo, no sólo de
Springfield, llegaban para probar
la deliciosa bebida.
Obvio, el conflicto se encontraba
a la vuelta de la esquina, en primera
instancia porque el coctel se llamaba
“Llamarada Homero” y Moe lo
rebautizó para su beneficio; aunque
inicialmente Homero se alegra del
éxito de su amigo, cambia de parecer
cuando llegan unos manes que le
ofrecen a Moe un millón de dólares
por el ingrediente secreto.
Claro que el corazón de Moe está
en su lugar y seguramente es un poco
más grande que sus pequeñas orejas,
así que decide firmar para entregar
Deja que EMPIRE sea
tu bartender.
tragos de película
sin moderación.
POR CÉSAR HERNÁNDEZ
el secreto a cambio del dinero para
repartirlo con Homero.
Ese episodio fue el primero en el
que Moe Szyslak tuvo una aventura
dedicada a él, y también el primero
con celebridades invitadas a grabar
sus voces. Y es que el lugar de Moe
se ha vuelto tan famoso que la banda
Aerosmith toca en el lugar mientras
Moe va a firmar con los tipos de traje.
En eso Homero aparece como el
Fantasma de la Ópera para revelar
el ingrediente secreto de la
“Llamarada Moe”: jarabe para la tos.
Hay muchas conjeturas al
respecto de cómo se prepara esta
bebida, principalmente porque los
ejecutivos no querían que la gente
usara el jarabe para otra cosa que no
fuera para la tos. Es por eso que aquí
encuentras la versión de
wikibartender.org.
INGREDIENTES:
1 oz. Brandy
1/2 oz. Licor de zarzamora
1 oz. Crème de Menthe
1 oz. Jugo de piña
1 oz. Ginebra de ciruela
2 cditas. Jarabe para la tos
de uva (Jarabe para la tos
Krusty no-narkotiko)
CÓMO HACERLO:
Pon todos los ingredientes en un
shaker. Añade hielo molido y agita.
Sirve en una copa. Préndele fuego.
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HISTORIA
DE UNA
TOMA
LAS POQUIANCHIS
POR ADRIÁN RUIZ
EL 12 DE ENERO de 1964 la revista Alarma publicó
los crímenes de las hermanas Delfina, María de Jesús y Eva
González Valenzuela, mejor conocidas como “Las Poquianchis”.
Homicidio calificado, plagio, secuestro, lenocinio, violación
sexual y trata de blancas son los crímenes realizados por este
trío. Lagos de Moreno, en Jalisco, y otro burdel en León, fueron
las sedes de esta red de corrupción en la que las autoridades
estuvieron coludidas durante varios años: las hermanas
González Valenzuela prostituían adolescentes y, cuando ya no
les servían, las mandaban torturar hasta la muerte. El caso
inspiró escritos como Las muertas, de Jorge Ibargüengoitia, y
Por Dios que así fue, de Elisa Robledo; ambos sirvieron de base
para que Felipe Cazals hiciera el filme que hoy nos compete.
Con fuertes tonalidades de denuncia social, Las poquianchis
arrancó su filmación el 26 de julio de 1976. A lo largo de nueve
semanas de rodaje, Cazals reconstruyó el caso y se apoyó en
actrices como Diana Bracho, quien vivía en Inglaterra cuando el
director le telefoneó para ofrecerle el papel de Adelina.
Precisamente la cinta, estrenada el 25 de
noviembre de 1976, alberga la secuencia más cruenta
que Bracho ha filmado en su carrera. En la piel de
Adelina, termina matando a palos a su propia hermana,
María Rosa (Tina Romero); sus ojos se desorbitan
como platos y, como poseída, muele a palos a su
La temporalidad del
caso abarca de los 50
hermana, como si se tratara de una piñata.
a los 70, tiempo en
“Adelina existía y estaba en la cárcel. Tomás Pérez
que las hermanas
Turrent, uno de los guionistas del filme, me consiguió
oriundas de Jalisco
una grabación donde ella decía por qué había matado a
realizaron al menos
su hermana. Y eso me iluminó. Escuchaba el tono de
80 asesinatos.
voz una y otra vez. Me llamaba la atención lo
desdramatizado de su relato, era como si hubiera
matado a una gallina”, refirió la actriz.
La actriz Patricia
Bracho asegura que no fue sencillo filmar esa
Reyes Spíndola se
secuencia. “Lo más complicado no es desnudar el
descalabró en el
cuerpo, sino el alma, y esas escenas son las que te
rodaje y a la fecha
obligan a ello, ésta que es muy desgarradora. Por eso
conserva una cicatriz
fue la escena, yo creo, más difícil que he hecho en mi
de ese accidente.
vida. Felipe me gritaba, estaba sentado cerca y decía
‘¡más, más fuerte!, ¡pégale más!’. Fue tremendo. Lo que
estaba abajo era un bulto con algo. Tenía que sacar una
La edición de este
rabia y una cosa terrible, yo soy una persona de muy
filme duró seis meses,
poca violencia, me aterra, le huyo en todos los aspectos,
y ese proceso además
física y emocional, y aquí era ambas”.
costó la amistad entre
Los motivos que llevan a Adelina a aniquilar a su
Cazals, el guionista
hermana son expuestos por la intérprete. “Ella dice
Tomás Pérez Turrent
que la mata por compasión, porque la vio enferma,
y el editor Rafael
vomitando sangre, eso dijo el personaje real. Fue tan
Castaneda.
complejo que me enfermé ese día; llegué a mi casa,
perdona lo prosaico, a vomitar, vomitar y vomitar, me
afectó muchísimo. Emocionalmente es la que más me
tocó, la que más me lastimó”, subrayó.
Datos clavados
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2_
3_
LAS POQUIANCHIS ESTÁ DISPONIBLE EN DVD.
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De visita al infierno
Hace dos décadas Terry
Gilliam llenó de ácido a
Benicio del Toro y a Johnny
Depp cuando estrenó Fear
and Loathing in Las Vegas.
Y las cosas siguen igual.
POR LALO ORTEGA
COMO EL MAL SABOR que deja
una borrachera horrenda, los paisajes
excesivos de Las Vegas se impregnan
en la mente para siempre y de manera
irremediable. Sin embargo, aun con los
espectaculares luminosos del tamaño
124
ENERO 2019
de edificios, o el kitsch de los palacios
hoteleros —con temáticas tan variadas
como París o los castillos medievales—,
es otra la postal de esa ciudad la que se
tatuó en mi cerebro: la de un anciano
enfermo, tanque de oxígeno a cuestas,
vociferando con rabia ante una máquina
tragamonedas. Sin importar cuántas
veces perdiera, el hombre no dejaba de
jugar, más aferrado al espejismo de una
riqueza obscena que a lo poco o mucho
que le quedara de vida.
Éste, un viaje de trabajo a inicios de
2018, fue mi primera visita a Estados
Unidos. En mi mente, el eslogan
“The American Dream” empataba de
manera irónica con la opulencia y la
avaricia de los omnipresentes casinos.
Aún hoy, transformada en un destino
más familiar, hay algo inherentemente
alucinante sobre la esencia derrochadora
de esta ciudad, y no hacen falta
psicotrópicos para dejarse absorber
por ella. Y a pesar de ello, Terry Gilliam,
Johnny Depp y Benicio del Toro han
hecho que, al menos en las memorias
cinéfilas, “La Ciudad del Pecado”
y las drogas ya parezcan inseparables
por virtud de su consumo maratónico.
Coincide que Fear and Loathing
in Las Vegas, película de Gilliam basada
en la novela homónima de Hunter S.
Thompson, cumplió 20 años en 2018.
El cineasta, homenajeado el mismo año
Duke (Johnny Depp) no
puede dejar el cigarro.
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durante la más reciente edición del
Festival Internacional de Cine de
Los Cabos, presentó una proyección
especial de la cinta, describiéndola
como un descenso dantesco hacia las
profundidades del infierno, por vía de
la carretera y cocteles de estupefacientes.
Y vaya que sí, al menos en parte.
Quienes la han visto podrán estar de
acuerdo en que se trata de lo más
parecido que el cine puede ofrecer a un
viaje de LSD (consumir éste en conjunto
con la cinta, es opcional). Su alucine
cromático, una cámara nauseabunda y
una estructura tan frita como las mentes
de sus protagonistas bastan para hacer de
ésta una pesadilla infernal.
Dr. Gonzo (Benicio del
Toro), compañero de
viaje de Duke, también
tiene un problema con
el tabaco... y eso es lo
menos / "Soy espejo y
me reflejo" / Lo que
pasa en Las Vegas se
queda en esta película
de Terry Gilliam.
Todavía así, y con la privilegiada
distancia del tiempo, hay algo que no
cuadra en comparar a la película,
adaptada de la prosa narcotizada de
Thompson, con “lo dantesco”, donde la
redención se alcanza por la expiación
del pecado. Para serlo, la salvación
tendría que estar en la devoción
incondicional al ácido, al final de un largo
camino de cocaína.
Por el contrario, para cuando Raoul
Duke (Depp) ha desaparecido en el
horizonte desértico en su destartalado
convertible, no parece que ni él ni el “Dr.
Gonzo” (Del Toro) hayan alcanzado algo
remotamente parecido a la iluminación.
De los créditos iniciales a los finales,
ambos se han metido toda droga
imaginable mientras despotrican contra
el fracaso de la contracultura
estadounidense de los 60. Una decepción
aún fresca para cuando Thompson
publicó la novela, en dos entregas para
la revista Rolling Stone, en 1971.
Es decir, Duke y Gonzo alcanzan
la misma conclusión que Easy Rider en
1969. Fear and Loathing sólo la reafirma
durante sus breves interludios de lucidez,
convirtiéndose en algo así como una
incompleta road movie estadounidense:
un retrato de la identidad del país
durante un viaje febril, sin que sus
personajes obtengan una revelación final.
El protagonista sólo continúa manejando
bajo el atardecer, así como empezó.
Igual que el propio Duke —alter ego
literario de Thompson— en el proceso de
escribir la novela, ver la película invita
sus mismas preguntas: “¿Qué hago aquí?
¿Cuál es el significado de este viaje?
¿Estoy vagando en alguna clase de delirio
drogadicto?”. La cinta de Gilliam, sin
duda, podría parecer un alucine gratuito,
tan ocioso e infértil como sentarse frente
a la máquina tragamonedas ad infinitum.
Pero hoy, a dos décadas de su estreno
en salas, la cinta es una extrañísima
cápsula del tiempo y goza de un estatus
de culto que, como esfera de nieve,
preserva las frustraciones de los ideales
fallidos y la decadencia ideológica de un
país. Es más satírica de lo que jamás
fue dantesca.
“Es el libro perfecto para mi
generación”, dijo Gilliam sobre la novela
Senses of Cinema, hace ya 10 años.
“Creíamos que cambiaríamos al mundo,
que abriríamos los ojos de todos a la
bondad de las cosas, blah blah blah.
Y todo se arruinó”, declaró el director en
su momento.
Dice mucho de la magnitud del
desencanto que la Fear and Loathing
fílmica, con toda su agresividad temática
y visual, haya visto la luz, aun con tres
décadas de retraso respecto a la novela.
Y dice todavía más que, lagartijas
animatrónicas aparte, la película se
mantenga vigente en la actualidad.
Acaso será porque cada vez hay
menos contrapesos a la idolatría
desmedida por el signo de dólares, que
el viejito enfermo sigue enajenado frente
al tragamonedas.
FEAR AND LOATHING IN LAS VEGAS ESTÁ
DISPONIBLE EN DESCARGA DIGITAL,
STREAMING, BLU-RAY Y DVD.
ENERO 2019
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TOP 10 EMPIRE
Películas ganadoras
Se acercan los Oscar y lo
celebramos con 10 ganadoras de Mejor película.
POR CÉSAR HERNÁNDEZ
BIRDMAN 2014
Perfecta metáfora realizada por el
mexicano Alejandro G. Iñárritu. Además
de una historia conmovedora y tortuosa,
se juega con lo meta al contratar a Michael
Keaton (Batman), Edward Norton (Hulk)
y Emma Stone (Gwen Stacy) para retratar
la aventura de un actor que fue famoso por
interpretar a un súper héroe y ahora
quiere que lo tomen en serio. Como le
gusta a Iñárritu, la forma se come al fondo
pero mientras él pueda presumirlo, está
contento: un plano secuencia nos lleva por
un teatro en Broadway mientras un
baterista nos envuelve con un solo de jazz
que toca en tiempo real y enmarca
los momentos más álgidos de la película.
THE HURTLOCKER 2009
Cuando Kathryn Bigelow se divorció de
126
ENERO 2019
James Cameron seguro nunca imaginó
que lo vencería en su campo de
experiencia, a él y a sus gigantes azules
de Avatar. Bigelow creó una tensa pero
profunda historia acerca de un soldado
en la guerra de Irak que es demasiado
entregado a su trabajo en el escuadrón
antibombas. Con un Jeremy Renner
controlado, as usual, la película resulta
una maravilla y ubica a su directora entre
los grandes de la pantalla.
AMERICAN BEAUTY 1999
Escrita por Allan Ball, creador de Six Feet
Under y True Blood, y dirigida por Sam
Mendes, esta joya se coló hasta la Mejor
película en los Oscar debido a su forma
franca de mostrar la frustración sexual
—y general— de un cincuentón que decide
abandonarlo todo en medio de su crisis
existencial, durante la que tiene un breve
crush con la amiguita de su hija
adolescente. El personaje de Kevin Spacey
(mucho antes de su caída y del #MeToo en
Holywood) decide terminar con la
hipocresía de su esposa y su familia sólo
para encontrar un final trágico. Una joya
de las pocas que han ganado tocando
Todo buen director
tiene un superhéroe
bajo la manga.
temas como drogadicción, infidelidad,
homosexualidad y asesinato.
BRAVEHEART 1995
Mel Gibson es lo mejor que le ha pasado
a la cinematografía mundial y lo demostró
dirigiéndose a sí mismo en esta épica
historia acerca del rebelde escocés
William Wallace, quien levantó a su
pueblo en contra del rey Eduardo I
tras el asesinato de su novia cuando
intentaba defenderse de que la violaran.
La película es impresionante visualmente
y la historia es tan dramática como sólo
Mel sabe, además se insertó de inmediato
en la cultura popular y en todos lados ha
sido reverenciada.
UNFORGIVEN 1992
Clint Eastwood es garantía de calidad
al grado de que ha ganado dos veces en
esta categoría, primero por este western
moderno y después por Million Dolar
Baby. Unforgiven es como la continuación
de las historias en las que vimos al Clint
del Viejo Oeste, en este caso un pistolero
acabado a quien recurren algunas
muchachas prostitutas para que vaya tras
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unos maleantes que abusaron de ellas y
las maltrataron, así que se acompaña de su
amigo Ned, interpretado por Morgan
Freeman. Es Clint Eastwood en su mejor
momento de actuación y dirección.
THE SILENCE OF THE LAMBS
1991
Esta maravilla de suspenso fue dirigida
por Johnatan Demme y asustó a todo
el mundo con la desquiciante
interpretación que nos regaló Sir Anthony
Hopkins en su rol del asesino caníbal
Doctor Anibal Lecter. Con sólo unos
minutos en pantalla, Hopkins nos
convenció de su fiereza y de su
espectacular entrega en los intercambios
que tuvo con una exacta Jodi Foster y su
Clarisse Sterling.
RAIN MAN 1988
Un duelo de actuaciones entre el
incipiente Tom Cruise y el experimentado
Dustin Hoffman con el igualmente
avezado Barry Levinson en la dirección,
quien presentó un guion entrañable.
Hoffman interpretó al hermano mayor
con autismo del personaje de Tom Cruise,
Charlie Babbitt, quien recibe una menor
herencia de su padre con respecto a su
curioso hermano.
AMADEUS 1984
Mel Gibson en
Este pedazo de película se llevó nada más
ocho Oscars, entre ellos Mejor película,
director, guion y actor. Durante casi tres
horas Milos Forman nos narra la febril
existencia del imponente músico
austriaco, contada desde la envidia
y el enfermo celo de Antonio Salieri,
su contemporáneo y nimio rival.
Braveheart / Todos
sabemos quién es el
hombre detrás de
ESTA máscara /
Sylvester Stallone
resiste los golpes de
la vida y del cine /
Kevin Spacey cuando
KRAMER VS KRAMER 1979
Basada en una lacrimógena novela cuasi
rosa, Kramer vs Kramer tiene a Dustin
Hoffman y a Meryl Streep desmadrándose
como matrimonio, pero compitiendo por
la mejor actuación en este drama dirigido
por Robert Benton.
protagonizó
American Beauty.
ROCKY 1976
Sylvester Stallone tuvo que vender a su
perro porque ya no podía mantenerlo,
pero se mantuvo firme en que no vendería
el guion de esta maravillosa feel good
movie si no lo dejaban protagonizarla,
y el resto es historia. La dirigió John G.
Avildsen, y le siguieron otras buenas
secuelas y otras no tanto.
ONE FLEW OVER THE
CUCKOO’S NEST 1975
Dirigida por Milos Forman, aquí vemos
a Jack Nicholson interpretando a un loco
que se hace pasar por loco en una
institución mental para no pisar la cárcel.
Pocas películas tan dignas de llamarse
Mejor película como ésta.
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SOBREDOSIS
DE TV
Denzel
Washington
Un escritor. Seis filmes al hilo.
Reza por él.
POR CHRIS HEWITT
OCHO NOMINACIONES al Oscar (dos
que culminaron en victorias) no mienten: Denzzel
Washington es uno de los grandes, con su alegrre
sonrisa y habilidad camaleónica para lograr lo
que sea a lo largo de casi cuatro décadas, ya sea
un drama denso o una película palomera llena de
acción. Pero, ¿ha sido siempre tan consistente?
Con seis de sus películas lo descubriremos...
10 am Glory (1989)
Denzel era casi un recién llegado a la pantalla
grande cuando ganó su Oscar #1. La historia de
Edward Zwick sobre el 54º Batallón de
Infantería Voluntario de Massachusetts, una de
las primeras unidades militares estadounidenses
que consistía principalmente de soldados negros,
tiene muchas fallas, incluida que es una historia
contada en su mayoría a través de los ojos del
comandante blanco del regimiento. Pero entre
todo lo cursi y el cliché, Washington, como el
desafiante soldado Trip, es asombroso.
4 pm Crimson Tide (1995)
Washington realizó cinco películas con Tony
Scott. Este thriller de un submarino es por
mucho el mejor. Con el comandante (Gene
Hackman) a punto de provocar la Tercera Guerra
Mundial, el segundo oficial (Denzel) toma la
decisión de removerlo del poder, poniendo la
mesa para una entretenida batalla de ingenio y
voluntad. Vale decir que Hackman
y Washington son dos de los mejores actores
estadounidenses de los últimos 50 años, y verlos
enfrentándose eleva el nivel de lo que pudo ser
una mera palomera a clásico moderno.
6:15 pm Fallen (1998)
12:15 pm Malcolm X (1992)
Hay tres colaboraciones con directores que
definen la carrera de Washington. De ellas,
ninguna podría ser tan importante como su
relación con Spike Lee, la cual comenzó con esta
obra épica que cuenta la vida del gran activista
afroestadounidense. Lee ha dicho que
Washington estaba tan metido en el personaje
que daba discursos como lo hacía X. Eso es
evidente aquí. La película misma, que dura más
de tres horas, es electrizante, pero no habría
funcionado tan bien sin la presencia magnética
de Washington. Es extraordinaria, pero ya llevo
casi seis horas y sólo dos películas. Almuerzo.
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ENERO 2019
Siempre he tenido aprecio por esta película de
horror de Gregory Hoblit, donde la vida de un
policía (Washington) es puesta de cabeza por
un asesino serial que puede tener a cualquiera
que toque. Genuinamente atemorizante y con un
uso recurrente y encantador de “Time is on My
Side”, de The Rolling Stones, Denzel ancla
el sinsentido sobrenatural de una manera
maravillosa interpretándolo tal y como es, y
como él está metido, nosotros también.
con Antoine Fuqua reveló que, cuando quiere,
el generalmente heroico Washington puede
clavarte la vista a mil metros de distancia y
marchitarte el alma. Alonzo Harris, el policía
más gloriosamente malo de los malos,
le consiguió su segundo Oscar. La película es un
thriller emocionante con un enfrentamiento
entre Washington y el idealista novato (Ethan
Hawke), en una subversión de las típicas
películas clichés de amigos.
11 pm The Equalizer 2 (2018)
Después de 17 años, Fuqua se ha convertido en
uno de esos directores que han definido la
carrera de Washington. Esta es su cuarta
colaboración y la tercera en años recientes, y con
sus despliegues de ultraviolencia para satisfacer
a las masas, es justo lo que necesito ahora.
La transformación de Washington a héroe de
acción imparable comenzó con Man On Fire de
Tony Scott, y es bueno en ello, desmantelando
tipos malos con una habilidad digna de Mitchum
o Marvin. Podría haber dominado los 70, pero
voy a ser egoísta: me da gusto que esté aquí
ahora. Esta es la época de Denzel y tenemos
suerte de compartirla con él.
8:35 pm Training Day (2001)
Ya cayó la noche y es hora de que Washington
comience a caer. Esta colaboración electrizante
THE EQUALIZER 2 ESTÁ DISPONIBLE EN DVD,
BLU-RAY Y DESCARGA.
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Circuito de Cortos
El héroe
(1994)
POR ANAID RAMÍREZ
PRODUCIDO por Conaculta, Imcine
DIRECTOR Carlos Carrera
GUIONISTA Carlos Carrera
DURACIÓN 5 minutos
MIS
ENTREVISTAS
LAS BARBAS DE JEFF BRIDGES
¿TIENES CINCO MINUTOS para hablar de
animación mexicana? Durante este tiempo,
más que palabras, lo que será argumento son
las imágenes que Carlos Carrera plasmó en
El héroe. Luego de su sólido debut con
La mujer de Benjamín (1991), el cineasta
decidió iniciarse en la animación.
Mientras la tecnología se preparaba para
asombrarte el siguiente año con una imagen
tridimensional y computarizada (Toy Story,
1995), Carrera aquí presenta una estética
aparentemente sencilla, una bidimensional
más parecida a la de las historietas
—¿qué otra técnica de animación merecía
la travesía de un héroe?—. Y es que,
justamente, entre el caos de una urbe
oníricamente referencial a la Ciudad de
México, un héroe anónimo es elegido como
protagonista de este relato. Carrera sabe
cómo conectarte a él por su cualidad
mundana y pertenecer a una masa. Es fácil
ubicarte en la batalla cotidiana de los
transportes subterráneos, pero también es
sencillo que sientas el ánimo decadente de
nuestro guía, uno que halla más felicidad
mirando hacia abajo, donde ve a un niño
despreocupado o detecta la presencia de
un roedor sobre las vías del Metro.
Pero quizá lo más importante que Carrera
quiere decirte con este hombre taciturno, es
que no olvides mirar hacia arriba. En el
momento en que el protagonista levanta la
mirada, detecta a una mujer que está
—piensa él— al borde del suicidio: decide
ayudarla, se abre paso entre la multitud y
evita que se lance a las vías, pero le sale el
tiro por la culata y la joven grita para acusarlo
por molestarla. Así inicia el contundente final
de una historia que, en sólo cinco minutos,
te hace creer en el cine animado mexicano.
Nuestro corresponsal en LA
recuerda sus mejores charlas
con cineastas y actores.
POR MARIO P. SZÉKELY
ERA FEBRERO DE 1977 cuando
el primer remake de King Kong se estrenó en
México, y puedo decir que salí de esa
proyección sabiendo dos cosas muy
importantes para mi vida: quería seguir
soñando cine y, al crecer, tener una barba
tan tupida como la de Jeff Bridges.
Lo primero sí lo logré como cinéfilo, lo
segundo no, pues mis genes lampiños
sólo me permiten una barba de candado.
De esta manera, estar ante Jeff Bridges
años después en la promoción de Bad Times
at the El Royale, me permitió compartir con él
mi par de deseos de niño de seis años.
“Tengo muchas memorias sobre el rodaje
de King Kong. Nos tomó mucho tiempo
filmarla, alrededor de nueve meses”, me
comentó Bridges con una barba ya entrecana,
respondiendo mi anécdota en la sala de cine de
mi infancia en Monterrey, mientras estábamos
sentados en su suite del Roosevelt Hotel.
A un año de cumplir 70, Bridges mantiene
el porte de ese hombre común que puede
volverse héroe de un momento a otro. En King
Kong, su Jack Prescott era un paleontólogo
metiendo su nariz y lente en una expedición
privada, cuyo navío se internaría en la neblina
de una isla con un habitante del tamaño de un
rascacielos y debilidad por las rubias.
“Cuando era niño y me enteraba que iban
a pasar por televisión la original King Kong
(1933), fingía estar enfermo para no ir a la
escuela y quedarme a verla. ¡Era fabulosa!”,
recordó el también hijo de la leyenda de
actuación Lloyd Bridges (High Noon, Sea Hunt)
y hermano del actor Beau Bridges
(The Fabulous Baker Boys).
La evocación de King Kong trae consigo
memorias para todo seguidor de los monstruos
del cine y era imposible no esperar, entre
pausas de preguntas, que Bridges contara más
sobre su experiencia con el gran gorila.
“Te voy a contar una historia, ya que eres
fan de nuestro King Kong”, me dijo Bridges.
“En pleno rodaje, Dino (De Laurentiis),
el productor, me llamó a su oficina y me dijo:
‘Dos palabras para ti, Jeffi: Kong 2’.
Refiriéndose a que deseaba hacer una secuela,
lo cual me mantuvo pensando mucho tiempo.
Se me ocurrió escribir una canción sobre lo que
podría ser la segunda parte. Le propuse al
productor que al final de nuestra película
el chango cayera hasta el piso, se estrellara,
se volviera una bola de fuego y nos diéramos
cuenta que era una máquina…
“El personaje del empresario (Charles
Grodin) se llevaría lo que sobrevivió de la
máquina, la repararía y reanimaría. En mi letra
narraba todo, incluso puse al actor Burgess
Meredith (Mickey en Rocky) gritando: ‘¡Oh,
Dios mío, el chango está cayendo vuelto en
llamas!, ¡Pobre humanidad!’, a modo del
cronista del incendio real del Hindenburg en
Nueva York (1937). De Laurentiis sólo me vio
con cara de ‘¿qué se trae este?’. Algún día
pondré esa canción para que la escuchen.”
Con la anécdota más extraña en mis manos
compartida por un actor ícono, me dio tiempo
para hacerle una pregunta final sobre el oficio
de ser héroe en la pantalla, recordando que ese
Jack defendió incluso una causa ecológica
cuando King cayó en cautiverio.
“La verdad no sé nada sobre todo eso
relacionado con el héroe. Todos transitan por
su propio viaje, cada quien tiene sus propios
retos. Como actor puedo interpretar gente
malvada y esos tipos, en sus cabezas, son
héroes. Creo que héroe es una palabra muy
truculenta”, concluyó Bridges.
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ALERTA:
SPOILERS
LA ÚLTIMA ESCENA
TOYSTORY3
La saga que dignificó a los juguetes y provocó las
lágrimas del más amargado de tus amigos.
POR ANAID RAMÍREZ
EXISTEN DOS TIPOS DE personas: las que lloraron cuando Woody,
Buzz y compañía se acercaban lentamente a la caldera en el basurero, y las
que lo hicimos cuando Andy se despidió de sus juguetes, en especial de su
vaquero, en Toy Story 3. Posiblemente la mayoría pertenezcamos al
segundo grupo, y no es para menos, pues dicha escena no sólo era el final de
la cinta sino el cierre definitivo —hasta ese momento— de la saga.
Parecería que desde el inicio las intenciones de John Lassater
—creador de la franquicia— eran sumergirnos en llanto con una de las
despedidas más emotivas en la historia del cine. Nos trabajó para ese
momento durante 15 años y con dos películas previas, ambas para recalcar
el fin único de los juguetes —jugar— y exaltar ese aspecto dándole
emociones a los aparentemente inertes protagonistas; ellos también saben
de soledad, inseguridad y felicidad.
El discurso de las dos cintas previas se replica en la tercera entrega, y se
agudiza un tanto más cuando descubrimos que la historia nos instala, de
acuerdo con la temporalidad de la cinta, días antes de que Andy deje su casa
130
ENERO 2019
y se mude a la universidad. Los juguetes están a punto de pasar el resto de
sus días en el ático, pero una equivocación los traslada al que podría ser su
paraíso, donde serán usados por cientos de niños: la guardería Sunnyside.
El conflicto de “nuestro dueño está creciendo, no hay quien nos juegue”
de la secuela, parece tener solución en ese lugar atiborrado de toddlers, sin
embargo el amor por Andy y algunas situaciones en la guardería —como la
brutalidad de los niños más pequeños y la dictadura de Lotso— incitan a
nuestros amigos a hallar el camino de regreso a casa. Tal cual ocurrió en las
anteriores Toy Story, el viaje no es nada sencillo, aunque algunos —como
Woody— tienen la dicha de caer entre los accesorios de Bonnie, una
pequeña que es todo lo opuesto al malvado Cid que conocimos en el primer
filme. Al final, el regreso es satisfactorio pero una mudanza a la universidad
aún está pendiente y el futuro de los juguetes es incierto.
Es por eso que los últimos minutos de la trilogía nos quiebran. Andy
decide donar sus juguetes, y es más que emotivo cuando lo vemos
presentarle y entregarle a Bonnie a cada uno de sus compañeros
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de infancia. Gracias a las precuelas, hacia ese momento ya sabemos
perfecto la importancia de que la niña reciba a Jessie con una caricia. Nos
divierte cuando Andy explica que “el malvado Doctor Tocino” (a.k.a. Jam)
es el mejor sitio para guardar las monedas, o que los tres marcianos vienen
de un remoto lugar llamado Pizza Planeta. Cuando entrega a Buzz,
imaginamos que el agente espacial se emociona con el “¡y puede volar!” que
emite Bonnie; “es el mejor juguete de todos”, pero no es el favorito de Andy.
Bonnie se acerca a la caja de donde salió toda la pandilla para ver qué
más puede encontrar, y se asombra al descubrir al vaquero... sin embargo
Andy no está listo para despedirse de él. En unos segundos de reflexión y
tras un largo suspiro, el adolescente no lo presenta como un juguete sino
como aquel que “estará contigo pase lo que pase”, el amigo fiel, pues.
Para ese punto ya estamos —sobre todo mi hermano, debieron
verlo— como Magdalena, y la cosa se pone más densa cuando Andy
le pregunta a Bonnie “¿te gustaría cuidarlo por mí?”, la niña acepta
y Woody cambia de manos. Al pobre muchacho no le queda más
que resignarse y dejar ir, por amor, a su amigo de la infancia. Es entonces
cuando ya todos estamos moqueando hasta más no poder.
El director Lee Unkrich nos da unos minutos para recuperarnos del
bajón emocional: Andy echa a volar su imaginación junto con Bonnie para
jugar por última vez con todo el clan. La sesión de risas termina cuando el
universitario sube a su auto y dice un nostálgico “Gracias, chicos”, y Woody,
en cuanto no hay humanos a la vista, le dedica un “Adiós, vaquero”.
El desenlace es tan optimista como melancólico. Nos alegra que los
protagonistas encuentren una segunda oportunidad para ser cómplices
de otra personita, pero también nos pega en lo más profundo de nuestros
recuerdos de la infancia por todos aquellos amigos que dejamos en el
olvido, y quizá llegue un poquito más para quienes crecimos con la saga.
Al final todos somos, fuimos o seremos Andy, y no es que lloremos, es que se
nos metió una serpiente en la bota.
TOY STORY 3 ESTÁ DISPONIBLE EN DVD, BLU-RAY Y ON DEMAND.
ENERO 2019
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ESTA VEZ EMPIRE platicó con Mónica
Chirino, quien ha trabajado como directora
de arte o de diseñadora de producción en
películas como Profundo carmesí, Por la libre y
Conoces a Tomás, la cual estrenará este año.
Además charlamos con Atziri de los Ríos,
diseñadora gráfica de su equipo de arte.
TESIS
MÓNICA CHIRINOS
Cada mes EMPIRE te brinda una clase express
de apreciación cinematográfica para que sientas
las películas con todo tu ser.
POR CÉSAR HERNÁNDEZ
132
ENERO 2019
¿Qué necesitamos observar en una película
para apreciar el diseño de arte?
Atziri: El diseño de producción o el arte de una
película se refiere al universo visual que se recrea
en el filme. El director de producción o director
de arte es el encargado de proponer los
ambientes en los que se desarrollan las escenas,
los lugares donde pasa la acción. Éstos se
componen de todos los objetos, los muebles,
el arte en las paredes, las fotografías, la
decoración, los tapetes, los artículos insignificantes, las notas en el refrigerador o la típica pared
llena de pósters de los grupos favoritos del
adolescente de la película. Toda esta infinidad
de cosas pasan por lo general desapercibidas en
la mente del espectador, pero tienen una función
muy importante porque están para dar el
contexto, para poder comprender el mundo en el
que se desarrolla el diálogo; es lo que te permite
comprender la personalidad de alguien o la
forma de vida de los personajes.
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EL PÓDIUM
Con base en los resultados
de taquilla al cierre de esta edición,
EMPIRE asigna medallas de oro,
plata y bronce a las cintas
que has visto últimamente.
1º BOHEMIAN
RHAPSODY
En el set de Si yo
fuera tú, cada
foquito y copa de
vino fueron
planeados /
Un cuadro
inolvidable de
Profundo carmesí
/ ¿Dónde habrán
conseguido esa
enorme hamaca?
385.6 MILLONES DE PESOS
EN MÉXICO
596.85 MILLONES DE DÓLARES
EN EL MUNDO
Pese a las malas críticas, la película
biográfica sobre Queen rockea y es la
champion. Suponemos que la razón
por la que a seis semanas de su estreno
permanece en cartelera, es su efecto
inmersivo: en los últimos 20 minutos
nos emocionamos y cantamos como si
estuviéramos en un concierto de la
banda. Es la biopic musical más vista
en la historia.
2º RALPH BREAKS
THE INTERNET
Las imágenes generadas por computadora
y las pantallas cromas ¿son enemigas del
diseño de producción?
Mónica: Yo creo que es parte ya del trabajo
cotidiano; algunos lo utilizan para resolver
problemas y yo lo considero una herramienta
más. A veces no se necesita y en otras no
sabría qué hacer sin él, principalmente en
posproducción. Pero es una herramienta más
y depende de la historia y del lenguaje,
que siguen siendo lo más importante junto
con la imaginación; ya sea que el trabajo
lo haga un carpintero o lo hagan en posproducción, no se me hace diferente. Lo que sí se me
hace distinto es la experiencia como actor
y como crew, lo que te puede influir filmando
en pantalla verde todo el tiempo; pero esa es otra
discusión porque, por ejemplo, hay actores que
llegan al set y dicen “ah, ya entiendo”. De todos
modos lo que es su mundo cercano, las cosas que
tocan, siguen siendo reales.
¿Qué película podríamos observar como
recomendación para apreciar bien
los puntos de una producción de arte?
Mónica: Blade Runner, si te fijas, 25 años
después la correspondencia entre todo lo que
salía, y que resultaron en tan buenas conclusiones de esa dirección de arte, es lo que ves ahora
y se usa: los neones, las cosas chinas y mexicanas,
los plásticos, casi como si hubiera una predicción
del futuro. Era muy coherente su propuesta y eso
me maravilla y me sorprende, casi al nivel de
Leonardo da Vinci. Imagínate un mundo que sí
pasa; las ciudades con pantallotas y demás.
Atziri: Personalmente soy fan del arte de
Wes Anderson; diseña sus entornos sobre
una paleta de color que se ejerce durante todas
las secuencias. Lo disfruto como diseñadora
porque admiro mucho el gran trabajo que
implica el detalle gráfico en cada cuadro, es
una ambientación fantástica. Me gustó mucho
Isle of Dogs y Moonrise Kingdom.
309.29 MILLONES DE
PESOS EN MÉXICO
259.71 MILLONES DE DÓLARES
EN EL MUNDO
Por el momento está en nuestro
segundo sitio, pero no dudamos que
la secuela de Wreck-It Ralph sea reine
la taquilla el siguiente mes, pues apenas
lleva tres semanas en cines y unos 625
mil asistentes mexicanos han recibido
ººla señal para lanzarse a verla. En
cuanto a lo acumulado en el mundo, ya
se refleja una ganancia digna y aún hay
territorios pendientes para estrenarse.
3º FANTASTIC BEAST:
THE CRIMES OF
GRINDELWALD
269.15 MILLONES DE PESOS
EN MÉXICO
571.04 MILLONES DE DÓLARES
EN EL MUNDO
¡Levanten las varitas de corcho y las
cervezas de mantequilla! La más
reciente cinta del universo Harry Potter
ya acumuló el medio billón de dólares
en todo el mundo. En México, los
más de 91 mil asistentes que ha tenido
en cuatro semanas la mantienen en el
octavo sitio del top.
ENERO 2019
133
Sonata de otoño
Disponible en DVD y Blu-Ray
SE PARECE A
¿DE QUÉ VA?
¿POR QUÉ LA RECOMIENDO?
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Por los diálogos de las confrontaciones entre Eva (Liv Ullmann)
y Charlotte (Ingrid Bergman).
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El reencuentro de una egoísta y excéntrica mujer
con su retraída hija, luego de varios años.
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ENERO 2019
134
Now, Voyager o Carrie (pero sin el gore).
Es cuestión de gustos, pero
aquí tienes garantía. El equipo
EMPIRE te abre sus favoritas
del mes y te da sus razones.
¿Les das play?
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РЕЛИЗ ПОДГОТОВИЛА ГРУППА "What's News" VK.COM/WSNWS
ANAID RAMÍREZ
Cuando Eva observa cómo su madre toca el piano: no hay palabras
pero sí mucha emoción.
РЕЛИЗ ПОДГОТОВИЛА ГРУППА "What's News" VK.COM/WSNWS
PLAY IT AGAIN
ROMEO +
JULIET
1996
EMPIRE presenta: No hace
falta guion si tienes un buen
soundtrack.
POR CÉSAR HERNÁNDEZ
SHAKESPEARE siempre tuvo
muchísima onda en cada tema que tocó
en sus obras pero sin duda su máxima
romántica es Romeo y Julieta, que en esta
versión, la de Baz Luhrmann, ha sido
la que más ha recaudado en salas, además
de que el soundtrack en Australia, de
donde es el director, es el segundo más
vendido de todos los tiempos.
Se trata, sin duda, de una
de las representaciones más ambiciosas
del bardo en el cine, y no deja de estar
plagada de historias maravillosas.
En primer lugar, desde el casting las
opciones eran increíbles si partimos
de las que ahora tenemos apegadas
a los personajes. De las muchas que
audicionaron para Julieta, la más cercana
fue Natalie Portman quien, aunque tenía
13 añitos, parecía de 18, hasta que se paró
junto a Leonardo DiCaprio, de 21 años
en esa época y altísimo. Baz Luhrmann
decidió que parecía que Leo abusaba
de ella cada vez que se besaban, y declinó.
Claire Danes, en cambio, tenía dos
años más que su personaje, o sea 18,
y DiCaprio la defendió a ultranza, aunque
al principio no se llevaban nada bien
porque, según él, fue la única que le
sostuvo la mirada durante el casting.
Lo demás es historia; desde un
huracán en Veracruz que se llevó los
decorados de Verona Beach, hasta
el secuestro del estilista en la CDMX.
Como siempre pasa con Luhrmann,
el soundtrack es testimonio de la época
y de una belleza espectacular. Como
principal asset está la canción ‘Exit Music
(For a Film)’, de Radiohead, que el
director asegura es la más perfecta de toda
la cinematografía, y para la que le mandó
a Thom Yorke, líder de la banda, un VHS
con los últimos 20 minutos de la película.
Aunque sólo tuviera esa canción, este
soundtrack sería perfecto.
ROMEO + JULIET ESTÁ DISPONIBLE EN DVD
Romeo (Leonardo
DiCaprio) camina
directo y sin escalas
hacia su lecho de
muerte.
TRACKLIST
1. #1 Crush, Garbage
2. Local God, Everclear
3. Angel, Gavin Friday
4. Pretty Piece of Flesh, One Inch Punch
5. Kissing You (Love Theme From Romeo
And Juliet), Des’ree
6. Whatever (I Had a Dream Last Night),
The Butthole Surfers
7. Lovefool, The Cardigans
8. Young Hearts Run Fre, Kym Mazelle
9. Everybody’s Free (To Feel Good),
Quindon Tarver
10. To Yo I Bestow, Mundy
11. Talk Show Host, Radiohead
12. Little Star, Stina Nordenstam
13. You and Me Song, The Wannadies
14. When Doves Cry, Quindon Tarver
15. Slow Movement, Craig Armstrong
16. KTTV News Theme, Gary S. Scott
17. Symphony No. 25, Capella
Istropolitana
Written by Wolfgang Amadeus Mozart
18. Liebestod (from Tristan and Isolde),
Leontyne Price
19. Exit Music (For A Film), Radiohead
Y BLU-RAY. EL SOUNDTRACK ESTÁ EN LP Y CD.
ENERO 2019
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РЕЛИЗ ПОДГОТОВИЛА ГРУППА "What's News" VK.COM/WSNWS
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EMPIRE le pide cada mes a una figura del cine,
la sociedad o la cultura que enliste sus cinco
cintas, series, juegos, cómics o soundtracks
predilectos. De ahí, EMPIRE emite un diagnóstico
de la salud del pacientito.
POR ANAID RAMÍREZ
THE FLY
PERSONA
DIRIGIDA POR Ingmar Bergman
EMPIRE DICE Pieza fundamental en la
filmografía de Bergman: una actriz de teatro
pierde la voz durante una representación y
una enfermera le habla sin parar con la buena
intención de romper su mutismo. Sus
imágenes y montaje son la principal razón
para revisar esta cinta una y otra vez.
DIRIGIDA POR David Cronenberg
EMPIRE DICE Irónicamente, este filme
es una de las joyas del género y también
de la propia filmografía de Cronenberg.
La cinta parte del sueño de muchos, la
teletransportación, para mostrar cómo un
científico logra dicha proeza pero
a costa de terribles efectos secundarios...
debido a que una mosca se metió a la
cápsula donde realizó el experimento.
GIULIETTA DE LOS ESPÍRITUS
DIRIGIDA POR Federico Fellini
EMPIRE DICE La urgencia de una mujer por
verificar si su esposo aún siente algo por ella,
la conduce hacia sesiones espiritistas. Son
varias las cualidades que asignan a esta cinta
el título de obra maestra, aunque la
interpretación de Giulietta Masina
es uno de los mejores atributos del filme.
THE SHINING
DIRIGIDA POR Stanley Kubrick
EMPIRE DICE Pese al paso del tiempo
y lo que implica —desde la evolución de los
efectos visuales, hasta los públicos cada vez
menos crédulos—, esta pieza de Kubrick
no pierde efecto al momento de causarnos
pánico, desesperación y pesadillas.
La tragedia que ocurre a los Torrance, una
vez que llegan al hotel Overlook, sigue siendo
opción para ver en Halloween o simplemente
cuando se busca una excelente cinta.
136
ENERO 2019
FITZCARRALDO
DIRIGIDA POR Werner Herzog
EMPIRE DICE La película que todos los que
tienen sueños “imposibles” deberían ver.
Brian Sweeney Fitzgerald está obsesionado
con construir una ópera en medio de la jungla
sin importar cuánto le cueste, así tenga que
sacar del río un barco fluvial y trasladarlo
hasta lo más alto de un monte. Gracias a esta
disparatada y cinematográficamente hermosa
aventura, Herzog se hizo del premio a Mejor
director en Cannes, en 1982.
DIAGNÓSTICO El horror y la
comedia no pueden faltar en la
mesa de este cinéfilo empedernido,
sin importar la nacionalidad del filme
en cuestión. Lo que sí parece buscar
siempre son historias redondas y
sólidas que reten al espectador; así
como estéticas que, ya sea por su
belleza o inclinación más hacia lo
grotesco, sean difíciles de olvidar.
РЕЛИЗ ПОДГОТОВИЛА ГРУППА "What's News" VK.COM/WSNWS
Disponible en toda la República Mexicana. Promoción válida con pago en una sola exhibición de $499 por 12 ejemplares mensuales. Precio sujeto a
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