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Empire Spain - 12.2018

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РЕЛИЗ ПОДГОТОВИЛА ГРУППА "What's News" VK.COM/WSNWS
DICIEMBRE 2018
$59.00
DOLPPHH LUN
LUNDGREN
NDGREN
ACTO UNIVERSAL
BUMBLEBEE
NOSTALGIA DEL
VOCHO Y DE LOS 80
CÓMIC ÚNICO
DE AQUAMAN
E INFOGRAFÍA
ACUÁTICA
N
A
M
A
U
Q
A
E XC LU S I VA
HABLA CON
LO S P E C E S
Y TAMBIÉN DA
ENTREVISTAS
018
27/12/2
РЕЛИЗ ПОДГОТОВИЛА ГРУППА "What's News" VK.COM/WSNWS
РЕЛИЗ ПОДГОТОВИЛА ГРУППА "What's News" VK.COM/WSNWS
ENTERTAINMENT
IS ONE OF THE MOST
IMPORTANT THINGS
IN PEOPLE’S LIVES.
WITHOUT IT THEY MIGHT
GO OFF THE DEEP END.
I FEEL THAT IF YOU’RE
ABLE TO ENTERTAIN
PEOPLE, YOU’RE DOING A
GOOD THING."
(1922-2018)
РЕЛИЗ ПОДГОТОВИЛА ГРУППА "What's News" VK.COM/WSNWS
MERA
Princesa de uno de los 7
reinos de la Atlántida, ha
sido el interés amoroso
de Aquaman y su esposa
en los cómics.
EL TRIDENTE DE NEPTUNO
a su poseedor gran
Es un arma mágica que garantiza
gobernar el mar. El tridente
poder y el derecho divino de
jado por los cíclopes de adamantine
origin l de Neptuno fue fo
Puede manipular y conju ar
y la propia esencia de Neptuno
energía en forma de ayos
el agua así como dispersar
de N ptuno erá u ado
y campos de fue za El tridente
por sus elegidos
KHAL AQUAMAN
de Zack Snyder
Polémico como es el legado
de Jason
en el Universo de DC, el casting
fue un
Momoa como el rey de Atlántida
de la obvia
movimiento inspirado. A pesar
de Game of
comparación con el jefe dothraki
es un
Thrones, poco a poco, Aquaman
vida propia.
personaje que ha adquirido
N
HISTORIA DE PUBLICACIÓ We singer Aquaman pareciera no estar
Mo t
C eado por Paul Nor is and
DC Comics lo que se
pe sonajes importantes de
destinado a ser uno de los
puede ver en su er ática presencia
More Fun Comics #73
(noviembre de 1941)
Aquaman fue pre entado como
dio
h jo de un cien í ico que le
j el gua
JUSTICE LEAGUE
(Película 2017)
vs
Tras un c meo en Batman
a
Superman Aquaman lega
las panta las en sta no del
todo e itosa adaptación
siendo u papel uno de los
elementos más disf utables
60
AQUAMAN
Cuando buceábamos por el fondo del
océano... nos encontramos con Jason Momoa
muy en su papel de Aquaman. El actor,
el director James Wan y la coprotagonista
Amber Heard nos contaron algunos aspectos
de esta producción.
Aquaman
(Volumen 8, 2016)
El último volumen se concentra
las
en el reinado de Atlantis y
relaciones diplomáticas que
Arthur Curry debe mantener
con el mundo de la superfie,
mediante una primera
embajada de Atlantis.
Casting de Momoa
(Tweet 2015)
Zack Snyder sorprendió
al mundo cuando tweeteó
esta primera imagen del
Aquaman del nuevo
univeso cinematográfico.
Injustice:
Gods Among Us
(Videojuego 2013)
Aunque hubo un terrible
juego con su nombre en
2003, fue 10 años
después que se
presentó una digna
interpretación en este
juego de peleas, al
punto de ser adaptado
de vuelta a los cómics.
A
ER
Alan
R tchson
amor de un cu dador
Ar hur Curry s pr du to del
Aquaman de nombre real
y quién mur ó u ndo
is que se había autoexi iado
de fa os y una eina de A lan
el eino de los siete mares
antes evelarle que h redaría
él aún era pequeño no sin
ORIGEN
SMALLV LLE
de
A thur "AC" Cu ry es un estudiante
ser un
biología marina que re ulta
una especial
nadador de la At ánt da con
conex ón c n la v da marina
serie este
Dent o del tono ige o de la
n reconoce que iempre ecibe
Telepatía y control
sobre la vida submarina
Piel resistente
a la presión
en las profundidades
Fisiología de un na ivo
de la At ánt da
Fuerza y habilidades
sobrehumanas
(Volumen 3 1989)
Tras un special bien
rec bido una nueva
minise ie En esta
ers ón de Aquaman
fue encontrado de
pequeño por el
cu dador del faro
sin conocimiento
de su ascendencia
real.
Aqua
74 con un con l c o
pe sonal con el héroe
Aquaman 35
(Volu
En el n
p esen
un hum
bajo el agua T es años
después el personaje
desaparece cuando no es
aceptado como sucesor al
trono de A lan is
Aquaman
(Volumen 5 1994)
32 años después e
lanza una nueva serie
c ntinua Los 90
influenci ron el de arro lo
de la historieta que se
volvió más intensa Pa a
muchos esta
vers ón c mb ó la
percepc ón hacia el pe sonaje
Aquaman
(Volumen 4 1991)
Una nueva di ecc ón de
la historieta se b sa más
en el ol de Aquaman
omo monarca de
A lan is y xpande la
mitología submarina
Black Manta
David Kane r cibe su tecnología
de Orm pero su motivación
es aún más profunda culpa
a Aquaman de la muerte
de su pad e
Aquaman animado
Desde 2001)
Las nuevas versiones animadas
han sido más benévolas con
Aquaman quien s pr sentado
poder y
como un monarca de g an
idículo
presencia muy lejos de lo
Reinos submarinos
Aun para los atlantes,
exi ten muchos rincones
inexplorados o inhóspitos
en el mar con criatu as
y poblaciones extrañas
Nuidis Vulko
Principal consejero
político y científico del
rey de la Atlántida.
ROMA
El director Alfonso Cuarón y parte de su
elenco —Yalitza Aparicio, Marina de Tavira
y Nancy García— nos compartieron los detalles
de Roma, la cinta más personal del cineasta
mexicano y la que posiblemente le dé otro Oscar.
de pescados”
Control
de masas de agua
Aquaman
Rey Nereus
El padre de Mera es uno
de los reyes de los reinos
submarinos que Orm
intenta sumar para invadir
la superficie.
Volumen 7, 2011)
a todos
DC Comics decidió relanzar
la
sus superhéroes, lo que limpió
haciéndolo
continu dad de Aquaman,
y
oficialmente mitad humano,
idades
amalgamó las mejores cua
de las ve siones ante io es
AM
68 PorALETS KLAMROTH
STAN LEE
Hace unas semanas recibimos la peor
noticia del año para los fans de los cómics:
Stan Lee, el creador de personajes como
X-Men y Spider-Man, falleció a los 95 años.
Aquí recapitulamos cómo su inventiva llegó
hasta la pantalla grande.
Aquaman
OD
apostamos a que sí.
ERN
como un
O to de burlas, Arthur Curry se redime
arlo. La duda es si
superhéroe con todo para respald
Justicia se quedó
podrá triunfar donde la Liga de la
tándolo,
corta; con Jason Momoa interpre
Reina A lanna
Tras ser res atada por un
cuidador de un faro se
enamora y da a luz a A thur
Cu ry Aquaman
Thomas Curry
Padre de Aquaman
Fue quien se
ncargo de criar
a Ar hur
¡TE VA A FALTAR
PARED PARA
LO QUE TE
VAMOS A
REGALAR!
(Septiembre de 1967)
82 BUMBLEBEE
Antes de ser un Camaro, Bumblebee fue
un vochito y se la pasó muy bien en los 80,
con una amiga humana y un perrito de compañía.
Por acá te preparamos para el primer spin-off
de Transformers.
86 WIDOWS
Steve McQueen ya nos robó el aliento con
Hunger y Shame. Esta vez son sus protagonistas
las que cometerán un atraco que dejaron
pendientes sus recién fallecidos esposos. Se trata
de un trabajo pendiente del director y de la
aplicación de la frase “puedes, si crees poder”.
06
36
106
25
41
116
30
46
124
JOHN WICK: CHAPTER 3
John Wick regresa montado a caballo
y a toda velocidad para su tercera entrega.
Te contamos lo que vimos en nuestra visita al set.
SPIDER-MAN: INTO THE
SPIDER-VERSE
¿Qué personajes del universo de Spider-Man se
reunirán aquí? Cinco actores que participarán
en el doblaje sueltan la sopa.
MIRREYES VS GODÍNEZ
Suficientes razones como para que tengas
listo el gafete y llegues a tiempo al cine para ver
esta divertida comedia mexicana.
2
DICIEMBRE 2018
RALPH BREAKS THE INTERNET
Es hora de encontrarnos con Ralph
y Vanellope —sin la voz de María Antonieta
de las Nieves— en un viaje para comprar
el volante del juego de la pequeña.
THE HOUSE THAT JACK BUILT
Toc, toc... Nunca abras la puerta a un extraño,
menos si tiene la apariencia de Matt Dillon y detrás
de él está Lars von Trier. ¡Sangre, mucha sangre!
LIFE ITSELF
Prepara los pañuelos y los lentes oscuros
para disimular tu llanto cuando salgas de la sala
luego de ver esta cinta del creador de This Is Us.
LA GUÍA EMPIRE PARA VER
EN CASA: FALLEN KINGDOM
Entre dinosaurios y clones te veas. El director
J.A. Bayona revela lo que hubo detrás de las
mejores escenas de la secuela de Jurassic World.
THE WALKING DEAD
El productor Greg Nicotero recapitula
las temporadas de su exitosa serie de muertos
vivientes.
GODZILLA
A partir de la edición de The Criterion
Collection, examinamos al monstruo más alto
que ha caminado sobre el celuloide.
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/RevistaEmpire
РЕЛИЗ ПОДГОТОВИЛА ГРУППА "What's News" VK.COM/WSNWS
CARTA EDITORIAL
Este mes es uno en el que
sentimos pesado el corazón.
Stan Lee, el genio creador
y cocreador de grandes
superhéroes, trascendió este plano
de la existencia el 12 de noviembre
y en esta edición, la de diciembre,
EMPIRE le hace un agradecido
homenaje por todo lo que nos dio,
como los Avengers, los X-Men
originales, los 4 Fantásticos,
Daredevil o Spider-Man, entre
muchos otros personajes.
En noticias más agradables,
también estamos celebrando la
incursión en solitario de una de las
figuras de cómic más vituperadas de DC, Aquaman, quien encarnado en
Jason Momoa busca su oportunidad de brillar bajo el agua y ser un
necesario acierto para la casa de Batman y Superman.
¿Estará Roma a la altura de las expectativas? ¿Logrará mediante el
impulso mediático orquestado por Netflix llevarse uno o dos Oscar? ¿Es
realmente el mejor trabajo del perfecccionista Alfonso Cuarón? Revisa
nuestro feature de la película para que vayas preparado al cine si fuiste
uno de los pocos con boleto para mirarla en pantalla grande.
Inauguramos una sección de apreciación del cine en la que la gente
que lo hace nos explica qué observar y cómo analizar las películas, con el
propósito de obtener una experiencia aún mayor de ellas.
Mandamos a alguien a Nueva Zelanda a entrevistar a la directora
de producción de la NZ Film Comission para ver si podemos entender
por qué en ese pequeño país se hacen tantas y tan buenas películas,
y cómo fue que se creó una industria cinematográfica tan importante
además de albergar a la empresa más cotizada de efectos especiales del
mundo. No vas a creer las fotos que te compartimos en este feature.
Disfruten la revista. Excelsior!
EditorIAL
Ventas
Editor in Chief
José Alberto Sánchez
Directora General de Ventas
Marielos Rodríguez
Coordinador Editorial
César Hernández
ventasTBG@editorial.televisa.com.mx
Editora
Anaid Ramírez
Televisa publishing
international
ArtE
Director General
Porfirio Sánchez Galindo
Directora de Arte
Isabel Cisneros
Traducciones
VENTA DE SUSCRIPCIONES
Ary Snyder
01 800 222 2000
Corrección
Alberto Rafael Calva Hernández
ATENCIÓN A SUSCRIPTORES
01 800 REVISTA
01 800 738 4782
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EMPIRE EN ESPAÑOL. Marca en Trámite Año 2 N° 21 Fecha de publicación: 29-11-18. Revista mensual editada
y publicada por EDITORIAL TELEVISA, S.A. DE C.V., Av. Vasco de Quiroga N° 2000, Edificio E, Col. Santa Fe, Del. Álvaro
Obregón, C.P. 01210, Ciudad de México, tel. 52-61-20-00, por contrato celebrado con Bauer Consumer Media Limited,.
Editor responsable: Porfirio Sánchez Galindo Número de Certificado de Reserva de Derechos al Uso Exclusivo del Título
EMPIRE EN ESPAÑOL: 04-2017-112309581500-102 de fecha 23 de noviembre de 2017 ante el Instituto Nacional del
Derecho de Autor. Certificado de Licitud de Título pendiente ante la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas
Ilustradas. Distribuidor exclusivo en México: Distribuidora Intermex S.A. de C.V., Lucio Blanco N° 435, Azcapotzalco, C.P.
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EMPIRE MÉXICO. The Trademark and Tradename EMPIRE MEXICO is owned by CONSUMER MEDIA LIMITED. Published
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DICIEMBRE 2018
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DICIEMBRE 2018
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EMPIRE habló en
el set en Nueva
York con el director
y la estrella de
John Wick.
Corre como
el viento
John Wick está de regreso
para más caos, pero como
caballo de buena andanza,
ni suda ni cansa.
POR CHRIS HEWITT
John Wick
(Keanu Reeves)
a todo galope /
Halle Berry se une
al elenco como la
asesina Sofia.
HASTA AHORA las películas de John
Wick nos han dado todo tipo de fus.
Kung-fu. Pistola-fu. Auto-fu. Ahora, con
la secuela pomposamente titulada John
Wick 3: Parabellum, Keanu Reeves y su
director, Chad Stahelski, nos presentan
al último y más grande de todos:
caballo-fu. “Pensé que sería cool que
John Wick escapara a caballo”, explica
Reeves casualmente. “Así que tenemos
a John Wick montando y peleando
a caballo. Y eso es divertido”.
Esta imagen y concepto ni siquiera
arañan la superficie de la locura que le
espera ahora al mejor asesino del mundo.
Para empezar, esta cinta empieza justo
donde termina Chapter 2, con Wick
escapando y con un alto precio por su
cabeza. Corte a un caos que, nos dice
Stahelski, “incluye caballos, perros, gatos,
un cuervo, una parvada de palomas, una
huida en motocicleta, una persecución
en auto, Laurence Fishburne, Ian
McShane, Halle Berry, Lance Reddick,
escopetas y ninjas”. No nos sorprendería
que Wick tuviera que terminar luchando
contra un asesino llamado El Fregadero
de la Cocina.
La primera de John Wick era una
película de acción hábil, inteligente
y visualmente deslumbrante que probaba
que Reeves todavía podía patear traseros
a sus cincuenta y algo. Chapter 2
expandió la mitología de este extraño
mundo, mejoró la acción y le bajó a su
tono único y fuerte. Stahelski, quien
dirigió ambas (la primera con David
Leitch) sabe qué se espera de la tercera.
“Tal vez es la cosa más loca que he hecho
en mi carrera”, dice el doble convertido
en director. “Lo mismo que Keanu.
Es nuestro ‘jódanse’. Vamos a hacer
mucho de todo y mejor que todos”..
JOHN WICK: CHAPTER 3: ESTRENA
EN MAYO DE 2019.
DICIEMBRE 2018
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Par de
reinas
Mary, Queen of Scots
da la vuelta al guion de época.
POR IAN FERRER/ JIMI FAMUREWA
“NO PUEDO PENSAR en otro momento
en el que hayamos visto un drama político con
dos mujeres al frente”, señala Saoirse Ronan
sobre Mary, Queen of Scots. La película de la
directora de cine y teatro Josie Rourke presenta
a dos monarcas reinantes —y primas— que creen
de modo ferviente, cada una, ser la heredera
legítima del trono inglés. Ronan es la Mary
del título, la reina de los escoceses en una misión
para destronar a la monarca reinante. Margot
Robbie es Elizabeth I, peleando hasta con los
dientes para mantener la corona. Es el tipo de
dinámica de época que los hombres interpretan
todo el tiempo, pero Mary, Queen of Scots lo está
haciendo con mujeres.
“Quería ver si podía contar la historia de dos
mujeres de una manera muy clásica del cine”,
comenta Rourke. “En historias con hombres,
los héroes tienen antagonistas muy apropiados.
Así, Batman tiene al Joker. Holmes tiene a
Moriarty. Y con esos personajes, cuando están
bien interpretados, uno es la otra mitad del otro,
así que pensé: “¿No sería genial que para
empoderar la historia de Mary le diéramos
a Elizabeth para motivarla?”.
Ronan estaba ligada al proyecto desde que
tenía 18 años. Robbie se unió después.
Su elección, dice Rourke, fue obvia. “¿Quién
tiene el poder, la fuerza y tenacidad de
interpretación para ser la joven Elizabeth I? Para
mí, fue natural pensar en Margot”.
Lo que inicia como amistad se convierte
en una rivalidad. Aunque Ronan y Robbie salían
juntas con frecuencia a beber algo, se
mantuvieron distanciadas antes de filmar
su gran enfrentamiento.
“Hicimos esa escena el último día de trabajo
de Margot”, recuerda Ronan. “Era muy
importante no saber cómo nos veíamos antes
de esa escena. Cuando finalmente nos vimos,
fue muy emocional. Estábamos realizando la
toma y ambas temblábamos”. El resto es
(literalmente) historia.
MARY, QUEEN OF SCOTS SE ESTRENARÁ EN CINES
EL 18 DE ENERO DE 2019
8
DICIEMBRE 2018
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Saoirse Ronan
lleva a sus
amigos a
conocer las
camas de
bronceado.
DICIEMBRE 2018
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EMPIRE visitó el
set de Mowgli en
Leavesden Studios,
Watford, el 26 de
marzo de 2015.
Una nueva raza
Cómo el director Andy Serkis
reinventó a los animales
de la selva en Mowgli
POR DAN JOLI
CONSIDERANDO SU posición
como pionero en la captura de
movimiento, difícilmente sorprende que
su acercamiento a The Jungle Book, de
Rudyard Kipling, involucre esa
tecnología de punta utilizada para darle
vida a personajes como Gollum o César
de Planet of the Apes. Pero lo que sí
sorprende es la manera en la que lo hace.
Cuando EMPIRE mira a Serkis
interpretando a Baloo, el oso mentor,
en un escenario lleno de plantas
tropicales en los Leavesden Studios
10
DICIEMBRE 2018
en marzo de 2015, el director de Mowgli
está metido en un traje de captura de
movimiento lleno de puntos de captura,
pero curiosamente no es el único
interpretando al oso. Detrás de él se
encuentra otro actor unido a Serkis
mediante un tubo de polietileno (de los
que se usan en las albercas) de 1.2 m de
largo. Cuando Serkis gruñe sus diálogos
con acento cockney (del este de Londres),
el otro tipo (se llama Ben) se mueve
ligeramente de un lado al otro ayudando
a crear en el set toda la presencia física de
la enorme criatura de cuatro patas
—además de servir como referencia para
los animadores de MPC que después le
pondrán carne a la bestia—. En corto,
Ben interpreta al trasero de Baloo.
Todo esto es parte de lo que el
productor Jonathan Cavendish describe
como “una metodología única” para crear
a los animales de Mowgli. Los otros
papeles clave —Bagheera (Christian
Bale), Kaa (Cate Blanchett), Shere Khan
(Benedict Cumberbatch) y otros— fueron
interpretados facial y vocalmente el
verano anterior con otros actores usando
el tubo de alberca para representar sus
cuerpos en el set.
Estos residentes de la jungla serán
deliberadamente no fotorrealistas en el
render final. Serkin pensó que sería
“ridículo” que un tigre o un oso
fotorrealistas hablaran. “Todo el espíritu
tras la producción fue hacer que los
animales se sintieran emocionalmente
reales”, explica. “Así que con Bagheera,
por ejemplo, tomamos la cara de
Christian y la de la pantera y los
transformamos en etapas de uno al otro.
En cierto momento dentro de ese
espectro hay un lugar en el que puedes
Bagheera (voz de
Christian Bale), mentor
y protector del joven
Mowgli (Rohan Chand)
/ Mowgli, descubierto
por los lobos, no siente
temor / El gentil Baloo,
con la voz del director
Andy Serkis.
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DENTRO DE
IMAGINARIUM
LO QUE SIGUE PARA
LA COMPAÑÍA
PRODUCTORA DE
ANDY SERKIS
DEATH AND
NIGHTINGALES
Drama de época
basado en la novela
de Eugene McCabe
que estará al aire este
año en la BBC.
leer las expresiones de Christian, pero
sigue siendo una pantera creíble”.
Además, se supone que los animales
representen “versiones antropomórficas
sobre la idea de un explorador del siglo
XIX de cómo puede ser un animal”,
dándoles una sensación humanizada
interesante y enorme.
Esta visión tan atrevida será, después
de años de retrasos, vista finalmente muy
pronto, casi cuatro años después de la
visita de EMPIRE al set —aunque en un
giro final, el estudio Warner Bros. le
vendió la película a Netflix en julio
pasado—. Sin embargo, con su
acercamiento novedoso a Kipling,
seguramente habrá valido la pena la
espera extraordinariamente larga.
MOWGLI SE ESTRENARÁ PRÓXIMAMENTE
ANIMAL FARM
El siguiente trabajo
de Serkis como
director será una
nueva adaptación de
la sátira clásica
de George Orwell,
con captura de
movimiento para
los cerdos
revolucionarios.
PROYECTO DE
OLIVER SACKS
Serie de tele inspirada
en el Dr. Oliver Sacks,
autor y neurólogo
de fama mundial
quien murió en 2015.
EN NETFLIX.
DICIEMBRE 2018
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ELDEBATE
UN TEMA UNIVERSAL,
OPINIONES DIVIDIDAS.
¿Ganará Cuarón
su segundo
Oscar como
director?
Con su más reciente trabajo, y su regreso
al cine mexicano, Alfonso Cuarón de nuevo
podría salir del Dolby Theatre con estatuillas.
SÍ
JESÚS CHAVARRÍA,
COLABORADOR
¿QUE POR QUÉ Alfonso Cuarón debe
ganar el premio Oscar? Pues, retomando las
palabras de Guillermo del Toro, diré que
“Porque es mexicano y es un chingón”, lo cual
deja claro con Roma, una obra en la que logra
conjugar la habilidad técnica con la evocación
personal, haciendo del blanco y negro algo más
que un efectismo.
El uso de la cámara fija para espiar desde los
escondrijos la vida de una familia, los paneos
hipnotizantes y apenas perceptibles que atrapan
las cosas simples pero llenas de significado en su
conjunto, las sorprendentes secuencias de
seguimiento con fondos elaborados que hacen
12
DICIEMBRE 2018
una reconstrucción casi antropológica de
la cotidianidad del México de los 70, todo lo
acomoda Cuarón con precisión dentro
del mecanismo de un vehículo de reflexión
sobre la naturaleza violenta del transcurso
de la existencia, y lo hace al servicio de un
discurso con serias implicaciones sociales.
Es cierto que se presenta como un viaje
lleno de referencias regionales muy específicas,
pero también encuentra la universalidad
a través de la grandilocuencia emocional para
ser capaz de conectar y conmover a públicos
de cualquier punto del mundo.
Bueno, y eso es sólo en lo que se refiere
a los innegables valores fílmicos que ya le han
valido diversos reconocimientos a nivel
internacional, como el Leon de Oro en el Festival
Internacional de Cine de Venecia, lo cual
refuerza nuestra postura de que Roma no sólo
tendría que obtener la nominación sino que
debe ser la gran ganadora en la categoría a mejor
película extranjera.
Pero ahora hablemos de otras cuestiones
también importantes. De entrada, se trata
de la primera gran producción de ese gigante
llamado Netflix que tiene los atributos
suficientes para colarse en los festivales más
importantes de la industria, además de que
la han tratado de colocar por todos los medios
en los espacios adecuados para que sea exhibida
en cines y, así, cumplir con los requisitos básicos
para aspirar al premio más importante
y mediático del mundo cinematográfico.
Sin duda un esfuerzo que, como el hecho
de que la película revalora el papel de las
empleadas del servicio doméstico y le otorga
todo el protagonismo a la mujer, no será
ignorado por los miembros de la Academia,
dada su postura en favor de la actual tendencia
del empoderamiento femenino.
Así pues, Roma es una producción cercana
al virtuosismo por su forma y destinada
a trascender por su discurso, lo que tendrían
que ser suficientes razones para llevar al también
director de Gravity y Children of Men a recoger
su segunda estatuilla como director en los
Premio Oscar, el próximo 24 de febrero, en el
Dolby Theatre de Hollywood.
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NO
ÓSCAR URIEL,
COLUMNISTA
NO HAY DISCUSIÓN alguna que Roma
es todo un suceso cinematográfico, una de las
mejores películas presentadas este año
y seguramente una de las candidatas más sólidas
en la carrera del Oscar. Pero, ¿se trata de la mejor
cinta del director mexicano hasta la fecha?
Desde mi perspectiva, no lo creo. Aún
considero Children of Men y Little Princess como
dos trabajos más emblemáticos dentro de su
filmografía. Es paradójico porque Roma se ha
vendido como la labor más personal del autor al
retratar con una precisión admirable su infancia,
en la colonia que le da nombre a la cinta, durante
la década de los 70, y aunque la manufactura
es impecable, tengo la sensación de que nos
enfrentamos a una producción de irrefutable
realización pero con una ausencia de víscera,
de alma. Es más forma que entraña.
Eso sí, estoy seguro de que la película se
llevará el reconocimiento a mejor producción
extranjera en la carrera del Oscar por muchos
motivos. Primero, se trata de un título de calidad,
y segundo, el ámbito político internacional que
vivimos seguramente apoyará esta resolución.
Aquí no hay vuelta de hoja, a pesar de que a mí
me gustan mucho más Cold War de Pawel
Pawlikowski o Shoplifters de Hirokazu Koreeda.
Lo que debemos reconocer de manera
evidente, es la extraordinaria campaña
publicitaria creada por Netflix para convertir
a Roma en su primer gran título de identificación
en el circuito de festivales, y posteriormente
en su carta fuerte en la carrera por el Oscar.
La compañía ha creado una maniobra de
posicionamiento de manera tal, que ha desafiado
los preceptos de festivales de cine como el de
Cannes, donde la corrida comercial en Francia
en pantalla grande es imperativa.
Hace algunos días leí, en una de
las publicaciones tradicionales de Hollywood,
que Netflix pretendía a través de una agresiva
campaña que Roma fuera considerada dentro
de las categorías principales de la competencia,
no sólo en la ya seguramente ganada como mejor
película extranjera. Esto habla del poder detrás
de una de las empresas más combativas a la
hora de colocar sus producciones en el mercado.
Debo confesar que como simple espectador
me encantaría ver nominada a Yalitza Aparicio
como mejor actriz. Eso sería un verdadero logro
a celebrar. Lo demás dependerá de que Netflix
logre convencer a los miembros de la Academia
de que Roma merece ser considerada en todos
los rubros de la competencia.
Finalmente y de manera personal, todo
esto me parece un contrasentido al reparar que,
independientemente del esfuerzo evidente
de Netflix, la mejor manera de ver Roma es en
el cine, tal y como lo hacían los personajes de
la película al asistir a la tradicional función
dominical en uno de los grandes cines de
la inolvidable Ciudad de México de los años 70.
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Presunta realidad
Gonzalo Tobal explora
el género policiaco
en Acusada.
POR ANA LUCÍA ALTAMIRANO
LA PREMISA: una persona
es señalada por un asesinato que
aparentemente no cometió, y su posible
implicación la convierte en el centro
de un fenómeno mediático. Pareciera
alguno de los documentales Presunto
culpable o Making a Murderer, pero en
realidad se trata del punto de partida de
la nueva película de Gonzalo Tobal, quien
platicó con EMPIRE sobre los temas que
aborda Acusada y las similitudes entre
esta ficción y la realidad.
Queda claro que es una cinta
de ficción, en la que cualquier
parecido con la realidad es mera
coincidencia, pero ¿de dónde viene
toda esta historia de Acusada?
14
DICIEMBRE 2018
Es un caso inventado para la película
y se inspira un poco en cómo veo yo que
se tratan estas situaciones en la sociedad,
por lo menos en Argentina; pero entiendo
que en México también pasa mucho,
como en varios lugares del mundo.
Es una relación entre casos policiales,
los medios y la forma que tiene la
sociedad de consumirlos —casi como si
fueran narrativas que a veces hasta
parecieran reality shows—, y un poco de
todas las contradicciones que existen.
La idea fue contar una historia policiaca
desde el otro lado de las cámaras; desde el
interior de una familia que está pasando
por una situación así, y fusionar el género
con el drama familiar. Tomamos un caso
como punto de partida, pero no hablamos
de ningún hecho en específico.
Vemos también la gran relación de los
medios y cómo se utilizan, pero del
mismo modo observamos el morbo
de la gente. ¿Por qué era importante
retratar este aspecto?
Nos hemos vuelto, en parte por las redes
sociales, una sociedad en la que todos
somos de alguna manera periodistas,
o estamos todo el tiempo transmitiendo
información. Hay una velocidad tan
rápida para eso y también para emitir
juicios, que muchas veces se generan
situaciones muy raras. En todo ese marco
lo que más rápido se pierde, y lo que creo
que está en crisis en la sociedad
contemporánea, es la verdad. Eso es algo
que en la película está muy presente,
porque en todo lo policial hay una
búsqueda de la verdad.
La esfera familiar es muy importante
en tu historia, ¿cómo desarrollaste
esta dinámica?
Una de las preguntas principales
de la película es qué puede pasar
en una situación así, si alguien tan
cercano, como tu hija, de repente se
siente en un abismo de duda. Esas son
las preguntas que de origen están en
el guion y la película; como el qué piensa
cada uno dentro de esa casa sobre ella
(la acusada) y los silencios que se han
¿Cómo defenderte
cuando los medios
ya te han condenado?
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10 COSAS
QUE DEBES
SABER DE...
GAME OF
THRONES:
SEASON 8
El invierno llegó.
¿Hay noticias
de Westeros?
1
construido, las cosas que se han hablado y
las que no, las confusiones… Con los
actores obviamente también hemos
vuelto sobre todas esas cuestiones y
trabajado todo lo que hay detrás de
cada diálogo, mirada y silencio en una
casa que por momentos se puede
convertir en un infierno.
¿De inicio hubo un planteamiento
de hacer una crítica a la sociedad,
o simplemente fue un impulso por
explorar el género policial?
Me parece que en la película hay mucho
de observación social, no sé si
necesariamente crítica, no es un juicio.
Me parece que la película es policiaca
pero también en gran medida sirve de
disparador para observar un montón
de dinámicas sociales que están
alrededor de eso y lo que puede pasar con
una chica, la diferencia de generaciones,
la relación de los jóvenes con las redes
sociales, la sexualidad, la ley, etcétera.
Hay algo de todas esas dinámicas
sociales, que me interesaba mucho
retratar; considero que muchas paradojas
habitan la película porque me parecían
interesantes de observar, tomando esta
historia policiaca como detonador.
ACUSADA SE ESTRENA EL 7 DE DICIEMBRE.
__ Después de una espera de casi 18
meses para poder filmar en invierno,
con escenas de batallas más ambiciosas
y efectos especiales más impactantes,
la temporada final de Game of Thrones
estará al aire “en abril de 2019”.
2
__ Constará sólo de seis episodios (la
anterior tuvo siete), que son menos de su
estándar de 10, pero cada uno tendrá la
duración de un largometraje.
3
__ Al igual que en la temporada
anterior, es territorio desconocido para
los fans de George R.R. Martin. La
temporada adapta material de las novelas
finales y no publicadas de la serie, las
muy esperadas “The Winds of Winter”
y “A Dream of Spring”.
4
__ Todos los personajes sobrevivientes
de la temporada pasada estarán de vuelta,
con excepción de la amante de Dornish,
Ellaria Sand (Indira Varma), cuya suerte
sigue siendo ambigua, y Tycho Nestoris
(Mark Gatiss).
5
__ El primer pietaje de la temporada
—tres segundos—, de un trailer
promocional de HBO, muestra a Jon
Snow reuniéndose con su media
hermana Sansa después de volver a
Winterfell. Pero es todo lo que hemos
visto hasta ahora. ¡Tres segundos!
6
__ Los últimos episodios serán escritos
y dirigidos por veteranos de Thrones:
David Benioff y D.B. Weiss escribirán
cuatro episodios y dirigirán el final,
mientras que Miguel Sapochnik (dirigió
el episodio “Battle of the Bastards”) y
David Nutter (dirigió el episodio “Red
Wedding”) también estarán.
7
__ Una grabación enorme de nueve
meses inició en octubre de 2017
y concluyó en julio de 2018. Tuvo lugar
en Irlanda del Norte, Croacia, España
e Islandia.
8
__ Se reporta que es la temporada más
cara en la historia de la televisión,
con cada episodio costando 15 millones
de dólares, según Variety.
9
__ Peter Dinklage ha dicho que la mayor
batalla de la temporada, grabada
durante 55 noches consecutivas,
será mejor que la icónica Batalla de los
Bastardos. “Por mucho”, dijo Dinklage.
“No sabes lo que te espera. En serio”.
10
__ El final de Game of Thrones no
significa que será lo último que veas de
los Siete Reinos. Cinco spin-offs están
en desarrollo, con el piloto para una
precuela ocurriendo miles de años atrás,
escrito por Jane Goldman, grabándose a
principios del próximo año. JOHN NUGENT
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Mi cuerpo no está
hecho de madera
Mi cuerpo no está
hecho de cartón
Ni de seda…
Pionero plástico
El director Robert Zemeckis
explica cómo para Welcome
to Marwen creó un look
basado en juguetes.
historias elaboradas que ocurrían en su mente
entre las fotos que tomaba, y pensé: ‘Sólo puedes
hacer eso en una película’. Eso es lo que de
verdad me emocionó”.
POR ALEX GODFREY
El reto
DE BACK TO THE FUTURE a Who
Framed Roger Rabbit, Forrest Gump y The Polar
Express, el realizador Robert Zemeckis siempre
ha abierto brecha creando imágenes visuales
innovadoras para contar historias mágicas.
Welcome to Marwen promete continuar su
tradición al dramatizar la historia verdadera
de Mark Hogancamp (Steve Carell), quien
construyó un universo alternativo de muñecos
de la Segunda Guerra Mundial en su jardín
a fin de lidiar con el trauma de ser agredido
violentamente. Aquí Zemeckis nos cuenta
cómo le dio vida a esto:
Génesis
“Me topé con el documental Marwencol
en 2010. Habla del poder curativo del arte
y la imaginación. Creo que ese es el objetivo
del arte: darle sentido a cosas emocionalmente
complejas. Mark Hogancamp hablaba sobre estas
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DICIEMBRE 2018
“Antes de que Universal le diera luz verde al
proyecto, nos dio dinero para filmar una prueba
en la que Steve Carell interpreta al muñeco,
como para probar el concepto. Atomic Fiction,
la compañía de efectos visuales con la que
trabajo, desarrolló este proceso. Cuando todos
vimos lo espectacular que iba a ser el sistema,
nos dieron luz verde. En términos de traer a la
vida a personajes virtuales, va un paso más allá
de todo lo que se ha hecho hasta ahora”.
No es como que estábamos tratando de crear
humanos, sino algo intermedio. Nunca decido
hacer películas por una técnica, puesto que la
historia es lo primero. Pero aquí eso va junto y
pegado con la técnica. El espectáculo de las
cintas está enraizado en la idea de ver algo que
no notarás en la vida real”.
El proceso
“Los únicos problemas que tenía eran cuánto van
a costar las cosas y cuánto tiempo van a tomar.
Pero cómo vamos a hacerlo y cómo se verá el
producto final, no. Tenía una muy buena idea de
cómo iba a realizar esto. Desde el punto de vista
de efectos visuales, todo lo que he hecho en mi
carrera me preparó para esta película”.
El resultado
“La película fluyó mucho mejor de lo que creí que
iba a ser cuando decidí hacerla, porque he tenido
ocho años de avances tecnológicos. A estos
muñecos les inyectamos emociones humanas.
No distinguirás la diferencia entre lo que es
real y lo que es falso. Es una técnica de la que
estoy muy orgulloso”.
La meta
“Se supone que se vean como muñecos pero que
evoquen emociones humanas. Ese era el balance.
WELCOME TO MARWEN SE ESTRENARÁ EN CINES
EL 1 DE ENERO DE 2019.
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TRAILER PARK
ES MÁS FÁCIL ESTACIONAR UN 18
RUEDAS EN REVERSA QUE ELEGIR
QUÉ VER EN EL CINE O LA TV. PERO
UN BUEN TRAILER AYUDA.
VOX LUX
Parece algo que ya viste, una cruza entre
Neon Demon y Black Swan, de hecho lo
que se ve en el trailer recuerda mucho a la
última. El avance es fabuloso, entretenido
y te hacer querer ver la película.
SECRET LIFE OF PETS 2
El trailer que está en YouTube es exquisito
con todos los animales y sus problemas
emocionales. Seguro vamos a extrañar
a Kevin Hart, sin embargo trae
una liga para que veas la presentación
de otras mascotas.
TIEMPO DE
REFUGIADOS
Izabel Acevedo, directora de
El buen cristiano, nos cuenta
de este documental que
retrata el genocidio indígena
cometido en Guatemala.
POR LALO ORTEGA
THE BILL MURRAY STORIES, LIFE LESSONS
LEARNED FROM A MYTHICAL MAN
Alguien compiló los avistamientos casi
angélicos de Bill Murray. Es un
documental que habla justo de cómo
esos encuentros son transformadores.
ES COMO SI EL DESTINO se preguntara
por nuestra memoria histórica. Que el
documental El buen cristiano llegue a México
en estos días, parece responder a quienes se
cuestionan por qué alguien abandonaría su
país para cruzar a otro, caminando en las
condiciones más precarias.
Para nuestros vecinos del sur, en los
años 80 esa razón fue el genocidio, un crimen
que solemos asociar más con Europa y los
nazis hace tres cuartos de siglo, o con la
África noventera, aunque para la población
ixil guatemalteca sea historia reciente.
“Lo que sucedía en Guatemala era muy
grave, pero había tal represión que hay
poquísimo material”, nos cuenta la directora
guatemalteca Izabel Acevedo. Sin embargo,
la cercanía permitió a la prensa mexicana ser
de las pocas que documentaron lo ocurrido.
“En México se sabía porque la frontera se
llenó de refugiados políticos”, comenta.
La producción inició debido al juicio del
personaje principal en 2013, un hombre que
llegó a declarar que “un buen cristiano se
desenvuelve con la biblia y la metralleta”.
Se trata de Efraín Ríos Montt, el general que
tomó las riendas del país con el golpe
de Estado ocurrido en 1982. De ahí parte el
primer hilo conductor de la película, la
historia de Ríos Montt y sus allegados
enjuiciados, mientras las víctimas son
representadas en el testimonio de Francisco
Chávez, a quien Acevedo conoció como uno
de los testigos ixiles.
La segunda línea del relato son los
recuerdos sobre la represión que Chávez
comparte frente a la cámara con su hermana
menor, quien era muy pequeña en aquellos
tiempos para recordarlos.
“Me impactó emocionalmente lo que
contó, pues tenía la misma edad que yo
cuando sucedió”, señala la directora. “Como
niño, Francisco sintió que su misión era
preservar la historia de lo que le había
ocurrido a su familia”.
El juicio y los testimonios se intercalan
con imágenes de archivo de la época, todo
un reto de conseguir debido a la censura.
“Utilizo mucho material de un documentalista
holandés que logró filmar cosas insólitas”,
explica la cineasta. “Por ejemplo, estos
campos de concentración que llamaban
‘pueblos de desarrollo’”.
Es un documental con una clara
intención de formar memoria histórica, como
muchos títulos del cine latinoamericano de la
última década. “Los países con economías
estables tienen sus historias clarísimas. Hay
muchas películas de la Segunda Guerra
Mundial, pero de nuestras guerras no existe
nada”, señala Acevedo.
“Hay una necesidad de salir adelante,
pero hay que reflexionar sobre quiénes
fuimos y por qué”, aterriza la directora,
y esa es una visión esclarecedora sobre los
horrores que persisten muy cerca de casa y
que sin duda es necesaria para entender los
éxodos que en nuestros días presenciamos.
EL BUEN CRISTIANO LLEGA
A LAS SALAS EL 7 DE DICIEMBRE.
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EMPIRE platicó
con el compositor
vía telefónica el 29
de octubre de
2018.
La posesión
del compositor
Aldo Max Rodríguez nos dice
cómo hizo suya la música de
Belzebuth, el debut de Emilio
Portes en el cine de horror.
POR ANAID RAMÍREZ
PARECE UNA CINTA de crimen, pero
en las secuencias sangrientas de Belzebuth,
de Emilio Portes, hay algo que transpira horror;
quizá sea la mirada de los suicidas que
estelarizan, posiblemente la lúgubre fotografía
llena de sombras, tal vez sea la música que
escuchamos o la combinación de todo.
Justo este último aspecto es el que motiva
a EMPIRE a platicar con el compositor Aldo
Max Rodríguez, quien ha trabajado codo a codo
con Portes desde hace ya varios años, y no podía
dejarlo solo en la primera aproximación del
cineasta en el género de horror y suspenso.
“Habíamos trabajado otros géneros, más
la comedia”, cuenta Rodríguez. Ese cambio le
permitió al músico “explorar más hacia la
textura, a ciertas composiciones que no son tan
melódicas”, pues antes construía temas más
clásicos ejecutados con una orquesta de cámara
más tradicional.
“Utilicé algo a lo que llamamos técnicas
extendidas de los instrumentos, que son como
formas alternativas de tocarlos, con la idea de
generar texturas particulares que generaran
cierta incomodidad en el público”, explica Alex,
quien se apoyó principalmente de chelos
y violines para conseguir ese objetivo.
El filme sigue los pasos de un detective
llamado Emmanuel Ritter (Joaquín Cosío) que
investiga unas masacres ocurridas en la zona
fronteriza de nuestro país y cuyas víctimas son
siempre niños, pero resulta que todo está
relacionado con cuestiones religiosas
y sobrenaturales.
“Es un poco gore, no mucho, pero sí tiene
escenas muy crudas, y es más suspenso
policiaco”, define el compositor. ¿Te parece
interesante esta combinación?
BELZEBUTH SE ESTRENA EL 11 DE ENERO DE 2019.
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GUNN, RECARGADO
Después de Guardians, James Gunn firmó para dirigir
Suicide Squad 2, de DC. He aquí por qué es perfecto.
POR SEB PATRICK
Puede manejar un ensamble grande
La premisa de Suicide Squad se basa en
una dinámica disfuncional de grupo que
la película tuvo problemas para reflejar.
Las Guardians Of The Galaxy de James
Gunn no tuvieron ese conflicto. A Gunn
le encantaban los juegos entre personajes
ocurrentes como Star-Lord y los peleoneros
con déficit de sarcasmo como Drax, lo cual
provocaba una química burbujeante; hasta
figuras menores como Kraglin y Rhomann
Dey tuvieron dimensiones y arcos. Gunn es
más que capaz de no incluir a personajes
olvidables que plagaron la Suicide Squad
original (¿Recuerdas a Slipknot?).
Entiende la ambigüedad moral
Lo que hacía destacar a Suicide Squad de
otros superequipos es que categóricamente
no son héroes: son villanos asesinos
forzados a realizar un trabajo que no
quieren hacer. Aunque no tan malos,
los Guardians eran una banda de ladrones y
mercenarios —sin embargo, Gunn hizo que
nos importaran hasta los peores de ellos—.
La manera en que Yondu pasó de pirata
unidimensional al principio de la primera
película a una figura paterna trágica al final
de la segunda, seguramente presagia cosas
buenas para el tratamiento que le dará
Gunn a la galería de truhanes de DC.
Puede encontrar el tono correcto
Los cómics de Suicide Squad generalmente
son reconocidos por su mezcla de acción
violenta y humor negro que la película no
siempre logró —¿o tú recuerdas algún
momento?—. Pero Gunn tiene una
trayectoria probada para provocar
carcajadas con un tinte subversivo.
Guardians fue una película para toda
la familia que se acercó al meollo —¿la
mordaza de Jackson Pollock, alguien?—,
mientras que su oscura comedia de 2010,
Super —sobre un superhéroe deprimido
que se enfrentó a los abusadores de niños,
entre otros— lo atravesó serruchándolo.
Puede lidiar con una escala cósmica
Aunque las películas de los Guardians de
Gunn eran casi completamente cósmicas
en escala, mezclaban sus enormes
secuencias de acción con interacciones a
nivel humano y detalles mundanos sin ser
discordantes. Los cómics de Suicide Squad
han pasado de operaciones encubiertas en
Rusia en un momento, a una guerra con
todo tipo de armas contra los Nuevos
Dioses de Apokolips al siguiente. Si la
próxima Squad decide dirigirse al espacio,
como hicieron en una línea narrativa de
1987, Gunn estaría bien equipado para
el reto.
SUICIDE SQUAD 2 ESTÁ EN ESPERA DE SU FECHA
DE ESTRENO.
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MOSTRANDO HOY A LAS
ESTRELLAS DEL MAÑANA.
ROSASALAZAR
POR OLLY RICHARDS
¿Qué nos cuentas de Alita Battle Angel?
Alita es una chica cyborg con cerebro humano que
es descubierta en un tiradero y resucitada. Todo es
nuevo para ella y emprende un viaje de
autoconocimiento en el que descubre que es
extraordinaria. Me identifico con su historia de
origen. Es la chica que proviene de la escoria de la
sociedad y se siente insignificante.
¿Cómo fue tu audición para esta película?
Fue con el director Robert Rodriguez y el director de
casting. Hice que Robert llorara. Me dio una escena
muy emocional y me aseguré de no interpretarla
como robot. Es un ser humano con partes
cibernéticas. Así que llegué y la mantuve tan
aterrizada como pude, y eso le llegó. Lo otro que
recuerdo es que la sala de espera estaba llena
de actrices de todas las edades y orígenes étnicos.
Los realizadores buscaban con ganas.
¿el momento más loco de tu carrera?
Filmar esto. Me ponen un traje de captura de
movimiento con tecnología de punta, un casco con
un boom de titanio y dos cámaras dirigidas a mi
rostro, donde tengo 37 puntos. Soy tecnología
andando. Eso es una locura.
¿Quién es tu director de ensueño?
Me gustaría trabajar con James Cameron como
director [él es productor en este filme]. Me gustan las
cintas de arte, así que Yorgos Lanthimos es alguien
para quien me gustaría trabajar. Damien Chazelle.
Jordan Peele. Me encantaría hacer algo raro.
¿Quién es tu ídolo en la actuación?
Me encanta Lili Taylor. Es todo un arte ya sea en
película o en el escenario. Julianne Moore tiene un
rango increíble; puede hacer lo que sea.
¿Qué sigue para ti?
Una serie llamada Undone para Amazon.
ALITA: BATTLE ANGEL ESTRENA EL 14 DE FEBRERO
DE 2019.
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Cambios
en el ring
Por qué Creed II cambió
de directores, de un
experimentado veterano
a un nuevo contendiente.
POR CHRIS HEWITT
CUANDO RESULTÓ claro que el
spin-off de Rocky de Ryan Coogler (Creed,
de 2015) se ganaría una secuela, la pregunta
inmediata fue: ¿quién va a dirigirla? Coogler
no podía porque estaba comprometido con
Black Panther, así que quien regresó
triunfante a la silla de director fue Sylvester
Stallone, creador de la serie y director de
cuatro Rocky previas.
Pero el gusto le duró algo así como cinco
segundos. La silla estuvo vacía otra vez. Si el
boxeo es deporte de jóvenes, parece que
también lo es dirigir una película sobre
boxeo. “Me di cuenta que debíamos darle la
oportunidad a la juventud. Realizar este tipo
de película es agotador y este chico tenía una
gran visión y energía”, explica Stallone.
El chico es Steven Caple Jr., un novato
con sólo una película en su cinturón (The
Land, de 2016); sin embargo, llamó la
atención de Coogler, quien es productor
ejecutivo de esta secuela junto con Stallone.
A los 30 años, Caple Jr. es bastante joven.
Y también muy apasionado de seguir
la dirección de Coogler y compañía. “Ryan
me recomendó”, dice Caple Jr. “Hablé con
ellos sobre la importancia de tener un
director afroestadounidense que puede
entender y ser real con el personaje que
crearon Ryan y Mike (Michael B. Jordan).
Estamos tratando de asegurarnos que estos
personajes sean retratados de una manera
con la que nuestra generación se sienta
identificada, en especial la gente negra”.
Creed II es una mezcla interesante
de viejo y nuevo, con Dolph Lundgren
regresando al papel de Ivan Drago, el hombre
que asesinó al padre de Adonis en Rocky IV.
Ahora que es entrenador de su hijo Viktor
(Florian Munteanu), Drago se encuentra
en curso de colisión con Adonis y Rocky,
el hombre que lo derrotó en el ring hace
tantos años. “La vieja historia entre
Drago y yo ha sido pasada a nuestros hijos”,
comenta Stallone, quien coescribió el
guion con Cheo Hodari Coker. “Es un
tanto shakespeareana, si puedo decir eso
sin sonar presuntuoso”.
Claro que no. Para nada. Como el mismo
Shakespeare escribió, crea caos y suelta a los
Dragos de la guerra.
CREED II ESTÁ EN CINES.
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EMPIRE visitó
el opulento set de
Holmes & Watson
en Hampton Court
Palace, Londres,
un frío día de
febrero de 2017.
Elemental
Holmes
Sherlock regresa en Holmes & Watson.
¿Podrán Ferrell y Reilly volver fresco
y divertido al detective de Baker Street?
POR JOHN NUGENT
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DICIEMBRE 2018
AQUÍ TE VA UNA PREGUNTA
de cantina: ¿quién es el personaje
literario más interpretado en la historia
de la tele y el cine? Es, de acuerdo con
Guinness World Records, Sherlock
Holmes: tan sólo en los últimos cinco
años ha habido siete adaptaciones
diferentes para la pantalla, incluyendo
a un Holmes moderno (Sherlock y
Elementary), un Holmes mayor (Mr.
Holmes) y hasta un ornamento animado
Holmes (Sherlock Gnomes).
Holmes & Watson, un acercamiento
de comedia al detective creado por
Arthur Conan Doyle, podría parecer
que incursiona en un mercado saturado,
aunque se ha estado cocinando durante
más de una década.
“Comenzamos a escribir el guion
antes de la primera película de Robert
Downey Jr”, explica el director
Etan Cohen, “y ellos nos ganaron la línea
de salida”. “Estos personajes han sido
interpretados muchas veces en variantes
diferentes”, dice Will Ferrell, quien aquí
comparte créditos con John C. Reilly
como el asistente siempre sufrido de
Holmes. “En términos de conocimiento
de la audiencia, todo está en su lugar.
Es un buen punto para explorar la
comedia”. Así que aunque se trate de una
historia clásica de misterio y deducción,
la película le sube a los elementos de
comedia de compas, manteniéndose
sorpresivamente fiel a su fuente.
“La gente no va a creer esto, pero
estamos tratando de conservar las cosas
apegadas al canon de Sherlock de una
manera contraria a la lógica. Lo que
siempre es gracioso, y apegado al canon
de Holmes, es que la relación de amigos
en los libros es sólo una rayita menos
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PLÁTICA
DE ELEVADOR
CHRISTOPH WALTZ
Un Watson que
parece levitar
Lidias con muchas máquinas
en Alita: Battle Angel. ¿Hay muchas
máquinas en tu vida?
Soy muy competente. Uso una
aspiradora, una lavadora, lavaplatos
y tengo un celular inteligente
con el que no hago nada inteligente.
No soy tan fan de él. Ahora que
están por abolir las regulaciones
para la protección de la privacidad,
eso sí que es de miedo.
(John C. Reilly)
y Holmes (Will
Ferrell) encuentran
una calabazota
cómica / Esta
versión de la pareja
de detectives tiene
tiempo para un
Las máquinas están tomando el
control. Hasta en las películas.
Lo que están haciendo
te deslumbra. Me da gusto estar
en el tramo final de mi carrera,
porque para cuando llegue al final,
los actores serán obsoletos.
juego hermoso /
¿No parará nunca
Watson?
cómica que la que vas a ver en pantalla.
La manera en que Holmes trata a Watson,
la forma en que abusa de él, es
básicamente una comedia de bros. Nos
vamos a mantener fieles al modo en que
busca pistas y a su lógica. Nadie esperará
esto de lo que podrían pensar que es Step
Brothers 2”. Sonríe Cohen.
Es cierto: a pesar del acercamiento
hilarante, estos personajes están a un
mundo de distancia de Brennan y Dale de
Step Brothers . Cuando EMPIRE visitó el
lujoso set, tanto Ferrell como Reilly
estaban fabulosamente ataviados con
chalecos y corbatas victorianos, con el
opulento telón de fondo del palacio
de Hampton Court como anfitrión de una
elaborada e históricamente precisa “feria
angloamericana”. A cualquiera se le
podría haber perdonado que pensara
que se trataba de un drama de época
austero y no una comedia donde
un hombre hace body-slam con una
calabazota. La escena que vemos
—donde Holmes expresa horror porque
otro personaje ha osado dudar de su
deducción— sugiere que también
tienen dominado el inglés británico.
“Somos dos actores de comedia
estadounidenses interpretando a los
personajes más amados de la literatura
inglesa”, comenta Reilly tras un bigote
magnífico. “Así que como los trajes
y locaciones de época, intentamos que
los acentos resulten tan correctos como
sea posible sin que dejemos de ser
graciosos“. Son los mismos Sherlock
y John que hemos visto una docena
de veces antes, pero esta vez además
serán hilarantes.
Bueno, ya recrearon a Peter
Cushing en Rogue One.
Me sorprende que puedan hacerlo
legalmente. Estoy seguro de que
el Gremio de Actores está
trabajando como loco en regularlo.
Ya existe que sólo puedan usarte
para lo que firmaste. Para Alita, nos
escanearon y todo varias veces.
Pero eso sólo puede ser usado
para la película, aunque esa
información podría ser hackeada
y podrían realizar una película
con actores de toda la historia
del cine.
¡Podrías estar en Mary Poppins 14!
Preferiría ser el pingüino.
ALITA: BATTLE ANGEL SE ESTRENA
EN CINES EL 14 DE FEBRERO DE 2019
HOLMES & WATSON ESTRENA DICIEMBRE 26
DICIEMBRE 2018
23
РЕЛИЗ ПОДГОТОВИЛА ГРУППА "What's News" VK.COM/WSNWS
LA AGENDA
GRANDES TEMAS
BAJO LA LENTE DE EMPIRE
Bien lejos
de la alharaca
Terri White nos dice por qué
el contragolpe de la política
de género de A Star is Born
no llega a la marca.
LA HISTORIA ES ya parte del
folklore del cine y va así: Lady Gaga llega
para su prueba de pantalla como Ally,
el personaje principal en A Star is Born.
Tiene la cara cubierta de maquillaje. El
director y eventual coestrella Bradley
Cooper saca una toallita y la desmaquilla
por completo. “Sin artificios”, dice
(supuestamente).
Como ocurre con todo el buen
folklore en la era de Twitter, eso fue
aprovechado de inmediato para
respaldar el contragolpe que crecía
detrás de las reseñas de cinco estrellas
y la alegría de la taquilla, alegando que
A Star is Born tenía un problema con la
política de género.
Las quejas: que al personaje de
Bradley Cooper, la estrella country
Jackson Maine, se le dio tanto énfasis
como a Ally (la “estrella" de la película).
Que había un sexismo bajo el agua. Que el
alcohólico y drogadicto Jackson Maine
puede ser un patán.
Que Ally fue presentada como “fea”
y llena de inseguridades. ¿Por qué
aguantó todo y a él?
Este remake se mantiene muy cerca
de la historia de las versiones de 1937,
24
DICIEMBRE 2018
1954 y 1976: la de un hombre roto que
se desvanece y la estrella que asciende
de una mujer brillante.
Refleja bien los problemas (por lo
general relacionados con el género)
de la industria del entretenimiento,
tanto en esas versiones como ahora.
No se anda por las ramas al examinar
la masculinidad tóxica ni cómo esa
masculinidad es destilada en el rock
and roll y lo que pasa cuando un hombre
ya no tiene más.
Jackson Maine es, como admite él
mismo, defectuoso. En la brutal escena
en el baño, sabiendo el punto débil de
Ally, le dice: “estás bien pinche fea”.
Y mucho ha sido interpretado en eso
de haber sido descrita como “fea”, sobre
lo increíblemente ofensivo que es para
las mujeres. Pero el punto de la película,
y que deja claro la misma Ally, es que pasó
La brillante Ally de
Lady Gaga / Con el
director y coestrella
Bradley Cooper
como el complejo
y defectuoso
Jackson Maine.
su carrera en habitaciones con hombres a
quienes les gusta su talento pero no su
físico.
La película no intenta justificar
o excusar el comportamiento de Jackson.
Muestra la cara verdadera del mal
comportamiento. Y cabe recordar que
se supone que los filmes exhiban el
espectro total de la experiencia humana;
del carácter y la moralidad en todo su
rango. Jackson es un hombre con una
fractura profunda que lo parte por el
centro. Y si bien la narración
problemática se señala con bastante
razón en 2018, eso no significa que
no se puedan contar historias de aquellos
con problemas.
La fragilidad masculina está bajo el
microscopio, como las representaciones
cinematográficas de las mujeres. Eso no
significa que los personajes femeninos
tengan que estar perfectamente
delineados o que los hombres tengan que
ser completos. Las historias se
terminarían pronto si todos los
personajes tuvieran que estar a la altura
de los ideales de género.
Y un final que exasperó a algunos,
con Ally cantando una canción para su
esposo. Termina con él, discuten. Sin
embargo, ella es quien sobrevive. Él ha
sido completamente destruido por su
masculinidad de la vieja escuela, que
termina muerta al final del filme, lo cual
parece bastante más significativo que el
uso de una toallita desmaquillante.
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Es gracioso porque es real
Rafael Montero propone
una moraleja a las #Lady.
POR CÉSAR HERNÁNDEZ
EMPIRE tuvo una sentida plática con
Rafael Montero, el director de Cilantro
y Perejil, respecto de su más reciente
aventura cinematográfica, Lady Rancho.
¿Cómo se inserta en el cine
comercial actual una película ligera,
divertida y sin pretensiones como
Lady Rancho?
Pienso que el cine debe manejar dos
puntos esenciales y yo lo he tratado de
hacer en todas las películas que he
filmado: combinar la reflexión con la
diversión. Si logras fusionarlas
realmente, tienes una película que puede
impactar al público. Si tu cinta es pura
reflexión, aburres al público, y si es pura
diversión, saliendo del cine ya olvidaste
lo que pasó. En cambio si logras
conjuntar muy bien la diversión con la
reflexión haces películas que en un
momento dado motivan a la gente,
le dejas una semillita. Tampoco vas a
cambiar al mundo o la vida, pero yo creo
que Lady Rancho les deja algo tanto a los
jóvenes como a los papás.
Notamos que tus protagonistas son
hermosas y hermosos pero normales,
fuera de los estándares inalcanzables
comunes. ¿Cómo decidiste ‘castear’
a Danae, a Renata y a Hoze?
Bueno, a mí no me gusta hacer
audiciones tradicionales o
convencionales de ponerlos con una
cámara, que entren a actuar, digan sus
tres líneas y que pase el siguiente.
Prefiero conversar con ellos, es un reto
mayor descubrirlos de este modo. Yo ya
conocía el trabajo de Danae y de Hoze,
y en el momento de sentarte a platicar
con ellos ya no tienes que ver si actúan
bien o no, es una charla de “¿a ver cómo
está esa vibra?”, “¿quién es cada uno?”;
es saber si ellos se sienten a gusto
contigo, si tú te sientes a gusto con ellos.
En el momento en el que entró Danae
a la oficina, yo dije “¡ella es!” Cuando se
fue, Mineko (Mori, productora) y yo nos
miramos, nos leímos y no pudimos
quedarnos callados: “¡Es que ella es!”
Igual en el caso de Hoze y en el caso de
Renata. A veces como que se van
conformando los repartos de una
manera muy natural y mágica.
¿Consideras la improvisación como
parte del proceso?
En todas las películas hay que sumar,
y como hay mucha gente creativa en la
¿Qué quiere la
niña fresa? / Un
vaso de leche
recién ordeñada.
filmación —los técnicos de fotografía,
de cámara, la gente de sonido, los de
iluminación, los mismos actores,
muchas veces hasta los extras...
— es gente que tiene un punto de vista
particular y a mí me gusta escuchar.
De pronto está la opinión del cuate de
sonido, él está clavado en los diálogos,
y si la escuchas podría tener razón
porque él sólo está en el sonido y uno
como director está en la imagen, la
actuación y en el conjunto de todo lo que
está ocurriendo enfrente de ti. Por eso yo
procuro ser muy abierto, pero también
me gusta tener todo muy preciso, porque
cuando tienes todo claro puedes
improvisar de una manera muy creativa.
LADY RANCHO SE ESTRENA EL 4 DE ENERO.
DICIEMBRE 2018
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2
1
3
Los directores del
Spiderverso hablaron
por teléfono con
EMPIRE desde las
oficinas de Sony
Pictures Animation,
el 10 de octubre.
La amigable
Spidergente
del barrio
Los directores de Spider-Man:
Into the Spider-Verse nos
presentan a sus seis
lanzatelarañas.
POR JOHN NUGENT
26
DICIEMBRE 2018
1
Miles Morales/Spider-Man
(Shameik Moore)
Peter Ramsey, codirector: Hace algunos
años Marvel creó otra línea de cómics
con versiones alternativas de personajes
clásicos. La versión en Ultimate
Spider-Man era Miles Morales.
Bob Persichetti, codirector: La cinta
es una historia del origen de Miles,
un adolescente de Brooklyn mitad
afroestadounidense mitad
puertorriqueño. La historia de su vida
es muy diferente a la de Peter Parker
y la usamos como vehículo para
presentar el Spiderverso.
Rodney Rothman, codirector: Cuando
lo conocemos, es básicamente un chico
de 13 años que acaba de llegar a una
escuela nueva. Su relación con su padre
es cada vez más complicada, como cada
cosa en su vida; pero todo está por
volverse muchísimo más complicado.
2
Peter Parker/Spider-Man
(Jake Johnson)
Rothman: Nuestra línea era tratar a
Peter como un atleta de 40 retirado.
Carga con mucho kilometraje de vida y
un poco de sobrepeso. Tomamos a un
personaje muy querido e imaginamos
cómo sería su vida 10 o 15 años después.
Ramsey: Nos divertimos con la idea de
que todos conocen a Spider-Man. No
estamos diciendo que este sea el mismo
universo de las películas de Tobey
Maguire o Andrew Garfield —es más un
comentario sobre la ubicuidad de
Spider-Man en la cultura popular—.
Buena parte de nuestra cinta trata sobre
la presión de meterse en el papel de una
leyenda cuando esa leyenda ya existe.
3
Gwen Stacy/Spider-Gwen
(Hailee Steinfeld)
Ramsey: En los cómics clásicos de
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4
5
6
Spider-Man, Gwen era la novia de Peter
Parker y al final muere. Spider-Gwen es
una adición más reciente.
Persichetti: Viene de un universo
alternativo donde Peter Parker muere y
ella es quien es mordida por una araña.
Es casi una igual de Miles, pero ha sido
Spider-Gwen durante más tiempo y la
historia de su origen ya transcurrió fuera
de pantalla. Él la encuentra intimidante y
tiene que ganarse su respeto.
4
Peter Parker/Spider-Man Noir
(Nicolas Cage)
Es el Spider-Man de los años 30. Todo
blanco y negro.
Ramsey: Suele dejarse llevar por
emociones oscuras y melancólicas, y Nic
Cage puede encarnar esas actitudes y
ponerles un poco de humor. Fue uno de
esos momentos en los que el elenco le
agregó un nivel extra al personaje.
Persichetti: Nic Cage es el mejor actor
para decir esos diálogos tipo Raymond
Chandler. Es como un Spider-Man pulp.
Ramsey: Motivamos a los actores para
que pongan de su cosecha y estos
personajes canten con voz propia.
Este papel fue escrito con una voz muy
específica, pero Nic la tomó y la hizo suya.
5
Peni Paker/SP/DR
(Kimiko Glenn)
Persichetti: Proviene de un Nueva York
del futuro. Es una chica japonesaestadounidense y tiene un lazo psíquico
con una araña radiactiva.
Rothman: Visualmente, proviene de un
mundo como de anime. Sus poderes
están a la par de su robot compañero,
lo cual tiene sentido en el futuro.
Persichetti: Es una niña de nueve años
con un robot. Si no puedes divertirte con
eso, algo está mal.
Los coloridos
personajes del
Spiderverso
alternativo.
6
Peter Porker/Spider-Ham
(John Mulane)
Persichetti: Hubo un gran debate
sobre si hacíamos o no al cerdo.
Rothman: Es de un mundo de
caricaturas. Nos inspiramos en
animaciones 2D de los años 40 y 50.
Pesichetti: Es un producto de los viejos
cómics What If ? (¿Y si...?) de Marvel.
Nuestro reto fue “ok, es divertido, pero
tenemos que tratarlo como un SpiderMan verdadero”. Se volvió más
entretenido y complejo cuando
comenzamos a ponerle atributos de Peter
Parker a un absurdo cerdo de caricatura.
En su universo, él es Spider-Man. Tiene
que ser tan heroico y altruista como
los demás. Eso ayudó a aterrizarlo. De
una manera completamente ridícula.
SPIDER-MAN: INTO THE SPIDER-VERSE
SE ESTRENA EL 12 DE DICIEMBRE.
DICIEMBRE 2018
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Abrir caminos
en la arena
El Festival de Cine del
Puerto estrena sección:
Contra Campo Social.
POR ANAID RAMÍREZ
EN CUANTO ROMA, de Alfonso
Cuarón, se confirmó para ser parte de
la cuarta edición del Festival de Cine
del Puerto, con una función especial
en la playa, Nino Cozzi y Sebastien
Blayac, respectivamente director y
programador del certamen, notaron que
era momento de considerar una nueva
sección en la programación.
“Detectamos que Roma abrió como
una nueva línea de programación”,
explica Cozzi sobre el origen de Contra
Campo Social. “De entrada coincide con
esta marginación de segmentos, ya sean
sociales o de género, que nosotros
creemos que han tenido poca visibilidad
28
DICIEMBRE 2018
en la producción audiovisual en general,
no sólo cinematográfica”, reflexiona el
director del certamen durante la charla
telefónica que tuvo con EMPIRE.
La nueva sección estará conformada
por tres largometrajes: La camarista, de
Lila Avilés, que recientemente ganó el
Premio de la Prensa y el Ojo a Mejor
Largometraje Mexicano en el Festival
Internacional de Cine de Morelia; Niebla
de culpa, de Francisco Laresgoitti, sobre
el analfabetismo en México, y El ombligo
de Guie’dani, de Xavi Sala, un retrato
sobre la vida de las empleadas domésticas
en México desde la perspectiva de una
niña zapoteca.
“Esta poca visibilidad muchas veces
no tiene que ver con que no se retrate,
sino que se ve de una manera ingenua o
se enaltece a los personajes de manera
condescendiente, o de plano sí se
ocultan”, agrega Cozzi.
Para no dejar una reflexión abierta,
el director del festival da como ejemplo
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Sonríe a la
cámara / Un
instante de
la película
El ombligo de
Guie'dani /
Carlos Reygadas
a cuadro en
Nuestro tiempo.
el caso de una de las cintas seleccionadas
en Contra Campo Social.
“Hay una escena muy interesante en
El ombligo de Guie’dani: de fondo está
la cena de los propietarios de la casa, algo
que normalmente veríamos en primer
plano con una gran puesta en escena,
pero aquí están en segundo plano y lo que
destaca es la cena de estas mujeres
(las trabajadoras domésticas), que
normalmente están sesgadas no sólo en
la producción audiovisual sino también
en la vida de México”, aclara.
Cozzi asegura que esa es la idea que
desean reafirmar; abrir más historias que
representen a cualquier grupo de nuestro
país. “México tiene un problema
profundo de clasismo y de un claro
racismo, de marginación de la mujer, y el
machismo. Pero de pronto encontramos
cada vez más representaciones de estos
segmentos, y son retratos que de verdad
buscan una esencia, no verlos con una
mirada sesgada, sino estar ahí, en su
universo y mostrarlo”, detalla.
Contra Campo Social no pretende ser
una acción aislada; el debate parecería
algo inherente a los temas que abordan
cada uno de los tres filmes. Por eso,
dentro de las actividades de Horizontes
Compartidos, un encuentro entre
escuelas de cine organizado en el marco
del festival, habrá espacio para que
los autores compartan sus conclusiones.
“En los módulos de Horizontes
Compartidos se habla desde la estética
del cine como lenguaje y forma, hasta
temas de postproducción y exhibición
por gente muy preparada que ha
trabajado mucho en construir esta nueva
industria del cine mexicano, y tres de
ellos, el trío que presenta sus películas
en Contra Campo Social, van a dar una
ponencia sobre los temas de sus filmes”,
adelanta Cozzi.
Además de estas actividades,
durante el festival se realizarán funciones
en la playa de Nuestro tiempo (Carlos
Reygadas) y M, de Eva Villaseñor.
Asimismo habrá una sección de
competencia que constará de seis
cortometrajes y se premiará al mejor de
ellos con incentivos en especie y con la
estatuilla del festival, el Faro del Puerto.
EL FESTIVAL DE CINE DEL PUERTO SE
REALIZARÁ DEL 7 AL 9 DE DICIEMBRE
EN PUERTO ESCONDIDO, OAXACA.
El despertador de
Abby (Olivia
Wilde) ladra y
mueve la cola.
Así, roto, como
la vida misma
Dan Fogelman, de This is Us,
presenta su segunda
película, Life Itself.
POR ÓSCAR URIEL
LA TEORÍA DE QUE los seres
humanos estamos separados sólo por
seis grados (intermediarios) es sometida
a un perspicaz examen en el melodrama
de Dan Fogelman Life Itself, una
controvertida película que ha dividido
al público de manera concluyente.
“Soy de los que creen que las
relaciones humanas son experiencias
extraordinarias y hermosas. Me declaro
un optimista y un romántico incurable.
Vivimos en un mundo donde es más fácil
verse inmersos en la oscuridad y el
pesimismo. Coexistimos sumidos en el
cinismo. Me rehúso a aceptar esta
situación, por lo que trato de acentuar
el atractivo que encuentro en tener un
momento íntimo con mi esposa, por
ejemplo”, nos dice de modo tajante el
director Dan Fogelman al defender su
película de quienes han criticado su
trabajo como un melodrama sensiblero.
Paradójicamente, este
enfrentamiento se contrapone al éxito
irrebatible que tiene su serial This is Us,
el cual posee una estructura similar a la
de este largomentraje: piezas de relatos
románticos armados a destiempo
produciendo acertijos sentimentales que
el espectador debe resolver.
“Son raras las ocasiones en las que
tienes la oportunidad de leer un guion
con esta composición. Casi cada 10
páginas me preguntaba ‘¿qué está
sucediendo?’ La manera en la que Dan
estructura sus historias es muy singular,
además tenía muchas ganas de trabajar
con Oscar Isaac, un actor al que admiro.
Era una gran oportunidad, se trataba de
construir la relación romántica entre dos
personas a partir del dolor”, dice por su
parte Olivia Wilder, quien personifica a
Abby, heroína de la primera de las dos
historias románticas del relato.
“No paré de llorar cuando terminé
de leer el libreto. Audicioné para el
personaje de Isabel y cuando Dan me
informó que me había quedado con el
papel, llegaron la inseguridades.
Le pregunté muchas cosas al director
porque este personaje está delineado
a partir de la madre de Dan ¡Imagínate el
compromiso! Pero simplemente me pidió
que me relajara y que me dejara guiar en
el trayecto”, expone a su vez Laia Costa,
intérprete española que obtuvo
reconocimiento hace algunos años al
protagonizar la cinta Victoria.
El resto del elenco está integrado por
Annette Bening, Mandy Patinkin y
Antonio Banderas, entre otros. Cada uno
es una pieza de un rompecabezas que
completa dos historias románticas
sucedidas en lugares y tiempos distintos,
unidas apenas por un puente.
“Estoy consciente de que se trata de
una película distinta. Hay un juego de
tono al que le aposté, probablemente no
toda la audiencia entenderá el ejercicio
que me propuse, sin embargo jamás
pensé en hacerlo de otra forma. Creo que
al final todos queremos ver una historia
de amor en el cine”, concluye Fogelman.
LIFE ITSELF SE ESTRENA EL 21 DE DICIEMBRE.
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Luego del
aguinaldo
Regina Blandón y Gloria Stalina
están listas para defender sus
tuppers en Mirreyes vs Godínez.
POR ANAID RAMÍREZ
EL QUE NO HAYA hecho fila para calentar
su lunch en el microondas, que tire la primera
piedra. Pero lo cierto es que en ese momento todo
se vale, desde las pláticas para matar el tiempo,
formar el tupper, las indirectas contra los que
dejan el horno salpicado y las miradas
aniquiladoras para quienes abusan del uso de ese
bien común. Ahora ese duelo de miradas correrá a
cargo de Regina Blandón y Gloria Stalina, quienes
serán rivales de cubículo en Mirreyes vs Godínez.
Y es que en la nueva cinta de Chava Cartas,
los hijos del dueño de una fábrica de zapatos
—entre ellos el personaje de Blandón— llegarán
a las oficinas más altas del lugar para tratar de
imponer sus reglas, mientras que los trabajadores
—como el rol de Stalina— procurarán resistir.
“Michelle no es la típica mirreyna a la que
le vale madres todo”, explica Blandón sobre su
papel. La actriz asegura que el personaje que en
este filme interpreta “sí tiene este rollo de ‘voy
a aprender’; estudió diseño y todo, pero ha estado
sobreprotegida, entonces al momento en que no
tiene a su papá, todo eso por lo que ha estudiado y
por lo que en verdad cree, puede por fin explotar”.
Por su parte, Stalina le cuenta a EMPIRE que
su personaje, Sofía, es muy divertido, y que no le
costó trabajo apropiarse de él porque “la mayoría
en México somos godínez, personas comunes que
trabajamos en la oficina, salimos a buscar el pan
de cada día, a crecer y subir en la empresa. Es un
personaje más natural”.
Aunque las características que tienen en
nuestra realidad cada bando será lo que propicie
la comedia en Mirreyes vs Godínez, Blandón
asegura que su papel “no es una parodia o una
caricatura de (una niña fresa), sino alguien con
más capas de profundidad”.
Blandón, Stalina y otros miembros del elenco,
como Diana Bovio y Daniel Tovar, han
demostrado sus dotes en la comedia, por lo que
parece haber garantía de risas, y el director
refuerza esta idea: “Cuando nos dimos a la tarea
de encontrar a nuestros personajes, fue
divertidísimo, y creo que acertamos muy bien con
todos los chavos que tenemos en el elenco, porque
están increíbles”, asegura Cartas.
MIRREYES VS GODÍNEZ LLEGARÁ EL 25 DE ENERO.
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DICIEMBRE 2018
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Un sándwich para
compartir con toda
la oficina / Cuando
en la chamba el
catálogo de zapatos va
más allá / El jugo verde
para el desayuno es un
must godínez.
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EMPIRE platicó vía
telefónica con
Gaspar Noé el 1 de
noviembre de 2018,
mientras él se
encontraba en
Francia.
Ponche con piquete
Estos son los ingredientes
del nuevo y esquizofrénico
filme de Gaspar Noé.
POR ANAID RAMÍREZ
ENTRE LA MÚSICA
ELECTRÓNICA, la iluminación
neón y las crisis psicóticas de los
personajes que desfilan por Climax,
la nueva película de Gaspar Noé le
apuesta a aturdir tus sentidos, y lo logra.
El efecto que produce no es para menos,
32
DICIEMBRE 2018
pues la historia parte de una celebración
de bailarines cuyas emociones se
desbordan a causa de un ponche con LSD
y, aunque tienen las puertas abiertas, no
pueden salir del infierno en que se
convierte su academia. El director de
Irreversible y Amor 3D nos contó sobre
los ingredientes que utilizó para esta
perturbadora sangría, perdón, película.
MUCHOS PASOS
El realizador argentino es muy tajante
a la hora de definir su nuevo trabajo: “No
es una película musical”, dice. De hecho,
Gaspar confiesa que “me aburren los
Selva (Sofía Boutella)
quiere conocer lo
que hay detrás del
espejo, para saber si
ahí está la salida.
espectáculos de danza contemporánea,
por ejemplo; pero me gusta bastante esa
forma de expresarse tan libre”. Por eso,
los poco más de 20 personajes de Climax
se dedican a esa arte, y los intérpretes son
bailarines reales que trabajaron al lado
de la coreógrafa Nina McNeely.
SUSTITUYE ACTORES POR BAILARINES
Al ser bailarines y no actores
profesionales —con excepciones, como
Sofia Boutella—, Gaspar entregó a su
elenco referencias muy claras de lo que
esperaba ver. “Son chicos muy sanos, no
se drogan y beben muy poco porque son
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Un ponche poco
menos que radiactivo
⁄ A esta bailarina se
le perdió la alberca y
cada uno de sus
compañeros de baile
tiene una indicación
diferente para ella.
NO ES EL INICUO
Diablero: una serie fantástica en
el contexto mexicano.
POR LALO ORTEGA
muy cuidadosos con su cuerpo, y esta
es una película de desmanes y perdida
del control”, cuenta. Debido a esto les
preparó una sesión de audiovisuales:
“encontré en Internet todo tipo de videos
de raves, de personas que sufrían el
efecto del LSD y éxtasis. Fue una
compilación de dos horas sobre gente
totalmente psicótica”, explica
el realizador, quien también reconoce
la investigación que cada artista hizo
por su cuenta.
guion no pasó de las tres páginas.
“Estaba esperando a tener a todos
los bailarines para reescribirlo
conjuntamente con la personalidad de
cada uno”, cuenta el director, cosa que
le ayudó para después sacarle jugo a la
improvisación. “Conforme avanzaba el
rodaje, que se filmó de manera
cronológica, los chicos se sentían más
en confianza y proponían cosas,
diálogos y demás. La cinta se creó así
y con enorme libertad por parte de la
producción”, precisa.
GUION PEQUEÑO, LARGAS ACCIONES
En la charla, Gaspar confiesa que su
CLIMAX SE ESTRENARÁ EL 7 DE DICIEMBRE.
EN UN MUNDO POSTERIOR
a La casa de las flores e
Ingobernable, describir a una
nueva serie de Netflix como
“muy mexicana” es tan
ambiguo como absurdo.
Sin embargo, será por vía
de la fantasía y el horror que
Diablero, el próximo serial del
popular streaming, mostrará
un lado de México que aún
nos falta ver: uno de folclore,
misticismo y criaturas
sobrenaturales.
“Si algo tiene México que
llama la atención para el resto
del mundo es este universo
ecléctico que somos”, cuenta
a EMPIRE Horacio García
Rojas, quien protagoniza
como el “diablero” Elvis
Infante. “Reímos ante la
muerte, pero la respetamos.
Tenemos muchas texturas
y un bello mestizaje”, dice.
Pero a todo esto, “¿qué
es un diablero?” —y no, no
son los de la Central de
Abasto—. Son individuos que
capturan demonios, ángeles
caídos y otros entes
sobrenaturales para equilibrar
las fuerzas del bien y el mal.
La serie, basada en la
novela El diablo me obligó de
Francisco Haghenbeck,
traslada la acción de Los
Ángeles a la Ciudad de
México, por lo que estos seres
existirán en un contexto muy
nuestro, en pleno centro de la
capital, con todo y exorcismos
tanto en latín como en náhuatl.
“Mostramos a México
cómo es de raíz, desde la
cuestión de los santeros a
gente que le reza a la muerte”,
dice Christopher Uckermann,
quien interpreta a Ramiro
Ventura, un sacerdote católico
que de inicio duda de los
fenómenos inexplicables que
se le atraviesan.
“Hay esta cuestión de
tráfico de demonios y peleas
de gente poseída”, añade
Uckerman. Es en estos
mágicos bajos mundos que
entran las otras dos heroínas
de la serie: Keta (Fátima
Molina) y Nancy (Giselle Kuri).
“No les puedo contar mucho”,
añade García, “pero Nancy es
la que más trabaja con el
demonio”.
Uckerman espera que
Diablero sea punta de lanza
para contar en todos los
territorios más historias del
mundo hispano: “A mí me
interesaría saber de este tipo
de universos en Perú, o en
Brasil, donde tienen tanto
contacto con la selva
y la naturaleza”, agrega.
DIABLERO SE ESTRENA EN
NETFLIX EL 21 DE DICIEMBRE.
DICIEMBRE 2018
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¿A CÓMO
ESTÁ EL
LITRO DE
LECHE?
JEFF BRIDGES
Un productor, guionista y actor
que no se adapta a la lactosa.
POR DAN JOLIN
¿Cuál es tu primera memoria?
No sé si ser fotógrafo tiene algo que ver
con esto, pero las memorias están muy
arraigadas a las fotos que ves de ti cuando
eras chico. Tengo una de mí, creo que
tenía cuatro años: traigo puesto un
cinturón con pistolera, estoy abrazando
a un oso de peluche, parado frente a un
árbol que me encantaba trepar y en mi
cara hay una sonrisa intensa. Al ver esa
foto recuerdo la felicidad que sentía
cuando jugaba yo solo.
¿Cuál es la película que más veces
has visto?
Es un volado entre The Big Lebowski y
The Godfather. Cuando estoy viendo
la televisión y empieza Lebowski, pienso:
“Sólo veré un par de escenas”. Pero me
clavo. No puedo parar. Quiero ver a
Turturro lamer la bola, o a John
deshacerse de Donny. Admito que estoy
sesgado, pero creo que los hermanos
Coen son unos maestros. Hacen películas
maravillosas. The Godfather de Francis
tampoco está mal (ríe).
¿Alguna vez te han recitado tus
propias líneas de películas?
Claro. “The Dude abides” es la que más
me dicen. Mi amigo Bernie Glassman era
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DICIEMBRE 2018
un maestro
m
zen. Alguna vez me dijo:
“¿Sabías
ab que en muchos círculos budistas
The Dude
D
es considerado un maestro
zen?””. “¿De qué diablos hablas?”, le dije.
Contestó:
es “En serio. La película está llena
de koans”,
n que son preguntas zen que en
realidad
ad no puedes contestar
intelectualmente.
tu
Un koan famoso es:
¿Cuál ess el
e sonido de un aplauso con una
sola mano?
no Entonces hizo una lista de
todos los que
q había en la película y
sugirió quee escribiéramos un libro.
Lo hicimos.
s. Se llama The Dude and the
Zen Masterr. Uno de nuestros koans
favoritos es:: ““Esa es sólo, como, tu
opinión, hombre”.
m
Ese es bueno no
únicamente p
para decírselo a otras
personas, sino
o para ti
t mismo.
smo.
¿Cuánto cuesta un litro de leche?
Mierda, no tengo ni idea.
¿No te acuerdas de la escena de
The Big Lebowski en la que compras
un cartón?
Ah, espera. Me veo escribiendo un
cheque por… ¿Eran 93 centavos? Creo
que eso era. No sé si es correcto o no,
pero eso es lo que me viene a la mente.
(En realidad eran 69 centavos).
¿Cuál es tu animal favorito?
Creo que los cetáceos son maravillosos.
He pasado tiempo con John Lilly,
AHÍ
VIENEN
LIVING IN
THE
FUTURE’S
PAST (2018)
Este
documental,
narrado
por Bridges,
explora
la naturaleza
humana,
la ecología
y los retos
que enfrenta
el planeta.
PROYECTO
SIN NOMBRE
DE REED
MORANO
(2019)
Bridges
interpreta
a un violinista
enfermo
terminal que
regresa a vivir
con su esposa.
Diane Lane
es su
coprotagonista.
un científico que ha intentado
comunicarse con delfines. Los delfines
tienen cerebros más grandes que los
nuestros. No tienen pertenencias, hablan
entre ellos y son animales muy sexuales.
Nos preguntamos si hay criaturas en el
espacio y tenemos este animal viviendo
en nuestro planeta con un cerebro
enorme. Me parece que nos convendría
pasar un rato con ellos, ¿no crees?
¿Qué es algo que haces mejor que
cualquiera?
Em, ser Jeff Bridges.
Nadie se acerca siquiera.
Bueno, probablemente todos se acercan.
O tal vez todos son Jeff Bridges, ¡y yo soy
el que no se ha dado cuenta!
¿Cuál es tu chiste favorito?
Uno que le cuento a mis hijos: ¿Qué es
invisible y huele a gusanos? Un pedo
de pájaro.
¿Cuándo fue la última vez que
estuviste desnudo al aire libre?
Hoy en la mañana. Hice mis ejercicios de
espalda afuera. Es hermoso. Sólo sales en
pelotas y dejas que todo cuelgue a gusto.
¿Adónde vamos cuando morimos?
Mira, esto es lo que se me ocurre: vamos
a casa. Y casa es Dios… y Dios es verdad.
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PODRÁS
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36
DICIEMBRE 2018
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CINE
WIFI RALPH
++++
ESTRENO 23 DE
NOVIEMBRE / 112 MINUTOS
Phil Jonston y Rich Moore
John C. Reilly, Sarah Silverman,
Gal Gadot, Taraji P. Henson, Jack
McBrayer, Jane Lynch, Anthony Daniels
DIRECTORES
VOCES
Seis años han pasado desde
que Ralph y Vanellope se hicieron amigos.
Nuestro reencuentro con ellos no es,
de nueva cuenta, propiciado por una
buena noticia: algo amenaza el juego
de la pequeña, por lo que los dos
personajes deben viajar por el Internet, el
cual acaba de instalarse en las maquinitas
donde ambos viven. Pero la red es un
lugar peligroso, principalmente para la
autoestima y de manera consecuente
para la amistad. ¿Podrán nuestros héroes
sobrevivir a eso?
SINOPSIS
AUNQUE LA PRIMERA parte
de esta aventura es algo sosa, tuvo
muchísimos seguidores que vieron
con alegría la oportunidad de
volver a convivir con sus —eso sí—
entrañables protagonistas.
Ralph y Vanellope tienen seis años
de amistad, que suena bonito aunque
la rutina empieza a mermar el ánimo,
sobre todo en la pequeña Vanellope,
quien desde que la conocimos busca
aventuras y velocidad sin fin. Ralph está
feliz con la monotonía y la celebridad
que obtuvo en la primera película,
sin embargo lo que lo tiene más contento
es su amistad con la corredora
—que es lo que lo valida principalmente
ante sí mismo—.
Lo único que rompe la rutinaria vida
de los personajes de los juegos es la
llegada del Internet al local. “El
Demoledor” intenta entonces hacer
la vida de su amiga menos monótona,
y le reconfigura su habitual pista de
carreras en el juego Sugar Rush que ella
ya se sabe de memoria y que gana con los
ojos cerrados. No obstante, al intentar
la nueva desviación de Ralph, la pequeña
piloto descompone el volante de su juego
físico en las maquinitas del señor Litwak.
La ruptura del juego y la
imposibilidad de Litwak para arreglarlo
pone en peligro la estancia de Vanellope
en las maquinitas y, consecuentemente,
la única felicidad que Ralph conoce,
así que él decide viajar al Internet para
comprar en Amazon el volante roto.
Obvio hasta allá lo acompañará su
compañerita miniatura.
En Internet se encuentran
abigarradas el mayor número de
referencias de la película. Tantas son
que aquí es donde peligra la cinta en
cuanto al verdadero significado que
porta, uno muy importante y
bastante bien representado aquí
por los directores.
En primer lugar es necesario
apreciar la relación casi tóxica de Ralph
con Vanellope, en la que el valor que
“El Demoledor” siente hacia sí mismo
depende por entero de la relación
con la pequeñita.
Ya en el Internet, Vanellope conoce
a Shank, la piloto estrella del juego de
Slaughter Race, quien bien puede ser un
modelo a seguir, como una hermana
mayor, hermosa y peligrosa. Shank le
hace pensar en todas las aventuras que
se está perdiendo en las maquinitas
cuando en el juego de la chica tiene
acceso a aventuras ilimitadas.
Mientras tanto Ralph ha tenido que
hacer de todo, literal, para que, mediante
videos virales, consiga el dinero que
permita comprar el volante de Sugar
Rush. Cuando lo logra, el gigantón
descubre que lo único que lo sostiene,
la amistad de la pequeña piloto, peligra
porque ella definitivamente quiere
quedarse con Shank en Slaughter Race.
Aquí radica la genialidad de la
película ya que el ardido Ralph recurre
a un virus de computadora que hace
lo que hace en la vida real; toma las
inseguridades más profundas del usuario
y las multiplica, las amplifica y las
transforma en un ente capaz de terminar
con el Internet y con todo
lo que lo rodea.
Así que Ralph esta vez no sólo tiene
que lidiar con su falta de amor propio
e inseguridad sino que debe evitar que
su virus acabe con todo, principalmente
con su amiguita a quien tanto ama
y necesita. CÉSAR HERNÁNDEZ
Vale muchísimo la pena
apreciar el profundo esfuerzo por
hacer significativa esta historia
además de no sólo buscar referencias
y admirar el enorme y fabuloso cast
que presta su voz para esta maravilla,
desde Anthony Daniels hasta TODAS
las princesas de Disney.
VEREDICTO
DICIEMBRE 2018
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Ni se te ocurra darle el
pésame a Veronica
(Viola Davis) / Mujeres
juntas después de
enterrar a sus difuntos
/ La vida es eso que
pasa mientras estás
en el tránsito de
Constituyentes.
38
DICIEMBRE 2018
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CINE
WIDOWS
+++
ESTRENO AHORA EN
CINES/ 130 MINUTOS
Steve McQueen
Viola Davis, Michelle Rodriguez,
Elizabeth Debicki, Carrie Coon
DIRECTOR
ELENCO
En el inframundo criminal de
Chicago, cuatro hombres mueren
después de que un robo sale mal. Sus
viudas son forzadas a limpiar el desastre
y se embarcan en un atraco propio
—en el contexto de una carrera política
corrupta por el alma de la ciudad—.
SINOPSIS
CUANDO SE anunció por primera
vez, Widows parecía un proyecto
incongruente con nombres sacados de
una tómbola. ¿Steve McQueen, artista
ganador del Premio Turner y director
reconocido con el Oscar, adaptando una
serie de televisión de los 80, basada en
una novela de Lynda La Plante? Y sin
embargo, Widows funciona. Hay una
extraña alquimia que logra que sus partes
constitutivas disparejas encajen
—o al menos, que encajen una vez que
McQueen las moldea cuidadosamente—.
El resultado es una mezcla de prestigio
cinematográfico y entretenimiento
explosivo. Para aquellos que lamentan la
idiotización de los blockbusters, he aquí
uno con algo que decir.
Empieza de manera sencilla e
inteligente. A excepción de una toma
rápida de caricias pesadas, nos lanzamos
directamente a un atraco que salió mal,
filmado desde el punto de vista de una
camioneta que acelera, con la cámara
metida entre las balas que vuelan y las
llantas que rechinan. Quizá sea una
afirmación desafiante del director
—quien una vez llevó a cabo una toma
estática de 17 minutos en Hunger, de
2008— para recalcar que puede realizar
acción musculosa con buen ritmo y
edición rápida. Y no se equivoca.
Esa secuencia inicial establece la
premisa de inmediato: cuando cuatro
delincuentes de carrera mueren en el
atraco, sus viudas toman la batuta del
crimen para realizar el golpe de sus
vidas. Esa es la premisa básica, pero la
ambición de McQueen apunta más allá
del género, dilatando su lente para
incluir lo social, lo político y lo personal.
Ubicada en Chicago de 2008, el año en
que los asesinatos se incrementaron 15
por ciento, lo que comienza como una
cinta de venganza rápidamente se
expande en un tratado sobre la pobreza,
violencia, corrupción y policía y lo que
significa ser parte de una minoría en
la actualidad de Estados Unidos.
Hay algo de The Wire en la forma en
que la película cuenta un relato de
moralidad tan épica, y en cómo utiliza
una ciudad como metáfora pesimista y
un microcosmos de Estados Unidos.
La toma más sorprendente del filme
proviene de una cámara fijada al cofre de
un auto: mientras se escucha una
conversación ardiente sobre el poder
fuera de cuadro, pasan vecindarios del
sur y las calles se van transformando de
unidades habitacionales asoladas por la
pobreza a mansiones frondosas con rejas
cerradas, en una muestra de narrativa
visual sobre desigualdad y oportunidad.
Algunos podrían sentir que la
política interfiere con la trama, o que los
clichés de género no son transcendidos
del todo. Pero McQueen hace un uso
efectivo y eficiente de uno de los mejores
elencos del año. Daniel Kaluuya, en
particular, es frío y brillante —un asesino
calculador con el andar más aterrador
desde Patrick Bateman—. Sin embargo,
las mujeres son claramente las estrellas:
las cuatro que estelarizan, a su manera,
nos sorprenden, deslumbran y desafían.
Si tuviéramos que elegir a una, sería la
ejecución de Viola Davis, quien
hábilmente maniobra entre la
vulnerabilidad y una dureza indomable.
Pero llorar sí está en la lista de la
película y es casi inevitable
considerando su título; no obstante,
quienes esperen una cinta de atracos en
la tradición de Ocean’s 11 deberían
moderar sus expectativas. Al explorar la
pérdida, la inmoralidad y todo tipo de
dolores, es implacable y a veces sombría.
Aunque ese es el punto: como los autores
crudos del Nuevo Hollywood de los 70,
McQueen no casa las emociones baratas.
Él tiene algo que decir. JOHN NUGENT
Con la ayuda de un elenco
sorprendente, McQueen traza un
thriller emocional e inteligente que
contempla con aplomo la política
actual de Estados Unidos.
VEREDICTO
DICIEMBRE 2018
39
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CINE
CLIMAX
++++
AHORA EN CINES /
111 MINUTOS
Gaspar Noé
ELENCO Sofia Boutella, Romain Guillermic,
Souheila Yacoub, Kiddy Smile
DIRECTOR
Después de un ensayo exitoso,
una recién integrada compañía de baile
celebra su próximo tour en Francia
y Estados Unidos. Pero alguien le echa
un alucinógeno poderoso al ponche y
la noche se convierte en un muy mal viaje.
SINOPSIS
“¡DIOS ESTÁ CON nosotros!”, grita
Selva (Sofia Boutella) con el brazo al aire
como si fuera la Libertad liderando al
pueblo, al principio de la nueva película
de Gaspar Noé. Si tiene razón —los
eventos subsecuentes sugieren otra
cosa—, la deidad relevante es del tipo
vengativo y travieso que atormenta a una
compañía de danza por pura diversión.
A partir del inicio borroso estilo VHS
y la toma en picada de una mujer
ensangrentada luchando a través de la
nieve (la única toma del filme en
exteriores), es claro que la nueva cinta
40
DICIEMBRE 2018
de Noé es otro viaje bañado en sangre a lo
largo de nuestros impulsos más oscuros.
La película literalmente alinea sus
influencias en las estanterías que rodean
un televisor justo después de que
empieza el filme. Hay copias en VHS de
Suspiria, Un Chien Andalou, Salò and
Harakiri y libros de Nietzsche y sobre
Taxi Driver, Murnay y Fritz Lang. En la
televisión vemos tomas de bailarines
jóvenes y esperanzados que se presentan
ante las cabezas no vistas de una
compañía de danza que planea un nuevo
tour. Describen su amor por el arte
(total), su actitud ante las drogas
(flexible), y un hombre particularmente
guapo recibe una propuesta de un jefe no
visto: “¿Qué estarías dispuesto a hacer?”.
Corte al estudio de baile donde
la compañía ensaya su presentación.
El estilo de baile es atlético, tipo callejero
y sugiere temas oscuros. Muchos de los
bailarines evidentemente tienen
síndrome de hipermovilidad y se
especializan en actos que distorsionan
el cuerpo y huelen a agresión sexual.
Las formas enredadas recuerdan los
paisajes infernales de El Bosco. Así que
no es de sorprender cuando alguien le
echa algo al ponche y las rencillas
menores se vuelven pleitos enormes.
Lo que sigue es una locura oscura y
retorcida, en tomas largas y vertiginosas,
...en lo que terminó
esta vez el baile
coordinado de Payaso
de Rodeo.
a veces volteando la cámara literalmente
de cabeza o siguiendo a un personaje que
se retuerce y grita de modo desquiciado.
Noé se deleita con las consecuencias.
¿Qué pasa cuando caen las inhibiciones?
Todos estos jóvenes cuerpos chocan
juntos en la violencia, y la armonía que
mostraban al bailar se va al diablo.
La trama apenas existe, y a pesar de
sus imágenes obvias (una brillante
bandera francesa y las estanterías llenas
de alusiones), Noé no hace nada tan obvio
como mostrar un punto político claro.
Quizá haya un contraste deliberado entre
la burla sexista y sexualmente agresiva de
los hombres de la fiesta, y el hecho de que
son las mujeres quienes provocan más
caos. Tal vez es un comentario francés,
puntualmente, si consideramos las
repetidas imprecaciones para mostrar lo
mejor de la danza gala y la declaración de
que son “franceses y orgullosos de serlo”.
Pero cuando los bailarines se desgarran,
gritan al vacío y se lanzan de cuerpo
entero a la locura, quizá diga que lo que
une a la civilización es mucho más frágil
de lo que creemos, y ese caos siempre
está justo bajo la superficie. HELEN O'HARA
Te altera y enerva, pero la
cinta es tan energética y atractiva
como su elenco. En momentos la verás
con horror, pero no dejarás de verla.
VEREDICTO
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ACUSADA
+++
ESTRENO 7 DE DICIEMBRE/ 108 MINUTOS
Gonzalo Tobal
ELENCO Lali Espósito, Gael García
Bernal, Leonardo Sbaraglia
DIRECTOR
UN EXPRESIVO ROSTRO, en el que
se esconden numerosos enigmas,
es la faz que Dolores (Lali Espósito)
otorga con fuerza en Acusada, nuevo
filme de Gonzalo Tobal, quien contó
con una gran producción para
desarrollar esta historia policiaca
en la cual la esfera familiar de una
presunta asesina adolescente se
vuelve un cobijo íntimo, aunque
también una revelación de lucha por
mantener la paz de cuatro familiares
que han perdido la tranquilidad.
Dolores es la única acusada del
misterioso asesinato de su amiga,
por lo que enfrenta un escandaloso
y mediático juicio en su natal
Argentina. Pero además del proceso
legal, descubre el sentir de toda su
familia en la resolución de este caso.
Con esta película Tobal nos
adentra sin escapatoria al doloroso
proceso de una joven que no logra
separarse de sus sentimientos de
culpa, de los recuerdos, y que al
mismo tiempo busca tomar fuerzas
para enfrentar a toda una sociedad
que, más que la verdad —por lo que
realmente se debería luchar— quiere
a toda costa juzgar y formar parte de
un caso alimentado por el morbo.
La atmósfera de angustia y
tensión está muy bien enmarcada
por locaciones reales, donde los
actores Leonardo Sbaraglia (Luis),
Daniel Fanego (Ignacio) e incluso Gael
García Bernal, quien aparece como
el personaje de Mario Elmo, entre
otros intérpretes, logran enriquecer
el gran trabajo de la protagonista
para redondear esta narración
que toca diversas reflexiones sociales
mientras mantiene expectante
el corazón del público. ALA
Gran opción de cine
argentino para disfrutar de una
mirada diferente a un caso que bien
podría relacionarse con muchos
otros de nuestra realidad. Esta
ficción logra que mantengamos
los ojos bien puestos en la pantalla,
mientras miles de preguntas sobre
nuestro propio comportamiento
pueden rondarnos.
VEREDICTO
CINE
THE HOUSE
THAT JACK BUILT
++++
ESTRENO 7 DE
DICIEMBRE/ 155 MINUTOS
DIRECTOR Lars
von Trier
ELENCO Matt Dillon, Bruno Ganz,
Uma Thurman
Jack (Dillon) tiene dos
obsesiones: construir su casa perfecta,
así tenga que rehacerla mil veces, y crear
una obra de arte invaluable, aunque para
lograrlo deba asesinar con brutalidad
y aparente inteligencia. Aquí se sigue
a este hombre por 12 años de su vida.
SINOPSIS
PUEDE CAMBIAR el fondo pero
no la forma. Sin importar que se trate de
la culpa de una mujer ante la prematura
muerte de su hijo, el fin del mundo o de
una incurable ninfomaniaca, Lars von
Trier sabe cómo provocar a nuestra
mirada, estómago y pensamiento.
Esta vez no es la excepción y, de hecho,
prácticamente retorna a sus orígenes:
así como en su debut (The Element
of Crime), el cineasta danés vuelve
a explorar la premisa del asesino serial.
En The House that Jack Built,
Von Trier nos instala en la década de los
setenta para contarnos sobre algunos de
los asesinatos que Jack (Matt Dillon)
comete en un lapso de 12 años: parejas
sentimentales, desconocidos en
encuentros fortuitos, homicidios pulcros,
menores de edad y una larga lista sin
algún aparente patrón. Asimismo, vemos
al protagonista construir y derrumbar
obsesivamente una casa que no coincide
del todo con sus expectativas.
A partir de esos vértices, el director
empieza un ir y venir en el tiempo,
entre las memorias infantiles del asesino
y los crímenes que comete como adulto.
Pero esas premisas también le funcionan
al cineasta para plantear dilemas acerca
de lo que es el arte, la dialéctica entre
el bien y el mal, y la manera en que
funciona la psicópata mente de un
asesino, aspectos que se hacen presentes
en la narrativa a través de una discusión
en voz en off entre Jack y un tal Verge
(Bruno Ganz).
Las reflexiones que escuchamos son
tan penetrantes como la violencia
explícita de los asesinatos que comete
el personaje de Dillon o el humor negro
que algunas de estas escenas contienen,
claro que dichas anécdotas no serán
disfrutables para los rigurosos en
detectar y señalar lo políticamente
incorrecto, o para quienes no soportan
la crudeza visual y emocional que Von
Trier suele imprimir en sus cintas.
En medio de toda esa brutalidad,
la belleza aparece como contrapeso.
La armonía se hace presente a través
de metáforas visuales y de las
composiciones del fotógrafo de cabecera
de Von Trier, el chileno Manuel Alberto
Claro, además de los arreglos musicales
y la dirección de orquesta de Kristian
Eidnes Andersen, cuyo trabajo con el
cineasta es igualmente constante.
Si esta cinta fuera una casa,
definitivamente Von Trier no quiere
que nos sintamos cómodos en ella; sin
embargo The House that Jack Built, que
en algún punto se pensó como una serie
de televisión, nos ofrece un racimo de
reflexiones y apuntes intelectuales si no
cruciales, sí para debatir. ANAID RAMÍREZ
Moraleja: nunca
le abras la puerta
a extraños.
VEREDICTO Provocativa y sangrienta
pieza que el gran público puede no
disfrutar. Quienes no tienen problema
con la violencia explícita encontrarán
reflexiones y a un Lars von Trier que
entrega algo superior a sus lineales
volúmenes de Ninfomanía.
DICIEMBRE 2018
41
РЕЛИЗ ПОДГОТОВИЛА ГРУППА "What's News" VK.COM/WSNWS
CINE
SEÑORSABELOTODO
++
ESTRENO 25 DE
DICIEMBRE/ 69 MINUTOS
DIRECTORES Stéphan
Archinard y François
Prévôt-Leygonie
Ducret, Max Baissette de
Malglaive, Alice David
ELENCO Arnaud
A sus 35, Vincent Barteau
(Ducret) es un hombre exitoso en
las conquistas y también en su trabajo
como entrenador. Su estabilidad se ve
abrumada cuando debe hacerse cargo
de su sobrino Leo (Baissette de
Malglaive), un niño de 13 años
diagnosticado con síndrome de Asperger.
SINOPSIS
EL CINE FRANCÉS SE caracteriza
desde hace ya bastante tiempo porque,
al margen de las propuestas con mayores
pretensiones artísticas e intelectuales,
toma las fórmulas que Hollywood ha
usado hasta el cansancio y sin hacer
42
DICIEMBRE 2018
demasiados aspavientos, ni negar una
clara vocación por el entretenimiento,
les da la vuelta y ofrece un producto
inteligente y dirigible.
Ese es el caso de Señor sabelotodo,
cuyo título es una acertada traducción
literal del original (Monsieur Je-SaisTout), que ya se pudo ver en el pasado
y tradicional Tour de Cine Francés
y que muestra un punto de partida más
que conocido. Basada en la novela La
surface de réparation, de Alain Gillot,
sigue los pasos de un treintañero
divorciado (el Vincent de Arnaud Ducret)
que ve alterada su apreciada vida de
soltero y sus planes profesionales con la
llegada de su sobrino Leo (Max Baissette
de Malglaive), de 13 años, con quien
a pesar de sus reticencias formará un
inesperado vínculo y de paso se
redescubrirá como persona... típico.
Como imaginarás, no podría haber
película sin que cada uno de los dos
personajes tuviera algo especial por
aportar a la relación; en este caso Vincent
es un exjugador de fútbol metido
a entrenador de un equipo juvenil
y el chico tiene síndrome de Asperger.
Desde un principio llaman
la atención los contrastes entre
secuencias que muestran algunos alardes
técnicos con aire de gran producción,
y otras de evidente austeridad que son
precisamente las que permiten un mayor
desarrollo dramático y atención con
respecto al tema, en una historia que sólo
se viste levemente de comedia, pues
en realidad está mucho más recargada
en el drama, género en donde queda claro
que los directores Stéphan Archinard
y François Prévôt-Leygonie se sienten
mucho más cómodos.
Mención aparte merecen
las llamativas y fugaces animaciones
que de manera muy dinámica buscan
ejemplificar cómo es que funciona en
la mente de Leo, la comparación entre
el ajedrez y el fútbol, sirviendo como
punto detonante tanto de los momentos
de claridad que encuentra el niño con
respecto a las jugadas, como aquellos
en que algunos dilemas le ponen
literalmente en “jaque”.
Claro, también es cierto que al
apostar por seguir paso a paso los
lineamientos de una receta,
Creo que hay una
mosca en mi sopa.
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RODANDO HACIATI
+++
AHORA EN CINES /
107 MINUTOS
Franck Dubosc
ELENCO Franck Dubosc, Alexandra Lamy,
Elsa Zylberstein
DIRECTOR
El donjuán y mitómano Jocelyn
(Dubosc), con tal de salirse con la suya en
su próxima conquista, se hace pasar por
parapléjico. Aunque las cosas cambian
de rumbo cuando la joven objeto de su
afecto le presenta a su hermana, Florence
(Lamy), quien utiliza silla de ruedas.
SINOPSIS
el largometraje termina por ser bastante
predecible, tanto en las vivencias que
atraviesan los personajes como en el
desenlace mismo. Asimismo hay algunas
puestas en cámara, sobre todo aquellas
que se desarrollan en el campo de juego,
que no están del todo bien resueltas
y resultan algo inverosímiles,
principalmente por los alcances físicos
del protagonista.
Pero bueno, eso lo compensa la
agilidad del desarrollo y el planteamiento
de ideas para explicar de una manera
simple los trastornos del espectro
Autista, que nos refieren incluso
a estupendos relatos como Un extraño
en el Paraíso de Isaac Asimov, que usan
la ciencia ficción para motivar a la
reflexión. JESÚS CHAVARRÍA
Una comedia francesa que
a pesar de navegar como blockbuster,
conserva cierto trasfondo inteligente
y planea una entretenida, entrañable
y a veces divertida reflexión. Es la
opción para disfrutar una película
en familia y que todos respiren aires
no hollywoodenses.
VEREDICTO
ESCRITA, DIRIGIDA y
protagonizada por el comediante francés
Franck Dubosc, Rodando hacia ti es una
afortunada ópera prima y un ejemplo de
cómo se le puede dar la vuelta a fórmulas
que parecen gastadas casi por completo,
para ofrecer un producto inteligente y
divertido. Y es que aunque se trata de una
comedia romántica ligera que sigue los
lineamientos propios del género, incluye
una variante que no sólo da pie a muy
particulares enredos, sino que los hace
acompañar de una interesante lectura.
El protagonista es un exitoso hombre
de negocios, maduro y engreído, seductor
empedernido y mentiroso compulsivo
que, tras el funeral de su madre,
aprovecha la situación para hacerse pasar
por una persona con discapacidad y
conquistar a su joven y voluntariosa
vecina. Claro, que si de por si el asunto
ya era complicado, todo se pone peor
cuando la chica en cuestión busca
la manera de presentarle a su hermana,
quien también usa una silla de ruedas,
y emparentarle con ella.
Si tomamos en cuenta el tema al que
hace referencia la película , que pudo
llevarlo con facilidad a caer en la
literalidad, recurrir a los chistes burdos
y herir ciertas sensibilidades, llama la
atención que la comedia siempre se
mantiene dentro de los límites de lo
políticamente correcto. Esto en mucho
se debe a la sutileza del desarrollo, a la
honestidad con que se plantean los
chistes y al desempeño general del
elenco, quienes apuestan por la
naturalidad y evitan el aspaviento.
Hay que mencionar la enorme
química que existe entre los
protagonistas —la carismática Alexandra
Lamy cumple y con creces— y la
capacidad que tienen para delinear con
cuidado los perfiles de los personajes
y evitar que la ironía incluida nunca caiga
en la autoparodia y, por el contrario,
se convierta en el combustible para
impulsar las situaciones más entrañables.
Es cierto que quizás lo más
complicado y que no logran que funcione
del todo, son las pequeñas convenciones
necesarias para la solución de algunos de
los conflictos y sus consecuencias, amén
de que la trama termina por ser un tanto
predecible. Sin embargo, la agilidad del
ritmo es la encargada de salvar el
problema, además de que luce un
cuidadoso montaje. JESÚS CHAVARRÍA
VEREDICTO Estilizada
propuesta llena
de frescura y encanto, que sin
renunciar nunca a una vocación de
entretenimiento, se viste de cierta
reflexión y logra darle otro matiz a la
clásica receta de la comedia románica.
DICIEMBRE 2018
43
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CINE
PERFECTOS
DESCONOCIDOS
++ ++
ESTRENO 25 DE
DICIEMBRE / 101 MINUTOS
DIRECTOR Manolo
Caro
ELENCO Cecilia Suárez, Miguel Rodarte,
Mariana Treviño, Ana Claudia Talancón
Un grupo de amigos de toda
la vida proponen una dinámica distinta
para la hora de la cena: poner sus
celulares sobre la mesa y leer en voz
alta los mensajes que reciban cada uno.
No tardan en darse cuenta de que
no se conocían tan bien como creían.
SINOPSIS
“ES MUY MANOLO”, refirió Cecilia
Suárez en el Festival Internacional de
Cine de Morelia durante la alfombra roja
para la nueva película de quien la tiene
como su actriz de cabecera. Y sí, Perfectos
desconocidos posee varios de los
distintivos de Manolo Caro, aunque
tratándose de un remake tal vez sería más
adecuado decir que, por coincidencia o
destino, la original comparte mucho con
la visión del cineasta mexicano.
44
DICIEMBRE 2018
Quizá lo único en lo que no es “tan
Manolo” es en el breve título, que se
inserta en su filmografía junto a Elvira,
te daría mi vida pero la estoy usando y
No sé si cortarme las venas o dejármelas
largas. Más allá de eso, queda claro que la
prototípica Perfetti sconosciuti, de Paolo
Genovese, es el caldo de cultivo ideal para
los temas que interesan al también
creador de La casa de las flores.
La premisa es idéntica a la versión
italiana —y a la española, que también le
precede—. Unos amigos se reúnen para
una cena y surge un desafío: dejar los
celulares en la mesa y atender cada
llamada o mensaje ante todos, para
probar que nadie tiene nada que
esconder. El eclipse coincidente augura
una noche desastrosa, pues aunque se
conocen de toda la vida, salen a flote
mentiras y secretos que amenazan sus
amistades y matrimonios.
Caro sigue la trama original al pie
de la letra, con todo y gags, casi con
exactitud cronométrica (énfasis en
“casi”). Pero bien dicen que no se arregla
lo que no está roto, y si algo logra el
mexicano, es pulir esta historia
pertinente para todo aquel que se
relacione con la sociedad vía Facebook
y WhatsApp. Es decir, ¿quién no?
Sí existen retoques en el ritmo,
y esta adaptación mexicana pasa
¿Quién sabe qué
terribles secretos viven
en el celular de cada
quién? Y con esas
caritas...
necesaria tijera en algunos pasajes, por lo
que es más sucinta en los puntos que
deben serlo. Donde no, se toma su tiempo
(y una dosis de Timbiriche) para abrazar
los aspectos más inverosímiles de su
premisa y subirle dos rayitas a la
intensidad del melodrama, algo para lo
que su elenco tiene aptitud de sobra.
Sin mayores modificaciones, la cinta
encaja con comodidad en el cuerpo de
trabajo de Manolo Caro. Aquí también se
hace presente su universo citadino y
tragicómico de dobles morales visto en
sus otras películas en mayor o menor
medida, aderezado con su ya tradicional
dirección artística de colores saturados.
Lo cierto es que, en cualquiera de sus
presentaciones, Perfectos desconocidos es
una reflexión relevante sobre las formas
en que la tecnología se ha integrado, para
bien o mal, en nuestras relaciones y
también privacidad. Si no has tenido
oportunidad de ver las versiones
anteriores, la mexicana es un muy buen
punto de partida. LALO ORTEGA
Puede que esta nueva
iteración de Perfectos desconocidos no
traiga mucha novedad a la mesa, pero
el nombre de su director y el carisma
de sus protagonistas bastan para
acercar esta necesaria historia a las
audiencias mexicanas.
VEREDICTO
РЕЛИЗ ПОДГОТОВИЛА ГРУППА "What's News" VK.COM/WSNWS
ROBIN HOOD
++
AHORA EN CINES / 116 MINUTOS
Otto Bathurst
Taron Egerton, Jamie Foxx,
Eve Hewson
DIRECTOR
ELENCO
AUNQUE NADIE necesitaba una nueva
CINE
PÁJAROS DE
VERANO
++++
ESTRENA 7 DE
DICIEMBRE/125 MINUTOS
Ciro Guerra y Cristina Gallego
Natalia Reyes, Carmiña Martínez,
José Acosta, Greider Meza, John Narváez
DIRECTORES
ELENCO
A finales de los años 60, en la
Guajira colombiana se viven los inicios
del tráfico de drogas. La situación desata
un tiempo de bonanza pero también una
guerra que implica a familias wayuu
y sus tradiciones en medio de una
sociedad matriarcal.
SINOPSIS
MUCHAS PELÍCULAS tocan el
tema del narcotráfico pero en general
lo mitifican, y hasta glorifican los inicios
de esta actividad, sobre todo a los
protagonistas. En la realidad se trata de
un doloroso momento que sigue dejando
secuelas en muchas partes del mundo, en
este caso Colombia, y si se quiere ver,
toda Latinoamérica.
Pájaros de verano, nueva entrega
de Ciro Guerra (El abrazo de la serpiente),
ahora junto a la cineasta Cristina Gallego,
es única debido a su enfoque: deja de lado
la exaltación de criminales y cuenta con
maestría un pedazo significante de la
historia, dando el justo lugar a las
mujeres en esa sociedad, con la belleza de
una narración llena de cultura y tradición
pero pintada de sangre y dolor.
El trabajo exhaustivo realizado
por los directores otorga al público el
resultado de una apuesta cinematográfica
donde las imágenes, la música, las
locaciones meticulosamente escogidas
y las elaboradas actuaciones de Natalia
Reyes (Zaida), Carmiña Martínez
(Úrsula) y José Acosta (Rapayet),
quienes vivieron un proceso de
inmersión en la comunidad wayuu,
son granos de oro para contar
un momento de cambio, de trascendencia
y de sufrimiento que no termina pero
sigue enseñando a los que quieran abrir
los ojos a una realidad aún abrumadora.
Filmada, literalmente, contra viento
y marea, en un set que se construyó y
reconstruyó durante cuatro meses
en medio del inhóspito clima de la
Guajira colombiana, la cinta realizada
en 35mm retrata, con ayuda de la propia
comunidad wayuu y los habitantes
que participaron en el rodaje,
costumbres donde las mujeres, borradas
casi siempre de la historia, tienen un
papel fundamental en cada una de las
decisiones de la comunidad,
y la forma en que un incipiente negocio
se transforma en un capitalismo que se
desborda hasta la muerte.
Acción y drama se decantan
en un western donde el contenido
y la profundidad son lo fundamental
en esta lección de cinematografía,
pero también un concepto que se
vuelve universal.
La cercana investigación realizada
por los cineastas y la labor de
construcción del guion, y posteriormente
su paso a la pantalla grande, ha sido
motivo de ovación en diversos festivales y
premiaciones, como lo fue en su paso por
Cannes y en los Premios Fénix —donde se
llevó el reconocimiento a Mejor
película—, y le ha otorgado al director
una nueva posibilidad de competir por el
Oscar a Mejor película extranjera,
representando a Colombia. ANA LUCÍA
Lo temas
olvidados
por las
narconovelas
se exploran
en esta brillante
película
colombiana.
versión de la famosa leyenda inglesa,
Otto Bathurst (director del capítulo
“The National Anthem” de Black
Mirror, el del cerdo, pues) trae la suya.
¿La justificación? La nueva Robin
Hood se planea como una
aproximación distinta al mítico relato,
más oscura y escarbando en los
orígenes del personaje.
De esta manera descubres cómo
Robin of Loxley (Taron Egerton) se
enamora de la bandida Marian (Eve
Hewson), es enviado a la guerra,
pierde toda su riqueza y termina por
aliarse con Yahya (Jammie Fox)
—John, para los cuates—.
El planteamiento resulta
interesante y pareciera que busca
resaltar el discurso contestatario
que existen inherentemente en las
acciones del personaje, pues no sólo
roba a los ricos para darle a los
pobres; hay una crítica hacia el
autoritarismo, al costo de las guerras
y sus beneficiados y a los actos
violentos que los líderes religiosos
cometen “justificados” por su fe.
Momentos cursis, artificiosos
y predecibles aparecen para romper
con el desarrollo de la aventura y las
secuencias de acción.
Por otro lado, el diseño de
producción, los efectos visuales
y las tomas panorámicas permiten
ubicarte visualmente en la Inglaterra
de la Edad Media, sin embargo la
meta resulta inconclusa a causa del
departamento de maquillaje y
peinados, pero sobre todo por el
diseño de vestuario.
Estamos seguros de que seguirás
prefiriendo la animación de Disney
o The Adventures of Robin Hood.
ANAID RAMÍREZ
ALTAMIRANO
VEREDICTO Para presentar a
VEREDICTO Estamos frente a una
película necesaria y dolorosa, tanto
como la realidad misma. Se trata de
una cuidadosa perspectiva del mundo
de los narcotraficantes; una película
para entendernos, mirarnos
y reconocernos.
Robin Hood a los centennials;
momentos entretenidos y de
mucha acción, pero también
bastantes situaciones melosas.
Una opción como para verla con
tu hermanito, aunque deberás
dejar pasar varias inconsistencias.
DICIEMBRE 2018
45
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CINE
LIFE ITSELF
++
ESTRENO 19 DE DICIEMBRE/
118 MINUTOS
Dan Fogelman
Oscar Isaac, Olivia Wilde, Olivia Cooke,
Antonio Banderas
DIRECTOR
ELENCO
En Nueva York, Abby (Wilde) y Will (Isaac)
intentan dejar atrás los demonios personales para iniciar
una vida juntos y dar origen a otras —ella está
embarazada—. Sin notarlo, cada paso que tomen
repercutirá en otros continentes, personas y tiempos.
SINOPSIS
¿EXISTE UN NARRADOR confiable en una
historia? ¿Quién podría decirnos si realmente el villano
es el malo del relato y el héroe cumple con sus actos
heroicos? Sólo la vida misma tendría esa posibilidad,
aunque incluso también ella caería en subjetividades.
Esa premisa es el pretexto para que la voz que nos guía
—primero sonando como Samuel L. Jackson— por Life
Itself comience su trabajo y nos cuente los amoríos y
altibajos de los personajes que está por presentar.
De este modo descubrimos el fatídico matrimonio
de Abby (Olivia Wilde) y Will (Oscar Isaac) —no es
spoiler, conocemos al tipo en terapia—; los tormentosos
primeros años de Dylan (Olivia Cook); el honesto
amor de Javier (Sergio Peris-Mencheta) e Isabel
(Laia Costa) y la aparición en sus vidas de Saccione
(Antonio Banderas), además de los estudios en
Nueva York del español Rodrigo (Àlex Monner)
y sus traumas infantiles.
Lejos de los entrecruzamientos del tipo Alejandro
González Iñárritu, los relatos de Life Itself se muestran
más bien de manera episódica, y se nos aclara desde los
primeros minutos la relación entre la historia presente
y su predecesora. Pese a que hay un momento climático
en cada segmento, éstos no son rompedores —a
excepción de la primera historia—, por lo que la cinta se
desarrolla sin algún arco real, además de que te va
preparando para cualquier dato que pueda ser
revelador, así que tampoco esperes alguna sorpresa.
Sin riesgos narrativos ni cinematográficos,
Fogelman entrega un filme que apenas libra el margen
del aburrimiento gracias al trazo de sus personajes
y al respaldo que éstos hallan en el desempeño del
elenco. Asimismo, su universalidad contribuye
a que la cinta no decaiga; es fácil conectar con las figuras
y sus emociones.
Si bien el filme no resolverá la tesis del narrador
confiable, sí invita a pensar en los propios recorridos y
las consecuencias de nuestros actos: es sencillo que, al
menos en una ocasión, nos sintamos en los zapatos de
alguno de los personajes. ANAID RAMÍREZ
Lleva la caja entera de kleenex. Pese a que
la historia se desarrolla sin cuidado y ningún riesgo,
es efectiva en su propósito: provocarte las lágrimas.
VEREDICTO
46
DICIEMBRE 2018
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DICIEMBRE 2018
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CINE
MUCHOSHIJOS,UN
MONOYUNCASTILLO
++++
DIRECTOR
AHORA EN CINES /
90 MINUTOS
Gustavo Salmerón
SINOPSIS Los tres deseos que Julita
Salmerón pidió en algún punto de su vida
—muchos hijos, un mono y un castillo—
se cumplieron eventualmente. Este filme
construye el retrato de esa excéntrica
mujer a lo largo de una década.
“ESTO NO ES LO QUE la gente
quiere ver en una película”, asegura
Julita a su hijo, el director y actor
Gustavo Salmerón, quien la filma por
enésima vez en el transcurso de 14 años.
Ella mueve el dedo: “Sé lo que le gusta a la
gente, y no es esto”. Sin embargo, se
equivoca, lo cual resulta inusual para ella.
Y es que la película de su hijo, de la
que es la estrella indudable, ganó el
primer premio en una fuerte
competencia documental en el Festival
Karlovy Vary, donde también le gustó
a los críticos. Los documentales
48
DICIEMBRE 2018
de historias familiares pueden ser
difíciles de promover, pero Muchos hijos,
un mono y un castillo está destinado a ser
un favorito del público donde sea que
llegue a programarse o estrenarse.
Julita tiene algo de increíble, de
mágico, de ficción fantástica, de cuento
de hadas. Mientras la película pasa del
material en Super 8 y la cámara digital
a la cámara del iPhone, Salmerón
logra que Julita (¿o es la propia Julita
quien logra esto?) luzca como un
personaje que viviría en las animaciones
japonesas de Hayao Miyazaki.
El título del documental funciona
también como una historia de literatura
clásica infantil, y se refiere a los tres
deseos que Julita recuerda haber
hecho como recién casada: estaba
convencida de que todo lo que necesitaba
para ser feliz eran muchos niños, un
mono y un castillo.
Por azares del destino, Julita logró
obtener lo que soñaba. Literalmente.
Pero durante la década y media que
Salmerón filmó a su madre, se produjo
el colapso financiero mundial y Julita se
vio obligada a vender su amado castillo.
Es entonces que sus hijos vuelven para
ayudarla a empacar, y Julita expone más
detalladamente todo, desde su política
(vaga, confusa) hasta su matrimonio
(pragmático y sentimentalmente
Si hubiera pedido
muchos monos en vez
de hijos Julita
conservaría su castillo.
romántico), además de su filosofía sobre
la vida y la muerte (cambiante).
De repente llegan momentos
que insinúan que su excentricidad tiene
también un lado oscuro. A veces, de la
nada, su mente brillante y veloz se
engancha con algo de tristeza y declara:
“No soy la mujer que me gustaría ser”.
Pero aunque Muchos niños, un mono
y un castillo muestra a la familia en
tiempos difíciles y a Julita hablando
de su “sufrimiento”, se trata sobre
todo de una película que rebosa de
afecto, calidez y humor.
En Anna Karenina, las primeras
líneas de Tolstoi son “todas las familias
felices se parecen entre sí; cada familia
infeliz es infeliz a su manera”. Pero la
película de Salmerón, repleta de
chucherías como uno de los armarios
de su madre, contradice esto,
presentando un retrato cariñosamente
casual de una mujer extraordinaria
y la familia que hizo. Un clan que ha
descubierto su propia y única manera
de ser feliz. ARTURO AGUILAR
Se trataría de uno de los
documentales más interesantes y
entretenidos del año. Una mirada a un
personaje único que invita a reflexiones
de todo tipo, de la mano de una historia
y una familia peculiar.
VEREDICTO
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EL BUEN CRISTIANO
+++
ESTRENO 7 DE DICIEMBRE/ 120 MINUTOS
DIRECTORA
Izabel Acevedo
EL BUEN CRISTIANO es la crónica del
juicio, en 2013, en contra del general
Efraín Ríos Montt, expresidente de
Guatemala, acusado de genocidio
y crímenes contra la humanidad en
dicho país. Pero de otras cosas
también. El primer largometraje
de la guatemalteca Izabel Acevedo
es una llamada importante a no dejar
que un trágico, oscuro y polémico
pasado de su país se quede como
tema fantasma.
Este documental muestra una
serie de procedimientos jurídicos
y legales que ponen a la justicia en
segundo plano y ofrece reveladores
testimonios de los involucrados.
Asimismo, en el fondo es la historia de
una confrontación largamente
esperada: la de un sobreviviente frente
al victimario, el regreso a un momento
en el que la sociedad guatemalteca
atisbaba con esperanza un proceso
que ofreciera algo parecido a un
sentimiento de justicia: aunque sea
tarde, pero Efraín Ríos Montt tendría
que responder por las acciones del
ejército y gobierno que comandaba,
y que asesinaron a más de mil 700
indígenas mayas ixiles en los años 80.
La película recurre a material de
archivo y a entrevistas que la propia
directora realizó a abogados,
empresarios y víctimas indígenas,
con la finalidad de crear un fascinante
y complejo panorama del caso para,
finalmente, involucrarnos en
el escándalo del juicio mismo.
En este relato hay espacio para
diversas observaciones y digresiones,
como el autoritarismo amparado en
dogmas culturales y religiosos sobre
la obediencia, el discurso de
responsabilidad histórica y de
selección divina.
Acevedo hace un seguimiento
preciso del juicio contra Ríos Montt,
incluido el momento en el que se
anuncia la decisión de la Corte de
Constitucionalidad de anular, 10 días
después, la histórica sentencia que
había emitido la presidenta del
Tribunal Primero de Mayor Riesgo. AA
VEREDICTO Dale
prioridad. Interesante
cinta e importante sobre política,
justicia y derechos humanos.
CINE
THE MAN
WHO KILLED
DON QUIXOTE
+++
ESTRENO 7 DE DICIEMBRE/
132 MINUTOS
Terry Gilliam
Adam Driver, Jonathan Pryce,
Joana Ribeiro
DIRECTOR
ELENCO
Toby (Driver) es un director
perseguido por los recuerdos de cuando
era un joven cineasta idealista. Un
zapatero español (Pryce) tiene complejo
de Don Quijote. Los recuerdos y los
debrayes de cada uno dan como
resultado una épica surrealista.
SINOPSIS
¿QUÉ LE HACE EL CINE a las
personas? ¿Cuál es el impacto de estas
historias en los seres humanos, al grado
de perderse en la fantasía de dichos
relatos? Estas son las preguntas que
parece tratar de responder The Man Who
Killed Don Quixote, la más reciente —y
demandante— película de Terry Gilliam.
En la cinta Toby (Adam Driver) es un
director bastante desmotivado que se ve
arrastrado a un mundo de fantasía
cuando un zapatero español cree que en
realidad es Don Quijote; esto a partir de
que años atrás, cuando Toby aún era
estudiante de cine y preparaba su primer
filme, convenció al inocente zapatero de
interpretar al personaje de Cervantes.
Tal como se narra en el documental
de 2002 Lost in La Mancha, el intento
inicial de Gilliam por llevar a cabo su
cinta en 2000 fracasó de varias maneras,
lo que transformó el proyecto en una
catástrofe de proporciones míticas. Es
por eso que la historia detrás de cámaras
de esta cinta se asemeja a buena parte
a la trama del filme mismo, como un logro
lleno de desorden y con muchos tonos,
que se esfuerza por hacer que sus
interesantes pero a veces inconexas
partes se unan, pero en la que, pese
a todo, es posible observar un genuino
espíritu de reinvención.
Al mismo tiempo, es un proyecto
más personal que cualquier otro de los
trabajos de Gilliam: una acusación
contra las fuerzas capitalistas que
explotan a los narradores de historias
y la forma en que estos artistas acaban
un tanto atrapados en la locura.
Con la ayuda de Jonathan Pryce,
en un papel originalmente concebido
para Jean Rochefort, y Adam Driver,
como una versión más sutil de lo que
Johnny Depp tenía en mente para Toby,
el filme tiene más ramificaciones que
cualquier otro título de Gilliam. Es
descuidado y aficionado en partes, pero
siempre busca algo, lo que a menudo
resulta en un fascinante alebrije que
trabaja en una gran cantidad de ideas.
Por supuesto, como es una firma
en el cine de Gilliam, el reencuentro
entre Toby y su actor nos llevará por un
peculiar recorrido totalmente familiar
con la obra del realizador de Brasil y 12
Monkeys, donde la constante es la
confusión respecto a qué es realidad
y qué es fantasía.
Por supuesto, la película hace
digresiones y ofrece peculiares escenas
cargadas de absurdo y surrealismo.
Mientras avanza la trama, Toby poco a
poco se vuelve incapaz de distinguir los
sueños de la realidad. Y nosotros con él.
Como Pedro
Infante con
Luis Aguilar en
A toda máquina,
¿a poco no?
ARTURO AGUILAR
Aunque no tan logrado como
otros de sus filmes, esta personalísima
fantasía de Gilliam divierte y hace
reflexionar. El cineasta demuestra
su tenacidad para contar las historias
que realmente le interesa hacer.
VEREDICTO
DICIEMBRE 2018
49
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MI PEQUEÑO GRAN HOMBRE
+++
ESTRENO 7 DE DICIEMBRE/ 94 MINUTOS
Jorge Ramírez Suárez
ELENCO Fernanda Castillo, Jorge
Salinas, José Carriedo
DIRECTOR
LEÓN ES UN HOMBRE exitoso
y carismático que lo tiene todo,
excepto una estatura mayor a
1.40m, lo que para él no representa
ningún problema, aunque sí para
Carla, una guapa abogada que se
ve hechizada por el encanto de aquel
sujeto de negocios que la seduce
pero también le provoca un
conflicto emocional y, quizá,
un crecimiento personal, interno.
En 2016 y luego de ganar el
Oscar, Jean Dujardin protagonizó
junto a Virginie Efira la película
Un hombre de altura y ahora, dos
años después, el director Jorge
Ramírez Suárez (Guten Tag, Ramón)
nos entrega esta idea en un digno
remake, teniendo a la cabeza del
elenco a Jorge Salinas (León) y
Fernanda Castillo (Carla). Los
intérpretes logran un filme que no sólo
entretiene a toda la familia sino que
además regala mensajes sobre el valor
de las personas más allá de su
aspecto físico pero sin entrar en
momentos moralinos tediosos.
Los efectos especiales que hacen
que Salinas logre verse realmente
pequeño al lado de su coprotagonista
y todos los demás actores que lo
acompañan, entre ellos José Carriedo,
Claudia Goytia y Vico Escorcia
(quien ya nos había mostrado
su talento en Eddie Reynolds y Los
Ángeles de Acero), son detallados
y muy bien logrados, justo al nivel
para contar esta comedia romántica.
Irónicamente, la producción está
a la altura de las actuaciones, y en
conjunto entregan una historia que
queda justo al tamaño de las
expectativas. ANA LUCÍA ALTAMIRANO
Si se busca una opción
familiar para disfrutar, esta
es la película, pues se trata de
una anécdota donde la comedia,
la aventura y las lecciones se
mezclan en una buena apuesta
que no exige comparación
y que sin duda deja un agradable
sabor de boca en los espectadores
de todas las edades.
VEREDICTO
50
DICIEMBRE 2018
CINE, tv & streaming
ROMA
++++
AHORA EN CINES
SELECCIONADOS / 135 MIN
ESTRENA 14 DE DICIEMBRE
POR NETFLIX
Alfonso Cuarón
ELENCO Yalitza Aparicio, Marina de Tavira,
Nancy García García
DIRECTOR
Los primeros años de la década
de los 70 son de mucho movimiento en el
Distrito Federal y también dentro de una
casa de la colonia Roma, donde Cleo
(Aparicio) y Sofía (De Tavira) enfrentan un
momento crucial en sus vidas personales.
SINOPSIS
PARA SER LA MÁS personal de las
películas que Alfonso Cuarón ha
realizado hasta ahora, Roma tiene varias
capas que trascienden a los recuerdos
íntimos que el cineasta tiene de su
infancia al lado de sus hermanos, abuela,
madre y de Libo, su nana, a quien
abiertamente está dedicada esta historia.
Entre esos niveles de lectura que
Cuarón ofrece, destaca la preponderancia
de la figura femenina, tal y como lo hizo
en Children of Men y Gravity, sólo
que en este caso no se trata de una visión
posapocalíptica de la humanidad ni
de una crisis en una misión espacial,
sino de los personajes que representan
a la mamá y a la nana del realizador.
El director parte de un momento
determinante cuando Sofía (Marina
de Tavira) debe cargar sobre sus
hombros una separación y Cleo (Yalitza
Aparicio) lidia con un embarazo no
deseado y en soltería.
En ese aspecto, Roma contiene
diálogos sustanciales y dolorosos
del tipo “Estamos solas. No importa
lo que te digan. Estamos solas”,
que Sofía solamente puede enunciar
en una catártica borrachera, y que llegan
como alfileres a los oídos de una apacible
Cleo. El mismo efecto tienen algunas
РЕЛИЗ ПОДГОТОВИЛА ГРУППА "What's News" VK.COM/WSNWS
Tardes de juegos en la
azotea bajo el cuidado
de la fiel nana, uno de
los recuerdos de su
infancia que Cuarón
plasmó en esta cinta.
acciones por las que transitan las
protagonistas, desde un abandono
en la sala de cine o un abrazo desesperado
para una despedida.
Además de los desafíos femeninos,
Cuarón también pone el dedo sobre
la escabrosa y amplia brecha entre
razas y las clases socioeconómicas
en nuestro país. Si bien las dos surcan
la soledad y en la misma ciudad, el
transitar que cada una realiza revela
mundos completamente distintos:
la comodidad de los barrios
clasemedieros vs las carencias básicas
de las periferias emergentes, las
convivencias sofisticadas sobre los
festejos tradicionales, los disfraces de
astronauta contrapuestos a las cajas de
cartón sobre la cabeza y la imaginación...
Una tercera capa que encontramos
en Roma corresponde a una más banal,
pero no por eso es tratada con ligereza ni
deja de ser profunda. Y es que la nostalgia
está presente en cada cuadro y abraza
desde la cinefilia de la época, con las
grandes y vistosas construcciones
que antes eran los cines y las propias
cintas que se refieren en el relato, hasta
los sonidos y las postales urbanas que
corresponden a los años setenteros de la
capital del país.
El armado resulta efectivo y es muy
sencillo fascinarse por alguna de esas
lecturas. Sin embargo, pese a la
experiencia de Cuarón y de haber
demostrado con anterioridad su
capacidad de concreción en Gravity,
Roma de momentos se pierde en
artificios o referencias innecesarias:
un incendio en un bosque, un temblor
inoportuno e incluso la tan anunciada
secuencia del Halconazo, son algunos
de los momentos que sólo aportan
minutos a la cinta.
Si bien esto reduce la velocidad
del viaje, los paisajes que vemos y lo
que escuchamos hace del trayecto algo
placentero. La mezcla y edición de sonido
realmente te sumergen en cada uno de
los escenarios que sirven a esta historia,
mientras que las imágenes no dejan de
transmitirte esa sensación de mirar hacia
el pasado y también de belleza, gracias
a la mancuerna fotográfica que Cuarón
hizo con Galo Olivares.
Además de lograr que por momentos
sintamos los recuerdos de Cuarón como
propios, y convertirse en una cinta que
marcará la historia del cine del mundo
y del mexicano —entre otros hechos,
gracias a su exhibición en Netflix, sería
la película mexicana que a más países del
mundo llegaría—, Roma se siente como
un abrazo colectivo sobre la playa,
confortante y necesario. ANAID RAMÍREZ
VEREDICTO Aunque la disfrutarás en la
pantalla de tu casa, vale mucho más
que la veas en el cine. Roma nos
entrega a dos personajes femeninos
que se plasmarán en nuestro recuerdo
por su arco, pero es también una
experiencia sensorial que tocará
especialmente a los defeños de aquella
época. Quizá no es la mejor película
que Cuarón ha entregado, pero sí la
más emotiva, personal y la que más
destaca técnicamente.
DICIEMBRE 2018
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Como en el Metro:
el extraño de al lado
empieza la charla /
Billy (Bill Heck) es
petfriendly / Liam
Nesson esta vez no
perseguirá carros
sino caballos / Alice
(Zoe Kazan) en pleno
desierto.
52
DICIEMBRE 2018
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tv & streaming
THE BALLAD OF
BUSTER SCRUGGS
++++
ESTRENO AHORA EN
NETFLIX
Ethan Coen y Joel Coen
Liam Neeson, James Franco,
Zoe Kazan, David Krumholtz, Clancy
Brown, Tom Waits, Tim Blake Nelson
DIRECTORES
ELENCO
SINOPSIS Una antología conformada
por seis historias desarrolladas en el
Viejo Oeste: un pistolero que toca la
guitarra (Nelson) se topa con un oponente
de su altura; un ladrón de bancos
(Franco) se dirige la horca; un empresario
viajero (Neeson) se enfrenta a un
desinterés en su espectáculo;
un buscador de oro (Waits) excava un
antiguo paraje; una joven mujer (Kazan)
lleva a cabo un trágico viaje en tren al
oeste con su hermano y su perro; y cinco
extraños conversan en una carroza.
LOS HERMANOS ETHAN
Y JOEL COEN habrán crecido en los
suburbios de céspedes bien cortados en
Minneapolis pero nunca han estado lejos
de los paisajes vastos del Viejo Oeste.
Desde el escenario en Blood Simple hasta
su acercamiento de western desarrollado
en los 80 en No Country for Old Men, a su
True Grit y la intervención del vaquero
cantante en su última película, Hail,
Caesar!, ambos se notan verdaderamente
cómodos en la montura.
Esto no quiere decir que te los vayas
a encontrar en un rodeo o en un rancho.
Es el mítico y brillante oeste de la
pantalla grande el que les atrae, y eso
nunca ha sido tan evidente como en The
Ballad of Buster Scruggs, su más reciente
película. Visualizada como un libro
forrado en tela, con ilustraciones vívidas
al estilo de Frederic Remington, el título
18 en la filmografía de los Coen es una
carta de amor (en seis partes) a los
westerns de Hollywood.
Claro, siendo Ethan y Joel, hay
subversión, parodia y un humor poco
convencional. El segmento inicial —que
comparte nombre con el título de la
cinta— socava el Oeste Technicolor de
cielo azul de la Era Dorada con una
violencia estilo Peckinpah, cuando
Scruggs (Tim Blake Nelson) suelta seis
disparos con una sonrisa tan grande
como una herradura. ‘‘Near Algodones’’,
estelarizada por James Franco, juega con
el espaghetti western de Sergio Leone,
al poner una soga alrededor del cuello del
héroe, para entregar resultados irónicos.
‘‘Meal Ticket’’, que incluye el poco usual
doble acto de Liam Neeson y Dudley
Dursley (perdón, Harry Melling), usa el
entorno nevado del pueblo minero de
McCabe And Mrs. Miller, de Robert
Altman, como alegoría sobre el impacto
de YouTube en la cultura. Y el capítulo
de despedida, ‘‘The Mortal Remains’’,
le otorga a la Stagecoach de John Ford un
giro metafísico turbio.
En medio de este despilfarro de
diversión, también hay espacio para la
calidez y la humanidad. En ‘‘All Gold
Canyon’’, el buscador de oro Tom Waits
oculta la soledad de su situación cuando
llega a ese territorio bucólico virgen y
entabla un interesante diálogo con el
llamado ‘Sr. Pocket’ —la veta enterrada
de oro que espera desenterrar—.
Mientras que ‘‘The Gal Who Got
Rattled’’, el segmento más fuerte,
entreteje un romance inesperado entre
Zoe Kazan y Bill Heck, en pleno camino
de Oregon, complaciéndonos también
con una gran batalla en la pradera
blanqueada por el sol.
Las películas de antología no son del
gusto de todos y podrías preferir platos
fuertes en tres actos a un menú de
degustación, pero hablamos de los Coen.
Aunque las peculiaridades de ‘‘Meal
Ticket’’ podrían poner tu paciencia a
prueba, con Melling como orador
cuadraplégico cuya actuación oral es
repetida ad nauseam, no existe en
realidad un eslabón débil.
The Ballad of Buster Scrugg recorre
todos los sabores visuales del mítico
Oeste, en una cinta reimaginada por dos
realizadores que no dejan duda de que
entienden a profundidad cada
centímetro de él, desde el sombrero
vaquero hasta las espuelas. Este
compuesto entretenido te recuerda que
el género más antiguo de Hollywood
todavía está vivito y coleando. DAN JOLIN
VEREDICTO Lo hicieron de nuevo.
Los hermanos Coen toman otro
concepto loco y logran que funcione
con una serie de historias que te
divertirán y sorprenderán, incluso
provocarán tus lágrimas.
DICIEMBRE 2018
53
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TV & Streaming
KEVIN (PROBABLY)
SAVES THE WORLD
++++
ESTRENO DICIEMBRE
POR CRACKLE
3 / 40 minutos
CREADOR Tara Butters y Michele Fazekas
ELENCO Jason Ritter, JoAnna Garcia
Swisher, Kimberly Hebert Gregory
EPISODIOS VISTOS
Después de que un meteorito
cae cerca de la casa de Kevin (Ritter)
y él tratara de suicidarse, su “alma
guardiana” le anuncia que fue elegido por
Dios para ser uno de los 36 Herederos
que salvarán a la humanidad. Pero antes
de convertirse en héroe, primero tendrá
que arreglar su pequeño desastre de vida
y eso incluye regresar a su pueblo natal,
un poblado llamado Taylor, en Texas.
SINOPSIS
¿POR QUÉ SIEMPRE el rechazado
o el tipo que parece más incompetente
es el que tiene la responsabilidad en sus
manos de salvar a todo el mundo?
Por la simple razón de que la fórmula
funciona. No importa si es porque le
agrega más suspenso, la audiencia puede
54
DICIEMBRE 2018
relacionarse con sus fallas, burlarse
de los momentos idiotas que vive o
realmente detecta la evolución del
personaje. Por eso y un poquito más
Kevin (Probably) Saves The World es
muy entretenida.
Kevin (Jason Ritter) es un gran
protagonista, y su historia y forma
de ser tan tranquila y llevadera son
las que en un principio te harán ver la
serie, aunque conforme vayas avanzando
con los capítulos el personaje que
sostiene la comedia es el de Kimberly
Gregory, quien interpreta a Yvette.
Ella es la enviada de Dios para proteger
a Kevin en su misión de salvar a la
humanidad y encontrar qué pasó
realmente con los otros 35 Herederos,
que al parecer están muertos.
Es justo Yvette, y todo lo relacionado
con Dios, lo que la hará entretenida para
cualquiera que la vea, porque en lugar de
tomarlo como un rollo todo religioso y
que podría ser pesado para los ateos,
lo llevan al extremo opuesto para que no
termines odiándola. Tampoco se va a
la burla, por lo que los muy creyentes
no se sentirán ofendidos.
En cuanto a la evolución de la trama,
Tara Butter y Michele Fazekas utilizaron
la fórmula en la que cada capítulo gira
en torno a la historia de una persona
incidental que Kevin tiene que ayudar
Si Kevin no logra salvar
al mundo, al menos sí
hará feliz a un gatito
con ese rascador.
para poder conseguir más visiones sobre
el resto de los Herederos y convertirse en
una mejor persona, mientras que el resto
de los arcos de los personajes principales
se van desarrollando como lo verías en
una típica serie policiaca.
Probablemente conforme avances
en la historia tu cuestionamiento
de por qué Dios eligió a este tipo para
ser uno de los Herederos se irá
desvaneciendo un poco… Sin embargo
es justamente dicha pregunta la que
rondará a lo largo de esta primera
temporada, para que al final puedas ver
uno de los plot twist más inesperados
de una serie de comedia tan sencilla.
En cuanto a la producción, como
la serie transcurre en un pueblo
pequeño de Texas, no te vayas a imaginar
el gran cambio de escenarios o los
espectaculares efectos visuales,
simplemente obtendrás los dignos
de una sitcom, así que, si lo que buscabas
era una comedia visualmente atractiva,
olvídate de eso. ISA CISNEROS
VEREDICTO Es la serie que tienes que
ver cuando quieras estar relajado en
casa después de un día de trabajo
pesado: no te hace invertir mucha
atención, además te sacará una que
otra carcajada por los chistes tan
ingeniosos de su guion.
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THE FINAL TABLE
+++
ESTRENO 20 DE NOVIEMBRE POR NETFLIX
2 / 59 minutos
Asbrook
CONDUCTOR Andrew Knolton
EPISODIOS VISTOS
PRODUCTOR Robin
24 CHEFS DE diferentes partes
del mundo, en 12 grupos de dos,
compiten para saber quién es el más
flexible y el mejor en su manera de
cocinar alimentos de nueve diferentes
países y estilos culinarios.
A este punto la pregunta es:
¿hace falta otro programa de
concursos de chefs? La respuesta
obvia sería que no, pero nuestra
conclusión es que nunca sobra
otro programa de concursos
de expertos en cocina probando
sus habilidades culinarias
y resistiendo —o no— a la presión.
En The Final Table una pareja
de famosos chefs tiene que elaborar
un platillo típico de un país y será
juzgado por tres conocedores
provenientes del país en cuestión,
y tres equipos de los 12 que hay
tendrán el privilegio de pasar al
siguiente episodio por haber sido
los mejor calificados por el jurado.
Pero las cosas no son tan sencillas:
los responsables de decidir la calidad
de los platillos tienen también que
determinar qué otros tres equipos
no cumplieron con el reto.
Como parte de la dinámica,
casi todos los concursantes se retiran
durante el día, excepto los tres
perdedores del reto. Ellos recibirán
un desafío mayor por parte de un chef
celebridad que calificará su
desempeño en el reto y eliminará
a uno de los tres equipos. Así, con
cada programa se despide a un par
de chefs internacionales.
Los valores de producción
de este reality son bastantes, desde la
conformación de los módulos hasta
el trabajo de las cámaras y la
posproducción, lo cual viste
muchísimo el trabajo de los chefs. CH
Un programa más de
chefs no le hace daño a nadie y éste
menos. Verás a los más grandes
chefs del mundo tratando de
convencer a Martha Higareda o
a Julio César Chávez de que sus
tacos son los mejores, o a Miguel
Bosé probando paellas. Parecerá
cliché, pero en verdad es como
un viaje culinario por el mundo.
VEREDICTO
tv & streaming
CASUAL
++++
TEMPORADA 2
DICIEMBRE/POR CRACKLE
1 / 25 minutos
CREADOR Zander Lehmann
ELENCO Michaela Watkins, Tommy Dewey,
Tara Lynne Barr, Nyasha Hatendi
EPISODIOS VISTOS
Preocupada por la salud mental
de su hermano Alex (Dewey) –aún dolido
por su reciente separación–, Valerie
(Watkins) lidia con su día a día y construir
nuevas amistades, algo que no ha hecho
en años. Mientras, su hija Laura (Barr)
reacomoda su vida lejos del escándalo
sexual que no la deja volver a su escuela.
SINOPSIS
LA VIDA COTIDIANA es un campo
extremadamente fértil para la comedia.
Sólo observa con atención a las personas
con quienes convives todos los días
—sus preocupaciones, sus aspiraciones
frustradas, las nimiedades que convierten
en catástrofe personal, las tragedias que
realmente los marcaron—
y encontrarás los ingredientes perfectos
para hacer reír a cualquiera. Más
importante, verás que la risa es la mejor
manera de sobrellevarlo todo.
Eso parece haber pensado Zander
Lehmann cuando creó una serie a la que
le bastó un puñado de personajes
sinceros y girar un poquito las perillas
de la absurdidad y el drama para crear
una comedia que se siente orgánica
y genuina. Con mucha habilidad,
Lehmann escribió un guion donde
cada línea es parte de una receta para
soportar los bajones existenciales,
aprendiendo a burlarse de ellos.
Al inicio de su segunda temporada,
el programa que en 2016 estuvo
nominado al Globo de Oro para
la Mejor serie de comedia o musical nos
muestra a Valerie (Michaela Watkins),
Laura (Tara Lynne Barr) y Alex (Tommy
Dewey)intentando reconstruir sus vidas
fuera de la casa que ya se ha convertido
en el hogar de los tres.
Alex se aferra a una nueva filosofía
de superación personal con tal de no
enfrentarse a que todavía le duele
la relación que terminó; Laura busca
opciones para evitar un colegio privado
al cual no tiene intenciones de volver,
y Valerie, a punto de llegar al cuarto
piso, parece pelear con todo a su
alrededor mientras poco a poco se
da cuenta de que algo le falta.
Precisa, sarcástica y liviana,
la narración avanza lentamente,
haciéndote pensar que lo único que
le hace falta es que los capítulos
duren más de 25 minutos. En ningún
momento suelta ese sentimiento de
feel good film. Tampoco te abandona
la sensación de que, si ves el capítulo
siguiente, vas a terminar llorando
y sonriendo al mismo tiempo.
Debemos aclarar que no es una
opción para reír a carcajadas. Se trata,
más bien, de una historia que causa
la risa simple y honesta de las situaciones
sobreentendidas, asimiladas como que
así tenía que pasar y que, a pesar de todo,
la vida es bonita cuando realmente
aprecias a quienes tienes al lado.
A Valerie (Michaela
Watkins) y Alex
(Tommy Dewey) se
les apareció la
iguana.
ALEX RUELAS
Una comedia para quienes
disfrutan reír de la desgracia ajena
y, en el proceso, aprender a hacerlo
de la propia. Fácil de digerir, sin
excesos ni pretensión, es perfecta
para cuando quieres ver que el mundo
no es tan horrible como parece en tu
cabeza. También es una opción ideal
para acabarte un bote de helado
mientras lloras, y luego burlarte
serenamente de lo ridículo que te
veías haciéndolo en primer lugar.
VEREDICTO
DICIEMBRE 2018
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cómics
INJUSTICE:
GROUNDZEROVOL.1
++++
SALE A MEDIADOS
DE DICIEMBRE
La historia del videojuego
Injustice: Gods Among Us, esta vez
narrada a nivel de suelo por un personaje
con claroscuros que, a pesar de su falta
de superpoderes, ha sido fundamental
en la historia: Harley Quinn.
SINOPSIS
BAJO EL TÍTULO Injustice: Gods
Among Us, en abril de 2013 Warner Bros.
Interactive lanzaba oficialmente un
videojuego de peleas basado en los
personajes de DC Comics, al parecer algo
un tanto arriesgado dada la competencia
de este tipo de sagas, como las exitosas
Dead or Alive, Marvel vs Capcom, Mortal
Kombat o la clásica serie Street Fighter.
Y ante la pregunta de por qué no
continuar con la línea segura y exitosa
de la saga de acción en mundo abierto
iniciada con Batman: Arkham Asylum
(2009), la gente de la desarrolladora
NetherRealm Studios respondió
con una propuesta radical, la cual
involucraba a un Superman dictador
que buscaba imponer la paz haciendo
56
DICIEMBRE 2018
uso de sus capacidades físicas
incrementadas, estuvieran o no de
acuerdo las personas y sin importar
los métodos ni los gobiernos.
Durante los ya más de ochenta años
de historias de Superman, una pregunta
constante es por qué si Kal-El es el ser
más poderoso en la Tierra, no decide
aplicar la ley del más fuerte sobre los
habitantes del planeta. Y se suele
justificar su carácter democrático
y compasivo con la educación que recibió
por parte de sus éticos padres granjeros
y terrícolas, quienes le inculcaron los
valores del “American way of life”.
Injustice se desarrolla en un universo
DC alternativo, en el cual Lois Lane está
casada con el Hombre de Acero, de quien
espera un hijo, y Joker ha ideado su plan
maestro. Ayudado por Harley Quinn,
el Príncipe Payaso del Crimen asesina
a Jimmy Olsen y secuestra a Lois.
Superman rastrea a Joker hasta
un submarino, pero cae víctima de una
mezcla de Kryptonita y gas del miedo,
para en seguida darse cuenta que su
enemigo más letal, Doomsday,
se avalanza sobre él.
Para evitar víctimas en la Tierra,
Superman lleva al monstruo al espacio
mientras Batman y Wonder Woman
detienen a Joker. Ahí, el criminal les
confiesa que hay una bomba atómica
escondida en Metrópolis cuyo detonador
es el corazón de Lois.
Un Joker cuerdo
pretende hacerse
cargo de la seguridad
de Ciudad Gótica
y acabar con el
principal provocador
del desorden:
el Hombre Murciélago.
La bomba explota.
Doomsday era en realidad una
alucinación y Superman descubre que
ha terminado con las vidas de su esposa
y su hijo, y destruido Metrópolis.
De regreso al planeta, el Hombre de
Acero arranca el corazón de Joker y
decreta la paz, sometiendo a cuantos
gobiernos y ejércitos intentan oponerse.
Sólo un pequeño grupo de héroes
liderados por Batman intenta hacerle
frente con una táctica de guerra de
guerrillas. De eso se trata Injustice.
La historia de este enfrentamiento
se desarrolla a través de arcos separados
por años los cuales se pueden conseguir
en México; recientemente se publicó la
edición de lujo del Año V, y en estos días
llegará el primer tomo de Injustice:
Ground Zero. Además, en 2019 podremos
disfrutar de Injustice 2.
Ground Zero ofrece un acercamiento
nuevo a los acontecimientos del
videojuego, sin contradecir lo visto en los
cómics, pero bajo la óptica de Harley
Quinn. JORGE SALVADOR JURADO
Los gamers tienen la
oportunidad de adquirir una obra que
detalla aspectos del primer videojuego
y da paso al segundo, y los lectores de
cómics pueden seguir disfrutando de
este universo alternativo que, por
repetidos momentos, resulta más
sorprendente que el principal.
VEREDICTO
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MASS EFFECT REDEMPTION
++++
SALE A MEDIADOS DE DICIEMBRE
LANZADO EN NOVIEMBRE de 2007,
el concepto Mass Effect inició una
franquicia exitosa.
Esta propuesta de intrigas
galácticas y futuristas ha sido objeto
de una propuesta cinematográfica
en desarrollo cuyos derechos están en
poder de Legendary Pictures y Warner
Bros., además de algunas novelas y
cómics publicados por Dark Horse.
Como parte de la alianza de
Smash y Dark Horse, que ya cuenta
con publicaciones de Predator y
Hellboy, llega a México el cómic Mass
Effect, iniciando con Redemption.
Una característica de estos
cómics es que no siguen las historias
de los personajes principales, por lo
que no necesitas ser un gamer para
adentrarte en una buena lectura de
ciencia ficción. JSJ
cómics
AQUAMAN:GUERRA
PORELTRONO
++++
SALE A MEDIADOS
DE DICIEMBRE
SINOPSIS: Estados Unidos ha
bombardeado Atlantis, y el ejército de la
nación submarina lanza un ataque contra
la superficie. Ahora, Aquaman y los
miembros de la Justice League deben
poner fin a la guerra.
LAMUERTE DE WOLVERINE
++++
SALE A MEDIADOS DE DICIEMBRE
ADEMÁS DE LAS GARRAS, si algo
distingue a Wolverine es su factor
curativo, el cual lo vuelve casi
inmortal. Y aunque ha muerto en
universos alternativos como el
presentado en Days of the Future
Past, su rival más mortal fueron los
derechos cinematográficos.
Al pertenecer los derechos de
explotación de los mutantes en cine
a Fox, el naciente MCU en manos
de Disney obligó a los creadores de
Marvel a llevar casi al exterminio al
mutante en 2014.
Ante la inminente compra de Fox
por parte de Disney, los mutantes
parecen tener un segundo aire.
Como parte de tres tomos que
cuentan la muerte y resurrección del
personaje, llega el primero en una
edición de lujo que será una delicia
para los seguidores de Wolverine. JSJ
PROVENIENTE DE LA camada
principal de superhéroes de DC Comics,
aquella en la que se cuentan Superman,
Batman, Wonder Woman y Green
Lantern, Aquaman debutó en el número
73 de More Fun Comics, en noviembre de
1941, como una creación de Mort
Weisinger y Paul Norris.
La generación de justicieros a la que
pertenece, además de su condición de
hombre-pez y de soberano de una nación
submarina altamente exótica, le han
valido estar incluido en las batallas más
importantes del Universo DC, aunque
siempre como secundario.
Carga con el estigma que lo ha
caracterizado desde hace unos 50 años,
tal vez iniciado por la versión un tanto
bobalicona surgida del programa de
televisión The Superman/Aquaman Hour
of Adventure de 1967, como el “güerito”
bien peinado que habla con los peces
y viste de color naranja.
Y es que entre los héroes aventureros
como Tarzán o Conan, mientras ellos
representaban en sus personas el
exotismo que los ambientaba, Aquaman
era dibujado como un rubio promedio de
un estado blanco norteamericano.
Ahora, cercano a los 80 años,
Aquaman está por enfrentar su batalla
más grande: la pelea por la taquilla
cinematográfica mundial.
Si para todos es claro que la versión
del Rey de Atlantis diseñada por Zack
Snyder para el fallido Universo
Extendido de DC encontró en Jason
Momoa al intérprete ideal para renovar
al personaje y por fin darle la temeridad
que se merecía, los conocedores saben
que por lo menos desde 1994, con Peter
David como iniciador, se ha buscado esa
reinvención del personaje.
Para acompañar el estreno de la
película de James Wan, DC Comics
México edita Aquaman: Guerra por el
Trono, arco argumental en el que, dicen,
está inspirada la cinta.
El artífice de la historia es nada
menos que Geoff Johns, quien en su
abundante obra cuenta con historias
como Forever Evil, Batman Earth One,
Infinite Crisis, Justice League Origin (el
relanzamiento de la Liga dentro de la
continuidad New 52), Green Lantern:
Rebirth y Blackest Night, y la
multirreferenciada Flashpoint (con la
que se regresó a Barry Allen como el
corredor escarlata), entre mucho más.
Se ha anunciado que esta edición
Deluxe viene acompañada de arte
exclusivo para la película dirigida por
James Wan, arte conceptual de lo que
se verá en la pantalla, además de una
portada con el Aquaman de Jason
Momoa. JORGE SALVADOR JURADO
Empápate
de las aventuras
de este nuevo
Aquaman.
Aparte de algunos extras
que vuelven esta pieza una
memorabilia de colección en el marco
del estreno de la película, también
contiene una historia que se ha vuelto
canon para el personaje y por ello ha
tenido diversas adaptaciones, incluida
una animación.
VEREDICTO
DICIEMBRE 2018
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TU NUEVO FIEL AMIGO
SONY redefine al mejor amigo
del hombre.
gadgets
¿NOTEALCANZA
PARAELIPHONE X?
¡HAZ ELTUYO!
Es (casi) lo mismo, pero mucho
más barato aplicar el DIY.
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que tú solito armas y codificas. Sólo compras
el kit, sigues las instrucciones en línea
y tendrás un teléfono súper cooll hecho
h h con
tus propias manos.
La idea de la gente de MA
AKERphone
es poner la electrónica y la programación al
alcance de todos, haciéndola divertida e
interesante, y todo parece ind
dicar que Cositas
estaría orgullosa de ti.
Este teléfono móvil es completamente
funcional, y gracias a que lo puedes codificar
tú mismo, tienes la opción de elegir, por ejemplo,
los juegos que tendrá, como Space
S
Invanders,
Pong o Snake —efectivamente, no hay mucha
variedad, pero son clásicos y garantizan
g
buen entretenimiento—.
Lo verás muy austero, pero a este
aparatito le puedes agregar ap
pps, como
un media player customizado
o que sólo
te muestra videos de gatitos —¡tomen
—
mi dinero ya!—. La carcasa también
es customizada.
58
DICIEMBRE 2018
Este teléfono se programa en Arduino; es
decir, no necesitas ser un máster del desarrollo
porque ese lenguaje funciona como un lego
electrónico que se puede programar.
Además de la posibilidad de armar tu propio
teléfono según tus necesidades, con el
MAKERphone tienes la oportunidad de
aprender lo básico en electrónica, como soldar,
descubrir qué hace un resistor, cómo trabaja tu
smartphone, cómo codificar y también un poco
de computación física.
Aunque todos tenemos un teléfono en la
mano permanentemente, casi nadie entiende
su funcionamiento, sin embargo resulta
impensable vivir sin él. Con MAKERphone
tratan de enseñar a la gente que cada máquina
que vemos fue
f diseñada
di ñ d por un ser humano
h
no muy diferente a ti ni más listo que tú.
$94 dólares en www.MAKERphone.com
PARA DAR UN PASO más hacia ese mundo
perturbador y retorcido de Black Mirror, este
año Sony presentó a Aido, un perro robótico que
busca ser la mejor compañía para tus hijos o para
ti, ya que tiene los mismos comportamientos que
un can de verdad y hasta puedes jugar con él.
Aido trae consigo varios sensores que le
permiten interactuar como si fuera real. Tiene
una cámara con la que podrá esquivar obstáculos
e incluso un sistema de audio que le permite
reconocer voces, así que si lo llamas irá directo
a donde tú estás sin chocar con nada. Además
entre más tiempo pases con él, los sensores se
irán ajustando a que el comportamiento de Aido
sea como tú quieres.
Y si te preocupa que no vas a poder
acariciarlo
i i l o no seráá tan
t llindo como un perro, no
hay problema. A está inveención de Sony también
le encanta que lo acariciees, y puede mover la cola,
dormir, ladrar, además veenden juguetes
específicos para que te pu
uedas divertir con él.
Así que con Aido no ssólo no tendrás que
preocuparte de que vaya a destrozar tu casa
completa, se haga pipí do
onde no debe o recoger
excrementos, también dispondrás de una
mascota a la que podrás eenseñarle trucos
fácilmente desde la app y en ésta tener todas
las fotos de tu perro robó
ótico.
Una de sus desventajjas es que deberemos
esperar un par de meses para que llegue a
México. Mientras, puedes ahorrar para tener
tu perro robótico, que prometemos no se
transformará en uno com
mo el de Metalhead.
$2,899.99 dólares. Ve tod
das sus funciones
y cuándo estará en México en aibo.com.
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WHAT’S THE MATRIX?
Aquí es donde le ponemos título
alternativo y clasificamos todo lo
que verás en cartelera este mes.
sorprendente
CASUAL
Leve pero mortal.
SR. SABELOTODO
El señor rata.
PÁJAROS DE VERANO
Antes del Señor
de los Cielos
THE MAN WHO KILLED
DON QUIXOTE
¿Y Sancho Panza?
ROMA
Todos los caminos
q
que llevaron a Cuarón
de regreso.
RODANDO HACIA TI
Piernas pa' que las quiero.
BUSTERS SCRUGGS
Dos horas de balazos.
WIDOWS
No podían estar más
contentas.
clavada
palomera
THE HOUSE THAT
JACK BUILTS
Echándole otro pisito
a la casa.
WIFI RALPH
El Internet de las cosas.
AQUAMAN
No lo conocen
en Iztapalapa.
FINAL TABLE
Oootro programa
de chefs.
EL GRAN ASALTO
De nuevo Ni
Nicholas
Cage.
D
h l C
CH
EL GRINC
No está solo odiando
la Navidad.
PEQUEÑO GRAN
G
RE
HOMBRE
Abusadillo desde
chiquillo.
LOS HIJOS DEL REY
Los cuida la Chule.
ERFECTOS
PE
SCONOCIDOS
DES
é confiancitas.
Qué
HIJOS, UN
MUCHOS H
N CASTILLO
MONO Y UN
ería!
¡Lote
KEVIN PROBABLY
SAVES THE WORLD
El que no conoce
a Dios...
LIFE ITSELF
Qué complejo
es casi todo.
ROBIN HOOD
A quién le va a dar las
dos horas que me robó.
EL BUEN CRISTIANO
Un monstruo
de la vida real.
ACUSADA
Todos me miran feo.
BELMONTE
Me quedé igual que tú.
CLÍMAX
Se armó el slam.
BUMBLEBEE
Cupido motorizado 2.
SPIDERMAN: UN
NUEVO UNIVERSO
Split pero con arácnidos.
predecible
DICIEMBRE 2018
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LA MONEDA ESTÁ EN EL AGUA: ¿SERÁ AQUAMAN EL PRÓXIMO ÉXITO QUE
60
DICIEMBRE 2018
TEXTO: ÓSCAR URIEL/ JACKIE WEISSNER
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TA NTO R EQUIE RE E L U NI VE RSO DE DC ENT ERTAIN MEN T ?
POR OSCAR URIEL
DICIEMBRE 2018
61
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LA LEYENDA URBANA DICTA
que el realizador James Wan tuvo la
oportunidad de elegir entre Aquaman
o Flash para ingresar como director
de una película de superhéroes en el
universo de DC Entertainment.
Wan optó por el monarca de Atlantis
al considerarlo un protagonista un tanto
retraído y particular, incluso en ese
espacio habitado por personajes
extravagantes; un outcast, como
seguramente sería denominado por
la sociedad norteamericana actual.
“Mi objetivo siempre fue hacer una
cinta de superhéroes que no se hubiera
visto antes, con un diseño de producción
totalmente distinto a lo que estamos
acostumbrados a ver y creo que el mundo
de Aquaman me permitía esta coyuntura.
Considero que dentro del género hemos
visto muchas cosas por lo que las
películas se pueden volver un tanto
repetitivas. Mi propósito fue hacer algo
completamente diferente. Creo que mi
aproximación se acerca más a los filmes
tradicionales de ciencia ficción y fantasía
que aquellos protagonizados por
superhéroes”, comenta Wan a EMPIRE.
DE GAME OF THRONES A REY
DELMUNDODEATLANTIS
PERO VAYAMOS POR PARTES
.
De acuerdo a la mitología presentada
por DC Entertainment, Wan heredaría
al actor Jason Momoa en el rol estelar
de la historia, en una producción que
explicaría la leyenda del monarca
de Atlantis.
“En esta película el público tendrá la
oportunidad de ver a Arthur Curry en su
proceso de transformarse finalmente en
62
DICIEMBRE 2018
Aquaman”, asegura el realizador. A decir
de Wan, la historia abarca periodos de
importancia en el mito del personaje,
como su infancia, pasando por la
adolescencia, incluso se presentarán
algunos antecedentes de cómo sus padres
se conocieron, enamoraron y lo que
sucedió después.
“Es un personaje que a temprana
edad fue víctima de una tragedia que
cambió por completo su vida. Esta
desgracia que experimenta se transforma
orgánicamente en sentimientos de ira o
coraje, pero los irá modificando con el
paso del tiempo”, aterriza.
La trama básicamente va de cómo
este personaje se convierte de un simple
guerrero en todo un rey soberano. “Es un
mestizo que prácticamente tuvo que
valerse por sí mismo desde que era
un niño, por lo que existe cierta
complejidad en este personaje no
exteriorizada en Justice League, la cual
tratamos de exhibir en esta producción”,
nos cuenta en entrevista exclusiva por su
parte Jason Momoa, quien fue el
intérprete designado por los productores
para encarnar a este popular personaje
del mundo de los cómics que demoró en
llegar propiamente a la pantalla grande.
Y es que Aquaman es un protagonista
cuyas particularidades le han impedido
encontrar un vehículo propio para
presentarse en el cine. A diferencia de la
mayoría de los personajes del universo
de DC, este superhéroe vive en Atlantis
conviviendo en un entorno totalmente
distinto al de los demás, sin contar que el
superhéroe en cuestión también ha sido
objeto de sarcasmo desde su concepción,
El director James Wan
orienta a su elenco /
Cuando juntas tus
manitas y le rezas a las
deidades marinas /
La acción correrá a
nivel azotea y en las
profundidades del
océano.
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y lo cual se ha extendido a lo largo de
décadas a causa de sus graciosas
propiedades, incluso dentro de los
círculos de los más puristas del mundo
de las viñetas.
“Tenemos que darle crédito a Zach
Snyder sobre su versión de Aquaman.
Básicamente él es responsable de que yo
esté interpretando a este personaje.
Zach hizo una investigación profunda
que tenía que ver con indagar en los
cómics y, a partir de esta exploración,
crear una versión que fuera atractiva
para la audiencia de hoy. Una vez
esbozado el personaje, fue él mismo
quien me habló, pues era fan de Game
Of Thrones”, agrega Momoa, quien reveló
públicamente en octubre de 2014 que
caracterizaría a Aquaman; sin embargo,
también manifestó en ese entonces
desconocer si la producción individual
del superhéroe se realizaría antes que la
serie de películas de Justice League.
Según reportes, fue el mismo Momoa
quien solicitó al estudio que Zach Snyder
fuera el encargado de dirigir la película.
Sin embargo, el director abandonó de
manera reservada la producción de la
segunda entrega de Justice League para
fungir exclusivamente como ‘asesor’ del
proyecto, aunque se rumora que la salida
del realizador se debe al pobre resultado
de las producciones de a su cargo, ahora
sabemos que se debió a una tragedia
personal.
“James Wan y Zach Snyder no
podrían ser más diferentes entre sí.
La experiencia en esta película fue
completamente distinta a lo que viví
haciendo Justice League, pero es
precisamente aquí donde radica lo
fascinante del mundo de la actuación.
Zach es el responsable de la creación
de todo un universo y Aquaman ocupa
un lugar relativamente pequeño en él.
James tomó las referencias y desarrolló
este mundo para ahondar en los
personajes que lo habitan. Digamos que
se trató de un esfuerzo complementario
todo el tiempo”, agrega el actor
estadounidense, mejor conocido por su
interpretación del guerrero Khal Drogo
en el serial Game Of Thrones.
Probablemente las posibilidades
cinematográficas que nacen a partir
de los avances en el renglón del diseño
digital facilitaron que hasta hoy una cinta
protagonizada por Aquaman pueda
convertirse en realidad.
“A pesar de que gran parte de la
historia se desarrolla en el fondo del mar,
rodamos de una manera muy tradicional,
sin variaciones considerables”, explica
Momoa. “Lo único distinto fueron las
coreografías de las peleas pues las armas
son muy peculiares, ¿viste esos tridentes
en los avances?”.
Además, el intérprete considera que,
“comparado con lo que he tenido que
hacer en otras producciones, Aquaman
resultó una película relativamente
sencilla de realizar, pues las secuencias
de acción no resultaron tan complicadas
como me imaginé en un principio”, añade
Momoa, quien con el resto de sus
compañeros actores pasó semanas
recluido en unos estudios
cinematográficos en Australia.
Pero la gran interrogante
posiblemente sea: ¿Qué hacer ante
la imposibilidad de contar con los
elementos reales —marinos—
a la hora del rodaje? Para el intérprete,
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la realización de Aquaman requirió de
ejercitar la imaginación al máximo.
“Pasó algo muy interesante,
y es que al trabajar en una producción
de ocho meses de filmación, llega
esa sensación de responder ante los
estímulos como si estuvieras en el
personaje todo el tiempo. De esta manera
James creó un ambiente de colaboración
con todos, en particular conmigo porque
todo el tiempo estuve haciendo
sugerencias de cambios de diálogos
o parlamentos que no sentía que surgían
de manera orgánica. No soy de los actores
que siempre están improvisando, pero si
hay necesidad, pues lo hacemos”,
confiesa Jason.
Al cuestionarlo sobre si tuviera
que llamar a un par de compañeros
superhéroes para ayudarlo a derrotar al
enemigo, Momoa no vaciló en contestar:
“Su tuviera que pedir ayuda de
alguno de mis camaradas de aventuras,
sin duda alguna sería a Wonder Woman
o Flash. Creo que son dos elementos que
me podrían asistir a enfrentar a Orm
o a Black Manta. Seamos honestos:
si Superman se aparece, pues
rápidamente acaba con los villanos
y la diversión termina de manera
inmediata, en cambio con los otros
dos las cosas se pueden poner muy
entretenidas”, declara divertido el actor.
Finalmente, Jason nos describe
las características de su reino ideal, un
tanto contradictorias con las que
encontramos en Atlantis. “En mi reino
abundaría la cerveza Guinness, armas
punzantes, carne y música, en ese orden.
Digamos que sería un lugar
exclusivamente para divertirse”, bromea;
pero nosotros ya queremos visitarlo.
UNA PELIGROSA PELIRROJA
(¿es pleonasmo?) como heroína, no sólo
como compañera de Aquaman.
Correspondiendo a estos tiempos, la
figura femenina que es pareja de
aventuras del protagonista lleva por
nombre Mera y no representa al típico
pretexto romántico de la historia de
acción en absoluto. La misma Amber
Heard, actriz responsable de darle vida,
se encargó de aclararnos esta situación.
“Lo más complicado para mí fue
portar el arnés y transitar en el set como
si nada pasara. Es un elemento muy
aparatoso. En algunos días estaba todo
el tiempo suspendida en el aire con una
línea de puntos en mi rostro, tratando
de mantener una actitud de guerrera.
Creo que a las heroínas de las películas
de acción se les menosprecia un poco en
la industria del cine, pero esta condición
está cambiando por completo”, expresa
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El aire de La rosa de
Guadalupe también
tiene efecto bajo el mar
/ Las armaduras de oro
son resistentes a la
salinidad del agua
marina / El cabello rojo
de Mera (Amber Heard)
también / Como dos
simples turistas.
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la actriz en un perfecto español, idioma
que aprendió en Austin, Texas, su ciudad
de origen.
Heard sólo tiene palabras de
admiración y agradecimiento para James
Wan, a quien considera un “líder nato”
capaz de capitanear los más complicados
desafíos.
“Es una misión que te demanda
utilizar tu imaginación prácticamente
todo el tiempo. De alguna manera es
como si regresaras a las clases de
actuación, pues te ves rodeada de todo
tipo de distractores y aún así tienes que
tener en tu cabeza la idea de que vives en
un universo totalmente distinto a lo que
sucede realmente a tu alrededor. Es lo
que yo llamo actuación”, agrega la actriz,
quien hace un par de años se vio
involucrada en un escandaloso divorcio
con Johnny Depp, viendo eclipsado su
trabajo como intérprete, aunque nadie
contaba con que Heard retornaría con
este sustancial rol.
“El personaje de Mera es un ejemplo
de independencia. Fue la característica
que me llamó la atención y que me llevó a
aceptar el proyecto. En este medio es
muy extraño encontrar un rol justo
en el momento en que quieres decir cosas
de manera personal. Es una figura
femenina totalmente distinta a lo que
estamos acostumbrados en este tipo de
películas. ¿Sabes?, por lo general siempre
se trata de interpretar a la novia del
héroe, quien en algún momento se
encuentra en peligro, cuyo único
cometido en la anécdota es verse
simplemente sexy. Aquí es todo lo
contrario. Te confieso que la primera
ocasión que me ofrecieron interpretar
a Mera lo rechacé, pues imaginé que sería
la típica compañera de aventuras de
Aquaman. Sin embargo, Zach Snyder me
aseguró que se trataba de una ‘princesa
guerrillera’, lo que llamó inmediatamente
mi atención”, detalla.
Acerca de esa línea, la actriz afirma
que le encantó lo que Gal Gadot hizo con
Wonder Woman. “Esa producción fue mi
inspiración todo el tiempo, porque fue un
equipo que luchó por mantener la
integridad del concepto que se proponía.
Fue muy inspirador porque creo que
apenas se están abriendo las ventanas
para que nosotras encontremos papeles
de interés, sobre todo en el género de
cine de entretenimiento y acción, donde
básicamente el rol de la mujer se ha
reducido durante años a ser el atractivo
visual de la historia. Me emociona
sobremanera formar parte de este
movimiento por encontrar roles
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DICIEMBRE 2018
interesantes para las mujeres”,
manifiesta la actriz, quien a los 17 años
rechazó una carrera como modelo a fin de
ingresar a una academia de actuación.
“Te confieso que no soy una persona
que simpatice con la idea de ir a la playa o
a pasear en el mar. Creo que apenas sé
nadar lo elemental. Mi suerte es tal que,
por supuesto, tendría que protagonizar
Aquaman. Es la paradoja de la vida del
actor”, comparte Heard sobre lo absurdo
que termina siendo vivir de ese modo.
MADRE PERLA
Y AGUERRIDA SIRENA,
así es el papel de Nicole Kidman en esta
cinta. James Wan no le ofreció
interpretar a una emperatriz de alhajas
y sortijas, pero sí a una soberana en un
mundo acuático.
Esta intervención marca el regreso
de Kidman al universo DC
Entertainment desde que participó hace
algunos ayeres en Batman Forever. Antes
hubo un acercamiento que la actriz
consideró, cuando Patty Jenkins
le ofreció interpretar a la Reina
Hippolyta en Wonder Woman, la cual
finalmente declinó.
Fue la propuesta de James Wan
la que finalmente convenció a la actriz
de retornar al mundo de los cómics
con el rol de la Reina Atlanna, madre
de Aquaman.
“Simplemente me llegó una oferta
por parte de James para interpretar a la
soberana de Atlantis. Fue una invitación
difícil de rechazar, ¿no crees? ”, declara la
El duelo de hermanos
no podía faltar / Nicole
Kidman como la Reina
de Atlanta.
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actriz. “Siempre quise trabajar con él, me
presentaron al sensacional equipo de
actores y además tenía ganas de hacer
una película que mis hijos pudieran ver.
Esos fueron los principales motivos que
me orillaron a caracterizar a este
personaje. He realizado tantas cintas que
les he prohibido ver, que ahora quería
participar en alguna producción
específicamente para ellos. Con la noticia
de mi intervención en esta película, ahora
los amigos de mis hijos se me acercan con
admiración para hacerme preguntas
sobre Aquaman. Soy la mamá cool del
colegio”, nos confiesa Kidman, quien
también se dejó seducir por la idea de
rodar en tierras australianas.
“Aparezco en la primera secuencia
del filme y estoy sentada en una roca
mientras las olas golpean sobre ella. Sentí
que el impacto de ellas sobre mí debería
ser aún más dramático, por lo que le dije a
James: ‘Vamos, que el oleaje sea aún
mayor’. No tuve que expresarlo dos veces
cuando escuché que el director solicitó
pipas extragrandes en el set. Fue
entonces cuando empecé a reconsiderar
las decisiones que se toman como actriz
cuando te encuentras participando en
una película de estas características.
Había olvidado lo que representaba estar
en una cinta de superhéroes”, le confiesa
Kidman a EMPIRE.
La actriz también ha manifestado su
admiración por el diseño de vestuario de
la producción, el cual a pesar de estar
delineado a la medida de cada uno de los
actores, les permite ejecutar las más
complicadas secuencias de acción.
Justamente fue ésta la única condición
que la intérprete puso al director:
La reina Atlanna tendría que ser una
intrépida guerrera y se tendría que
manifestar en la historia.
“Gracias a Aquaman pude asistir a mi
primer San Diego Comic-Con. En tantos
años que llevo en este mundo nunca
había asistido a un evento de ese tipo.
La energía que sentí cuando presentamos
las escenas exclusivas es algo difícil de
explicar. Esta película es para todos los
fans que han sido seguidores de este
personaje”, asegura.
UN
VILLANO
INCONDICIONAL
PATRICK WILSON
es un actor
categórico en los trabajos de James Wan.
En el pasado, el talentoso egresado de
Carnegie Mellon habría colaborado
con el director en sus exitosas sagas
Insidious y The Conjuring,
manifestándose un vínculo creativo por
demás entendido, de tal modo que la
inclusión de Wilson en el personaje
de Orm no sorprendió a nadie.
“Estábamos haciendo The Conjuring
2 y había rumores en el set de que James
dirigiría Aquaman, pero no había nada
confirmado oficialmente en ese
momento; además estábamos inmersos
en el rodaje de la película. Pero un buen
día James se acerca a mí y me dice: ‘Creo
que dirigiré este gran proyecto de DC
Entertainment y me gustaría tenerte ahí’.
De momento no le creí y ahora, dos años
y medio después, estoy platicando
contigo sobre esta cinta”, declara el
intérprete, quien luego de colaborar en
cinco películas se considera parte de
un equipo creativo liderado por Wan,
a pesar de que la temática abordada en
Aquaman es algo totalmente distinto a lo
que realizaron en el pasado.
Sin embargo, son precisamente esas
diferencias las que acercan a Wilson con
sus antecedentes teatrales. Desde su
punto de vista, esta historia se asemeja a
una tragedia clásica, incluso con alguna
que otra referencia a la obra del
atemporal William Shakespeare.
“La rivalidad entre los dos personajes
centrales es un elemento tácito en la
historia. Finalmente son dos hermanos
en conflicto. Uno de ellos proviene de la
más pura estirpe del reino mientras que
el otro es un mestizo. De esto van las
grandes leyendas ancestrales.
Paradójicamente, encontré toda esa ira y
coraje que posee el personaje de Orm
fácil de transmitir, pues la historia está
muy bien fundamentada y de esta
manera cuentas con herramientas
imprescindibles para poder narrar este
relato”, reflexiona.
Antes de iniciar con el rodaje, James
le comentó que él creía que si estos dos
hermanos hubieran crecido juntos y
hubieran compartido el mismo universo,
probablemente se hubieran llevado muy
bien. “Sin ser cursi, te puedo decir que
estos dos allegados tienen más cosas en
común que diferencias, además de la
existencia de un lazo consanguíneo que
invariablemente los une. Sin embargo,
sus prioridades en la vida son totalmente
opuestas”, agrega Wilson.
La contienda entre estos dos rivales
está a punto de consumarse, y el público
tendrá la última palabra desde su butaca
en averiguar si esta versión de Aquaman
se convertirá en un triunfo dentro del
universo de DC Entertainment.
AQUAMAN SALPICARÁ LAS PANTALLAS
A PARTIR DEL 14 DE DICIEMBRE.
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EL PASADO 12 DE
N OVI EM BRE STA N L E E ,
EL CR EAD OR DE VA RI O S
D E LO S SUP E RH É RO E S
D E MARV EL Y P I E ZA
FU N DA MEN TA L
D E LA CULTURA
PO P, FA LL EC I Ó
A LO S 9 5 AÑ OS .
TO D O S LE E STA M O S
AGRAD ECI D O S P O R
SU L EGAD O Y EM P I RE
LO R ECU ERDA C O N
EST E HO M EN A JE .
POR JESÚS CHAVARRÍA
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abes, una persona puede hacer la diferencia”, eso es lo que el
buen Stan Lee dice en uno de sus más significativos cameos
—aquel correspondiente a la película Spiderman 3—, y eso fue
lo que puso en práctica cuando, en la década de los años 60,
se dispuso a escribir aventuras de sujetos con capa y habilidades
extraordinarias, sin saber que con ellos revolucionaría el mundo
de las viñetas. Esto lo hizo bajo el auspicio de la editorial Timely,
misma que decidió cambiarse el nombre por un título que
publicó en octubre de 1939, Marvel Comics, en el que por cierto
aparecían Submariner y la primera Antorcha humana —un
androide que se cubría de llamas al entrar en contacto
con nuestra atmósfera—.
Hombro a hombro con el genial Jack Kirby —quien con su
espectacular estilo hizo escuela al entregar universos de
artefactos imposibles y trajes llenos de extravagantes
estampados y accesorios geométricos— elaboró propuestas que
transgredían los arquetipos y convencionalismos, tal fue el caso
de Fantastic Four, que presentó a la primera familia de
superhéroes en forma y que además rompía con la clásica idea
de las identidades secretas.
Luego hizo lo propio con X Men, cómic con sesgo social
acerca de seres estigmatizados por su condición de mutantes
que se afanaban en proteger el mundo que los odiaba.
Iron Man, sobre un superhéroe enfermo y que por tal
circunstancia era dependiente de una armadura. Thor,
protagonizada por un dios asgardiano obligado a manifestarse
en la Tierra a través del cuerpo de un estudiante de medicina.
Daredevil, con un abogado católico ciego metido a justiciero
—no podría ser más irónica y llamativa la premisa—. Además
de Hulk, reinterpretación de Dr. Jekyll y Mr. Hyde que le sirvió
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como vehículo ideal para explorar el lado más oscuro y
atormentado del concepto.
Por supuesto, no podemos dejar de mencionar que junto
con los mencionados llegó el que a la larga se convertiría en la
figura insignia de la editorial, nos referimos a Spider-Man, el
“amigable vecino” —como se autonombraba en los recados que
dejaba a la policía junto con los criminales capturados—, a
través del cual, contando con el célebre Steve Ditko como
cómplice, Stan consolidaría su idea de devolverle el conflicto
humano y el aire mundano a la figura idealizada del superhéroe.
Así pues, era común ver al arácnido batallando con
supervillanos que siempre terminaban por estar relacionados
con su vida personal, mientras tenía que lidiar con las
responsabilidades de la escuela, la necesidad de tener un trabajo
para pagar las cuentas, las complicaciones románticas y demás
situaciones terrenales que en su caso rayaban en el absurdo,
como el tener que regresar a casa “descolgándose en telaraña”
por no tener para comprar un boleto del Metro.
Fueron estos rasgos los que lograron una identificación
directa con los cientos de lectores, algo que además reforzó al
establecer otras vías de comunicación, ya fuera por cartas que
respondía dentro de cada una de las publicaciones, o de
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columnas que ahí mismo incluía y que solía firmar siempre con
alguna frase de aliento y optimismo.
Es ahí precisamente donde surge la que a la larga sería su
expresión distintiva, cuando al ver que la competencia le
copiaba el formato, decide buscar una palabra que les fuera
complicada de entender y reproducir correctamente.
La respuesta la encontró en la bandera de la ciudad de Nueva
York, lugar donde se desarrollaban la mayoría de las aventuras
de sus creaciones. Desde entonces, aquel hombre que sirviera
durante la Segunda Guerra Mundial en la división de los Signal
Corps, ya reconvertido en fabricante de sueños en papel,
comenzó a despedirse diciendo “Excelsior!”
Ese fue el inicio del camino para Stanley Martin Lieber,
quien luego cambiaría legalmente su nombre a Stan Lee y que
con su actitud transgresora, su estilo ingenioso, una gran visión
del marketing, pero sobre todo un carácter afable y siempre
preocupado por estar en contacto con el público, comenzó a
ganar en protagonismo y convertirse en la imagen de la empresa
—aunque hasta ese momento sólo dentro del mundo de las
viñetas, pues sería gracias al cine que terminaría por convertirse
en un referente de la cultura pop—.
El hombre detrás de
la máscara: Stan Lee
/ A alguien le falta ir
a la playa / Blade, el
primer superhéroe
que entregó una
película digna a
Marvel / La versión
blanco y negro del
arácnido / Spidey en
competencia de vuelo
con Human Torch.
Para la segunda mitad del siglo pasado, el panorama en cuanto
a producciones sobre cómics en otros medios era dominado
por la tradicional DC, con series como Batman de 1966 y Wonder
Woman de 1975, además de películas de gran presupuesto como
Superman the Movie (de Richard Donner)
y sus respectivas secuelas. Sin embargo, dejando de lado
la lamentable versión del arácnido protagonizada en 1976
por Nicholas Hammond, aunque Marvel no era estelarista,
estaba bien representada en el mundo audiovisual por Hulk:
El Hombre Increíble —bautizada así en Latinoamérica—,
propuesta para la pantalla chica que tenía a unos muy
convincentes Bil Bixby y Lou Ferrigno —como Banner y Hulk
respectivamente— y es una de las mejores adaptaciones live
acción de superhéroes que se han realizado, tomando en cuenta
los alcances técnicos de la época.
Pero eso no es todo; la exitosa serie que tuvo 82 episodios,
luego de su cancelación se extendió con tres películas para el
mercado casero, dos de las cuales esbozaron lo que hoy sería un
universo interconectado, el antecedente directo de lo que hoy
conocemos como MCU. Éstas fueron El regreso del hombre
increíble de 1988, en la que aparece una muy adecuada versión
de Thor, y El juicio del hombre increíble de 1989, en la que
Banner es llevado al juzgado y hace acto de presencia no sólo
Matt Murdok/Daredevil, sino el mismísimo Stan Lee, en lo que
sería su primer cameo. La saga cerraría con La muerte del
hombre increíble, estrenada dos años después.
Pero tendrían que pasar todavía otros 10 años para que, por
fin, la también llamada “Casa de las ideas” pudiera alcanzar con
dignidad la pantalla grande. Primero con una bien llevada
película de bajo presupuesto sobre Blade (de Stephen
Norrington), personaje que curiosamente lució mejor ahí que
en sus propias aventuras en papel, la cual fue muy bien recibida
por el público. La saga se extendió con otras dos entregas, una
de ellas perpetrada con acierto y mucho aire de cómic por
Guillermo del Toro, abriendo así la puerta para que
los estudios empezaran a interesarse en tomar a otros de los
personajes de la compañía, y adquirir las licencias, lo que a
Marvel le cayó de maravilla dado que no se encontraba en uno
de sus mejores momentos financieros.
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Comenzó así la época de las superproducciones
encabezadas por directores de propuesta, es decir aquellos que
tenían y querían decir algo con ellas. Así llegaron las dos
estupendas primeras versiones de X-Men, con Bryan Singer tras
las cámaras; la un tanto incomprendida Hulk, realizada por Ang
Lee; además, por supuesto, de la esperadísima y bien lograda
Spider-man de Sam Raimi, quien luego se superaría a sí mismo
con otra de las mejores cintas de superhéroes, Spider-Man 2.
Fue entonces que se cimentaron las bases de lo que hoy es
el prácticamente interminable “boom” fílmico de superhéroes,
alimentado con conceptos convencionalizados pero efectivos
a nivel de entretenimiento, cortesía de lo que ahora es Marvel
Studios, una subdivisión de Disney, además de la consolidación
de Stan Lee a nivel masivo, a través de una serie de ingeniosos
y celebrados cameos.
Para ese entonces sin estar involucrado en las decisiones
de la empresa que ayudó a crear, conservando sólo el título de
“presidente emérito”, Stan ya había participado en proyectos
para DC como Just Imagine —la reinvención de personajes
como Superman y Flash— y trabajaba otros propios como la
serie animada Stripperella, en la que entre humor y erotismo
convertía a la popular Pamela Anderson en una suerte de
antiheroína con reminiscencias evidentes al clásico Barbarella.
¿Cuál cómic habrá
leído más veces
Stan? / El Thor de los
cómics tiene menos
músculos que el de
las películas.
Y hablando de animación, aunque la delantera la mantiene a
la fecha DC Comics y la oferta de títulos sobre personajes de
Marvel se ha multiplicado desde que la todopoderosa Disney
entró a la escena, habrá que consignar un puñado de
producciones que fueron trascendentales.
La primera fue Spider-Man, de 1967, que entre atmósferas
por momentos alucinantes y con una más que adecuada voz en
off que permitía escuchar los pensamientos de su protagonista,
supo capturar a la perfección la esencia de las aventuras de
Spidey en una serie divertida, sugerente y con identidad. Al
margen también llegaron Fantastic Four, producida por Hanna
Barbera, que con un diseño al estilo cartoon y una excelente
banda sonora volvió a los héroes un clásico de la televisión. Esto
además de The Marvel Super Heroes, que recopilaba episodios
cortos protagonizados por Capitán América, Hulk, Iron Man,
Thor y Submariner, y que a pesar de que se armó con imágenes
fotocopiadas y manipuladas mínimamente, lograba un
desarrollo emocionante y atractivo, con el extra de que éstas
eran sacadas directamente de las ilustraciones de Jack Kirby,
Steve Ditko y Don Heck. En ella, por cierto, participó el artista
Ralph Bakshi, responsable de la primera adaptación
cinematográfica de Lord of the Rings.
Pero hasta ese entonces el impacto de la animación iba en
relación a las obras de Stan Lee, mas no a su proyección como
figura mediática. Esto cambió en Spider-Man de 1994, serie que
sin el mejor de los diseños, sí contaba con una manufactura de
alto de nivel y un estupendo guion escrito por John Semper Jr.,
que incluso retomó sagas hoy legendarias como Secret Wars y se
convirtió en un éxito instantáneo. Fueron cinco inolvidables
temporadas, con todo y un capítulo final que incluyó la que
podría considerarse la más entrañable de sus apariciones
en pantalla. Su título fue Hasta luego, y en la trama, después
de que Spidey descubre y salva varias realidades alternas —el
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Spiderverse en pleno—, visita aquella en donde es un personaje
de ficción y conoce a su creador. Ahí, mientras se descuelgan
juntos con telaraña entre los rascacielos, le agradece por
convertirlo en un héroe de verdad y le dice “porque eso significa
que me hizo desde su interior”.
Seguramente sucedió así con todos esos otros superhéroes
que entregó al mundo, y por ello es que se han arraigado en lo
más profundo de quienes aún disfrutan sumergirse en universos
extraordinarios al darle vuelta a las páginas de un cómic o al
sentarse en la butaca de un cine, las mismas personas que hoy
atesoran sus diversos cameos como entrañables recuerdos
personales y que lo despiden rindiéndole su más profunda
admiración. Descanse en paz el fabricante de sueños cuyo
mayor superpoder era imaginar. Nos quedan sus mil y un
historias sobre arañas radiactivas, energía gamma, mutantes y
rayos cósmicos. Adiós, Stan Lee… “Excélsior!”
En brazos del Doctor
Octopus, literal, estás
en aprietos / Stan en
su cameo de Teen
Titans Go! To the
Movies / Los
mutantes de Stan.
TAL VEZ SEA PORQUE ES un personaje que enfrentó
dificultades desde el momento mismo de su creación
—Martin Goodman, editor de Marvel Comics en 1962, se
negaba rotundamente a publicarlo y accedió al final sólo
porque sabía que el número 15 de Amazing Fantasy sería
el último de ese título—. O quizá se deba a que, a pesar
de tener habilidades extraordinarias, la historia siempre se
ha tratado del joven detrás del uniforme, el que debe lidiar
con la vida cotidiana, capaz de equivocarse pero que no
deja de buscar hacer lo correcto; el mismo sujeto que en
medio del peligro siempre tiene un chiste a la mano; el
primero de los superhéroes que fue madurando con el paso
de los años y con el que siempre podíamos identificarnos.
En fin, sea por alguna de estas razones o por la totalidad de
ellas, pero el asunto es que Spiderman era el favorito de
Stan y por el que más será recordado. Porque es inevitable
pensar en uno sin hacerlo en el otro, y ambos son los
favoritos de nosotros.
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con amor
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El director Alfonso Cuarón escarbó en sus
recuerdos y en los de Liboria Rodríguez,
su nana, para hacer Roma, su película más
íntima y autobiográfica, pero también
a técnicamente.
POR ANAID RAMÍREZ
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Escenario de catástrofes ocasionadas por fenómenos naturales,
y de otros hechos trascendentes para la historia de la Ciudad de
México, a la colonia Roma le sobran anécdotas para contar.
Pero, para su más reciente filme, Alfonso Cuarón no eligió
narrar esas cicatrices, sino las más íntimas. “En realidad me
interesaba, de alguna manera, celebrar a uno de los seres que yo
más quiero”, le cuenta el director a EMPIRE.
Esa persona de la que el cineasta habla es Liboria
Rodríguez, su nana, a quien Cuarón se refiere como “Libo”.
Quien fuera pieza fundamental para su familia es también
“el punto de partida” de Roma, como introduce el también
guionista de este relato.
EL RECUERDO MÁS LUMINOSO
En uno de los salones de un hotel sobre Paseo de la Reforma,
donde nos reunimos con el ganador de dos Premios Oscar
—ambos por Gravity, uno de ellos como Mejor director—,
Cuarón evoca a la calle Tajín, en la Roma. Además de crecer ahí,
fue en ese lugar donde convergieron dos momentos críticos
para dos de las mujeres que el cineasta más aprecia: por un lado
estaba su propia madre, quien procuraba sostenerse ante
el desmoronamiento de su matrimonio; en el otro se encontraba
Libo y un embarazo que debería asumir en soltería. Es a ella,
especialmente, a quien está dedicada la cinta.
“De niño, me intrigaba”, comenta Cuarón sobre Libo,
quien en la película es representada a través del personaje
de Cleo y encarnada por la actriz debutante Yalitza Aparicio.
“Me platicaba sus historias de cuando ella era niña, por ejemplo,
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y eso era un contraste muy grande con mi realidad —la de un
pequeño de una familia sin preocupaciones econónimas—
porque ella me hablaba de una infancia muy dolorosa y difícil,
me hablaba de conceptos que eran bien abstractos, como el de
morirse de frío o de hambre. ¿Sabes? Para mí el hambre era que
nos retrasábamos una hora para la comida, y ella estaba
hablando de hambre verdadera, de carencias reales”, cuenta.
El director empezó este proyecto hace una década,
poco después de que se fue a vivir a Londres. Sin embargo,
sus recuerdos y los de Libo tuvieron que pausarse por
“cuestiones personales”, señala el director. “Creo que fue para
bien porque no íbamos a tener las semillas del proyecto, tenía
ya bastante y algo más o menos claro, pero pienso
que beneficiaron todos estos años para tener más datos
de lo que terminó siendo Roma”.
Con ese tiempo transcurrido y un guion más en forma,
comenzó la preproducción, siendo el casting una de las áreas
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que más exigencias debían cumplir.
“Pobres del departamento de casting,
tenían una misión muy, muy, muy
complicada”, reconoce Cuarón, quien les
asignó la tarea obsesiva de encontrar un
par de requisitos en la actriz que
encarnaría a Cleo. “Tenía que haber dos
cosas: ser idéntica a ésta, y había una
fotografía (de Libo), y encima de esto, ya
que se conociera, debía contar con las
cualidades íntegras de esta persona, y eso
sólo yo lo podría cotejar”, explica.
Las características que buscaba
Cuarón en su Cleo eran las de una mujer
en sus tempranos 20, con ascendencia
indígena, “idealmente zapoteca porque
Libo, el personaje en que se basa Cleo, es
zapoteca, pero abriéndolo también al
mixteco, porque la zona donde ella vivía
es una comunidad donde se habla
zapoteco y mixteco”.
Así comenzó un peregrinaje por los
alrededores de la Ciudad de México que
luego, ante la fallida búsqueda,
se extendió hacia el sur del país.
“Fue un viaje itinerante por distintas
comunidades de la Sierra de Oaxaca,
y después de miles, y miles, y miles de
mujeres (entrevistadas), tuve la fortuna
de ver a Yalitza (Aparicio), y cuando la
conocí fue una cosa inmediata”, asegura
el galardonado director.
Yalitza, quien recién había egresado
de la licenciatura en educación, acudió
El abrazo que
todos sentimos
pero que nadie
quiere dar /
Alfonso Cuarón al
pendiente de
cada detalle en el
set / Yalitza
Aparicio en su
debut en el cine,
como el
personaje de
Cleo.
a la convocatoria para acompañar
a su hermana, quien simplemente quería
saber cómo eran esas audiciones. Cuando
las dos asistieron al llamado, no tenían
idea de qué se trataba el proyecto o de
quién estaba detrás. Fue hasta que
Aparicio se encontró con Cuarón en la
CDMX que la joven conoció al director.
“Tal vez encontró algo que le hiciera
recordar a los personajes que él quería
darles vida”, reflexiona Yalitza en una
conversación con EMPIRE. Y sí, Cuarón
descubrió eso y más. “Yalitza es uno de
los mejores actores con los que he
trabajado en mi vida, en el sentido de
cómo entiende emocionalmente cada
momento, pero es por lo que ella es”,
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Ese bonito
momento de ver
la televisión
todos juntos / Un
encuentro
revelador y
doloroso /
Alfonso Cuarón y
Libo Rodríguez
en la gala de
Roma del
Festival
Internacional de
Cine de Morelia.
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indica el cineasta. “Ella es de una
honestidad y transparencia... y si eso
lo juntas con una inteligencia casi
aterradora... Es una mujer que admiro.
Es de un entendimiento muy intuitivo,
sin dejar de ser Yalitza”.
Para darle vida a Adela, la compañera
de Cleo y mejor amiga, la elegida fue
Nancy García. En la realidad ella
y Yalitza tienen una amistad de seis años,
lo que ayudó a proyectar en la pantalla
la química tan natural y auténtica que
descubrirás cuando veas Roma.
“Es una fortuna que pasa en no
sé en cuántas vidas”, aterriza Nancy,
quien se siente agradecida porque este
proyecto le abrió el panorama. “Es un
crecimiento personal, dices: ‘puedo hacer
más allá de lo que estudié’”, reflexiona la
actriz, quien igualmente tiene una
licenciatura en educación. “Es algo
totalmente diferente, y es maravilloso; y
con el apoyo que tuvimos del director y
de Marina (de Tavira) logramos sacar las
cosas”. Yaliza confirma este apoyo: “te
ayudaba mucho, hablaba contigo, y
cuando veías el resultado, era de ‘¡woow!,
lo pude hacer’, y él te decía, ‘¿ya ves?’”.
De las cinco mujeres que Cuarón
eligió para representar a los personajes
femeninos en la cinta —además están
la Sra. Teresa (Verónica García) y Sofi
(Daniela Demesa), quien figura como una
de las niñas de la casa—, Marina era
la única con experiencia en pantalla. Aún
así, ella considera que esta participación
“es un sueño que ni siquiera soñé”,
sintetiza la intérprete de la señora Sofía.
“Diría que una de las magias, entre
muchas otras, que Alfonso logra en esta
película, es que no hay improvisación”,
explica De Tavira, “pero nos hace sentir
como si en realidad nosotros dijéramos
el texto por primera vez, como si
fuera espontáneo. Claro que hay un
guion escrito, pero la manera en la que
nos lo va entregando, poco a poco,
además de que filmó de manera
cronológica, te hace sentir como si
realmente las palabras salieran
espontáneamente de los personajes”.
Para lograr esto, las actrices explican
que nunca leyeron el guion completo.
La táctica del realizador fue, más bien,
que ellas lo descubrieran conforme lo que
tocaba cada día. “Simplemente vivía la
película como si fuera mi vida, que te vas
sorprendiendo con cada momento, y eso
fue lo que me pasó”, apunta Yalitza.
Además de filmar de manera
cronológica y entregarles al día sólo los
diálogos que utilizarían en esa jornada,
Cuarón prefirió no mostrarle nunca a su
elenco las escenas que se iban grabando.
“Con esto de no dejarnos ver los videos,
creo que lo que Alfonso quería lograr era
evitar cualquier tipo de conciencia externa que no fuera la
situación. Tenía el interés de que la vida surgiera en los objetos,
en las cosas, en los sonidos y, especialmente, en la actuación”,
le cuenta Marina a EMPIRE.
Sumado a esto, hubo una cuestión que era primordial
para que el relato se sintiera auténtico y natural: un cuidadoso
uso del mixteco. Para ello Nancy, quien lo habla y escribe “como
primera lengua, casi, casi”, explica la actriz, asumió la
responsabilidad de traducir los diálogos de Cuarón
al mixteco y también de corregir la pronunciación de Yolitza
en las líneas correspondientes.
“En nuestra comunidad se habla, pero en mi caso sólo
lo había escuchado”, señala Aparicio. “Había veces en las que
yo decía algo y ella (Nancy) se reía, me comentaba: ‘acabas
de decir esto’, y yo ‘lo siento’. Es algo complicado, hablar
adecuadamente la lengua”.
¿Y por qué tanto cuidado? Porque “son como 158 variantes
del mixteco”, explica Nancy, “a veces es la pronunciación,
los acentos, mínimas cositas las que cambian”. Debido a eso
optaron por la variación que se habla en el municipio de donde
son originarias Nancy y Yolitza. “Hay palabras que sí son
parecidas a otras comunidades, algunas que de plano no, pero yo
lo hice más por mi comunidad y mi cultura”, aclara la joven.
RECREACIÓN PERFECTA
Para Alfonso Cuarón no era suficiente tener en el elenco de
Roma a una actriz que fuera idéntica a Libo. La recreación
de sus recuerdos de infancia iba en serio, y tendría que ser
respetada en cada detalle. El director no tuvo que preguntarse
dos veces en quién se apoyaría para cumplir con ese pequeño
gran requisito, por eso se acercó de inmediato al infalible
Eugenio Caballero.
“Fuimos muy meticulosos para recrear la época”, explica
el responsable del diseño de producción. Para ello, además
de las anotaciones que hacía Cuarón sobre sus recuerdos,
Caballero y su equipo investigaron “en documentos históricos,
películas y fotografías; fuimos al Archivo General de la Nación;
la UNAM y la Cineteca Nacional nos ayudaron”. Y es que
“para hablar de lo personal tienes que hablar de lo social”,
precisa Cuarón. “La película trata tanto de cicatrices
emocionales familiares, como de las heridas y las llagas
que compartimos como sociedad”, argumenta.
Llegar a esos objetivos implicó recrear momentos
trascendentales para la historia de nuestro país, como la
matanza del Jueves de Corpus, y hasta el más angosto rincón
de la casa de los Cuarón. “Era trabajar la ambición de crear
espacios que ya no existen”, cuenta el cineasta. “Eugenio creó
una casa con espacios móviles, con paredes que se movían
y techos que se hacían a un lado para permitir el paso de luz
natural, con todo un sistema que nos permitía en una hora
convertir todo en noche”.
Los detalles de esta producción llegaron a tal grado que,
de acuerdo con el realizador, se cuidaron incluso aquellos
aspectos que ya no eran visibles al momento de la filmación.
“Era muy específico todo, incluso lo que había dentro de los
cajones aunque no se abrieran, ¿me explico? También era
qué comida se iba a servir y exactamente con qué receta.
Hasta los billetes de lotería son idénticos al día en que sucede
determinada escena”, afirma.
Además de recrear esos espacios con precisión, Alfonso
quería envolvernos en una perspectiva no nostálgica, pero sí de
alguien que, ya como adulto, echa una mirada hacia su pasado.
Por eso decidió presentarnos imágenes monocromáticas.
“La idea siempre fue hacer esta película en blanco y negro,
pero no en un blanco y negro nostálgico, sino hacer un lenguaje
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Todos
necesitamos un
apapacho /
Cuarón también
retrata una
ciudad
cambiante y en
conflicto / Al
centro de esta
foto, Libo.
CON EL OSCAR
EN LA MIRA
NO CUESTA TRABAJO VER AL FILME DE ALFONSO CUARÓN
EN MÁS DE UNA CATEGORÍA PARA LOS OSCAR NÚMERO 91.
PELÍCULA EXTRANJERA
Roma es una de las favoritas incluso para llevarse esta presea.
Todo parece indicar que sólo podría arrebatársela Cold War,
de Pawel Pawlikowski, quien en 2015 salió victorioso con Ida.
DIRECTOR
De resultar nominado y ganador Cuarón, sería la quinta
ocasión en que la Academia premiaría a un mexicano en esta
sección, la segunda en que Alfonso se llevaría la estatuilla a
casa y la primera vez que el reconocimiento se entregaría por
la dirección de una película mexicana.
ACTRIZ Y ACTRIZ DE REPARTO
Los nombres de Yalitza Aparicio y Marina de Tavira suenan
fuertemente cuando los medios estadounidenses hablan
de las nominaciones a Mejor actriz y Mejor actriz de reparto.
Adriana Barraza fue la última intérprete, en 2006, que figuró
en esta última categoría, por Babel —sí, estrictamente
la anterior fue Lupita Nyong'o, pero ella sólo nació aquí
y ella misma no se considera mexicana—.
DISEÑO DE PRODUCCIÓN
Tampoco nos sorprendería que Eugenio Caballero sea uno
de los finalistas de esta sección, al menos. La recreación de
calles enteras, cines de antaño, barrios emergentes y la propia
casa de la infancia de Cuarón, seguramente será reconocida
por la Academia. Sin demeritar el trabajo preciso y cuidadoso
de Caballero, ya sabemos que a los votantes les gusta
reconocer la nostalgia y las recreaciones de época.
SONIDO Y EDICIÓN DE SONIDO
Una de las mayores fortalezas técnicas de Roma es su sonido,
así que no dudamos que este departamento sea reconocido
con al menos una nominación. ¿No nos crees? Lo
comprobarás cuando la veas y escuches en la sala.
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por darle peso al telón de fondo. “La ciudad es un personaje
y eventualmente te das cuenta de que el país entero también
lo es, sólo es una familia que está fluyendo por ese personaje,
en ese contexto que es este país”, señala.
Ante todos estos esfuerzos técnicos, el cineasta sólo
tiene un deseo en su mente para su producción: “Ojalá los
espectadores accedan a ella en las mejores condiciones.
Me fascinaría que la vean en la pantalla, pero si lo hacen
en la plataforma, espero que también la puedan ver en la
mejor pantalla posible que tengan. Creo que al final de cuentas
la película es la película. Estoy consciente de que el número de
gente que asiste a las salas es muy reducido, así que no puedo
hacer una cinta pensando sólo en el estreno, porque es para que
la vean las siguientes generaciones”.
EL DEDO SOBRE LA LLAGA
fílmico absolutamente contemporáneo”,
cuenta. De tal modo, lo que verás “es una
imagen completamente nítida, sin nada
de grano, mientras que el cine en blanco
y negro tradicional tiene un grano muy
hermoso, fílmico, de emulsión. La idea
aquí era hacerlo digital, con una
resolución inmensa, y eso te lo
da el 65mm”, asegura el director.
Gracias al formato de la película
y su nitidez notarás con amplitud otros
aspectos que, de haberse filmado
de manera distinta, no cobrarían
la misma importancia. “Hasta las cosas
más pequeñas tienen buena resolución,
entonces puedes tener una cantidad
impresionante de detalle, y el formato
además te permite una visión más
extensa de todos los ambientes”, explica.
Para muchos fue sorpresa que
Emmanuel Lubezki, el fotógrafo de
cabecera de Cuarón, no estuviera a cargo
de capturar esos detalles y ofrecernos,
como es costumbre, composiciones
perfectas. “‘El Chivo’ iba a hacer la
película”, cuenta el director, “pero como
dos semanas y media antes del rodaje,
nos dimos cuenta de que la agenda ya no
empataba con sus tiempos”.
Ante la situación, el director aceptó
el consejo de Lubezki de que él mismo
se hiciera cargo de la fotografía; después
de todo, al inicio de su carrera Cuarón fue
cinefotógrafo de cortometrajes y de
algunos capítulos de Hora marcada.
Asimismo, Alfonso decidió apoyarse
en el joven y talentoso Galo Olivares
(El vigilante), quien “tiene un ojo
excepcional”, señaló el realizador en
la conferencia de prensa que dio al
término del rodaje.
“Fue maravilloso tener a alguien
como Galo Olivares, que es una especie
de colaborador fílmico; me interesaba
tener a un fotógrafo que ya tiene fotos
y contar en el set con alguien con quien
pudiera rebotar ideas”, dice.
Aunque hay mucha belleza en ellas,
no todo se reducirá a las imágenes.
La recreación de la época y de la ciudad se
percibe también en los sonidos: desde los
pájaros del patio del escenario principal,
hasta los ruidos urbanos, como el tránsito
y los vendedores ambulantes. “La gente
que tenga oportunidad de ver esta
película en salas, va a experimentar una
imagen no sólo muy nítida sino muy
detallada, y eso se complementa con el
sonido (Dolby) Atmos, que también es
muy específico”, menciona Cuarón.
Esta precisión se debió a las
intenciones del también productor
Entre el homenaje amoroso e íntimo que Cuarón hace a su
nana y a su madre, hay oportunidad para la universalidad.
Las anécdotas de las dos mujeres permiten conectar
con sentimientos cotidianos como la soledad, la angustia,
la decepción y la perseverancia. Sin embargo, además de las
emociones, Roma se permite señalar situaciones críticas que
persisten en la sociedad mexicana, como el racismo, el clasismo
y el rol de la mujer en el día a día.
“Sofía es la mamá de cuatro niños, maestra, que le toca
vivir una década donde el divorcio estaba estigmatizado;
le toca atravesar por algo que creyó nunca le pasaría,
divorciarse, y lo que cae encima de ella y de sus hijos siendo
ella mujer”, reflexiona Marina de Tavira, quien abunda en la
responsabilidad que inherentemente recibía la mujer
luego de una separación.
“Pienso que todavía pasa, y es algo que le importaba mucho
a Alfonso señalar: cómo, además del estigma (del divorcio), ella
tiene la responsabilidad de sacar adelante y de ponerle cara feliz
a los niños, de decirles ‘no pasa nada, vamos a tener mil
aventuras’, aunque por dentro esté echa pedazos, y cómo
en ese momento se da cuenta de que sus cómplices están
en su casa, y son esas mujeres las que realmente le van a ayudar
a compartir la maternidad”, detalla la intérprete. “Vemos la
maternidad desde otro ángulo”.
Para Cuarón, la historia que muestra en Roma es también
“entender ese proceso de la alquimia de la vida, en donde
las familias no son de sangre”, dice. Y es que Libo, asegura
el director, “es un miembro de la familia, es parte del
matriarcado que fue mi casa”. Pero esos lazos que se tejen
no es lo único que le interesaba retratar al cineasta, “también
era entender ese proceso de cómo dentro de la familia se hereda
esa perversa relación que existe entre clase y raza. Ese es EL
tema, es fundamental”, subraya.
“Cada persona va a llevarse este mensaje según sus
experiencias. Al menos, en lo personal, se trata de ver esa
igualdad como seres humanos, de no hacer menos a alguien por
su género, raza o nivel socioeconómico”, aterriza Yolitza. “Es
aprender, por ejemplo, que las empleadas domésticas tienen
una vida fuera de la casa, y dentro dan lo mejor de ellas”.
LOS DERRUMBES DE EDIFICIOS y de familias no se reducen
a una colonia, ni a un tiempo en específico, así que prepara tus
oídos para escuchar hasta los más mínimos detalles del contexto
e identificarte con ellos, pero también vete listo para oír sollozos
en la sala y sumarte a ellos.
ROMA SE ESTRENARÁ EN CINES SELECCIONADOS A PARTIR
DEL 21 DE NOVIEMBRE Y ESTARÁ DISPONIBLE EN NETFLIX
DESDE EL 14 DE DICIEMBRE.
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EL
D ES PUÉS DE CINC O TRANSFORME RS D E MICHAEL
BAY, UN NUEVO DIRECTOR RECIBE LA C JA DE
J UG UET ES . TRAV IS KNIGH T E XPL ICA C MO L E DA
FOR MA A U NA MU LTIM ILLONARIA FRAN Q UI CI A
POR NICK DE SEMLYEN
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1. ESTABLECER EL LOOK
COMO EL CUBO DE RUBIK o Teddy Ruxpin, Travis
Knight es un producto de los años 80. Durante su infancia le
encantaron cosas como E.T. y The Goonies, pero algo más que
hizo vibrar su corteza cerebral fue el episodio 98 de la serie
animada para televisión Transformers, la cual estuvo al aire
del 84 al 87. “Aunque amaba los cómics y los juguetes, la
caricatura era lo mejor”, recuerda. “Optimus Prime era
increíble. Me encantaban Soundwave y Shockwave. Pero con
quien conectaba más era con Bumblebee. Era quien más se
parecía a mí cuando yo era niño”.
Así que en cuanto a Knight le ofrecieron dirigir una
película que se desarrolla en los 80 con Bumblebee como
personaje principal —después de dirigir la aclamada fantasía
en stop-motion Kubo y la búsqueda del samurái— su cerebro
se encendió como máquina de pinball. Al lado de la guionista
Christina Hodson, planteó una historia que llevaría a los
robots de vuelta a sus raíces como gigantes metálicos con
personalidades reales y una estética retro.
“Hay algo mágico
á
en
n la simplicidad de esos diseños”,
dice Knight
ht de laa serie.
serie “Quería
Q
Quería
que nuestros Decepticons,
que son personajes
e
je completamente
mp
nuevos, se sintieran
como si hubieran
u
salido
li del mismo material que los
personajess de la Generación 1”. El look de Shatter, el villano,
se inspiró en
e Nightbird, una robot ninja de la caricatura,
aunque tristemente
i
no va a blandir sus temibles nunchucks.
Dropkick, el otro antagonista, tiene un rostro basado en el
Megatrón original y Knight lo describe como “uno de los
mejores diseños en la historia de los Transformers”.
22. REUNIR AL ELENCO
LAS CINTAS DE Transformers de Michael Bay eran filmes
ap
pocalípticos de guerra que tenían a los robots destrozándose
en
ntre sí y a la gente huyendo de edificios que implotaban.
Bu
umblebee conduce hacia la dirección opuesta: es una historia
seencilla de chica-conoce-robot, con el tímido Transformer
am
marillo haciéndose amigo de Charlie. “Trata de entender el
m
mundo copiando lo que ve”, explica Knight, “y si tienes a un
gigante metálico de cuatro metros que trata de actuar como una
ch
hica adolescente, las cosas pueden no siempre salir bien”.
Antes, las estrellas femeninas de la franquicia (Megan Fox y
Ro
osie Huntington-Whitely) tenían papeles secundarios. Knight
qu
uería que su actriz principal tuviera más impacto, y cuando vio
la película de paso a la adultez The Edge of Seventeen, quedó
im
mpresionado por Hailee Steinfeld y le dio el papel de Charlie.
“T
Tiene un rostro muy expresivo. Con frecuencia sustituíamos
diálogos por una expresión suya y fueron
casi las mejores tomas”, nos confía.
Bumblebee aún es mudo, pero se
comunica a través de la música (“Charlie
trata de que le gusten The Smiths y eso
no sucede”, señala Knight). Peter Cullen
está de regreso en un cameo de Prime,
mientras que Angela Basset y Justin
Theroux le dan voces a Shatter y
Dropkick. “Angela es absolutamente
perfecta”, indica Knight, el hombre que
eligió a Matthew McConaughey como
escarabajo parlanchín. “El personaje de
Justin es un poco más inusual, con un
particular sentido del humor”.
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3. ELEGIR EL ENTORNO
LAS PELÍCULAS
Í
ANTERIORES de Transformers
se han desarrollado por todo el orbe, desde China hasta las
pirámides de Egipto. Bumblebee decidió ser más local, y todo
transcurre en una comunidad tranquila del norte de California.
“Recorrimos todo el estado buscando los lugares más hermosos
4. FILMAR LA ACCIÓN
ALGO QUE TRAVIS KNIGHT no
había hecho nunca antes de Bumblebee es,
literalmente, mandar cosas a volar. Para un
hombre que pasó incontables horas con
movimientos milimétricos de modelos de
stop-motion, lo suyo es la creación, no la
destrucción. Sin embargo, una tarde del
rodaje de Bumblebee le dijo a su primer
asistente de director: “¿Puedo hacer que algo
vuele por los aires, por favor?”.
Knight se ríe al recordarlo. “Es de verdad
emocionante. Me dejaron poner la carga en
una explosión enorme y debo decir que es una
de las cosas más cool que he hecho jamás.
Pero todo con moderación. Quiero aclarar que
no me he transformado en pirómano”.
Aunque Bumblebee es más amable,
también habrá una carnicería basada en
vehículos. “El propósito es darle a esta
película un cerebro pensante, un corazón que
lata y un alma poética”, apunta Knight. “Pero
también necesita el espectáculo de las
batallas. Los robots tienen un armamento de
la era espacial. Los hombres-G (que no son
esa banda en la que acabas de pensar, sino
tipos del gobierno) tienen un montón de
artefactos con los que tratan de capturar a
Bumblebee, incluyendo arpones gigantes. Le
inyectamos una locura de ciencia ficción tipo
John Carpenter a las secuencias de acción”.
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para evocar ciertas emociones”,
menciona Knight. Por ejemplo, para
una secuencia clave en la que Charlie
y su nuevo mejor amigo se hacen cuates
gracias a una Coca-Cola, el equipo
técnico se dirigió a un bosque cerca de
Santa Cruz donde hasta un Transformer
parece enano entre los árboles.
“La escena trata sobre la intimidad
y conexión, así que necesitábamos un
lugar con una cualidad romántica”.
En su búsqueda por recapturar la era
original de los Transformers, el director
usó locaciones del cine de los 80. “Para el
muelle en el que trabaja Charlie, yo decía:
‘Quiero un entablado que recuerde a The
Lost Boys’. Filmamos exactamente donde
lo hicieron ellos”. Busca en la cinta el
restaurante Dragon Of The Black Pool,
referencia a la cocina cantonesa en Big
Trouble In Little China, de Wang Chi.
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5. ALINEAR A LOS ROBOTS
MICHAEL BAY TIENE muchas fortalezas,
M
desde filmar atardeceres hasta montar invasiones
a Cuba con Will Smith al frente, pero contar una
narrativa coherente y centrada no es una de ellas.
Sus épicas de robots eran tramas sueltas
aalrededor de la improvisación y tantos
mecanoides como los artistas de efectos visuales
pudieran meter a cuadro. Knight, muy organizado por
sus años afinando con precisión la animación, tiene
habilidades diferentes. “Mi acercamiento a las escenas
con los robots fue como si se tratara de secuencias
animadas”, explica. “Hicimos storyboards de todas y en
cualquier momento podías ver una versión medio
animada de lo que fuera que estuvieras filmando. Sin esa
disciplina, me habría perdido fácilmente”.
Hay una buena cantidad de Transformers en
Bumblebee, incluyendo a Ravage, un cassette de metal
que sale disparado del pecho de Soundwave, y muchos
que todavía no se han revelado. El resultado: el director
y otros se contagiaron por una ‘fiebre de robots’, una
enfermedad característica de quienes trabajan en los
sets de Transformers. “Hace que tu mente alucine, pero
tratábamos de que se sintieran reales; a veces yo
actuaba sus movimientos y me veía y sentía como idiota.
Cuando estábamos muy metidos en el proceso tuvimos
un momento clave: estaba sentado con mi director de
fotografía, entonces de pronto se me acercó y me dijo:
‘Travis, puedo VER al robot...’”.
6. TUNEAAR A BUMBLEBEE
BUMBLEBEE ES LO MÁS que se ha acercado una
película de Transformers a un estudio de personajes, con Knight
poniendo toda su energía en alinear correctamente a su héroe.
En las previas entregas live-action, Bumblebee era un Camaro
muy cool; ahora, como en la vieja serie animada, el humilde
explorador Autobot es un vochito. “Si alguna vez hubo un
automóvil que quisieras abrazar, es a un vochito”, dice Knight.
Y además, tiene personalidad. Bumblebee no sólo es un
sub-bot, sino un robot fuera del agua, algo que la nueva cinta
acentúa. Buena parte de la comedia
ocurre debido a sus intentos por
entender los tejes y manejes de la vida
humana. Quizá no aprecie los aullidos de
Morrissey, pero se entiende a la
perfección con el también adorable perro
de la familia de Charlie. “El perro se
llama Conan. Cuando Bumblebee se
encuentra con esa criatura, trata de
descifrar cómo comunicarse con él. Trata
de existir en un domicilio humano
normal y la cosa no va muy bien”.
En corto, la misión ha sido hacer que
un motor que cambia de forma sea tan
tridimensional como un humano. “En
esta película nuestro robot es un actor”,
resume Knight. “La pregunta que
responde el filme es: ¿cómo se convirtió
en el Bumblebee que conocemos de las
otras historias? Y creo que es una
respuesta adorable”.
BUMBLEBEE
E SE ESTRENA EL 26 DE DICIEMBRE.
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E L CR I M E N PE R F ECTO
Steve McQueen, el ganador del Oscar por sus dramatizaciones de esclavitud y hambre,
está de regreso con algo muy inesperado: el remake de un asalto, basado en una
miniserie de los 80 de Lynda La Plante que se transmitió en la televisión británica.
POR HELEN O’HARA
uando 12 Years a Slave ganó el Oscar a Mejor
película, Steve McQueen brincó de alegría.
Un hombre se arriesgó; contó una historia sin
saber si alguien querría escucharla, y se encontró
vindicado en el principal escenario del mundo.
Al día siguiente comenzó a recibir llamadas
con ofertas de Hollywood: “¿Quieres hacer esto
o lo otro?”, recuerda. “Sí. Está bien. Pero durante
la producción de 12 Years, antes de siquiera empezar a filmarla,
ya tenía una idea de lo que quería hacer después”, dice.
Así que con el Oscar tras él y su camino por delante, McQueen
se puso a trabajar en otro proyecto pasional para él, aun cuando al
anunciarlo sonó como que el artista serio se había vendido.
McQueen quería dirigir una película sobre un golpe, basada en un
drama de TV de 1983. La Widows original fue una miniserie de
Lynda La Plante que se convirtió en un éxito, ganándose una
audiencia mayor que Coronation Street en la época en que
las telenovelas habían coronado su supremacía.
La historia trata de cuatro mujeres cuyos esposos asaltantes
mueren durante un golpe y sus víctimas demandan una
restitución, mientras ellas siguen tratando de superar su pérdida.
El cuarteto sólo encuentra una salida: se junta para llevar a cabo
el siguiente golpe que sus hombres habían planeado, con lo cual
esperan salir de sus problemas.
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La hermandad: Linda
(Michelle Rodriguez),
Veronica (Viola Davis),
Belle (Cynthia Erivo) y Alice
(Elizabeth Debicki)
formulan un plan /
El esposo de Veronica,
Harry (Liam Neeson) /
Las aliadas enmascaradas
están listas para la acción /
El director Steve McQueen
tras la cámara.
Aunque parezca mentira, el director tiene una conexión
personal con la historia. Mientras la original es un drama
acerca de (principalmente) mujeres blancas de mediana edad,
algo resonó de manera profunda en McQueen cuando tenía
13 años. “La estaba pasando mal en la escuela y me identifiqué
con estas mujeres, a quienes se consideraba incapaces y que de
hecho lo eran. Resonó en mí siendo un muchacho negro en
Londres y se me grabó”, recuerda.
Eso de “pasarla mal” se refiere a que, de acuerdo con los
administradores de la escuela, estaba destinado no a un camino
académico sino a uno de trabajo manual. Es difícil comprender
tal evaluación de sus habilidades al hablar hoy con McQueen,
mientras sus palabras luchan por mantener el paso de la
velocidad de sus pensamientos. Fue, como le dijo un oficial
escolar décadas después, una decisión de racismo institucional.
Tenía más de 10 años hablando con su fotógrafo de
cabecera, Sean Bobbitt, sobre la posibilidad de hacer su propia
versión de Widows, y durante ese tiempo sus películas
deambularon por horrores corporales. La primera, Hunger, es la
historia de las huelgas de hambre del IRA, y los deseos
hipersexuales de Shame reflejaron los mismos temas que
muchas de sus instalaciones artísticas: fisicalidad,
confinamiento, comunicación frustrada. 12 Years a Slave
es también difícil de ver y consistente con las anteriores.
Y para McQueen, Widows es un trabajo igualmente personal,
pero también la oportunidad de llegar más allá de su audiencia
tradicional para decir algo de la situación actual del mundo.
“Etiquetaría a la película como ‘pop político’ porque hay
cosas que son un tanto exageradas. ¡Pero es una película!”,
explica el director. “Quería que este filme fuera algo que
entretuviera y al mismo tiempo iluminara”.
Así que McQueen trasladó la acción de Widows de Londres
a Chicago y trajo a Gillian Flynn, de Gone Girl, como su
coguionista. “Ubicarla allí fue muy importante para mí”, nos
dice. “He ido a Chicago durante 20 años y Gillian lo conoce bien.
Si se desarrollara en Londres, no funcionaría. Lo que ocurrió en
los 70, ese tipo de Salvaje Oeste, no pasa allí, pero en Chicago
hablamos con clérigos, políticos, policías y criminales. Después
de platicar con alguien del FBI, cuando sales de la puerta es
como The Matrix: ves la ciudad de una manera completamente
diferente. ¡Es una locura!”.
En la película, las divisiones son representadas
principalmente por una carrera política entre las figuras
establecidas de una familia irlandesa-estadounidense,
los Mulligan, Tom (Robert Duvall) y su hijo candidato Jack
(Colin Farrell); y el gangster convertido en candidato Jamal
Manning (Bryan Tyree Henry) y su hermano muy gangster
Jatemme (Daniel Kaluuya).
Es un estofado rico en elementos que se mezclan en un
supuesto thriller sencillo sobre un atraco. El último ingrediente
es la epidemia trágica y actual de violencia con armas en
Chicago que afila el medio que deben negociar las viudas.
“Planteamos una situación por la que tienen una razón, un
deseo y una necesidad. El medio es nuestro presente. Nuestra
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DICIEMBRE 2018
historia se siente muy local pero es de hecho muy global; es
como mirar al microscopio pero dándole la vuelta para
convertirlo en telescopio”. Y después McQueen tuvo que
encontrar a las mujeres para darle vida.
omo su actriz principal, la única elección de
McQueen era Viola Davis. Ella es, afirma, una
estrella clásica. “Cuando pensamos en estas
películas, recordamos a Katharine Hepburn, Bette
Davis, Joan Crawford, esas actrices increíbles. Ibas
con ellas porque tenían cerebro, valor,
vulnerabilidad. Este tipo de intérprete es a quien
quería como estelar para esta película; no la habrían contratado
si la cinta se hubiera realizado en los 40 o 50, o lo que sea, pero
los tiempos han cambiado”.
Davis no tuvo que pensar mucho la oportunidad de trabajar
con McQueen —en especial después de leer el guion—.
“Veronica es formidable pero también vulnerable. Hay ciertas
mujeres que se cierran ante otras, sobre todo si están con
hombres que son muy poderosos y sexualmente carismáticos
como Harry (su esposo, interpretado por Liam Neeson). Por el
oficio de él y por el dolor de ella, pueden resultar distantes. Creo
que alguien así pasa adormecida por su vida”, expresa ella.
Se necesita mucho para que busque, aunque sea de mala
gana y por lo general con enojo, a un grupo de otras mujeres.
Pero la desesperación la obliga a hablar con Linda (Michelle
Rodriguez), la dueña de una tienda, y Alice (Elizabeth Debicki),
una esposa que ha sufrido de abuso. Una cuarta viuda, Amanda
(Carrie Coon), recién se convirtió en mamá y rechaza el llamado
de Veronica, así que es remplazada por Belle (Cynthia Erivo), la
niñera de los dos hijos de Linda.
“Es una de esas experiencias extrañas”, comenta Debicki,
quien audicionó para McQueen poco después de terminar The
Maids en Londres. “Los guionistas me deslumbran. Cuando
sientes que hay un cerebro enorme y jugoso por ahí, me siento
desconcertada y no puedo funcionar. Eso me pasó cuando
conocí a Steve, porque sus películas son extraordinarias y todas
ellas han permanecido conmigo con mucha fuerza”.
Para Michelle Rodriguez fue una gran oportunidad de
extender sus alas más allá de las películas de acción, y además
contar una historia política con un tema sobre “la gente que se
aprovecha de los demás”. Lo que no se esperaba es cuánto le iba
a gustar el mismísimo McQueen; al final de su reunión ya había
decidido que quería seguir cerca de él, con película o sin ella.
“Pensé: ‘Sí, vamos a hacer historia’”.
La pieza final fue Erivo, quien debuta en una película
aquí pero está a tres cuartos de ser una EGOT después de ganar
un Emmy, un Grammy y un Tony por su trabajo en The Color
Purple en Broadway. “El poder que me dio fue casi una
experiencia religiosa, y definitivamente tenía la energía”, señala
de ella McQueen. Él hizo que su primera participación en un
filme fuera una cálida bienvenida: le mandó flores al hotel y la
llamaba con frecuencia para agradecerle su labor. “Yo pensaba
que no tenía que darme las gracias porque él me dio el trabajo.
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“La estaba pasando mal en
la escuela y me identifiqué
con estas mujeres a quienes
se consideraba incapaces
de todo y que de hecho lo
eran. Resonó en mí siendo un
muchacho negro en Londres
y se me grabó”.
STEVE McQUEEN
Pero quiere asegurarse de que la gente esté bien. Eso es
agradable”, menciona Erivo.
Esa atmósfera relajada fue obvia para EMPIRE cuando
visitamos el set en Chicago en junio de 2017, en el día 19 de 51
de rodaje. Aunque los personajes se juntan sólo por necesidad,
las cuatro actrices pasaban mucho tiempo reunidas entre las
tomas. La escena es nocturna, el asalto mismo, y cada toma es
una loca lucha hacia una furgoneta de huida, con el botín en
bolsas pesadas que las alentan. Pero cuando la cámara se
detiene, la conversación entre ellas es retomada sin pensar.
Todas están vestidas con pantalones negros de combate
y botas, escuchando música pop mientras ponen al mundo en
orden. “Ha sido sorprendentemente increíble”, dice Davis
acerca de su amistad. “No es que pensara que no iba a ser así,
pero jamás imaginé que lo sería tanto. Me refiero, ¡qué conexión
de mujeres! Gente que es como es sin pretextos”.
“Eso se refleja en el viaje de estas mujeres”, coincide
Debicki. “Cuando conoces a alguien, le pones una etiqueta.
Supongo que todas lo hicimos, como cuando empiezas en un
trabajo nuevo o en una escuela. Pero eso se borra y te das cuenta
de cuánto tienen en común, y eso es lo que pasó con estas
mujeres. El arte imitó a la vida de una manera graciosa”.
se día, más temprano, en la avenida South Ellis, en el
distrito Kenwood de Chicago, EMPIRE pudo ver
parte del contexto político de la historia en una casa
grande cubierta de hiedra, que es donde viven los
Mulligan. Este trasfondo político es un agregado
de Steve McQueen a la historia, una manera de
examinar la corrupción, el tribalismo racial y el
modo en que las bandas se convierten con frecuencia
en grandes dinastías empresariales. A unas dos cuadras
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en una dirección está la residencia de los Obama en Chicago (en
una calle protegida por una barricada), y quizá a tres cuadras en
la otra dirección hay viviendas públicas desfavorecidas. Esa
proximidad se demuestra en una secuencia sobresaliente de un
viaje en automóvil, que va desde una sesión fotográfica a la
oficina de campaña de Jack Mulligan.
Jack (Farrell) representa al concejal de la ciudad, una
especie de alcalde de distrito, luego de que la mala salud de su
padre Tom forzara una elección parcial; pero la campaña de
oposición del gangster-candidato Manning está ganando fuerza
y Tom se siente frustrado de que su hijo no sea tan entusiasta y
despiadado como él quisiera.
En su sala, mientras unos trabajadores remodelan la casa,
Jack repasa unas afirmaciones laudatorias que ha preparado
para un banquete en honor a su padre, mientras Tom mantiene
un despliegue constante de críticas. “Llega a la parte donde
dices que aprendiste todo de mí y luego podremos ver a todos
vomitar al unísono”, gruñe Tom. Es una escena graciosa
y amarga, con Jack cada vez más exasperado tratando
de complacer a su padre, y Duvall cínico a morir (“¡Gana la
jodida elección y deja de perder el tiempo!”).
Es apenas el segundo o tercer día en el set para los actores.
Farrell viste un traje gris y una corbata de político sombrío;
Duvall, con un suéter de punto y una camisa a cuadros, se apoya
con fuerza en un bastón. “En cierto momento le dije a Robert:
‘Bob, ¿podrías actuar como si tuvieras, digamos, 86 años?’”,
dice McQueen riendo. “‘¡Tengo 86!’, me respondió. ‘Lo sé.
¿Podrías desacelerar un poco?’”. El director se toma un minuto
para corregir algo (“No puede poner yeso allí porque ya hay yeso
en esa pared”) antes de volver con los dos intérpretes.
“Lo maravilloso fue que yo estaba trabajando con Cynthia
Erivo, quien estaba en su primera película, y a la vez lidiando
con Robert Duvall, quien tiene 86 años. Ambos se encontraban
nerviosos y eso fue hermoso. Duvall sigue teniéndolo. Una vez
que se vaya ese miedo, será el fin”.
Duvall y Farrell se vuelven a lanzar uno contra el otro.
“Es incorregible”, declara Jack moviendo la cabeza mientras
Tom se va. Es una buena escena, pero desgraciadamente no
estará en la edición final.
“La corté”, informa McQueen tiempo después, durante una
charla por teléfono. “Ese discurso no lo necesitamos. Pero esas
escenas que no pasan la edición final preparan a los actores para
otras a las que nos dirigimos. Digamos que esas secuencias
ayudan a la gente a meterse en su relación”.
Después de todo, ni Farrell ni Duvall son protagonistas aquí
(aunque verías la película por su retrato ácido de padre e hijo);
son parte del ambiente. McQueen, durante la filmación y la
edición, tenía un mantra sencillo: “Cuando dudes, regresa a las
mujeres”. Con tantas partes movibles —Jacki Weaver, Lukas
Haas, Jon Bernthal y Garret Dillahunt también tienen
roles— ese foco es lo único que puede mantener junta a esta
enorme narrativa. Estas mujeres tienen que convertirse en una
banda efectiva para sobrevivir y, con suerte, más.
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DICIEMBRE 2018
“Yo trabajaba con Cynthia Erivo, quien estaba
en su primera película, y a la vez lidiando con
Robert Duvall, quien tiene 86 años. Ambos
estaban nerviosos y eso fue hermoso".
STEVE McQUEEN
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Belle se va de encubierta /
El político corrupto Jack
Mulligan (Colin Farrell) trata
de mantener su puesto /
Veronica en el funeral de su
esposo / El violento
criminal Jatemme Manning
(Daniel Kaluuya, a la
derecha) se rebaja a un
nivel amenazador.
uando dio su discurso de agradecimiento al recibir
el Oscar, McQueen expresó: “Todos merecen no sólo
sobrevivir sino vivir”. Es ese mismo espíritu el que
parece motivar al crimen a las viudas. El golpe es
una cuestión de supervivencia primero, pero para
cada una de ellas el dinero podría ser un medio para
una vida mejor.
“El asalto es el medio para el fin”, explica Debicki, “y el fin
es mucho más que simplemente dinero”. El dinero puede
permitirle a Alice escapar de la influencia de su madre
y ser independiente por primera vez en su vida, y le dará a Belle
y Linda lo suficiente para mantener a sus hijos.
A pesar de sus diferencias raciales, culturales
y de clase, el cuarteto eventualmente hace click. “Todas
nosotras al principio no hacemos sentido, y después hacemos
todo el sentido”, es como lo resume Davis. Es gente en aprietos
verdaderos, con responsabilidades y necesidades humanas,
trabajando juntas de mala gana para robar dinero. Esto no
podría estar más lejos de las películas de Ocean.
“No quiero llamarla película de ladrones porque ni siquiera
sé qué significa eso”, señala McQueen. “No puedo ni pensar en
esos términos. Ellas tienen que lograr esto. Eso es lo que
provoca una increíble olla de presión para una película.
De hecho, el género ayudó. Había un tren que dejaba la estación
y tenía que terminar allí. Así que tenías un destino. ¿Cómo hago
esto y esto? Es un rompecabezas maravilloso. Lo sentí como si
fuera embonando por cuenta propia”.
Esa es una idea a la que McQueen sigue regresando.
Antes de cada toma tiene la tradición de darle a su director
de fotografía, Sean Bobbitt, un libro que resuma algo de la
película que quiere transmitir. Esta vez, fue un libro sobre el
concepto japonés del wabi-sabi, el arte de encontrar alegría en
el momento y belleza en la imperfección. Es una filosofía que
contribuye a las extensas conexiones que ocurren en la historia,
a los muchos elementos de familia, clase, raza, religión y política
que dan forma a las mujeres, pero también se vincula con la
decisión de utilizar unas 60 locaciones reales en lugar de los
entornos controlados de los sets.
“Lo que es hermoso sobre esto es que no voy a poner a mi
elenco en ninguna situación”, nos confía McQueen. “Voy a
permitir que las cosas pasen. Para mí, es una película tai chi.
Tengo una idea pero si está contándome algo más voy a hacer
eso. Así que estas locaciones te dictan el filme. Quizá si mañana
volviera a hacer la película sería una completamente diferente.
Tienes que confiar”. Esa idea de confianza y respeto y una mano
ligera son también temas recurrentes cuando hablamos con su
elenco. Rodriguez comenta que “él entra en algo con respeto...
ego, ¡y yo sé mucho de egos! Hago películas de machos”. Debicki
habla de que él es “creativo y solidario”; Davis simplemente
indica: “Nos honra porque nos escucha”.
Quizá esta ligereza de toque refleje cierto recelo, aun ahora,
al considerarse realizador —un temor de que todavía hoy
alguien lo considere incapaz, como a las viudas—. “Soy un
amateur”, afirma. “Soy un amateur y no un profesional de nada.
Lo intento y hago mi mejor esfuerzo”. Para cualquier otro
ganador del Oscar y el Turner Prize esto podría parecer falsa
modestia, pero McQueen no parece del tipo.
Sin embargo, mientras se acerca para “comprometerse
con todos” y aventurarse a un territorio más de corriente
general sin perder la seriedad del propósito que ha
caracterizado su trabajo, el camino de McQueen lo lleva a algo
nuevo. Está plantándose en el escenario mayor con su elección
de elenco, género y subtramas políticas, acercándose a una
audiencia más amplia con un mensaje más fuerte que nunca.
La decisión de hacer Widows no fue una traición a sí mismo:
es un proyecto pasional como cualquiera de los que ha realizado.
Pero seguir su propio camino por las rudas calles
de Hollywood, viviendo y no sólo sobreviviendo como
un realizador popular, será su mayor reto hasta la fecha.
WIDOWS ESTÁ AHORA EN CINES.
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¿CÓ MO ES QUE U N PA ÍS CHIQUILLO EN E L FON DO
D EL PLA NETA SE H A V UE LTO UN LUGAR ID EAL
PARA HACER PELÍCULAS?
TEXTO Y FOTOGRAFÍAS ALEX RUELAS
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P
TOMA AÉREA DE un fiordo flanqueado
por picos de cientos de metros con formas
extraterrestres. Una nave perfora las nubes.
La cámara sigue el descenso volando cerca de
cascadas colosales. Se activan los propulsores de
acuatizaje. El vehículo espacial toca la superficie
de un sombrío paraíso que no puede existir en la
Tierra.
¿Dónde diablos graban esas cosas? Seguro
es CGI. Deben tener diseñadores excelentes
creando paisajes surrealistas por computadora.
Pues no. En realidad, para tener esa imagen en
una cinta lo único que necesitas es una cámara e
ir a Nueva Zelanda, un paisito en el Pacífico que
se está transformando en una de las capitales
mundiales del cine.
Nueva Zelanda tiene menos de cinco
millones de habitantes y está formada por dos
islas que, juntas, no son más grandes que la
península de Baja California. Sin embargo, cada
vez más cineastas vienen a filmar aquí y ahora la
tierra de Maui tiene una industria
cinematográfica enorme que vale miles de
millones de dólares.
Pero ¿por qué viajar hasta este rincón del
globo para hacer cine? Tres razones: locaciones
naturales alucinantes, incentivos comerciales
y capacidad creativa de clase mundial.
“Promovemos nuestro país como destino de
filmación alrededor del mundo. Los productores
internacionales buscan el paquete completo
y aquí lo tenemos”, afirma Leanne Saunders,
Jefa de Producción y Desarrollo de la Comisión
de Cine de Nueva Zelanda, mejor conocida como
NZ Film. Este país es la Tierra Media. Es
Pandora, Narnia y el último planeta en el que
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los aliens de Ridley Scott destriparon
astronautas. El Mundo Perdido de Jurassic Park
se grabó aquí y fue en las calles de Wellington,
la capital, donde Scarlett Johansson se convirtió
en la androide de Ghost in the Shell.
Imagina por un momento que eres James
Cameron y necesitas una locación para
ambientar otro mundo. Lo único que tienes que
hacer es meterte a la página de NZ Film,
ir a la galería de locaciones y escoger la que mejor
se vea con monos azules montados en
pterodáctilos. En el menú hay montañas, playas,
bosques y hasta un apartado llamado “Otros
Mundos”. Es neta: así de confiados están
los señores en lo que tienen.
Las posibilidades son infinitas. No por nada
Cameron se convenció de grabar aquí las
secuelas de Avatar. También se trajeron para acá
la sexta parte de Misión: Imposible, así el buen
Tom Cruise pudo tener un escenario pasmoso
para hacer piruetas en helicóptero. Y el primer
párrafo de este texto es una secuencia de Alien:
Covenant, filmada en la popular zona turística
de Milford Sound.
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especiales que trabajan en las producciones más
taquilleras a nivel mundial”.
El líder de esa revolución es el Weta Group
of Companies, un conglomerado de estudios de
efectos especiales y posproducción ubicados en
el barrio de Miramar, Wellington. Fundados por
el diseñador Richard Taylor y su esposa Tania
hace dos décadas, despegaron al regalarle al
mundo todas las armas, vestuarios, prostéticos
y castillos de la Tierra Media. Un un imperio de
efectos visuales con presencia global.
Han ganado la friolera de 11 premios Oscar
y están metidos en cuanto blockbuster se te
ocurra. Thor: Ragnarok, Blade Runner 2049
y Justice League, por decir algunos. Así es: son
tan buenos que ni siquiera a Marvel y DC
les importa compartir. Taylor ya hasta fue
nombrado Caballero de la Orden del Mérito
de Nueva Zelanda.
Su gente es capaz de trabajar en todas las
etapas de producción, desde el arte conceptual
hasta la mezcla de sonido. Incluso tienen
una armería donde forjan espadas y armaduras.
Esto elimina la necesidad de contratar a varios
estudios y delegar tareas a contratistas
en lugares como India.
EN UN DÍA CUALQUIERA,
Imagen de The Lord
of the rings / Otro
alegre paisaje de
Lord of the rings /
Por aquí pasó
Scarlett Johanson
en Ghost in the
shell.
ese
impresionante fiordo donde acuatizó la nave está
repleto de turistas admirando las cascadas. Pero
ponle un cohete en medio y cambia el balance de
blancos de la cámara y no necesitas ni medio
gramo de CGI para convencer al mundo de que
eso no está en la Tierra.
Al hablar de los paisajes de Nueva Zelanda es
imposible no referirse a El Señor de los Anillos.
Peter Jackson, orgullosamente kiwi, trajo el
proyecto a su casa porque sabía que era el lugar
perfecto para encarnar lo que J.R.R. Tolkien
había imaginado. Sólo aquí, entre cordilleras
alpinas y vibrantes bosques de haya, podía
encontrar sitios perfectos para las Misty
Mountains, Mirkwood y La Comarca a pocos
kilómetros de distancia.
“Lord of the Rings fue un parteaguas por la
escala de la producción”, asegura Saunders. “El
hecho de que no fuera una película, sino tres, y el
nivel de inversión que se hizo transformó la
industria. Ahora tenemos expertos en efectos
LA INNOVACIÓN NO SÓLO VIENE
de Weta. Nueva Zelanda también ha sido pionera
en técnicas de filmación, como el 3D en 40
cuadros por segundo que Peter Jackson decidió
usar en la trilogía de El Hobbit. Son expertos en
filmar en las montañas, con profesionales,
cámaras y vehículos necesarios para capturar
cuadros épicos en los Alpes del Sur.
Si decides traer tu producción a Nueva
Zelanda, además de paisajes a la altura de tus
más guajiras fantasías, encontrarás todo un
aparato creativo capaz de entregar sinfonías
visuales. Pregúntale a Luc Besson, que aunque
decepcionó a muchos con Valerian y la Ciudad
de los Mil Planetas (sobre todo gracias a lo
insoportable que es Cara Delevingne),
sí consiguió una joya de efectos especiales
y motion capture de vanguardia, los cuales
también se realizaron aquí.
Para el país este talento se traduce en una
industria boyante. En 2016 los ingresos por
producciones cinematográficas fueron de tres
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mil 300 millones de dólares, tres por ciento más
que el año pasado. Además, Wellywood, como le
dicen algunos cinéfilos a su capital, emplea a más
de 14 mil personas cuyos ingresos mejoraron 17
por ciento en sólo 12 meses.
Nueva Zelanda, a través de NZ Film,
se desvive por traer cada vez más proyectos.
La comisión se encarga de que todo sea fácil.
Establece contactos entre cineastas, ofrece una
fabulosa carta de locaciones y facilita permisos
de grabación. Además entrega subvenciones
millonarias a productores que quieran inyectar
una cantidad considerable de efectivo a la
economía y que no sean Harvey Weinstein.
Por si quedara duda de que este es el lugar
ideal para hacer películas, la nación que regaló
al mundo cosas invaluables como el bungy y la
voz baritonal de Russell Crowe también se
presume como un edén para las transacciones
comerciales. El Banco Mundial lo nombró
número uno en su lista de Facilidad para Hacer
Negocios. También encabeza, por segunda
ocasión consecutiva, el ranking mundial de
corrupción. Como el menos corrupto, obvio.
No vaya usted a pensar mal.
EN RESUMEN,
los neozelandeses hacen
todo por recibir cineastas dispuestos a gastar
dinero. Aunque a veces se pasan de hospitalarios.
En 2010, los productores de El Hobbit
amenazaron con llevarse las películas a otro lado.
No estaban contentos con algunos derechos
laborales que les creaban incertidumbre,
de modo que la administración del entonces
primer ministro John Key decidió reformar un
poquito la legislación laboral del país en lo que
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se bautizó como la Ley Hobbit. Y le perdonó 25
millones de dólares en impuestos a Warner Bros.
En sólo un año, las ganancias por producción
y posproducción se duplicaron a más de mil 500
millones de dólares. La trilogía entera agregó un
estimado de dos mil 400 millones de dólares al
producto interno bruto del país. Por otro lado,
los trabajadores siguen peleando hoy por
recuperar los derechos que perdieron, cosa que
está programada para suceder a mediados de
este año.
Polémica laboral aparte, el gobierno sigue
apostando por apoyar al cine. El año pasado
asignó 300 millones de dólares a subvenciones.
Considerando que en 2016 la industria generó
ganancias por tres mil 300 millones de dólares,
invertir el 10 % parece buen negocio.
La combinación de naturaleza
despampanante, benévola política pública y alta
capacidad técnica está dando resultado. Tanto
que Nueva Zelanda ya compite en ganancias con
los principales productores del mundo. China,
tercer lugar global por películas producidas al
año, reportó una ganancia de mil 900 millones
de dólares por concepto de producción y
distribución en 2016. Nueva Zelanda generó mil
millones de dólares en el mismo periodo con sólo
una fracción del volumen. Cantidad contra
calidad, muchachos. Y para Leanne Saunders,
si su país quiere seguir creciendo como polo
cinematográfico, debe alimentar su propia
identidad y las producciones cien por ciento
kiwis. “Hay que encontrar un balance. Si nada
más te dedicas a traer proyectos de fuera te
conviertes exclusivamente en una industria de
servicio. Debemos impulsar los proyectos
locales, mantener a nuestro equipo trabajando
para mejorar su capacidad técnica. Mientras más
exitosas son las cintas nacionales, más
oportunidades hay de llegar a acuerdos para
grandes coproducciones”.
El esfuerzo por distribuir al mundo cintas
con sello kiwi es palpable. El ejemplo perfecto es
Hunt for the Wilderpeople, una comedia que
alcanzó cines de todo el mundo y doblegó al
despiadado Rotten Tomatoes, que le concedió
una calificación de 97 por ciento. El director,
Taika Waititi, se quedó después con la dirección
de Thor: Ragnarok, a la que dio un toque maorí,
etnia nativa de su nación, con el simpático
personaje de Korg.
Es cierto que no todo ha sido, como diría mi
tío, miel sobre hojuelas. Después de la
anfetamina que significó la segunda trilogía
tolkieniana de Jackson, filmada entre 2010
y 2012, Nueva Zelanda tuvo tres años de bajón
en los cuales los números no defendieron su
reputación de gigante en ascenso. Sin embargo,
la cruda duró poco y 2016 fue tan bueno que
rebasó incluso las ganancias de los años dorados.
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NUEVA
ZELANDA
¿RECONOCES ESTOS PAISAJES?
TODOS APARECEN EN PELÍCULAS
SORPRENDETES
ALIEN: COVENANT
El planeta de los ingenieros que nos
crearon y luego se arrepintieron estaba ahí
en Nuva Zelanda.
EL SEÑOR DE LOS ANILLOS
La Tierra Media no está más que en medio
de la nada en el país que está
en el culo del mundo.
NZ FILMS tiene un
apartado de galerías
en su sitio web, que
muestran los
increíbles paisajes a
disposición de las
casas productoras,
hasta hay un folder
que se llama "Otros
mundos".
Aunque hay años buenos y malos, en general los números son muy
alentadores. Como dice Saunders: “Este negocio es cíclico, con altibajos.
Sin embargo, con más filmaciones cada año, creadores locales trabajando
y muchas películas en puerta, tenemos una industria perfectamente
saludable”.
WELLYWOOD SIGUE
creciendo. Así que ve preparándote,
porque en los próximos meses más filmes producidos en el sótano del
mundo se estrenarán en tu cine de confianza. Por lo pronto ya pudiste ver a
Dwayne Johnson enfrentar animales gigantes en Rampage y los Avengers
recbir una golpiza en Infinity War, ambas aventuras cortesía de Weta
Digital. Ethan Hunt ya realizó su sexta Misión: Imposible, la cual se filmó en
la famosa Queenstown. Hasta el mismísimo Peter Jackson está preparando
su nueva saga épica sci-fi, Mortal Engines, en la tierra que lo vio nacer.
Puede que Nueva Zelanda sea mejor conocida por tener más ovejas
que personas o por el haka de los All Blacks que por ser una potencia
cinematográfica. Sin embargo, basta con caminar por sus montañas para
darse cuenta de que este es un paraíso para el cine. Es difícil encontrar otro
sitio en el mundo con esta combinación de paisajes perfectos y creatividad
inagotable, todo en un espacio geográfico tan pequeño que esencialmente
se vuelve un estudio de filmación grandote.
Entonces, la próxima vez que veas en la pantalla un panorama
imposible o efectos visuales prodigiosos, acuérdate de que con mucha
probabilidad se hicieron en el mismo país que es capaz de crear mundos
alienígenas, anillos de poder y seguro muchas películas más que aún
estamos por ver.
NARNIA: PRÍNCIPE CASPIAN
¿No tienes los miles de pesos que cuesta
el boleto de avión para ir a Nueva Zelanda?
Prueba el atajo detrás del armario.
GHOST IN THE SHELL
Rodeado de tantas y tan increíbles
maravillas naturales, en NZ también
se encuentran las ciudades del futuro.
MORTAL ENGINES SE ESTRENA EL 1º DE ENERO DEL 2019
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Dolph Lundgren,
fotografiado en
exclusiva para EMPIRE
en Inargo, Suecia,
el 28 de agosto
del 2018.
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La entrevista empire
EL RE
DOL P H LUN D GREN L LEGÓ
HACE 33 AÑ O S A RO CK Y I V
COMO UN R USO M O N O SI L ÁB I CO .
AHORA, AL RE SUC I TAR A I VAN
DRAGO , Q U EDA C LA RO Q U E
MUCHO PASA EN TRES DÉCADAS
—IN CLU YE N D O Q UE UN A EST RE L LA
DE ACCI Ó N AR Q UET Í P I CA SE
RE DEF I N A A SÍ M I SM A— .
POR TERRI WHITE
FOTOS THE GROSBY GROUP
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DOLPH LUNDGREN ESTÁ RETRASADO
Cuando llega al restaurante del hotel en Estocolmo, está
adolorido. Viene de ver al quiropráctico, todavía sobándose
el costado. Hace ocho semanas fue operado por una lesión
ocurrida mientras practicaba karate, que se agravó colgando de
un arnés ocho horas diarias en Aquaman. Hasta ahora, todo muy
Dolph Lundgren. Modelo, actor, estrella de acción, hombre de
acero (bueno, de hierro, técnicamente), con 88 créditos
actorales en los últimos 33 años, incluyendo algunas de las
películas de acción más memorables de nuestros tiempos:
Masters of the Universe, Universal Soldier, The Expendables.
Y el filme que dio inicio a todo: Rocky IV, uno en el que sólo dijo
nueve líneas de diálogo comunicándose mejor con sus puños.
violenta con mi padre y sé que Stallone también; eso le pasa
a muchos hombres y terminan en deportes de contacto.
Hace poco pusiste una foto en Instagram con Grace Jones
[quien en esa época era novia de Lundgren] en la premiere
A View to a Kill. ¿Fue cuando entrenabas para Rocky IV?
Sí, estaba en el set con Stallone y salía con Grace Jones.
Estaba metido entre esos dos personajes. Grace era grandiosa
pero temperamental, como Stallone. Así que yo sentía que
me la pasaba tratando de complacer a todos. Mi vida cambió
a partir de entonces... Fue una locura lanzarme a la actuación
sin ningún prospecto de llegar a algo, de ser algo. Quería
involucrarme en algo más emocional, más creativo.
Estudiar ingeniería química y entrenar estaba bien, pero
no era suficiente.
Ahora, a los 60, después de luchar contra el síndrome de estrés
postraumático, el divorcio y su década directa-a-video,
Lundgren está regresando con Creed II a donde comenzó todo.
Una elección contraintuitiva, quizá, después de años de
entrenar para ser más que Drago. Pero como resulta evidente,
ninguno de nosotros le tenemos bien tomada la medida.
¿Y cómo te metiste de nuevo en la piel de Drago?
Bueno, primero que nada, el guion lo presenta como un tipo
muy dañado emocionalmente, alguien que ha sufrido bastante
físicamente y ha tenido una vida difícil. Puedo identificarme
con eso con mucha facilidad, tanto en lo físico como en lo
emocional. Puedo encontrar paralelos en mi vida cuando
fui considerado un perdedor, sin nadie que creyera en mí
y sufriendo mucho dolor físico.
Hemos visto videos tuyos entrenando para los stunts
de Aquaman. ¿Qué tan diferente fue de lo que habías
hecho antes?
Nunca había hecho algo bajo el agua —se llama ‘seco para estar
mojado’—, lo que significa que llegas a un escenario de unos
cinco pisos de alto y tiene una pantalla azul. Te cuelgan en
arneses y las cámaras están en grúas. Si haces los stunts,
tienes que pretender estar flotando e impulsándote en el agua.
Así que se requiere fuerza para mantenerte vertical cuando
estás inclinado hacia adelante. Me habían operado cinco
semanas antes pero no dije nada porque pensé que si lo hacía
reducirían mi papel. Después, los dobles me dijeron: ‘Debiste
decirnos, porque ya sabes, no deberías estar colgado de un
arnés durante unos meses...’”.
¿Cómo te llegó Aquaman?
El director James Wan era fan de Masters of the Universe
cuando era chico... Hay un tanto de acción pero no mucha.
Realicé mi segunda prueba de pantalla [en toda su carrera].
La primera fue para Rocky IV en 1984, la segunda fue para
Aquaman en 2017.
¿Habías regresado a Filadelfia desde Rocky IV?
No. No había vuelto. Conocí al guionista, al director [de Creed
II] en Los Ángeles y después trabajé mucho en el personaje.
Trabajé en el ruso, en volver a ponerme en forma. Bueno,
siempre estoy en forma pero quería aumentar mi masa corporal.
Pero claro que Steven [Caple Jr., el director] quería que me viera
viejo. Pero cuando llegué a Filadelfia de nuevo, estaba muy
emocionado. Era un círculo completo para mí.
¿Viste Creed cuando se estrenó?
Fui a la premiere. Fui con mi entonces novia y Stallone.
Prácticamente no sabía de qué se trataba. Estaba sentado en la
audiencia y de pronto me di cuenta: “Espera, espera un segundo.
Soy el tipo que mató a su padre. ¡Habrá un linchamiento aquí!”.
Dolph Lundgren
vuelve a ser el ruso
Ivan Drago en Creed II
Y Creed II se estrena dentro de poco...
Stallone me envió un texto hace como un año: “¿Qué tal si
interpretas a Drago de nuevo? Tengo esta idea...”. Básicamente,
mi personaje ha estado
viviendo un infierno desde el
85 y perdió todo. Ahora tiene
un hijo que es boxeador y peso
completo, y Adonis Creed
sube de categoría y gana el
título. Entonces lo retamos.
Obviamente, culpo a Rocky
y a los rusos por todo.
Habías dicho que no
querrías resucitar a Drago.
¿Qué cambió?
Bueno, primero que nada,
se ha convertido en un
personaje icónico. No veía
cómo podría funcionar. Pero
ahora soy lo bastante mayor
para ser padre. El concepto
padre-hijo fue muy bueno;
yo tuve una relación muy
—aquí en el ring con
su hijo Viktor (Florian
Munteanu)—.
¿Presentiste que tu vida cambiaría con Rocky IV?
No tenía idea. De verdad que no. Llegué al cine como el novio
de Grace Jones y todo mundo se empujaba para verla
o fotografiarla a ella aunque fuera un instante. Me senté,
se apagaron las luces y comenzó la película. 90 minutos después
salimos y todos estaban
viéndome a mí, y yo pensaba:
“¿Qué demonios?”. Y luego,
afuera, todos estaban
tomando fotos de mí. Fue
duro para Grace. Conoció a
un chico sueco, un boxeador,
como que se enamoró, y ella
era la estrella y yo un don
nadie. Año y medio después
o dos, supongo que yo me
convertí en estrella de cine.
Vivían en Nueva York.
¿Qué te pareció la ciudad?
Era difícil y peligrosa.
Recuerdo que asaltaron
a su hermano Christian a la
entrada de nuestro edificio
en el West Village. Le
quitaron todo a punta
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de pistola. Creo que hasta la ropa interior. Luego fuimos a una
fiesta y un tipo con pelo blanco me preguntó: “Oye, ¿y tú qué
haces?”. “Nada”, le respondí. “Bien, voy a ponerte en mi
revista”. Y resulta que era Andy Warhol. Conocí a gente como
Michael Jackson y David Bowie por Grace, y soy afortunado por
ello. Fuimos al Studio 54 y era cool estar allí. Fue una época
emocionante. Fue antes del SIDA. Grace era obviamente un
ícono. Yo iba con ella a todas partes y eso era una locura en su
momento. Recuerdo que una vez me pidió que sacara algo como
su labial de su bolsa y vi que tenía una pistola pequeña. Parecía
de juguete pero me di cuenta de que no lo era, era una pequeña
Derringer con dos tiros calibre .32. Le pregunté por qué la tenía
y me respondió: “Bueno, el año pasado estaba con mi entonces
novio y un tipo se metió por la ventana, nos ató a punta de
pistola y se robó todo lo que había en el departamento”. Pensé
que eso no iba a pasar conmigo así que compré una Magnum
de 7 mm y otra pistola pequeña, fuera del estado —no podías
comprar armas en Nueva York—, y solía cargar una todo el
tiempo. Eso era una sentencia de un año de prisión.
Estudiaste ingeniería química, ¿te costó trabajo dejarla?
Sí, claro. Mi papá era ingeniero, mi hermano mayor
es ingeniero. Y yo conseguí una beca para estudiar en el
MIT [Massachusetts Institute of Technology] en Boston,
la escuela favorita de mi papá. Él estaba muy emocionado
pero yo comencé a modelar, me topé con Andy Warhol y esos
tipos, comencé a estudiar actuación porque Grace estaba
estudiando, y cuando fue hora de volver al MIT en otoño,
estuve allí unas semanas y renuncié.
¿Tuviste que decirle a tu papá?
No pude porque no sabía qué decir. Después fuimos a una
fiesta y él abrió el periódico en Suecia y allí estaba yo, en el
Studio 54 sin camisa junto a Grace. Ella tenía un sombrero
militar y estaba vestida como hombre. Creo que él pensó:
“¿Qué rayos le pasó a mi hijo?”. No estaba feliz, pero después,
para serte honesto, creo que mis padres pensaron: “Ok, está
persiguiendo su sueño”, y me apoyaron, lo cual fue genial.
Nunca pensó que yo hubiera perdido la razón, pero cuando volví
me dijo lo que sabía de Grace Jones —había visto un video
donde ella marcha por el escenario con un montón de
clones suyos— y me preguntó: “¿Por qué no te buscas una
chica normal? ¿Qué te pasa?”.
Vi la TED talk donde hablas de la violencia de tu papá
mientras crecías. ¿Es eso lo que te llevó a ser boxeador?
Sí, eso creo. En cuanto confronté a mi papá, cuando fui lo
suficientemente grande como para que no pudiera golpearme...
me mandó con sus padres al norte. En seis meses yo ya estaba
metido en el hockey sobre hielo y judo y karate. Como muchos
luchadores, tienes que tener un instinto asesino, lo que significa
que si alguien te golpea, ya no te importa. Si te rompen la nariz,
te tiene sin cuidado. Simplemente quieres dejarlos fuera
de combate sin importar lo que cueste ni cuánto tiempo
te tome. En serio, el karate y las artes marciales te calman
como persona porque lo expresas en el dojo. Mi terapista dice:
“Secuestras el trauma y lo usas como actor. Lo usas como atleta.
No significa que se vaya, sigues sufriendo por ello”. Lo hice
durante 30 años, pero lo usé para convertirme en luchador
y luego en actor. Un tipo de acción.
¿Cuánto tiempo estuviste en terapia? ¿Fue
recientemente?
Sí, es reciente. La razón por la que me gusta actuar es porque
era como otra forma de terapia. Tu coach de actuación te dice:
“Recuerda a tu padre. Usa eso”. Pero la terapia empezó hace
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Relajándose con su entonces novia Grace Jones en el set de A View to a Kill /
Drago enfrenta al Rocky de Sylvester Stallone en Rocky IV, el mismo año.
como cinco años, porque había una nueva mujer. Sabía que me
había divorciado porque yo bebía demasiado, tenía romances
y era básicamente muy destructivo. Estaba haciendo películas
pero se llama ‘comportamiento de escape’. Cuando tienes
un trauma, tratas de alejarte pero no puedes. Quieres beber,
dormir todo el día, pero nada te hace sentir mejor. Bueno,
y ella me sugirió la terapia, y lo hice. Ya no voy tanto. Iba cada
semana durante tres o cuatro años. Él de verdad comprendió
lo que me pasó, el síndrome de estrés postraumático,
básicamente. Porque te sientes inseguro. Estás en cama
durmiendo pero sabes que alguien vendrá a golpearte
sin razón alguna. Es como un soldado yendo al campo
de batalla. Nunca sabes si sobrevivirás el día. Después,
eso regresa y te persigue.
¿Fue principalmente por tu papá o por ti?
Fue para mejorar yo. No quería perder a esa chica. Sabía que
probablemente terminaría haciendo algo estúpido y lo echaría
a perder, así que esa era la razón número uno. La número dos,
para perdonar a mi papá. Sí, eso como que sigue de manera
natural porque tú lo entiendes en cierto punto. Te das cuenta
de lo que le hicieron a él cuando era niño. Creció cuando los
maestros podían golpear a los niños. Creo que la meditación
que inicié en la misma época tiene mucho que ver con el perdón
y la compasión. De hecho, inicias con eso, perdonando a la
gente que has lastimado, y luego te perdonas por lastimarte
a ti mismo, que es algo que todos hacemos. Después perdonas
a la gente que te hirió. Él siempre fue parte de ese último grupo.
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Sé que yo no lo lastimé mucho, pero él a mí sí. Mi mamá
también, porque me di cuenta de que quería a mi mamá y era
una mujer muy buena pero hacía todo lo que él decía, trabajaba
como esclava y no me protegía. Debió decirle: “Si vuelves a
tocarlo te voy a matar o llamaré a la policía”. Algunas mujeres
toman a sus hijos y se van, pero ella no, así que yo sentía mucha
rabia hacia ella también.
¿Sientes que seguimos pensando que los hombres
tienen que guardárselo? Especialmente hombres que
son físicamente muy fuertes y representan cierto tipo
de masculinidad.
Sí, eso creo. A veces tienes que hacer eso. Pero al mismo tiempo,
cuando ves a un hombre mayor llorar, sin importar cómo lo
llames, puede ser muy bueno para otros hombres. Hay mucho
énfasis en el abuso hacia las mujeres, y está bien que se hable
de ello, pero, ¿qué hay de los hombres? ¿Qué hay de ellos siendo
golpeados por sus padres, o presionados a hacer cosas que no
quieren hacer, que sienten angustia, que tienen que ir a pelear
en guerras y sean volados en pedazos y toda esa mierda? A lo
que me refiero es que hay muchas cosas que los hombres
tienen que aguantar y no hablar al respecto. Incluso tenía una
idea para una obra. Tenemos Los monólogos de la vagina, pero
hay que hacer algo donde los hombres también se suban al
escenario y digan: “Esto me pasó a mí”.
De todos tus roles, ¿tienes uno favorito?
Uno de los más memorables es, obviamente, el de Rocky IV,
porque yo era un chico y esa era una película enorme. Por lo
mismo, esta última película también fue una gran experiencia
porque ahora soy 35 años mayor e interpreto al mismo tipo. Y
luego están las películas de Expendables, por lo divertidas que
son y porque con ellas volví a la pantalla grande.
Pasaste años difíciles antes de eso, con muchos filmes
que se fueron directo a video. ¿Fue sólo Stallone quien
te buscó de nuevo?
Bueno, estaba viviendo en Marbella porque a mi exesposa no
le gustaba Los Ángeles. Tenía unos 40 años. Era como retirarte
20 años antes de tiempo. Hice películas, pero fueron como dices.
Básicamente, acepté un recorte del 90 por ciento a mi salario de
1997 a 2007. Como por esa época fue que me llamó Stallone y me
dijo del guion. Lo abrí, llegué a la página tres y decía: “Sueco
ebrio con cuchillo enorme”. Y sí, lo entendí. Lo leí y pensé:
“Wow, esto es muy cool”. Stallone es un gran guionista. Es
gracioso. La primera fue muy cómica y todo eso. Después
hicimos esas otras tres películas. Era la primera vez que volvía
a la pantalla grande en 20 años.
También te convertiste en realizador, productor, director
y guionista.
Mi carrera como director empezó como en el 2003.
¿Con The Defender?
Sí. Lo que ocurrió fue que el director de The Defender se
enfermó. Le dijeron que tenían que encontrar a un director
rápidamente y le preguntaron que a quién sugería.
Respondió: “¿Por qué no le preguntan al fornido?”. Le dijeron:
“¿Al fornido? ¿De qué rayos hablas? ¿Qué te pasa? ¿Estás loco?”.
“No. El fornido es como inteligente. Trabajó conmigo en el
guion y creo que tiene algo de talento”. Para mí, dirigir no es la
gran cosa. La gente no me intimida. No siento que no pueda
manejarlo intelectual o físicamente.
Al ver tu página en IMDB, tienes varios créditos cada año.
¿Eres trabajólico?
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Interpretando al terrorista-protector Lance Rockford en The Defender (2004),
la primera película de Lundgren también como director /n Cambiando de rol
otra vez, como el rey Nereus en Aquaman, próxima a estrenarse.
Sí. Soy trabajólico y estoy pasando por un divorcio que está por
terminar pronto. En parte es porque tengo que ganarme la vida
y tengo dos hijas y una exesposa y todas esas otras cosas —la
casa en Marbella, la casa en Los Ángeles, una aquí—. Así que en
parte es por una razón financiera y en parte es porque, no sé,
era una pequeña comedia o algo, y entonces digo: “Sí, voy a
intentar en una comedia, ¿por qué no?”.
Con dos películas enormes por estrenarse a meses entre
sí, ¿sientes que este es otro momento para ti?
Se siente muy bien. Es emocionante y un poco atemorizante
porque trabajé mucho en esos personajes y era muy crudo
para mí. En Creed II había lágrimas casi cada día. Espero que
quizá eso se note un poco en mi habilidad de actuación
y la gente lo disfrute. No podría haber manejado esto hace
cinco años. No estaba listo. Ahora puedo hacer una escena
con cualquier actor. Puedo llevar mis propias ideas ante casi
cualquiera. Así es como me siento. Puedo subirme al escenario
y hablar. Algunos lo hacen cuando tienen 25 y otros cuando
tienen 55. Se siente bien. De verdad espero que me abra
oportunidades y muestre quizá más de mi personalidad
y menos de mi rudeza.
Pero podemos esperar más peleas, ¿cierto?
Sí, está bien. No me importa volver a eso.
CREED II SE ESTRENA EN CINES EL 30 DE NOVIEMBRE;
AQUAMAN, EL 14 DE DICIEMBRE.
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Aquaman
(Volumen 1, 1962)
Debut protagónico de Aquaman y su
compinche adolescente, Aqualad.
Sesenta y tres números divididos por una pausa
de 6 años. Tras su cancelación, el personaje
regresó a Adventure Comics.
(Marzo de 1960)
La inclusión del Rey de
los Océanos en el
equipo de los grandes
héroes de DC Comics
cimentó su presencia,
aunque no garantizó
respeto al personaje.
The Brave
and the Bold #28
(Abril de 1946)
Este año mudaron a Aquaman a
Adventure Comics, hasta 1960,
como una historia secundaria a
Superboy, quien acaparaba
la portada.
Adventure Comics #103
(noviembre de 1941)
Aquaman fue presentado como
el hijo de un científico que le dio
el único poder de respirar bajo el agua.
Tan es así, que en su primera
aparición es noqueado cuando una
bolsa de arena le cae en la cabeza.
More Fun Comics #73
Creado por Paul Norris and Mort Weisinger, Aquaman pareciera no estar
destinado a ser uno de los personajes importantes de DC Comics, lo que se
puede ver en su errática presencia.
HISTORIA DE PUBLICACIÓN
Es un arma mágica que garantiza a su poseedor gran
poder y el derecho divino de gobernar el mar. El tridente
original de Neptuno fue forjado por los cíclopes de adamantine
y la propia esencia de Neptuno. Puede manipular y conjurar
el agua, así como dispersar energía en forma de rayos
y campos de fuerza. El tridente de Neptuno será usado
por sus elegidos.
EL TRIDENTE DE NEPTUNO
ERA
D
E
PLA
TA
A
ER
O
DE
RO
Princesa de uno de los 7
reinos de la Atlántida, ha
sido el interés amoroso
de Aquaman y su esposa
en los cómics.
MERA
Gods Among Us
(Videojuego 2013)
Aunque hubo un terrible
Injustice:
(Tweet 2015)
Zack Snyder sorprendió
al mundo cuando tweeteó
esta primera imagen del
Aquaman del nuevo
univeso cinematográfico.
Casting de Momoa
(Volumen 8, 2016)
El último volumen se concentra
en el reinado de Atlantis y las
relaciones diplomáticas que
Arthur Curry debe mantener
con el mundo de la superfie,
mediante una primera
embajada de Atlantis.
Aquaman
(Película, 2017)
Tras un cameo en Batman vs.
Superman, Aquaman llega a
las pantallas en esta no del
todo exitosa adaptación,
siendo su papel uno de los
elementos más disfrutables.
JUSTICE LEAGUE
Polémico como es el legado de Zack Snyder
en el Universo de DC, el casting de Jason
Momoa como el rey de Atlántida fue un
movimiento inspirado. A pesar de la obvia
comparación con el jefe dothraki de Game of
Thrones, poco a poco, Aquaman es un
personaje que ha adquirido vida propia.
KHAL AQUAMAN
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(Septiembre de 1967)
Su historia tiene origen en el
primer volumen de Aquaman
La película los presenta
con un conflicto altamente
personal con el héroe.
Aquaman 35
LOS VILLANOS
Rey Orm
El medio hermano menor
de Aquaman reina
Atlántida y culpa a los
de la superficie del
estado de los mares,
por lo que planea
invadirlos.
(Volumen 2, 1986)
En 1986 se publicó una nueva
miniserie que presentaba a
Aquaman con nuevo traje.
La publicación pasó sin gloria
alguna y pronto fue
olvidada.
Aquaman
Tras la cancelación de su título, el personaje
quedó sin hogar, aunque se mantuvo presente
durante la Era de Bronce de los Cómics gracias
a su más recurrente rol en Justice League of
America y apariciones erráticas en Adventure
Comics y como respaldo en Action Comics.
Era de Bronce
La Era de Plata se cierra con la
aparición de Aquaman en forma animada
en una adaptación compartida con
Superman y Superboy. La versión que se
muestra, limitada a resolver crímenes
acuáticos, y las imágenes del Rey de la
Atlántida montando caballitos de mar, no
ayudaron a que se le tomara en serio.
Aqualad
atte: ALETS KLAMROTH
El casco
emite rayos
de energía
Black Manta
David Kane recibe su tecnología
de Orm, pero su motivación
es aún más profunda: culpa
a Aquaman de la muerte
de su padre.
Depende más de la
tecnología y la
planificación
estratégica que de la
confrontación física
El traje está diseñado para
adaptarse a un
ambiente oceánico
(Volumen 3, 1989)
Tras un especial bien
recibido, una nueva
miniserie. En esta
versión de Aquaman
fue encontrado de
pequeño por el
cuidador del faro,
sin conocimiento
de su ascendencia
real.
Aquaman
Fisiología de un nativo
de la Atlántida
Control
de masas de agua
Rey Nereus
El padre de Mera es uno
de los reyes de los reinos
submarinos que Orm
intenta sumar para invadir
la superficie.
Nuidis Vulko
Principal consejero
político y científico del
rey de la Atlántida.
(Volumen 4, 1991)
Una nueva dirección de
la historieta se basa más
en el rol de Aquaman
como monarca de
Atlantis y expande la
mitología submarina.
Aquaman
Fuerza y habilidades
sobrehumanas
NA
(Volumen 6, 2003)
En el número 40, DC Comics
presentó a un nuevo Aquaman,
un humano que puede respirar
bajo el agua. Tres años
después el personaje
desaparece cuando no es
aceptado como sucesor al
trono de Atlantis.
Aquaman
Reinos submarinos
Aun para los atlantes,
existen muchos rincones
inexplorados o inhóspitos
en el mar con criaturas
y poblaciones extrañas.
Thomas Curry
Padre de Aquaman.
Fue quien se
encargo de criar
a Arthur.
Reina Atlanna
Tras ser rescatada por un
cuidador de un faro, se
enamora y da a luz a Arthur
Curry, Aquaman.
(Desde 2001)
Las nuevas versiones animadas
han sido más benévolas con
Aquaman, quien es presentado
como un monarca de gran poder y
presencia, muy lejos de lo ridículo.
Aquaman animado
Telepatía y control
sobre la vida submarina
(Volumen 5, 1994)
32 años después se
lanza una nueva serie
continua. Los 90
influenciaron el desarrollo
de la historieta, que se
volvió más intensa. Para
muchos, esta
versión cambió la
percepción hacia el personaje.
Aquaman
Piel resistente
a la presión
en las profundidades
Aquaman, de nombre real Arthur Curry, es producto del amor de un cuidador
de faros y una reina de Atlantis que se había autoexiliado y quién murió cuando
él aún era pequeño, no sin antes revelarle que heredaría el reino de los siete mares.
ORIGEN
PorALETS KLAMROTH
Objeto de burlas,Arthur Curry se redime como un
superhéroe con todo para respaldarlo. La duda es si
podrá triunfar donde la Liga de la Justicia se quedó
corta; con Jason Momoa interpretándolo,
apostamos a que sí.
A
ER
RO N
ER
EB
ERA D
MO
D
Arthur "AC" Curry es un estudiante de
biología marina que resulta ser un
nadador de la Atlántida con una especial
conexión con la vida marina.
Dentro del tono ligero de la serie, este
aquaman reconoce que siempre recibe
“chistes de pescados”.
SMALLVILLE
Alan
Ritchson
(Volumen 7, 2011)
DC Comics decidió relanzar a todos
sus superhéroes, lo que limpió la
continuidad de Aquaman, haciéndolo
oficialmente mitad humano, y
amalgamó las mejores cualidades
de las versiones anteriores.
Aquaman
juego con su nombre en
2003, fue 10 años
después que se
presentó una digna
interpretación en este
juego de peleas, al
punto de ser adaptado
de vuelta a los cómics.
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CE
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ALERTA:
SPOILERS
SI VAS A MIRAR ATRÁS, QUE SEA CON EL CONTROL EN L A MANO
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LA GUÍA
DE EMPIRE
PARA VER
EN CASA
JURASSIC
WORLD:
FALLEN
KINGDOM
El director J.A. Bayona nos guía
por su secuela de dinosaurios.
¡Vamos al Parque Jurásico!
POR CHRIS HEWITT
00:03:11
TIBURÓN JURÁSICO __ Con cinco
películas en la franquicia y J.A. en Fallen
Kingdom, era hora de jugar con las expectativas.
En la escena inicial, un prehistórico pez mata
a un grupo de rufianes. “Es la primera vez que
una cinta de Jurassic empieza bajo el agua”,
comenta el director. Es como la secuencia previa
a los créditos de Bond. “No era más de media
página pero me pareció que sería un gran inicio”.
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00:36:02
00:49:20
00:58:06
y Claire Dearing (Bryce Dallas Howard) se dirigen
de vuelta a Isla Nublar, el parque original, para
salvar dinosaurios antes de que un volcán los
mate. En un punto, Owen queda paralizado
cuando la lava lo rodea. “La película toma un
tono de Indiana Jones”, comenta Bayona. La lava
es CGI, pero sí usaron fuego en el set. “Teníamos
un tapete de fuego para los reflejos en sus ojos”.
Isla Nublar, a Owen y Claire se les hace un nudo
en la garganta al ver a un braquiosaurio que los
llama desesperadamente antes de ser consumido
por las flamas, y es el mismo dinosaurio que
vimos en la Jurassic Park original. “Fue perfecto,
un giño al principio de todo”, indica. “Una de las
referencias que le di al supervisor de efectos
visuales fue el corazón de E.T.”.
Owen y Claire se meten a escondidas a la jaula
de un T-Rex para sacarle sangre fue una adición
muy tardía. “Justo antes de empezar a filmar”,
comenta Bayona. Gran parte de los diálogos son
improvisados, aunque el salto de Pratt entre las
mandíbulas del T-Rex sí se ensayó. Pratt hizo la
acrobacia tres veces, “y quería hacerla una cuarta
vez pero no se lo permitimos. Era muy peligroso”.
01:17:05
01:27:23
01:29:08
__ La segunda mitad
se desarrolla en una mansión, donde tipos sin
escrúpulos se reúnen para una subasta de las
especies capturadas. Una nueva creación, el
Indoraptor, se vende en 43 millones de dólares.
“Nadie estaba seguro de cuánto deberían
costar”, ríe Bayona. En el guion original se vendía
a los dinos, él prefirió que fuera mediante una
subastasauria. “La película trata de la avaricia”.
(Ted Levine), el cazador, se mete en la jaula del
Indoraptor convencido de que lo drogaron. Pero
no es así, como revela el animal con un parpadeo
astuto. Luego viene la hora del tentempié. La idea
surgió de una parte del guion donde el dinosaurio
ve a una araña haciéndose la muerta para evitar
ser comida. “La idea es otra capa que cuenta lo
listo que es el Indoraptor”, señala Bayona.
toma del filme, el subastador Gunnar Eversol
(Toby Jones) está ante el Indoraptor, cuyo rugido
manda a volar su bisoñé como si fuera de papel.
“Es difícil encontrar el equilibrio entre dar miedo
y hacer algo para toda la familia”, señala Bayona.
“Tienes que agregar comedia”. La escena fue
idea de Jones; que saliera volando, de Bayona.
“Lo vi en algunas fotos de Donald Trump”, dice.
01:40:40
01:48:14
01:53:44
favorita”, expresa Bayona de cuando el
Indoraptor acecha a Maisie (Isabella Sermon) en
su habitación. La toma de la silueta en la pared
provino del Dracula de John Badham, que
aterrorizó a Bayona cuando era niño. “Recuerdo
a Drácula metiéndose en la ventana de Mina.
Si comparas la escena con Jurassic, verás que
usamos algunas de las mismas tomas”.
como un clon humano, Maisie toma una gran
decisión cuando libera a un grupo de dinosaurios,
salvándolos de morir. “Hubo muchas pláticas con
Colin (Trevorrow, guionista) sobre si ella debería
decir ‘están vivos como yo’ o ‘están vivos como
nosotros’, recuerda Bayona. Al final se decidieron
por ‘como yo’. “Es la respuesta más valiente y la
manera en la que ella reconoce lo que es”.
termina con un T-Rex rugiendo, sino con un
raptor ‘dócil’, Blue, mirando hacia los suburbios.
“Blue es el corazón de la historia”, afirma Bayona.
“Provocamos empatía hacia los dinosaurios y
hacia ella. Teníamos que terminar con Blue”.
LAVA EN EL OJO __ Owen (Chris Pratt)
¿A CÓMO EL DINO?
SOMBRA OSCURA __ “Es mi escena
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LÁNZATE AL FUTURO __ Cuando dejan
CENÁNDOSE A KEN __ Ken Wheatley
ATAQUE DE LOS CLONES __ Revelada
T-RANSFUSIÓN __ Una escena donde
DESPÍDETE DE GUNNAR __ En la mejor
FUERA DE PELIGRO __ Fallen Kingdom no
JURASSIC WORLD: FALLEN KINGDOM ESTÁ DISPONIBLE
EN DVD, BLU-RAY Y DESCARGA.
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James Woods
como el
fotoperiodista
Richard Boyle.
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Memorias
de la
frontera
Oliver Stone nos habla sobre la
realización de Salvador, quizá el
rodaje más explosivo en el cine.
EL TÍTULO DEL TERCER largometraje de Oliver Stone
(después de las no exitosas Seizure y The Hand) no podría ser
más apto. Un tipo de Withnail and I pero de guerra, salvó la
carrera del realizador de irse a la mierda. La historia real, vital
y apasionante de Stone arroja a dos payasos a una maraña de
violencia e intriga política cuando el fotoperiodista Richard
Boyle (James Woods) y su amigo, DJ Doctor Rock (James
Belushi), se dirigen a El Salvador y terminan enredados en una
guerra civil entre los militares de derecha y los revolucionarios
de izquierda. Con batallas por todos lados, la película de Stone
se convirtió en un éxito nominado al Oscar. Para marcar su muy
esperado estreno en Blu-ray, el colorido director cuenta su
descenso al infierno de la realización cinematográfica.
¿Por qué te saliste de la corriente de
Hollywood para realizar Salvador?
No tuve opción. Después de The Hand,
estaba luchando. No había trabajo como
director y yo quería dirigir. Escribí
Scarface y eso no me llevó realmente
a ningún lado. Midnight Express fue muy
controversial. También había escrito los
guiones para Born on the Fourth of July
y Platoon, que también habían sido
rechazados. Mi obra había sido volátil y
hasta yo era conocido por ser volátil.
Entonces pensé: “Voy a tener que hacer
mi propia película”.
¿Qué te llevó a Salvador?
Conocí a Richard Boyle al mismo tiempo
que a Ron Kovic [el sujeto de Born on the
Fourth of July de Stone]. Boyle había
escrito algunas historias basadas en sus
reportajes en El Salvador; camino al
aeropuerto, las sacó de la parte trasera
del auto y eran fantásticas. En ese
momento yo sentía que no era
compatible con Hollywood. Había
algunos emprendedores nuevos como
John Daly, de Inglaterra. Daly estaba
tomando ciertos riesgos con su pequeña
compañía, Hemdale, y me dijo: “Platoon y
Salvador son muy buenos guiones. ¿Cuál
quieres hacer primero?”. Decidí que
Salvador porque pensé que Platoon
estaría maldita y se vendría abajo.
¿Cómo trabajaste el guion?
El gobierno había echado a Boyle de
Vietnam. Había reportado sobre los
motines. Había estado en Irlanda,
Nicaragua, Líbano durante esa
revolución. Estuvo en varios momentos
claves en El Salvador. Sus historias tenían
algo de rollo irlandés. Escribimos juntos
el guion. Me presentó el lugar y era
increíble. Le gusté al partido de derecha
porque les había encantado Scarface.
Esos tipos nos daban palmaditas en la
espalda, bebían a la salud de Tony
Montana y hablaban de sus escenas
favoritas interpretando los asesinatos:
“¡Tony Montana, muchos cojones!
Ratatatatá! ¡Mata a los malditos
comunistas!”. Así que nos invitaron a
todos esos lugares. Penetramos el ejército
porque Boyle tenía contactos
y por mí. El ejército no sabía qué pensar
de unos tipos de Hollywood.
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¿Es cierto que tenías un guion de
mentiras?
Boyle lo tenía, así que los tipos malos
eran los rebeldes. Fue allá tres veces.
Seguía diciéndome que podíamos tener
un look tipo Apocalypse Now por 50,000
dólares, lo cual era posible. Tenías mucho
equipo en El Salvador porque el
Pentágono les estaba dando equipo.
Tenían cosas enormes: tanques, aviones,
helicópteros. Dos meses después, nuestro
consejero militar, el teniente coronel
Ricardo Cienfuegos, fue asesinado por los
rebeldes en una cancha de tenis. Su foto
salió en la portada del The New York
Times. Nunca olvido cuando la vi.
Nuestras esperanzas de filmar en El
Salvador se fueron por el caño. El plan de
Boyle era filmar después a los rebeldes en
México, y era un buen plan.
¿En qué pensabas para el casting?
Originalmente, la idea era que Richard
Boyle se interpretara a sí mismo. Había
realizado algunas pruebas de pantalla
con él y Doctor Rock interpretándose a sí
mismos. Era muy gracioso pero John
Daly dijo: “Este tipo es una broma; no
puedes usarlo; debes conseguir actores”,
así que terminamos con el Sr. Woods y el
Sr. Belushi. Todos se odiaban entre sí. Los
actores odiaban a Boyle. Boyle pensaba
que eran chillones.
¿Qué recuerdas de ese estira y afloja?
Woods no soportaba a Boyle. Pensaba que
era vil. Boyle pasaba mucho tiempo ebrio.
Desaparecía... era todo un personaje,
pero yo lo quería. Al final me demandó y
ahí perdí los estribos con él. Estaba
quebrado todo el tiempo y
yo lo ayudé tanto como pude. Lo metí
en la WGA y gracias a eso obtuvo
prestaciones sociales para el resto
de su vida. Boyle era la clase de tipo que
salía corriendo frente a un auto en San
Francisco y provocaba que lo golpeara
para reclamarle al seguro.
Para citar la película, es un maquinador
y un estafador.
¿No hiciste que Woods y Belushi
se enfrentaran?
No, no lo hice, pero eso ocurrió de
manera natural porque Woods es un tipo
muy difícil. Él estaba interpretando su
parte muy bien, Belushi era mucho
menos experimentado y lo sabía. Había
un estira y afloja. Woods era muy
egocéntrico. Peleábamos de manera
constante. Había días en los que él y
yo simplemente nos volvíamos locos.
Cuando la escena de la confesión llegó
más tarde en la película, le dije a Woods:
“¡Voy a filmar una escena de confesión,
sólo para decir lo jodido
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DICIEMBRE 2018
que eres! ¡Una comadreja y una rata!”.
No le di ningún diálogo y de hecho dijo
muchas de las cosas que le dije a él. Casi
quise matarlo varias veces. Pero cuando
terminamos, me dijo: “Creo que
realizaste una gran película”.
¿Qué tan beligerante fue?
No me sentí amenazado por Woods
porque era un cobarde. Él estaba un tanto
molesto porque teníamos mucho
contenido de guerra. Hice que un avión
volara bajo y zumbara sobre John Savage
y él, y no estaba acostumbrado a eso. De
verdad pensó que yo estaba de vuelta en
Vietnam y volviéndome psicópata.
Le tenía fobia a los gérmenes y odiaba
a México, lo aterraba. Woods era
insoportable pero nos hicimos amigos.
Nos vemos y nos reímos de ello, pero no
era risible en ese momento. Fue
durísimo. Supongo que la tortura nos
unió de alguna manera.
¿Qué más ocurría?
Además de los problemas con Woods,
no había dinero. La moneda fue
devaluada antes de que empezáramos
a rodar y de pronto nuestro presupuesto
era 35 por ciento menor. Fue una
pesadilla. Los cheques rebotaban a las
tres semanas así que los actores gritaban
y lloraban. Había problemas con el
sindicato en México. Eran muy estrictos
en esos días y renunciaban. Se fueron tres
o cuatro veces. Me volví tan fatalista que
ya ni me molestaba. Me iba a dormir y
pensaba: “Ahí me despiertan cuando
regresen”. Pero fue divertido porque
capturamos algo en la película.
¿No ocurrió algo con la mujer que
trabajaba en la censura mexicana?
Eso también fue chistoso. No hay duda
de que El Salvador es muy sucio así que
tirábamos basura en la calle. En cierto
momento tuvimos que sacar a una mujer
del set porque se oponía a toda esa
mierda: “No podemos dar esa impresión
de Centroamérica”. Nos la pasábamos
regateando con ella así que le dije
a nuestro muy guapo gerente de
producción: “Ve y cógetela”. Y lo hizo.
Y funcionó. Así que le di un ascenso.
¿Qué otras tácticas de guerrilla usaste?
Mentimos, transamos y robamos. Pero
seguíamos rodando, filmando todo. Era
siempre para y arranca, para y arranca.
Tenía a la compañía de finanzas de la
película en el trasero todo el tiempo. Era
un tipo tuerto, Richard Soames, pero era
todo un personaje, y rudo a morir.
Tratábamos de sacar todo lo posible del
sombrero pero él se sabía todos los
trucos. Daly fue la diferencia.
Woods con Elpidia
Carrillo (quien
interpretó a María,
la novia de Boyle)
fy Oliver Stone en el
set / John Savage
como el periodista
John Cassady / Los
a veces amigos
Boyle y Cassady se
agarran a golpes /
Las horribles
secuelas de la
guerra.
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Cuando estábamos en la raya y a punto de
irnos al abismo, puso más dinero para
salvarnos. De hecho, no rodé el principio
y el final sino después de la filmación,
lo cual fue genial porque no había dinero.
Nos cancelaron en México el día 47
y nos echaron por falta de pago con el
sindicato. Era cosa seria.
¿Qué recuerdas del estreno
de la película?
Fue una pesadilla. Después de tanto
trabajo, te imaginas que tendrías un
descanso, pero Orion Pictures se echó
para atrás porque pensaron que era
demasiado violenta y demasiado sexy
y no recibiría una buena clasificación.
Nunca iba a ser material para un estudio
grande y Orion era nuestra última
esperanza porque eran semi
independientes. Así que sabíamos que
estábamos jodidos y que nadie
distribuiría la película. Daly volvió a
salvarnos y constituyó Hemdale
Distribution. Y hasta él me presionaba
para editar cosas, pero me gusta dejar
que todo esté colgando. Cuando vas a
El Salvador cruzas una línea invisible
o un espejo. Es otro mundo allá,
especialmente durante la época de la
Guerra Civil. No es una realidad normal.
¿Qué te pareció la recepción de la
película?
Las críticas fueron interesantes. Había
unas muy buenas y hubo quienes me
perdonaron algunas de mis
transgresiones previas. La película fue
reconocida por los conocedores y recibió
dos nominaciones al Oscar, una para
Mejor Guion para Boyle y para mí. Boyle
en los Oscar es otra historia. Rentó un
esmoquin de un depósito de chatarra.
Estaba hasta las trancas. Era un demonio
que buscaba ser el centro de atención
todo el tiempo. Woods fue nominado
también y creo que pudo ganar pero
fue el año sentimental de Paul Newman.
Lo habían nominado seis o siete veces.
Woods le había echado todas las ganas.
Así era él.
¿Es justo decir que Salvador fue
eclipsada por Platoon?
Si Daly me lo preguntara de nuevo, ahora
eligiría hacer Platoon primero. Salvador
habría recibido mucha más atención
como segunda película. Pero
francamente no lo lamento porque
aprendí mucho y ciertamente probó
que podía trabajar bajo la peor de las
presiones. Si pude sobrevivir eso, puedo
sobrevivir lo que sea. IAN FREER
SALVADOR ESTÁ DISPONIBLE
EN DVD Y BLU-RAY
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Fly me to the Moon
DAMIEN CHAZELLE
En First Man, el joven
director viaja con todo
y música a la Luna.
POR SUSANA MOSCATEL
DAMIEN CHAZELLE ha hecho
tres muy aclamadas películas (y escrito
y compuesto para algunas más), pero
nadie podría culparte, si te lo encuentras
en un lugar cualquiera, de confundirlo
con el encantador amigo de tu hermano
menor o incluso un joven asistente de
producción. Vaya que no lo es, pero su
actitud y emoción al hablar de cada uno
de sus proyectos no sólo sabe a una
ocurrencia nueva y contagiosa, sino
musical. Aunque First Man trata de un
tema completamente distinto a Whiplash
y La La Land, también tiene un tempo
y ritmo muy particular.
“Siempre quise hacer películas. Ni
siquiera sé qué fue lo que lo detonó.
Desde que recuerdo, las amo y las quería
hacer. También amo la música desde que
era muy chico; era muy importante para
mi papá y se aseguró que yo supiera tocar
algún instrumento, y fue la batería’’.
Eso de simplemente “tocar la
batería’’ es modestia pura, ya que, igual
que su personaje en Whiplash, vivió el
114
DICIEMBRE 2018
rigor de un maestro rudo y exigente al
estudiar en la preparatoria de Princeton,
como músico de jazz, y más tarde
graduarse de Harvard en materias
visuales y ambientales. Pero en efecto,
como si así lo hubiese planeado, su propia
educación y pasiones artísticas lo
llevaron al camino que ahora recorre.
“Siempre quise trabajar en esto
y pienso que la experiencia musical
alimentó mi deseo. No es que haya sido
una sola cosa, simplemente es lo que
sentía en mis adentros que debía ser’’.
Y vaya que lo ha hecho, creando no
sólo piezas que mueven fibras a quienes
nunca hubiera imaginado, sino que
también generan controversias. Una de
ellas, las discusiones a gritos entre
colegas que aseguramos que Whiplash
es infinitamente superior a La La Land,
contra los que no. Y bueno, mejor no
toquemos el vals del Oscar que no fue,
pero que pasó por lo mismo a la historia.
Ahora, con First Man muchos
consideraron que el director quiso dejar
claro que no sólo hace cintas sobre
música. Si bien eso es cierto, Chazelle
reconoce y agradece que notemos la
constante presencia de la música en esta
narrativa. Además la evidente opción de
“Rapsodia lunar, Oklahoma’’ (Rogers y
Hammerstein, 1943) suena bien en esta
versión en la casa de los Armstrong.
“Qué buena onda que te diste cuenta.
Y sí, Neil era un gran fan de la música del
teatro y musicales completos, así que me
pregunté cuáles escuchaba en su casa.
Sin duda, ‘Oklahoma’ hubiera sido una de
ellas. También le preguntamos mucho a
los hijos. Esos eran los pequeños detalles
que me hicieron felices al verlos.
Probablemente seguiría siendo un gran
fan de Broadway, pero también seguiría
escuchando los oldies, como yo’’.
First Man es un viaje que en su
primera vuelta a muchos nos pareció más
técnico que emocional, pero con el pasar
de los días descubrimos que tanto de lo
que ya amamos del director está implícito
en la forma que cuenta esta historia. Y
cómo, a través de la música, nos ha
llevado a la mente de un desesperado
estudiante, a un par de amantes a quienes
el viejo Hollywood se les cruza en el
camino, y ahora hasta a la Luna. Siempre
con música nos vuela hasta ahí.
“Todo el mundo se unió para admirar
este extraordinario logro, pero lo que me
parece irónico sobre eso es que, fue tan
extraordinario, que ya no nos damos ni
cuenta de lo difícil que fue”.
Me parece que algo muy parecido
se podría decir respecto al trabajo de
Chazelle y a su capacidad de unir
elementos de las artes para narrar
la historia que quiere contarnos. Lo hace
ver tan fácil, y es tan joven, que sin duda
lo que está por conquistar todavía será
tan emocionante de presenciar, como lo
fue el viaje a la Luna en sí.
Un gran paso para la
humanidad, y para
Damien Chazelle.
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EFECTOS SECUNDARIOS
El crimen del padre Amaro
La novela de Eça de Queriós
fue llevada al cine por Carlos
Carrera, con un guion
de Vicente Leñero.
POR ANAID RAMÍREZ
RÉCORD EN TAQUILLA
¿Creías que sólo el cine de superhéroes
podía tener preventas exitosas? Cuando
faltaban apenas unas horas de su estreno,
El crimen del padre Amaro ya había
vendido alrededor de 20 mil boletos
en México, cifra que en su momento
se equiparaba a lo recaudado por títulos
de alto calibre como Spider-Man y Star
Wars: Episode II- Attack of the Clones.
Pero los récords para esta película
mexicana no quedaron ahí: luego de tres
días de exhibición en 370 pantallas de
todo el país, la producción había juntado
31.12 millones de pesos; y para cuando
la cinta llegó a las 24 semanas en
cartelera, los ingresos en taquilla
ya acumulaban 162.5mdp. Fue la cinta
nacional más taquillera de la historia...
hasta que llegaron Nosotros los nobles
y, después, No se aceptan devoluciones.
ABRAZADA POR EL OSCAR
A dos años de que Alejandro González
Iñárritu consiguiera su primera
nominación al Oscar por Amores perros,
el filme de Carrera igualmente tuvo su
mención en la afamada premiación de la
Academia de Artes y Ciencias
Cinematográficas. Definitivamente no
fue la producción mexicana de mayor
calidad de ese año, pero Carrera entregó
una pieza digna, digerible para la gran
audiencia y, sobre todo, polémica —lo que
más le gusta a la Academia—.
REVUELO EN LA IGLESIA
Muy probablemente, una de las razones
por las que El crimen del padre Amaro
rompió la taquilla nacional fue por la
ayudadita que recibió de la Iglesia
Católica, debido a la cantidad de
publicidad gratuita que ésta generó.
Y es que varios grupos conservadores se
manifestaron, incluso antes del estreno,
en contra de los temas que la película
retrata: celibato sacerdotal, aborto,
El amor prohibido
no siempre es de
distintas sociedades.
narcolimosnas y demás. “Nos interesó
plantear la caída moral del personaje.
Amaro llega con buenas intenciones al
pueblo y poco a poco se va enfrentando
a la vida y a la realidad, se convierte en un
sobreviviente de las estructuras del
poder, y hace todo lo que hace con tal de
mantener su posición”, declaró Carrera
en una entrevista a Proceso en 2002.
TALENTO DE TELEVISIÓN
Daniel Birman, quien fuera productor
de la película, ya prepara la versión
televisiva de la misma. De acuerdo
con El Universal, “la gran pregunta es
qué pasó después, y lo retomamos (al
protagonista) a sus 40 años de edad;
sigue perteneciendo a la Iglesia Católica
y ha aprendido mucho en el camino”,
declaró Birman. El guion está a cargo de
Gabriel Ripstein, Luis Urquiza y el propio
Daniel, y se ubica 15 años después de los
hechos del filme. Aún no tiene fecha de
estreno, pero se espera que salga pronto
en alguna plataforma de streaming.
EL CRIMEN DEL PADRE AMARO ESTÁ
DISPONIBLE EN DVD Y ON DEMAND.
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¡ALERTA
SPOILERS!
Tiempo de sangre
Greg Nicotero, el gurú de
efectos especiales de The
Walking Dead, nos habla del
éxito de zombis año por año.
QUE THE WALKING DEAD
siga siendo una de las principales series
de la televisión al empezar su novena
temporada se debe en buena medida
a Greg Nicotero. La ‘N’ en el gigante de
efectos KNB inició en la serie como
su mago zombi, el hombre que podía
crear una interminable gama de muertos
vivientes. Pero desde entonces su papel
y su influencia han crecido: ahora es una
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DICIEMBRE 2018
de sus fuerzas creativas más importantes
y de sus principales directores, quien
muchas veces toma la batuta para iniciar
y terminar temporadas, dándole un adiós
sangriento a personajes clave.
Pero toma nota: la entrevista ocurrió antes
de que iniciara la temporada 9 y de la
trágica muerte de Scott Wilson, quien
interpretaba a Hershel.
Temporada 1
Con sólo seis episodios, el jefe de serie
Frank Darabont le dio un acercamiento
a la historia de Rick Grimes (Andrew
Lincoln) y su banda de sobrevivientes
abriéndose paso entre los zombis.
“Al filmar el piloto, Frank estableció las
reglas de trabajo de lo que sería una serie
muy bien recibida. Era fresco y nuevo
y épico. Sentí que una de las cosas que
elevó la calidad del material fue que
Frank se rodeó de gente que provenía
del cine. Siempre pensamos en grande.
Todavía pensamos en grande”.
Temporada 2
Rick y su banda de sobrevivientes se
resguardan en una granja propiedad
de Hershel. Sufren sus primeras
grandes bajas: el mejor amigo de Rick,
Shane (Jon Bernthal), el sabio y cálido
Dale (Jeffrey DeMunn) y la joven
Sophia (Madison Lintz).
El maestro Greg
Nicotero, de The
Walking Dead, nos
presenta a un zombi
de la temporada 9.
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“En las temporadas 2, 3 y 4, pusimos a los
personajes grandiosos juntos y los
dejamos contar nuestra historia.
Empezamos la temporada 3 con mucha
fuerza. La sola textura de la prisión nos
dio para una muy buena narrativa. Y
cuando entraron en contacto con
Michonne [Danai Gurira], la serie abrió
de buena manera. Al principio de la
temporada 3 estábamos en un momento
en el que necesitábamos razonar y
redefinir el punto de vista de la serie”.
negativamente a una línea narrativa
en la que el favorito de los fans, Glenn
(Steven Yuen), parece morir.
“Nunca he sido fan de las muertes falsas.
Lo entiendo, parte de nuestro trabajo es
llevar a la audiencia a un viaje, pero
recuerdo hablar mucho de eso: estamos
jodiendo un poco a la audiencia sólo para
manipularlos cuando lo que quieres es
tratarlos con respeto. La serie se volvió
oscura, muy oscura. Es a veces difícil
encontrar el gozo o entretenimiento
en cosas que son tan oscuras y
desesperanzadoras. Tienes que aligerar
las cosas de vez en cuando”.
Temporada 7
Temporada 4
El Gobernador le declara la guerra
a Rick y los demás que habitan la
prisión. La batalla no termina bien
para él, pero el grupo se ve obligado a
abandonar la cárcel.
“Nunca quieres tocar al mismo ritmo
una y otra vez. Sentí que hicimos eso un
poco con El Gobernador pero pudimos
redimirlo un poco. Era despiadado
y brutal, pero mostraba humanidad.
Y uno de mis episodios favoritos es donde
Merle [Michael Rooker] muere. Me
encantó la forma en que su personaje
completó el círculo”.
En un movimiento que provocó una
respuesta violenta, Negan asesina
gráficamente a los pobres de Glenn
y Abraham (Michael Cudlitz), cuando
se desata un juego del gato y el ratón
entre él y Rick.
“Dirigí ese episodio, así que siempre me
sentí un tanto desapegado a él. Lo veía de
una manera muy clínica. No me pegó sino
hasta mucho después. Pero fuimos por
ello y si hicimos o no lo correcto es un
punto debatible. Pero tienes que darle
mucho crédito a Steven Yuen. Es un actor
jodidamente bueno. Si la gente no amara
tanto su interpretación de Glenn,
no habría importado”.
Temporada 5
“Sé que la temporada 2 es muy criticada.
Para mí es una de nuestras temporadas
más fuertes. En la granja de Hershel,
donde había una serie de amenazas
en la periferia, permitió que la audiencia
se enamorara de los personajes.
Y ese momento cuando Sophia
camina fuera del granero como
zombi es uno de los más dolorosos
que hayamos grabado”.
Temporada 3: Rick
Grimes (Andrew
Lincoln) y otros
sobrevivientes se
defienden /
Conocemos al maloso
Negan (Jeffrey Dean
Morgan) y a su bat en
la temporada 6 / Glenn
Rhee (Steven Yeun)
Rick y su grupo terminan en un
lugar llamado Terminus, que no es
lo que parece. Un Rick cada vez más
despiadado enfrenta una lucha
por su alma.
“La temporada 5 inicia con ellos en el
mundo y completamente vulnerables.
Están en su momento más bajo en esa
escena en el granero donde Rick se echa
el discurso de “nosotros somos los
muertos vivientes”. Pero me encanta que
Rick se convierta en el tipo que Shane
dijo que nunca se convertiría cuando
tuvieron un enfrentamiento en la
temporada 2. Rick siempre fue el
antihéroe. Y siempre nos fascinó la idea
de The Walking Dead como western”.
y Nicholas (Michael
Temporada 3
Traynor) rodeados
Temporada 6
Mudándose a una prisión, Rick
y compañía enfrentan su mayor reto:
un loco llamado El Gobernador
(David Morrissey). La esposa de Rick
muere dando a luz.
de zombis en la
Mudándose a un lugar supuestamente
seguro llamado Alexandria, el grupo
encuentra un nuevo némesis: Negan
(Jeffrey Dean Morgan), un truhán con
un bate. Los fans reaccionaron
temporada 6 /
En la 8, Carl Grimes
(Chandler Riggs) con
su padre Rick.
Temporada 8
La guerra entre Rick y Negan llega
a su fin cuando ocurre una muerte
sorpresiva: el hijo adorado de Rick,
Carl (Chandler Riggs). Sorprendente
porque Carl sigue vivo en los cómics.
“Nunca quieres que la audiencia se
adelante a ti respecto a la historia.
Queremos que la serie se sienta fresca
y tomamos estas desviaciones a veces.
Había muchos factores en juego con la
muerte de Carl. Tenía que haber alguna
motivación significativa al final para que
Rick no matara a Negan, y algo que
influyó fueron los últimos deseos de Carl.
Fue de verdad triste perder a Chandler.
Dirigí su episodio final. Soy la Parca. Los
actores corren cuando me ven acercarme.
Diablos, ¡he matado a mucha gente!”.
CHRIS HEWITT
LA TEMPORADA 8 DE THE WALKING DEAD
ESTÁ DISPONIBLE EN DVD, BLU-RAY Y
DESCARGA.
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OBRA MAESTRA EMPIRE
Airplane!
Shirley va a estar de
acuerdo con que esta
es la película más graciosa
de la historia.
POR ANDREW DICKENS
DICIENDO “NEGRO, como mis
hombres”, cuando te preguntan cómo
tomas el café. Bromear sobre tu
“problema con mi forma de beber” si
accidentalmente te derramas un gin &
tonic en la barbilla. Aguantar la risa
cuando escuchas una oración que
empieza con “seguramente (en inglés
surely pero como si dijeras Shirley; ‘¡no
me llamo Shirley!’)”. Todos estos son
síntomas de Airplane! Es el lugar de inicio
de docenas de puntos de referencia
engranados en nuestra conciencia.
Lo curioso es que nació del género
menos autoconsciente de todos: las
118
DICIEMBRE 2018
películas de desastres. En los 70 no
podías evitar encontrarte con un grupo
de actores tratando de hacerla en un
filme de ensamble mientras luchaban en
un crucero volcado, un infierno en la
torre o un terremoto. O aviones volando
hacia un peligro mortal como vimos en la
cada vez menos exitosa serie Airport.
Formulaicas, cursis y sin embargo
siempre entretenidas, fueron tierra fértil
para la parodia de tres tipos graciosos
llamados Jim Abrahams, David Zucker
y su hermano Jerry Zucker.
Zucker, Abrahams y Zucker —mejor
conocidos como ‘ZAZ’ y descritos por
Robert Hays, quien interpreta al héroe de
la película Ted Striker, como “tres
cuerpos con un cerebro”— miraban
grabaciones de televisión nocturna
buscando inspiración para Kentucky
Fried Theater, su show de comedia en
vivo. Se toparon con Zero Hour!, de 1957,
escrita por el expiloto británico de la
Segunda Guerra Mundial Arthur Hailey.
Si has visto Airplane!, has visto Zero
Hour! La trama es tomada casi por
completo: el piloto dañado por la guerra
quien lucha contra sus demonios
mientras trata de salvar a un avión
de pasajeros aquejado por una cena
con pescado cuestionable que enferma
a los viajeros y la tripulación. Incluso
hay diálogos copiados literalmente,
incluyendo el inmortal: “Nuestra
supervivencia depende de una cosa:
encontrar a alguien que no sólo
pueda volar este avión sino que no
haya cenado pescado”. ZAZ simplemente
agregó chistes.
Después de investigar los límites
legales de la parodia, ZAZ tuvo que
comprar los derechos de Zero Hour!
aunque pagaron sólo 2,500 dólares. Fue
algo inteligente. Colocar sus chistes en la
bien estructurada Zero Hour! le dio
sustancia al filme.
Paramount quería hacerla,
asignando al experimentado productor
El piloto automático
escucha y calla
ante el desastre.
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DIEZ REGLAS
DE EMPIRE PARA
REGALOS DE
NAVIDAD
POR CÉSAR HERNÁNDEZ
Reglas o clichés del cine para verlo
y hacerlo con referencias infalibles.
1. El amor. Basta que dos
compradores compulsivos choquen
haciendo un reguero de regalos
para enamorarse
con sólo golpear sus cabezas.
2. Lugar de reunión. El lugar donde
el amor acecha durante las fiestas
sin duda alguna es el centro comercial;
al parecer comprar y comer porquerías
nos hace vulnerables.
Howard W. Koch, cuyo CV incluía The
Odd Couple y The Manchurian
Candidate. Al principio esto provocó
resentimiento en los escritores
treintañeros, a quienes les preocupaba
que Koch pusiera sus manos
sexagenarias en su creación. Pero Koch
sabía cómo lidiar con tres recién llegados
arrogantes, recordándoles de manera
gentil que siempre podían probar suerte
en otro estudio.
Un argumento que los escritores
lograron ganar fue posible gracias a los
contactos de Koch. Inspirado por la
sinceridad con la que el elenco de Zero
Hour! decía sus ligeramente ridículos
diálogos, insistieron en contratar a
actores serios para interpretar su guion,
rechazando a cómicos como Bill Murray,
Chevy Chase y David Letterman.
Este golpe de genialidad significó
que tuvieran al anteriormente ‘recto’
Nielsen como Rumack, a Lloyd Bridges
como el jefe de aeropuerto Steve
McCroskey, a Peter Graves como el
capitán pedófilo Clarence Oveur, y a
Robert Stack como Rex Kramer, el
némesis de Ted y previo oficial
comandante. Stack, ganador del Emmy
en 1960 por la serie de tele The
Untouchables (producida por Koch) y
nominado al Oscar en 1957 por Written
On The Wind, estaba en lo alto de la lista
de ZAZ. Bridges había sido el estelar en
películas bélicas y westerns, con más de
100 títulos bajo su nombre. Graves era
un rostro muy familiar en la televisión
estadounidense, y no sólo por su papel
como Jim Phelps en Mission: Impossible.
Nielsen, a esas alturas, era mejor
conocido por las cero humorísticas
Forbidden Planet y The Poseidon
Los nervios
traicionan un poco al
experimentado piloto
traumatizado.
Adventure. Era un actor serio
shakespeariano de cierto renombre.
Pero Airplane! cambió todo eso.
Nielsen, un payaso de clóset, nunca se
arrepintió y volvió a trabajar con ZAZ
en Police Squad! y la trilogía The Naked
Gun, así como en una variedad de
parodias menores. Bridges será
siempre asociado con haber “elegido
la semana equivocada para renunciar”,
mientras que Graves es más recordado
no por Mission: Impossible, sino
por preguntarle a un niñito si alguna vez
había visto desnudo a un
hombre mayor.
Claro, el corazón de la película, la
razón por la que verla de nuevo es un
placer y una obligación, es la enorme
cantidad de chistes: visuales, sexuales,
referenciales, de pastelazo, albures y
juegos de palabras. Cada vez que la ves,
encuentras algo nuevo.
Los chistes son lanzados casi a un
ritmo poco ético, con los escritores
aprovechando sus fortalezas; pero no es
una comedia que dispara sin ton ni son,
sino que la mayoría dan en el blanco.
La película todavía es importante.
No por su cinematografía o por algún
mensaje más profundo; no por un
legado que corre desde Naked Gun de
ZAZ hasta los Farrelly y Coen y las
referencias culturales y demás, sino
porque Airplane! no da señales de
envejecer. Sigue siendo la comedia más
chistosa y un filme enorme y sonriente
que existe sólo para hacernos reír.
Y sin duda, eso no puede sino
tomarse en serio.
AIRPLANE! ESTÁ DISPONIBLE EN DVD,
3. Invertir tiempo. La mejor
manera de compartir tiempo con tu
familia o amigos es yendo de compras.
4. La raíz de la tradición. Debajo
del árbol de Navidad es donde viven
los sueños, aunque yo nunca soñé con
calcetines o chalequitos de godín.
5. De compritas. La primera teoría
es que la gente de las películas trabaja
todo el año para gastarse su dinero en
miles de regalos.
6. Rodeados de cariño. La segunda
teoría es que cada uno de esos personajes
tiene muchísimos amigos merecedores
de un buen regalo grande y caro a juzgar
por las cajotas o las bolsitas coquetas.
7. Forma y fondo. No se me ocurre
qué diablos hay en tanta caja pero
la envoltura se ve más cara
que lo de adentro.
8. Caravana con gorrito ajeno.
Cuenta la leyenda que Santa Claus
es quien trae los regalos pero nunca
te lo encuentras en la fila para pagar.
9. El amargo sabor de la
generosidad. Hay quienes prefieren
hacer una donación a tu nombre a una
causa humanitaria y tú siempre exhalas
un bonito “chale” de orgullo
y satisfacción.
10. Intercambio de miserias. En la
vida real el intercambio de regalos entre
un grupo determinado es como la vida,
profundamente injusto.
BLU-RAY Y DESCARGA
DICIEMBRE 2018
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EL CRÍTICO EMPIRE
LIFE ITSELF
De EUA a España, esta
historia abarca territorios
y tiempos distintos.
POR ÓSCAR URIEL
EN LA PASADA EDICIÓN
del Festival Internacional de Cine
de Toronto hubo un par de cintas que
se convirtieron en el punto de embate
de la crítica especializada. Una de ellas
fue The Death and Life of John F.
Donovan, de Xavier Dolan, y la otra, Life
Itself, dirigida por Dan Fogelman, quien
es identificado por ser el showrunner
del exitoso serial televisivo This is Us.
El programa cuenta con la aceptación
de la audiencia pero también con la
indiferencia de la crítica especializada,
que de manera constante manifiesta su
disgusto sobre esta producción, en
particular al considerarla un melodrama
120
DICIEMBRE 2018
manipulador y excesivamente sensiblero.
Aunque Fogelman no es ajeno a la
dirección —es responsable de la
agradable pero insustancial Danny
Collins que protagonizó Al Pacino en
2015—, Life Itself es su primera película
después de experimentar el fenómeno de
popularidad de la serie de televisión, por
lo que se estima como su trabajo
cinematográfico a considerar.
Lamentablemente la cinta se
convirtió en centro de ataques e incluso
de burlas, cuestionando su inclusión
en la programación del Festival. Al igual
que This is Us, Fogelman nos presenta un
relato de familias y de historias de amor
fragmentadas por el tiempo y el espacio.
La estructura, si así podríamos
llamarle, cuenta con dos crónicas
románticas apenas unidas por un puente.
La primera es protagonizada por los
carismáticos Oscar Isaac y Olivia Wilde,
cuyos personajes viven una idílica
relación en Nueva York. La segunda es
una truculenta historia de pasión y deseo
situada en España, estelarizada por
Antonio Banderas, Laia Costa
—la protagonista de aquella película de
Sebastian Schipper de un solo plano
secuencia titulada Victoria— y Sergio
Peris-Mencheta. El que podría
considerarse como puente entre ambos
relatos, es interpretado por Mandy
Patinkin. No revelaremos más de la
anécdota por respeto a los lectores que
todavía consideran ver la cinta, pero sí
advertiremos sobre algunos factores que
componen este peculiar trabajo.
Para empezar, les digo que Life Itself
no me parece el fracaso cinematográfico
que los críticos manifiestan que es.
Considero que la primera parte, la de
Isaac y Wilde, por sí sola deriva en una
efectiva cinta romántica cargada de
sentido del humor, sustentada en el
incuestionable carisma de sus
protagonistas. Esto es una especie de
trampa, pues el espectador piensa que
toda la cinta tendrá este tono y ritmo.
Annette Bening interpreta a la terapeuta
de Isaac en un hilarante armazón de
inofensiva comedia romántica citadina.
¿Antonio Banderas
será el bueno o el
malo de esta
historia? / ¡Y todavía
quiere pasar por
tacos!
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MOVIE SHOTS
Hasta aquí todo es diversión y
entretenimiento.
El problema viene en la segunda
parte, cuando la acción se desplaza a
España. Aquí el asunto se convierte en un
sombrío melodrama atestado de
tragedias y ausencias, en el que Costa y
Peris Mencheta abordan sus roles con un
compromiso evidente pero excluyendo
cualquier sensación lúdica, para dar paso
a un taciturno melodrama. Fogelman
utiliza de manera constante y perversa
el asunto de la ausencia a partir de la
muerte. Por un momento tenemos
la sensación de que nos es imposible
simpatizar con alguno de los personajes,
porque pareciera que todos están
predestinados a morir. Quienes están
familiarizados con su programa de
televisión This is Us saben que el
fallecimiento del patriarca es un punto
clave en la estructura de la historia.
Digamos que Life Itself abusa de esta
herramienta.
Al finalizar la cinta, nos queda la
sensación de que el director quiso
proyectar en poco tiempo una
considerable mezcla de sentimientos.
El público termina exhausto. Para
cuando se empiezan a develar las
conexiones entre las anécdotas, el
espectador se encuentra muy agotado
como para seguir interesado.
Tuve la oportunidad de estar
presente la noche del estreno de esta
cinta en un teatro de la ciudad de Toronto
con la presencia de la mayor parte del
elenco. Fogelman subió al escenario para
presentar el título contando una breve
anécdota sobre la manera en la que
conoció a su ahora esposa, en una fiesta a
la que él no quería asistir en principio,
manifestando la relevancia del destino en
estos menesteres. Su película, sin
embargo, carece de sorpresa al percibirse
como
un melodrama demasiado pensado
como para dar lugar al desconcierto.
PELÍCULA: LOST IN
TRANSLATION (2003)
SHOT: SUNTORY WHISKEY
BILL FUCKING Murray interpreta
a Bob Harris, un actor que ya va de
salida en su país natal, Estados
Unidos, pero que, como dice la
canción, “es grande en Japón”, así
que recibe de ellos, en particular del
famoso whiskey Suntory, una oferta
que no podía rechazar: dos millones
de dólares por un comercial de
la dichosa bebida que algunos
amantes de todo lo japonés se atreven
a mencionar como la mejor del mundo
—yo no les creo nada—.
Así que Bob se hospeda en un
lujoso hotel en Tokio y se encuentra
con que la sociedad le es
terriblemente extraña, aunque
encuentra algo de solaz en el
aislamiento que este proyecto le
impone. Lejos de ahí, en su país, su
esposa está eligiendo nuevo tapiz y
pretende que Bob se involucre en su
tontería desde donde él está, sin
poderse acostumbrar al horario ni a lo
difícil de los modos y al idioma.
Esta obra de arte de Sofia Coppola
tiene además a Scarlett Johanson en
el papel de Charlotte. Recién egresada
de la universidad, ella viaja a Japón
con su esposo, un fotógrafo de
Deja que EMPIRE sea
tu bartender.
tragos de película
sin moderación.
POR CÉSAR HERNÁNDEZ
celebridades que la deja sola la
mayor parte del día y que no la integra
a sus actividades.
“Para esos momentos de
relajación, hazlos un momento
Suntory”, es el slogan que Bob tiene
que repetir una y otra vez bajo las
instrucciones confusas del entusiasta
director del comercial, cuyas
indicaciones recibe a través de una
ineficiente intérprete.
Obviamente, las soledades de Bob
y de Charlotte se encuentran, se
reconocen y se complementan en la
más platónica de las historias de amor.
“Traduttore, traditore”, dice el adagio
italiano, y justamente el nombre de la
película se refiere a lo que se pierde
cuando se traduce, cuando no se
habla el mismo idioma y, en un nivel
más profundo, cuando nuestras vidas
no son afines como la de Bob y
Charlotte, bebiendo un Suntory en las
rocas en el bar del hotel del insomnio
en la madrugada de Tokio.
INGREDIENTES:
Whiskey japonés
Suntory, hielo
CÓMO HACERLO:
Servir el Suntory en un vaso old fashion.
Añadir hielo si gustas.
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HISTORIA
DE UNA
TOMA
THE SEVENTH SEAL
POR DAN JOLIN
INGMAR BERGMAN era sólo un niño cuando se encontró
con la Muerte por primera vez. La leyenda de las películas de
arte pasó buena parte de su niñez, en los años 20, en iglesias
suecas porque su padre era ministro luterano. Pero el joven
Ingmar estaba menos interesado en los sermones de su padre
que en sus fascinantes alrededores. Su imaginación fue nutrida
por lo que vio, especialmente un mural en la iglesia Täby de
Uppland realizado por el artista Albertus Pictor (siglo XV): ‘En
un bosque se sentó la Muerte, jugando ajedrez con el Cruzado…’.
Décadas después, en 1956, en las rocas azotadas por la
tormenta en la playa de Hovs Hallar, Bergman reinterpretó esa
imagen a su manera, igualmente indeleble. Era entonces un
director respetable en casa, aunque uno a quien apenas le
habían otorgado la suficiente libertad para sumergirse en sus
más profundas pasiones creativas (gracias a la exitosa Smiles of
a Summer Night). En este caso, un drama medieval apocalíptico
se expandió a partir de una obra de un acto que escribió como
un ejercicio para sus estudiantes del Teatro de Malmö.
“Sabíamos que hacíamos algo inusual”, recordaría el
actor Max von Sydow sobre The Seventh Seal en 1988.
Bergman eligió a Von Sydow para interpretar al
caballero desilusionado Antonius Block regresando de
una cruzada a fin de reunirse con sus seres queridos,
Bergman escribió el
primer borrador del
cuando la Muerte (Bengt Ekerot) apareció para
guion mientras se
reclamarlo. Con el propósito de posponer su
recuperaba de una
fallecimiento, Block sugiere un partido de ajedrez, y
enfermedad gástrica.
mientras juegan hablan de... bueno, de todo. Fue la
primera cinta de von Sydow con Bergman y marcó el
principio de una larga y fructífera relación de trabajo.
Ekerot, por su parte, no apareció en una horrenda
Bengt Ekerot, quien
interpretó a la Muerte,
máscara de cráneo o tras la marioneta de un esqueleto.
dirigió la presentación
En un golpe audaz, él y Bergman decidieron que su
de Wood Painting, de
Parca debería tener “los rasgos de un payaso blanco”.
Bergman, la obra en
El director sabía que era “una acción artística peligrosa
la que se basa
y delicada, que podría fallar por completo”. Pero la
The Seventh Seal.
interpretación de Ekerot se convirtió en la imagen que
definió cinematográficamente a la Muerte.
Así que no sólo The Seventh Seal provocó que
En un inicio, Max von
Bergman fuera reconocido a nivel mundial, sino que
Sydow se molestó al
ese partido de ajedrez y la visión mortal resonaron
enterarse de que le
a lo largo de la cultura popular. Ian McKellen repitió
habían dado el papel
el papel en Last Action Hero. Y claro, el “payaso blanco”
del caballero, porque
de William Sadler jugaría Batalla Naval y Twister con
en la obra al personaje
un par de tontos en Bill & Ted’s Bogus Journey.
le cortan la lengua
Fue un gran resultado para una cinta realizada en
durante las Cruzadas,
35 días con 150 mil dólares. “Se hizo bajo condiciones
así que no tiene
difíciles”, recordó Bergman. Pero su impacto personal
diálogos.
fue más profundo. Cuando le preguntaron, en 1968,
si la película representaba un apocalipsis nuclear, dijo:
“Por eso la realicé. Se trata del miedo a la muerte.
Me liberó de mi propio miedo a la muerte”.
Datos clavados
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3_
THE SEVENTH SEAL ESTÁ DISPONIBLE EN DVD, BLU-RAY Y DESCARGA.
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¿Qué trae
la marea?
La versión de Godzilla de The Criterion Collection está llena
de nostalgia y extras exquisitos.
POR CÉSAR HERNÁNDEZ
SIEMPRE HAY UNA primera vez
para todo y de esa primera vez muchas
veces surge todo lo que conocemos. En la
actualidad, con todo lo que nos ha dado
la tecnología, nos es difícil enfrentar un
tiempo en el que cosas como el CGI no
existían ni en la imaginación, y aun así
se crearon las bases de lo que son hasta
hoy las historias de desastres.
Godzilla o Gojira en su primera
versión, la de 1954, dirigida por Ishiro
Honda, es una compleja fábula japonesa
acerca de todo lo que vivía esa nación en
aquel momento. No sólo había padecido
las más terribles represalias por su
supuesto ataque a Estados Unidos en la
Segunda Guerra Mundial, 10 años antes
de la filmación de la película, sino que
tenía la misión de vivir con ello
e insertarse en la modernidad.
Sólo un país eternamente violento,
bélico y poético como Japón podía darle
forma a sus miedos transformándolos en
una metáfora bellísima y siniestra; Gojira
es una antigua leyenda pero incluye el
temor de los japoneses a la completa
aniquilación, algo que han mantenido
latente a través de terremotos, tsunamis
y la bomba atómica de los gringos.
No es curioso que Toho Studios,
la productora de Godzilla, también
produjera a su gemelo artístico el filme
I Live in Fear, del monumental Akira
Kurosawa, de 1955, en el que se inaugura
junto con su hermana monstruosa esa
actitud nipona de paranoia nuclear,
justísima al ser la única nación en el
124
DICIEMBRE 2018
mundo que ha experimentado este
horror, además de todo lo que su
sangrienta historia nos enseña: no sólo
Hiroshima y Nagasaki padecieron en esa
guerra; el aplicado bombardeo a Tokyo
no fue menos espantoso y destructivo.
Godzilla es un símbolo redondo
y complejo; es consecuencia de algo
pero también el origen de otra cosa.
Las pruebas de la bomba H (cuya
destrucción es más intensa que la
atómica) por esos años en el Pacífico
despertaron a un monstruo paleolítico
que ya habitaba las pesadillas de los
ancianos: “cuando Gojira termina con los
peces del mar, sale a la orilla para
alimentarse de la gente”. Ese monstruo
suena terriblemente actual, ahora que la
humanidad se está terminando los
recursos del mar y de la tierra, y que lleva
siglos unos contra otros, coqueteando con
la aniquilación completa.
Y ahí está el monstruo reflejo de lo
más horrible de los humanos, pero en el
Godzilla de Ishiro Honda los humanos
tienen todas las dimensiones que has
visto en las películas de desastres desde
entonces; digamos que Godzilla es el
modelo completo de las películas del
género, que han usado sus partes de
manera modular y no siempre
conteniendo todos sus elementos.
Aquí vemos mujeres heroínas, algo
demasiado moderno pero bien aplicado;
también observamos al heroico soldado,
al político egoísta, al científico sensible
y al doctor loco con un pasado turbio
y un presente lo suficientemente
destructivo. Tenemos la turba iracunda
y a la gente de corazón bondadoso que se
encuentra en medio del desastre.
Aquí se funda la idea de que la
humanidad actúa de modo violento en
primera instancia, sin averiguar causas
ni cuestionarse motivos, o sin plantearse
una forma menos bélica de reaccionar.
También presenciamos lo inverosímil
que nos parece, ante el miedo, la
explicación científica, y cómo, por
consecuencia, nos dejamos llevar por el
impulso irracional de acabar con aquello
que nos provoca el terror.
La versión que EMPIRE estudia
ahora es la de la famosa The Criterion
Collection, que además de contener
la versión original de Ishiro Honda en
alta definición, incluye la adaptación
americanizada Godzilla: King of Munsters
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de 1956 y el retrabajo de Terry Morse
con Raymond Burr como protagonista,
insertado con efectos especiales en la
película original. Asimismo lleva
entrevistas con los encargados de
los efectos especiales, que incluían
pinturas mate fusionadas con la cinta
a fin de combinar pequeños poblados
con el mar y hasta al fantástico
monstruo y su destrucción con la ciudad
de Tokyo y su gente.
El disco uno nos regala, además,
el videoensayo del historiador Greg
Pflugfelder acerca del buque pesquero
Daigo Fukuryu Maru y su trágico
naufragio, que es la historia que inspiró
a la Godzilla original. En marzo de 1954
una prueba norteamericana de una
bomba H tuvo lugar mientras el navío
pasaba, sin molestar a nadie, a más de
130 kilómetros de ahí y terminó por
recibir ceniza radiactiva que de
inmediato enfermó a toda la tripulación.
Será difícil
encontrarle a uno
de su tamaño
a este gigantón /
Godzilla quiere
jugar con el de
los “toquestoques”.
Godzilla inicia con una escena que hace
alusión a este evento con tres barcos
siendo atacados casi del mismo modo.
Aparte del fabuloso empaque que
tiene un Gojira en pop up, esta edición
incluye en su booklet un ensayo del
crítico de cine J. Hoberman, quien
hace un análisis de estas referencias
de la posguerra en el Japón de la
época y en la película, de qué manera
llegó al cine estadounidense con su
versión tropicalizada para ese mercado
y cómo Godzilla influyó en la
cinematografía universal.
La humanidad casi termina con
Japón y ¿qué hacen los nipones? Nos
regalan a Gojira; ¡cuántos nombres
podríamos ponerle ahora con el final
cada vez más cerca!
GODZILLA REEDITADA Y REMASTERIZADA
ESTÁ DISPONIBLE EN LA EDICIÓN DE THE
CRITERION COLLECTION.
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TOP 10 EMPIRE
Películas bajo 0º
El frío provoca desde el
amor hasta la risa, aquí
10 ejemplos de eso.
POR CÉSAR HERNÁNDEZ
THE DAY AFTER TOMORROW
(2004)
LA PUEDES VER EN AMC, DVD Y BLU-RAY
Una favorita del ambiente invernal.
En ella, una nueva glaciación azota
a nuestro planeta y el meteorólogo que
descubre la contingencia (Dennis Quaid)
tiene que recorrer el congelado Estados
Unidos hasta Nueva York para rescatar
a su hijo (un jovencito Jake Gyllenhaal).
En tanto, el mundo colapsa al grado de que
México cierra su frontera para que los
gringos no pasen y negocia la cancelación
de la deuda externa a cambio de dejar
entrar a los vecinos a tierras más
calientitas. Dirige Roland Emmerich.
WIND RIVER (2017)
Ve por el oro, decían,
será sencillo, decían.
sujetos de lo más podrido hospedándose
en una cabaña. Ninguno de ellos es bueno
o virtuoso, y es por eso que la tensión
tarantinesca hace de esta película una
de las más perfectas del director. Para
variar, el ensamble es extraordinario, así
como los diálogos. Súper entretenida y lo
suficientemente violenta.
FARGO (1996)
LA PUEDES VER EN DVD Y BLU-RAY
Helada película de Taylor Sheridan
acerca de un asesinato terrible en una
reservación india, en Wyoming, con un
serio y comprometido Jeremy Renner
y Elizabeth Olsen como una friolenta
detective del FBI. No sólo los paisajes son
increíbles, sino que la trama es bastante
cautivante y, por sobre muchas otras
cosas, el soundtrack se integra al terrible
viento helado y al misterio de muerte
que se cierne sobre la estepa.
Una de las mejores comedias bizarras de
los hermanos Coen. La historia es acerca
de una serie de crímenes en un helado
poblado norteamericano, con unos
matones bastante estúpidos y una oficial
de la policía embarazada que no
descansará hasta resolver la cadena de
crímenes que azotó a su congelado hogar.
Esta película es tan increíble que dio
origen a un programa de televisión con
tres temporadas que mantiene
perfectamente el tono y nos presenta
variantes increíbles de la historia.
THE HATEFUL EIGHT (2015)
THE SHINING (1980)
LA PUEDES VER EN DVD Y BLU-RAY
LA PUEDES VER EN NETFLIX
LA PUEDES VER EN DVD
Fábula de vampiros basada en un cómic
y dirigida por David Slade con una premisa
maravillosa: en Barrow, Alaska,
El western más teatral de Quentin
Tarantino nos muestra, al ritmo de Ennio
Morricone, una tormenta de nieve y ocho
Uno de los mejores directores de la
historia, Stanley Kubrick, hace esta
adaptación de la novela del amo del terror
30 DAYS OF NIGHT (2007)
126
cada invierno cae la oscuridad total
y durante 30 días es de noche; ¿cómo no
se les había ocurrido antes a los vampiros?
Justo un grupo de chupasangres planean
un ataque a la humanidad utilizando
la noche de Barrow para cargar energía
y masacrar a la población. Obvio,
los vampiros no contaron con el valiente
sheriff Josh Harnett y su ex, interpretada
por Melissa George.
DICIEMBRE 2018
LA PUEDES VER EN DVD Y BLU-RAY
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Stephen King. El autor nunca quedó
contento con el resultado debido a los
cambios que el director hizo en la
historia, pero tuvo que reconocer que se
trata de una obra maestra del cine y del
género. El volátil Jack Torrance es
contratado para cuidar un hotel
durante el crudo invierno. Aunque
Torrance vive ahí con su familia, al
parecer el aislamiento lo vuelve loco;
pero lo que sucede en realidad es que
el hotel está plagado de fantasmas.
GOLD RUSH (1925)
LA PUEDES VER EN DVD NORMAL Y EN LA
EDICIÓN DE THE CRITERION COLLECTION
Una de las más increíbles aventuras del
vagabundo Charlot. Esta vez él se une
a la fiebre del oro, y lo busca con muy
poca suerte en una nevada montaña
en la que padece las inclemencias del
tiempo, el hambre y a un socio
insufrible. Aquí Charles Chaplin nos
regala sus más imitados gags: el de
cuando devora un zapato cocinado,
el de cuando ve en su amigo la figura
de un pollito rostizado y el del banquete
en que hace bailar a los panes. Sin duda
de lo mejor en cine y comedia.
DEAD SNOW (2009)
LA PUEDES VER EN BLU-RAY
Los crossovers en B-Movies son algo
irresistible. Si te has soplado una
anaconda, un cocodrilo gigante y un
tornado atascado de tiburones, ¿por
qué no unos zombis nazis malditos?
Estos uniformados se quedaron
congelados en el frío pero volvieron
como muertos vivientes y fundaron
un subgénero que nos regaló otras
películas con zombis nazis.
TWO NIGHT STAND (2014)
LA PUEDES VER EN NETFLIX
A veces pasa que sólo quieres un poco
de cariño para después huir
despavorido de la escena; en ocasiones,
como en esta chick flick de Max Nichols,
hay dos metros de nieve que obstaculiza
tu escape, por lo que tendrás que
enfrentarte con lo que hiciste y a lo
mejor hasta con el amor.
THE THING (1982)
LA PUEDES VER EN NETFLIX
De la atormentada y tormentosa mente
de John Carpenter, un ente
extraterrestre enterrado en el hielo
aterroriza un campamento de
científicos. Lo más espeluznante es que
toma forma humana y cualquiera
podría ser el maldito alien. No dejes de
disfrutar la precuela de 2011 con Mary
Elizabeth Winstead; más que digna.
Xavier Velasco Banquetazo de Scorsese
LAS FUNCIONES VITALES
NUNCA ES LO MISMO conocer una
evidente que digerir tanta magnificencia
ciudad que simplemente haber pasado
es un proceso que exige cuando menos
por ella: un par de monumentos, dos
tres funciones. Scorsese recrea el Nueva
avenidas y una selfie en la plaza principal
York de finales del siglo XIX, a partir de la
difícilmente alcanzan para decir que
novela de Edith Wharton, con todo el
supe dónde andaba. Algo similar sucede
esplendor que exige su carácter
con las películas, especialmente aquellas
pueblerino y ridículo, aunque también
cuya riqueza visual y sonora no cabe en
suntuoso y excesivo. Un mundo de
la pantalla de un asiento de avión. Puede
apariencias, rendido a los caprichos del
uno presumir, en dado caso, de
qué dirán, donde mandan los
haberse informado en torno al
códigos de una sociedad ávida
MI
contenido del filme.
de renombre y al propio
RECOMENDACIÓN
Ya sé que sueno un
tiempo huérfana de
Las buenas maneras, de
poco exagerado, pero
autenticidad, que mira
Marco Dutra y Juliana Rojas. hacia una Europa
como bien dicen, la
Una futura madre abre las
pedrada depende del
alambicada ya para
puertas
de lo sobrenatural y entonces inexistente.
tamaño del sapo. Si un día
la peor pesadilla parece
me veo forzado por el
De la ópera al baile, del
algo cotidiano.
tedio a ver una película en
carruaje al banquete, de una
el avión, me inclinaré sin duda
a otra mansión, los personajes
por la que crea más mala y haré
de La edad de la inocencia se
mío el consuelo de que no será mucho lo
mueven como piezas de un ajedrez
que me pierda. Pero si al fin se trata de
maligno en el que no hay más señores
cumplirse un deseo acariciable, vale más
que el poder y el prestigio, incluso lo que
prepararse para ello cual si fuese una cita
luce espontáneo y casual es parte de una
de amor. Y es el caso de La edad de
gran mascarada. Pero ¿quién osaría
la inocencia.
sospechar que la cándida May Welland
Tantas grandes películas ha traído
pudiera estar al tanto de la conspiración
al mundo Martin Scorsese que se
que cada día se teje en torno suyo? La
entiende que algunas permanezcan bajo
trampa que Scorsese nos tiende —un
una sombra relativa. “¿La habré
festín que agasaja los sentidos de la
sobreestimado?”, me pregunté hace poco
primera a la última toma— contribuye a
en torno a la que yo recordaba como
marear incluso al más pintado, de modo
gema suntuosa y embriagante, y sin más
que la trama transcurre con la impunidad
cedí al impulso de conseguir la versión en
de una belleza cruel y seductora que nos
blu-ray de Criterion.
hace sus cómplices fatales.
La edad de la inocencia es puro
Afirmar que ésta es la película más
agasajo para ojos y oídos, amén de una
esplendorosa de Scorsese puede parecer
delicia para la inteligencia. De pronto me
mucho, pero quiero creer que unas
pregunto cómo me conformé en aquellos
buenas bocinas y una pantalla grande
años con verla nada más una vez, si es
terminarán hablando por sí mismas.
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SOBREDOSIS
DE TV
Gerard Butler
Un escritor. Seis películas al hilo
o.
Reza por él.
POR CHRIS HEWITT
ILUSTRACIÓN WANT SOME STUDIO
PODRÍAMOS DECIR que la carrera de
Gerard Butler inició cuando entró a la lista A de
actores con 300, en 2006, y ha sido la definición
n
de una trayectoria mixta. Ha tenido triunfos
menores, una rareza apestosa (o 10) y algunas
elecciones extrañas que te dejan perplejo (no
sólo de películas sino de acentos). Sin embargo,
sigue siendo una estrella —una muy atractiva—..
Una cinta de Gerry Butler, por sí misma, puede
proveer delicias raras y maravillosas. ¿Seis de
ellas al hilo? ¡Esto es una locura!
10:00AM 300 (2006)
Empecemos con el inicio de su estrellato. Butler
tenía ya un rato por ahí (interpretó a Drácula y al
Fantasma de la Ópera) antes de que Zack Snyder
lo eligiera para su visualmente espléndida
adaptación de Frank Miller. El filme en sí ha
envejecido, pero Butler sigue siendo vigente;
gruñe, grita, apuñala y corta como la cabeza del
ciervo escocés que siempre temimos que te
encontraras en una noche de juerga.
12:15PM P.S. I love you (2007)
Después de llegar a la lista A, Gerry tomó la
primera de sus decisiones extrañas al interpretar
a un irlandés muerto, en este drama romántico
sobre Hilary Swank superando el fallecimiento
de su esposo. Digo “irlandés” sólo porque con
frecuencia nos dicen de dónde es el personaje
de Butler, pero su acento pasa por más países
que la Unión Europea.
2:35PM Rocknrolla (2008)
Durante la tercera película noto un patrón: un
encanto natural, en esta cinta y en P.S. I Love
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DICIEMBRE 2018
You, el cual muestra que él podría ser un buen
comediante ligero si no estuviera tan clavado con
dispararle y gritarle a todo. Rocknrolla es rara,
un intento no completamente exitoso de Ritchie
de regresar al estilo de Lock, Stock and Two
Smoking Barrels, pero la libra por el encanto de
su elenco, incluido Butler como One Two (Uno
Dos). Una secuela es prometida al final. Estoy un
tanto decepcionado porque no la han hecho.
seguramente creció en Escocia (por el acento,
obvio), y él es lo único que se interpone entre
unos terroristas y la destrucción del mundo
libre. O algo así. La política del filme no aguanta
el escrutinio, pero tiene una parte en la que
Gerry le parte la cabeza a alguien con un busto
de Lincoln y dice la única frase grandiosa de su
carrera: “Vamos a jugar el juego de ‘Vete a la
Mierda’. Tú empiezas”. Ésta podría ser la mejor
película jamás realizada.
5:00PM Coriolanus (2011)
Esta cinta es la que se sale del redil. Gerry vs El
Bardo. En la inteligente y sangrienta adaptación
de Ralph Fiennes de una de las obras menos
conocidas de Shakespeare, Butler se enfrenta
de manera gloriosa contra el homónimo
antihéroe de Fiennes, y refuerza mi teoría de que
es un actor genuinamente bueno e interesante
bajo todos esos gruñidos y gestos, aunque no
puedo evitar pensar que aceptó el filme porque
al escuchar el título pensó que era una comedia
sobre el trasero de alguien.
7:30PM Olympus Has Fallen (2013)
A cinco películas mis ojos ya están vidriosos.
Lo que necesito es algo de megaviolencia ridícula
para despertar. Y entonces llega Die Hard de
Antoine Fuqua en la Casa Blanca, donde Gerry
interpreta a un agente del Servicio Secreto que
10:00PM Geostorm (2017)
No, ésta es la mejor película jamás realizada.
Reseñé esta gloriosa cinta de acción
meteorológica cuando se estrenó y le di dos
estrellas. Lo sostengo —es objetivamente mala
y en absoluto estúpida— pero también quiero
darle cinco estrellas sólo por la parte donde el
científico estadounidense interpretado por
Gerry, quien por su acento debe haber pasado
años recorriendo Escocia, le manda un
enrevesado videomensaje a su hermano.
Cada segundo es un sinsentido y, no obstante,
pocas estrellas podrían venderte ese absurdo
como Gerry. Espero que Butler continúe
haciéndolo durante años.
GEOSTORM ESTÁ DISPONIBLE EN DVD,
BLU-RAY Y DESCARGA.
РЕЛИЗ ПОДГОТОВИЛА ГРУППА "What's News" VK.COM/WSNWS
Circuito de Cortos
Hotel Chevalier
(2007)
POR CÉSAR HERNÁNDEZ
PRODUCTOR Alice Bamford
DIRECTOR Wes Anderson
GUION Wes Anderson
ELENCO Natalie Portman,
Jason Schwartzman
MIS
ENTREVISTAS
NAVIDADES CON PETER JACKSON
DURACIÓN 13 minutos
ROMÁNTICO, MELANCÓLICO, triste, sensual
y cruel es el encuentro entre Jack Whitman
y su novia. Los complicados amantes han
estado separados un tiempo y él lleva, según,
más de un mes quedándose solo en esa
habitación en París, en el Hotel Chevalier.
Ella no debía saber dónde estaba el galán,
pero llegó a visitarlo sin avisar para decirle
las peores cosas, medio besuquearse
enérgicamente y al final contemplar
su espectacular vista de la ciudad.
Este corto es el preludio a la fabulosa
historia The Darjeeling Limited, en la que
el personaje de Jack es hermano de Adrian
Brody y Owen Wilson, quienes viajan
por la India en busca de su madre.
El corto es la parte uno de esta historia, pero
al parecer nadie de la producción sabía de su
existencia hasta que Darjeeling Limited quedó
lista. Desconocemos si en algún país sucedió
esto, pero estaba diseñado para exhibirse
antes de la película, aunque muchos
lo conocimos hasta que salió el DVD.
Lo más bonito de esta pequeña pieza,
además del famoso lenguaje visual de
Anderson y Natalie Portman desnuda
por primera vez en su carrera (aunque se
arrepintió de inmediato), es el lenguaje entre
los amantes; justo la dinámica entre ellos
hace todo el corto: La típica “Pase lo que
pase, no quiero perderte como amigo”
obtiene la sentida respuesta de Jack
“Te prometo que nunca seré tu amigo.
Sin importar lo que pase. Nunca”.
Estos diálogos hacen grande al corto:
“Si cogemos, me voy a sentir una mierda
mañana”, y una vez más Jack responde
ardido: “Eso está OK para mí”.
Nuestro corresponsal en LA
recuerda sus mejores charlas
con cineastas y actores.
POR MARIO P. SZÉKELY
POR MUCHOS AÑOS la Navidad para mí
fue sinónimo de Peter Jackson. Era diciembre
de 2001 cuando, en medio de un Londres
blanco y congelado, se celebraría la premiere
de The Lord of the Rings: Fellowship of the Ring,
y en su suite del hotel el cineasta aguardaba
a ser entrevistado, sentado en bermudas y
descalzo. No había duda, estaba ante la versión
más cercana de un hobbit.
Tres meses después, Jackson llegaba
también de pantalón corto a Los Ángeles,
cruzándome con él saliendo del Departamento
de Migración. El brillo de sus ojos lo colocaba
en el sentimiento de un chico que estaba
tramando robar un botín, y en ese año era
intentar llevarse el Oscar a la Mejor película.
No había duda, el cine tenía a su nuevo Steven
Spielberg y George Lucas, reclamando el sitio
de relevancia que debería tener la fantasía.
Cuando la temporada de Navidad llegó en
2002, Jackson trajo al frío de París su magia.
La premiere de The Two Towers sucedió
teniendo de centinela a la Torre Eiffel; a metros
de la Cinemateque, donde el fuego
de la nueva ola francesa inspiró al mundo con
su rebeldía. Esa misma osadía la portaba
Jackson cuando hizo mancuerna con su
hermano de armas Andy Serkis al llevarlo
a personificar al tridimensional Gollum,
portento del performance capture y metáfora
de cómo la avaricia conduce a la corrupción,
dentro de su fábula ambientalista, y ejemplo de
que la diversidad es la única manera de salvar a
la Tierra Media y a nosotros mismos, sobre
todo en la era post 9/11.
“Cuando tenía 12 años hice mi primer
modelo de King Kong usando el abrigo de mi
madre para animar la figura cuadro por cuadro
con mi cámara de Super 8”, me dijo Jackson en
2005, en otro frío y nevado Nueva York. Ahí
hablamos de su obsesión por darle vida al
habitante de Skull Island y permitirle una vez
más escalar el Empire State desde que
estremeciera la pantalla en 1933 y en 1976.
En esa presentación a la prensa del King
Kong de Jackson, la sonrisa de haberse salido
con la suya era inminente para el cineasta
barbón. Su película del gorila gigante era el
premio por haber hecho de The Lord of the
Rings un fenómeno mundial y un depósito
de premios Oscar.
“Cada cineasta debe ser obsesivo. No hay
manera de hacer una película que te requiera
tres años de tu vida si no estás apasionado
hasta el último detalle por tu proyecto. En el
caso de Kong, quiero pensar que yo no hubiera
llegado al extremo como el personaje del
director de cine Carl Denham (Jack Black) de
arrancar al gorila de su hábitat para llevárselo
a Nueva York”, dijo Jackson, agregando que en
King Kong tuvo de inspiración la locura de
Orson Welles (Citizen Kane) cuando empujaba
a su equipo de artistas a rebasar sus límites.
Vinieron varias entrevistas después con
Peter, justo cuando se volvió el ojo del huracán
que atrajo a colegas como el propio Spielberg y
Guillermo del Toro; pero aunque las canas
poblaron la barba de Jackson, como esa nieve
de sus primeras cintas épicas, la sonrisa seguía
ahí, cómplice de una imaginación que sabe que
su dueño le da vida en el cine.
“Veo a jóvenes con teléfonos y cámara en
mano que graban sus historias, forjando la
nueva cultura pop. Todos ellos desafían y
operan fuera de Hollywood y eso me emociona
mucho. ¡No puedo esperar a ver sus trabajos!”,
me dijo Jackson un día en San Diego, lejos del
frío y con ese gesto de que al menor descuido
una nueva travesura fílmica sucederá pronto.
DICIEMBRE 2018
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РЕЛИЗ ПОДГОТОВИЛА ГРУППА "What's News" VK.COM/WSNWS
ALERTA:
SPOILERS
LA ÚLTIMA ESCENA
INSIDELLEWYNDAVIS
Un desarrollo y un final que
te seguirán de por vida.
POR ANAID RAMÍREZ
LOS HERMANOS COEN son expertos narradores de historias,
y no menos talentosos para concluir sus relatos llevándose nuestras
emociones entre las patas, desde la intriga más angustiante hasta
la melancolía más penetrante. Inside Llewyn Davis, de 2013, pertenece
al último grupo.
La cinta protagonizada por Oscar Isaac es una oda a los buscadores de
sueños que nunca llegan a ellos —a los perdedores, pues—. Isaac es Llewyn,
un músico de folk que busca una oportunidad en solitario luego de que su
compañero de dueto, Mike, se suicidara, pero la escena musical neoyorkina
de inicios de los 60 es tan complicada como el invierno en esa ciudad.
Por eso es que los Coen nos muestran, por un lado, una serie de guiños
a los artistas de aquella época: desde Bob Dylan, pasando por Tom Paxton,
hasta Dave Van Ronk, quien sirviera de inspiración para algunas
características de Llewyn y cuyo álbum Inside Dave Van Ronk fuera
referencia para el nombre de este filme y para la portada del único disco
como solista del protagonista de la película.
130
DICIEMBRE 2018
Por otro lado, en cuanto al inminente fracaso de Llewyn, el par de
directores insisten en evidenciarlo en cada momento posible; a veces por
decisión, otras por destino, pero nuestro antihéroe siempre da salidas en
falso en su carrera rumbo a la culminación de sus anhelos.
En el trayecto del joven Davis todo son pedradas, caídas y cachetadas
—algunas veces literalmente, cortesía de Jean (Carey Mulligan)—: viajes
por carretera con compañías ríspidas, como el músico de jazz Roland
Turner (John Goodman); desplantes llenos de altanería protagonizados
por su amante de ocasión, la propia Jean; patadas de ahogado para no
fundirse en el infortunio, al pagar para unirse a un trabajo en la Marina
que no desea; mensajes claros que esperan ser descifrados, como el “¿Qué
estás haciendo?” en un baño público y el póster de The Incredible Journey
con su slogan “Un fantástico drama de la vida real”.
Siete días en la vida vagabunda del personaje de Isaac son suficientes
para transmitirnos esa frustración y la decepción de uno mismo, sin
necesidad de llevarnos por escenas melodramáticas. Los cineastas más bien
РЕЛИЗ ПОДГОТОВИЛА ГРУППА "What's News" VK.COM/WSNWS
lo consiguen al retratar una cotidianidad mundana, sin victimizar ni
enaltecer al sujeto en cuestión, de hecho le sacan provecho a su cinismo;
lo mismo se apoyan de metáforas visuales que van desde el gato de
compañía, hasta la iluminación de la fotografía.
Puedes no tener vocación de músico o de vagabundo, o desconocer
lo que es tener que pasar la noche en el vagón de un tren, cambiar de
domicilio a diario y resistir al frío sólo con un saco de pana, pero
definitivamente llega el momento —sobre todo si sabes de fracasos—
en el que te identificas con este peculiar personaje.
La escena de apertura de Inside Llewyn Davis es un “spoiler” de los
Coen sobre el final de su historia, pues la secuencia inicial se repite antes
de que los créditos aparezcan, aunque cobra otro sentido cuando volvemos
a ver ese momento: ¿La estructura de la cinta es la forma de decirnos que el
destino del músico es caer siempre en lo mismo? ¿Todo es un ciclo de
fracaso imposible de detener? ¿La vida de Llewyn es un callejón sin salida,
como donde se encuentra el personaje en esa última escena?
Para el protagonista, luchar por sus sueños ha sido tan doloroso
como la paliza que le tunde un desconocido al salir del bar donde acaba
de terminar su presentación —“Eso es todo lo que tengo”, dice Llewyn al
despedirse de su audiencia—. Posiblemente la golpiza sea una metáfora de
que nuestro artista está pisando fondo y debe buscar la superficie de ese
pozo de decepción. Tal vez esté por hacerlo.
Como puede, Llewyn camina para salir del callejón con la mano
en el estómago y encorvado por el dolor. Al llegar a la esquina, se desliza por
la pared hasta sentarse en el piso, desde donde ve a su agresor subirse
a un taxi y le dedica un “Au revoir!”.
Para no sentirnos desolados por lo hundido que nuestro protagonista
está en el fracaso, podemos interpretar ese adiós como la manera en la que
el músico consigue despedirse de sus fracasos. Cruzamos los dedos para
que así sea y mañana no despierte de nuevo en el sofá de un amigo.
INSIDE LLEWYN DAVIS ESTÁ DISPONIBLE EN DVD Y BLU-RAY.
DICIEMBRE 2018
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РЕЛИЗ ПОДГОТОВИЛА ГРУППА "What's News" VK.COM/WSNWS
EN ESTA PRIMERA SESIÓN DE
TESIS Rafael Montero, director de Cilantro
TESIS
RAFAEL MONTERO
Cada mes EMPIRE te brinda una clase express
de apreciación cinematográfica para que veas
las películas con los ojos aún más abiertos.
POR CÉSAR HÉRNANDEZ
132
DICIEMBRE 2018
y perejil, Rumbos paralelos y Lady rancho
—próxima a estrenarse— nos explica detalles
técnicos de su manera de dirigir, aspectos que
puedes observar en sus películas pero también
en las de otros cineastas. ¿Listo para la clase?
‘‘Una parte importante para mí es la
puesta en escena y la puesta en cámara. Para
hacer una película que tenga muy buen ritmo
y avance de modo armonioso, tú tienes que partir
de un diseño de puesta en cámara y puesta en
escena muy específico.
‘‘Para filmar de manera convencional tienes
que grabar desde diferentes ángulos y repetir
mucho las situaciones.
“Para mí, la forma que he elegido es hacer
varios ‘masters’, que son como plano-secuencias
pero desde diferentes ángulos. En el momento de
montar la escena maestra, ya decides de qué
manera vas a hacer las otras, para que cuando
edites tengas puntos de vista desde todos los
diferentes ángulos o lugares.
“Entonces, llego al set y hago la puesta en
escena general. No empiezo de inmediato con
la cámara. Hasta que no funciona bien todo
el movimiento actoral no encendemos la cámara.
“Esta manera de filmar me ha funcionado
muy bien. Por ejemplo, en Rumbos paralelos
РЕЛИЗ ПОДГОТОВИЛА ГРУППА "What's News" VK.COM/WSNWS
EL PÓDIUM
Con base en los resultados
de taquilla al cierre de esta edición,
EMPIRE asigna medallas de oro,
plata y bronce a las cintas
que has visto últimamente.
1º VENOM
Un día cualquiera
en el súper, con
cámaras y
reflectores / Es
agotador estar en
filmación /
¿Quién no
recuerda a
Susana (Arcelia
Ramírez) y Carlos
(Demián Bichir)
de Cilantro y
perejil?
utilicé este método, pero en otro sentido, porque
como es un drama lleva otros recursos. Pero sí es
una parte importantísima porque si tú no
consigues transmitirle al espectador vía
las tomas y el tamaño de los encuadres, y si ves
al actor muy cerca o muy lejos o a una distancia
intermedia, puede perder efectividad la
narrativa dramática; por ejemplo si el actor está
llorando y lo estás viendo muy distante
o demasiado próximo a la cámara.
“Por ese lado, esa es una cuestión que he
llegado a dominar y con la que me siento muy
a gusto, porque surge de manera muy natural
y la filmación fluye muy a gusto, como en Lady
Rancho, que no hubo problemas en la filmación
o que de pronto nos súper colgáramos porque no
salían las cosas bien.
“No fue el caso porque todo lo trazo desde
los ensayos y tuvimos la posibilidad de hacer
algunas pruebas en el rancho gracias a que estaba
muy cerquita, en Topilejo. Así que pudimos
ensayar ahí, lo cual fue padrísimo tanto para los
actores como para mí”.
La (no) importancia de llamarse storyboard
“No me apoyo de ellos, más bien utilizo
plantillas, que me han servido toda la vida.
Siento que el storyboard tiene un uso más
bien comercial, en el que tienes que vender
un producto con una definición muy precisa
de los lugares en los que quieres ver el producto
o el modelo, etcétera. El cine tiene que ser más
orgánico, no puedes restringirte a un cuadro.
¿Cómo parto yo de la puesta en escena? Primero
monto la secuencia y después la cámara, y para
usar storyboards necesitaría primero montar la
cámara. Cuando filmas al revés, porque quieres
repetir tus cuadritos del storyboard, se vuelve un
caos y nunca terminas’’.
CILANTRO Y PEREJIL ESTÁ DISPONIBLE
456.6 MILLONES DE PESOS
EN MÉXICO
469.9 MILLONES DE
DÓLARES EN EL MUNDO
¿No que no tronaban, pistolitas? Pese
a que la balanza de comentarios sobre
Venom se inclinó por el lado negativo,
la cinta protagonizada por Tom Hardy
ya lleva seis semanas en la cartelera
mexicana y se mantiene en el top 10
del box office nacional, aunque ya va
de salida... El dinero recaudado en el
mundo le ha permitido colocarse como
la película de mejor taquilla del otoño,
al menos en Estados Unidos.
2º HALLOWEEN
237.4 MILLONES DE PESOS
EN MÉXICO
245.2 MILLONES DE
DÓLARES EN EL MUNDO
Aunque en cualquier momento puede
rebasarla Bohemian Rhapsody,
Halloween defiende su segundo lugar
en nuestro pódium. Con cuatro
semanas en cartelera, unos 132 mil
mexicanos han respondido al grito
de Laurie Strode, lo que provoca que
México sea el segundo territorio que
más ganancias ha generado para esta
producción que costó alrededor
de 10 millones de dólares.
3º BOHEMIAN
RHAPSODY
237.3 MILLONES DE PESOS
EN MÉXICO
286.3 MILLONES DE DÓLARES
EN EL MUNDO
A dos semanas de su estreno,
Bohemian Rhapsody se mantiene en
el primer sitio del conteo nacional y,
por los millones que lleva de ventaja,
no parece que pronto alguien le quite el
trono a la reina. Tal vez no te sorprenda,
pero resulta que los ingleses son
los segundos que más han aportado
a la taquilla mundial de esta biopic.
EN DVD Y EN FILMINLATINO.
DICIEMBRE 2018
133
Krampus
Disponible en Netflix y DVD.
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Porque es una divertida y oscura manera de descansar
de la melosidad de esta temporada.
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Tras una pésima Navidad, Max por accidente invoca
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DICIEMBRE 2018
134
Una fusión entre Trick’r Treat, Gremlins
y tu cena familiar navideña.
Es cuestión de gustos, pero
aquí tienes garantía. Los
editores de EMPIRE te abren
sus favoritas del mes y te
dan sus razones. ¿Les das play?
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РЕЛИЗ ПОДГОТОВИЛА ГРУППА "What's News" VK.COM/WSNWS
ANAID RAMÍREZ
A la guerra entre Howard (David Koechner) y las galletas de jengibre.
Nada que ver con los botones de gomita de Shrek, pero te vas a divertir.
РЕЛИЗ ПОДГОТОВИЛА ГРУППА "What's News" VK.COM/WSNWS
PLAY IT AGAIN
SCOTT PILGRIM
VS THE WORLD
(2010)
EMPIRE presenta: No hace
falta guion si tienes un buen
soundtrack.
POR CÉSAR HERNÁNDEZ
EN LOS 90 Beck Hanson se mudó
del movimiento antifolk neoyorkino a
una escena más ecléctica en Los Ángeles,
donde dio inicio a su carrera. Ésta cambió
de manera radical cuando en el 2000
terminó su relación de nueve años con
Leigh Limon y se hundió en una profunda
melancolía con la que, para fortuna de
todos, engendró el más triste e
instrospectivo disco de su carrera y uno
de los mejores, Sea Change. Para hacerlo
recurrió —a quién más— a Nigel Godrich,
ni más ni menos que el eterno productor
de Radiohead, o sea, nada muy triste, sólo
infeliz y patético.
El genio director inglés Edgar Wright
tomó en 2010 el cómic canadiense Scott
Pilgrim y realizó una obra de arte
impresionantemente apegada al material
original, entretenida, divertida,
conmovedora y perfecta. Buena parte del
éxito de la película se debió a su
soundtrack, producido, sí, por Nigel
Godrich, con la presencia primordial,
sí, de Beck.
El soundtrack es todo lo que
esperarías de estos dos genios que en
primera instancia se dieron a la tarea de
crear la música de Sex Bob-Omb, el grupo
en el que Scott Pilgrim es bajista, con la
consigna, por parte de Bryan Lee
O’Malley, creador del cómic, de proponer
algo que sonara a Metric.
No sólo es la música de Sex Bob-Omb
la que hace de la Scott Pilgrim vs The
World algo súper especial, sino la
participación de Frank Black (vocalista de
The Pixies), los mismos Metric, Blod Red
Shoes, Broken Social Scene y hasta los
Rolling Stones.
Sin duda las joyas de este soundtrack
son ‘‘We are Sex Bob-Omb’’, ‘‘It’s Getting
Bored by the Sea’’, ‘‘Black Sheep’’ y
‘‘Ramona’’.
SCOTT PILGRIM VS THE WORLD ESTÁ EN DVD
¿A poco no te gustaría
ir a un concierto de los
Sex Bob-Omb?
TRACKLIST
1. We Are Sex Bob-Omb, Sex Bob-Omb
2. Scott Pilgrim, Plumtree
3. I Heard Ramona Sing, Frank Black
4. By Your Side, Beachwood Sparks
5. O Katrina!, Black Lips
6. I Am So Sad, I Am So Very Very Sad,
Crash and the Boys
7. We Hate you, Please Die, Crash and
the Boys
8. Garbage Truck, Sex Bob-Omb
9. Teenage Dream, T. Rex
10. Sleazy Bed Track, The Bluetones
11. It's Getting Boring by the Sea, Blood
Red Shoes
12. Black Sheep, Metric
13. Threshold, Sex Bob-Omb
14. Anthems for a Seventeen Year-Old
Girl, Broken Social Scene
15. Under my Thumb, The Rolling Stones
17. Ramona, Beck
18. Summertime, Sex Bob-Omb
19. Threshold (8 Bit), Brian LeBarton
Y BLU-RAY; EL SOUNDTRACK ESTÁ EN LP Y CD.
DICIEMBRE 2018
135
РЕЛИЗ ПОДГОТОВИЛА ГРУППА "What's News" VK.COM/WSNWS
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EMPIRE le pide cada mes a una figura del cine,
la sociedad o la cultura que enliste sus cinco cintas,
series, juegos, cómics o soundtracks predilectos.
De ahí, EMPIRE emite un diagnóstico de la salud
del pacientito.
POR CÉSAR HERNÁNDEZ
TWIN PEAKS (1990, 1991, 2017)
RICK & MORTY (2013, 2017)
INAPROPIADA SERIE creada por Dan
Harmon y Justin Rolland, quien además
hace las voces de los protagonistas, un
abuelo psicótico y borracho además
de súper científico loco con un peligroso
conocimiento del universo y de casi todas las
dimensiones, que siempre embarca a su nieto
en aventuras aluci
ucinant
antes.
ESTA EXTRAORDINARIA y extraña serie de
misterio y crimen casi noir (sus colores no la
definen) proviene de la torcida mente de Mark
Frost y del enfermo corazón de David Lynch.
De esas obras que no se soportan en un
medio, pero que pasan de inmediato al culto
voraz, tuvo un revival en el 2017 gracias a
Netflix pero ya con Lynch solo trayendo a la
vida a los personajes desquiciados que todos
amamos en ese pueblo de pesadilla.
AGGRETSUKO (2018)
¿QUÉ MEJOR PARA SACAR las
frustraciones de la vida moderna que cantar
Death Metal? Aggretsuko es un anime acerca
de un panda rojo godín llamado Retsuco
cuyo día a día no es diferente del tuyo sólo
que ella (sí, es una chica) saca todo su coraje
lanzándose a su karaoke de confianza para
gritonear canciones de Death Metal.
HOUSE OF CARDS (2013, 2018)
CREADA POR BEAU WILLIMON, una serie
que revolucionó las series, desde su trama
viciosa y realista acerca de un congresista
norteamericano sin escrúpulos y su esposa,
una especie de Lady Macbeth moderna,
lidiando con todo lo podrido de la política del
país del norte, su odio, traiciones y drama.
Kevin Spacey, uno de los mejores actores de
su generación, quien encarnó a Francis
Underwood y también protagonizara una de
las más estrepitosas caídas profesionales
producto del movimiento Me Too, dejó a la
espléndida Robin Wright al frente de la última
temporada de la serie que puso a Netflix en el
mapa con sus producciones originales.
136
DICIEMBRE 2018
BLACK MIRROR (2001, 2018)
DE LO MÁS FASCINANTE que se ha
creado en la televisión en los últimos tiempos,
es una especie de Twilight Zone pero con
frontales moralejas acerca de la relación
enferma que hemos desarrollado con la
tecnología. Tiene el estilo de Ray Bradbury
donde una historia simple contiene una
profundidad universal en la que se cuestiona
la propia naturaleza humana con base en el
futuro de la ciencia y la tecnología. Además
los valores de producción de esta serie se
han mantenido a lo largo de las temporadas.
DIAGNÓSTICO Tessa
presenta gustos variados pero
con tendencia a lo moderno;
se encuentra al tanto de lo que mueve
a su generación pero es capaz
de apreciar un thriller o una buena
trama política. Sin embargo, le mueve
más la vertiginosa y desquiciante
animación moderna, algo más
cercano a su carácter.
РЕЛИЗ ПОДГОТОВИЛА ГРУППА "What's News" VK.COM/WSNWS
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Mientras EMPIRE en español cumplirá dos años en el 2019, nuestra mamá
(hot y más cool que nunca) cumple 30 el año próximo y además de que todo el año será
súper cinematográfico y espectacular, empiezan el año con el pie derecho y ya presumen su portada exclusiva
y extra especial para suscriptores diseñada por Supertotto.
En ella EMPIRE celebra por su escalada al tercer piso a los 30 cineastas más influyentes de las tres últimas décadas,
desde los más taquilleros hasta los más profundos e íntimos, todos aparecen en la portada en forma de pixel art.
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